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Frank Turner – “Positive Songs For Negative People”

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Zugegeben, als selbsternannter Frank Turner-Fanboy fällt es nicht immer leicht, objektive Rezensionen über den 33-jährigen zu schreiben. Zu oft verfällt man in Lobeshymnen und Floskeln, die im Nachhinein eher einem Heiratsantrag als einer CD-Review ähneln. Glücklicherweise ist bei Turners sechstem Album “Positive Songs for Negative People” keinerlei Gefühlsduselei notwendig. Zu viele Lieder über Verflossene? Zu wenig E-Gitarre? Zu viele Balladen oder sentimentale Experimente à la Broken Piano, wie beim letzten Album? Fehlanzeige!

Der Brite setzt auf Gradlinigkeit, sodass man – vorweg gesagt – das Album ohne Probleme durchhören kann, ohne einmal zu einen Song zu skippen zu müssen. Nach dem eher monotonen Opener The Angel Islington, zeigt Get Better, was bei dem Album, neben der Motivation sich stetig selber zu verbessern, im Mittelpunkt stehen soll – die verdammte E-Gitarre!  The Next Storm steht dem in Nichts nach: Das schwungvolle Piano-Intro und simple E-Riffs schreien einem in bester Folk-Punk Manier entgegen: Verbessere dich, stell dich deinen Herausforderungen und zieh bei ein bisschen Gegenwind nicht deinen imaginären Schwanz ein! Beim druckvollen Glorious You ist man sich der Ernsthaftigkeit des Songs nicht sicher. Zum Midtempo und einem herrlichen Faustindieluftstreck-Refrain singt Turner:

I can see you hurting beneath your new red dress
Beneath your sharp new shoes and your new tattoos you are directionless

Kritik am momentanen Blankzieh-Lifestyl, wie es Jennifer Rostock vorleben oder aufrichtiges Mitleid gegenüber denjenigen, die im Alltag verloren wirken und sich versuchen anzupassen? Das wird im nächsten Interview herauszufinden sein.

Ab der zweiten Hälfte fängt das Album ein wenig an zu plätschern. Songs wie Out of Breath oder Love Forty Down sind sicherlich solide Songs, aber kein Muss für eine Top 20 Wunschsetlist. Track Nummer zwölf, die einzige richtige Ballade lässt einen dann doch Pipi in die Augen steigen: Song For Josh ist ein Live-Tribut an Josh Burdett, ein beliebter Security des “9:30 Club” in Washington, D.C., der sich am 1. September 2013 das Leben nahm. Für viele Musiker war Josh ein sehr guter Freund und Bekannter, umso heftiger traf sie es, als sie die Nachricht von seinem Ableben erfuhren.

Abgesehen von dieser einen Ausnahme ist “Positive Songs for Negative People” so geradlinig, wie ein Horizont zu dem man schaut, wenn die Melancholie einen überkommt und man sich fragt: Was will ich noch in meinem Leben erreichen? Was hätte ich im Nachhinein besser machen können? Soll ich es nochmal mit der verflossenen Liebschaft probieren oder nicht? Auf diese Fragen bedarf es keiner Antwort, sondern nur drei Anweisungen: Mund abwischen! Weitermachen! Besser werden!

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Chuck Ragan – “Live At Skaters Palace” / Wie gut will der denn noch werden?!

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Das Schöne an einem Live-Album sind die einzigartigen Momente, die bei einem Konzert eingefangen werden: Ungeschnitten, unberührt und so echt und authentisch wie das wahre Leben. Diese Momente kann man zwischen abwechselnden Gesängen von Künstler und Publikum, humorvolle Ansagen und auch musikalischen Variationen finden. Solche Situationen, ungeschönt und mit Ecken und Kanten, machen die großen Live-Platten aus.

Ein schönes Beispiel sind Johnny Cashs aufgenommene Konzerte in San Quentin und Folsom Prison: Erinnern wir uns kurz an die frenetischen Jubelschreie der Insassen bei den Worten „San Quentin, may you rot and burn in hell” oder als er einen Song, geschrieben von einem Gefängnisinsassen, spielte, der im Publikum anwesend war.

Was nun zum wiederholten Male aus den Boxen dröhnt, ist zwar schwer vergleichbar mit dem alten Lehrmeister Cash, zumal Chuck Ragan, alias „the nicest guy in punkrock”, vor einem verhältnismäßig normalen Publikum spielt. Dennoch brüllt er auf “Live At Skaters Palace” dem Münsteraner Publikum mit so viel Inbrunst und Leidenschaft seine Lebensweisheiten entgegen, als wollte er das Album unsterblich machen.

Jubelrufe ertönen aus den Boxen als er, samt seiner Gefolgsleute die Bühne die heilige Skatehalle betritt. „It’s always a pleasure to be back in Munster” ertönt es vom Mann mit der Reibeisenstimme. Bereits bei den ersten Akkorden von „For Goodness Sake”, gefolgt von „It’s What You Will” ist das Publikum dabei. Mit „Bedroll Lullaby” verirrt sich sogar ein Song seines neuen Albums „Till Midnight” in die Setlist. Für unnachahmbare Gänsehautmomente sorgt vor allem „Nothing Left To Prove”, wo sich das Publikum und Mr. Ragan gegenseitig „Say what you want, I don’t mind” – Sprechchöre um die Ohren hauen. Nach der ersten Hälfte des Konzerts ist der Fall eindeutig: Genau so und nicht anders muss ein Live-Album klingen. Intensität, Atmosphäre, starke und authentische Ansagen und eine gute Songauswahl – alles mit von der Partie.

Ein weiteres Musikerlebnis, ist der Hot Water Music-Song „Drag My Body”, in dem Ragan ein weiteres Mal mit seiner Stimme, die einer Dampfwalze gleicht, das Publikum plättet. „For Broken Ears” beendet das Mainset, aber nicht diese Situationen, von denen man denkt: „Verdammt, warum bist du nicht dort dabei gewesen?”. „Meet You In The Middle”, „The Boat” und „California Burritos” sichern dem Album die volle Punktzahl.

Dass es lediglich eine limitierte Auflage dieses Live-Albums gibt, ist eine wahre Schande, für die man fast wieder einen Punkt aus Protest abziehen müsste. Schon jetzt legt Chuck Ragan die Messlatte für die nächsten Live-Alben des Jahres eigentlich uneinholbar hoch.

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Filthy Boy Smile Won t Go Down

Erotische Fantasien prägen das Debütalbum von Filthy Boy “Smile Won’t Go Down”

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Mit dem Support der Band Palma Violets Anfang des Jahres begann der eigentliche Medienrummel um die vierköpfige Gitarrenband Filthy Boy aus dem Süden Londons. Die englische Musikpresse u.a. NME, Clash und The Fly berichteten bereits alle über diese extravagante neue Band, das Musikmagazin Q bezeichnete sie sogar als die “Indie-Feingeister mit dem Hang zum Skandalösen und Schmutzigen”.

Was die junge Band um die Brüder Paraic (Gesang) und Michael (Bass) mit dem berühmten Nachnamen Morrissey in ihrem allerersten Album “Smile Won’t Go Down” abliefern strotzt nur so vor Lust und Begierde. Das Cover sagt im Prinzip schon alles: ein lüstern dreinblickender Ken beugt sich über eine entblößte, hingebungsvolle Barbie. Der gerade erst einmal 20-jährige Frontmann erweist sich auf dem Debüt als gekonnter Erzähler, jeder einzelne der elf Songs erzählt eine kleine Geschichte, die mal frech, mal romantisch, und auf der anderen Seite jedoch fast schamlos ungeniert eine äußerst prekäre Stimmung verbreitet. Durch den beachtlichen Bariton-Gesang Morriseys wird dieses Empfinden dann noch weiter verstärkt. Thematisch geht es vor allem um SM, Voyeurismus, Vergewaltigung und Sex-Parties. So handelt “Biggest Fan Ever” von einem vernarrten Fan, der sein Idol kidnappt und an ihm seine sexuellen Fantasien auslebt, bis die Polizei den Kidnapper erwischt und mit einer Kugel dem Treiben ein Ende bereitet. Auch der Song “Waiting On The Doorstep” ist nicht minder fantasievoll, in welchem der Protagonist mit ansieht, wie sich seine große Liebe mit allerhand anderen Männern vergnügt während er draußen vor der Tür wartet und nur davon träumt, mit ihr irgendwann allein zu sein oder wenigstens dem Treiben beiwohnen zu können.

Stilistisch bewegt sich Filthy Boy zwischen Indie und Garagenrock, eine Mischung die sich zum einen nach einer bösen Version von Franz Ferdinand anhört, gesanglich schießen einem sofort Parallelen zu FFs Alex Kapranos in den Kopf, und in der zum anderen gerade in den vorwiegend düsteren Songs eine gute Portion Nick Cave spürbar wird. Trotz aller Schwere der Themen ist Filthy Boys Musik mitreißend und läd durchweg zum Tanzen ein. Es ist gut vorstellbar, dass Filthy Boys Songs schon bald die Tanzflächen der Indieclubs füllen werden. Das Debüt der talentierten Briten ist jedenfalls absolut gelungen und es wir sind gespannt, wie sich der zukünftige Weg der Band weiterentwickeln wird.

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Und hier gibt es mit “Waiting On The Doorstep” einen kleinen Vorgeschmack!

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Dieser Artikel ist in Zusammenarbeit mit Christian Steinberg entstanden.

samaris

Samaris – Islandtrend für Fortgeschrittene

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Island ist generell bekannt für gute Musik: Sigur Rós, Mugison, Björk, Ólafur Arnalds, FM Belfast sind nur ein paar Beispiele. Noch mehr musikalische und mediale Aufmerksamkeit bekam die Insel in der letzten Zeit mit den Erfolgen von Of Monsters and Men und Emiliana Torrini. Samaris ist nun eine junge Band, die nicht ganz dazu gehören will. Zum einen singen sie nicht englisch, sondern es bleibt bei Isländisch – das ist nicht einfach zu vermitteln. Und schon gar nicht chartstauglich.

Erst 2011 hat sich die Band in Reykjavik gegründet, dort aber bis heute zwei große Musik-Awards gewonnen. Auf ihrem selbst betitelten Debutalbum bringen Kári Steinþórsson (Beats), Áslaug Rún Magnúsdóttis (Klarinette) und Jófríður Ákadóttir (Gesang) nun ihre beiden EPs “Hljóma þú” und “Stofnar falla” zusammen. Klare elektronische Klänge mischen sie hier mit zarten Klarinettenklängen. Das klingt modern und mythisch zugleich, ist aber auch nicht das erste Mal, dass Trip-Hop-Beats mit Klassik gemischt werden. Alle Texte von Samaris stammen aus isländischen Sagen, Mythen und Gedichten aus dem neunzehnten Jahrhundert. Und auch wenn der Durchschnittshörer vom Festland natürlich kein Wort versteht, schwingt es doch ein wenig in der Musik mit.

Irgendwann sind die Klanggebilde gar keine klassischen Songs mehr, sie finden aber überraschend gut zusammen. Besonders wegen der für unsere Ohren aber sehr ungewöhnlichen Sprache, muss man sich erst in das Album hineinhören. Da gibt es nichts, das den Hörer anspringt und festhält. Es ist Musik, die entdeckt werden möchte, und daher eher für Fans der isländischen Musikszene oder allen, denen es nicht wichtig ist, Texte zu verstehen. Leider stören die Remixe am Ende der Platte. Es wirkt eher so, als habe man damit versucht, das Album ein wenig voller zu machen.

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Lescop – Die Wiedergeburt des Cool

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“The rebirth of the cool” nennt die PR-Abteilung das Debutalbum des Franzosen Lescop, und selten haben sie so recht.
Ich kann mit französischem Pop ja eigentlich gar nichts anfangen. Bei Lescop ist das aber anders. Zum einen helfen Titelnamen wie “La nuit americaine” und “Slow Disco” dabei, gleich eine gewisse Stimmung zu definieren, zum anderen ist dieser industrial anmutende französische Pop genau das, was mir angekündigt wurde: scheißecool.

Trockene Beats und Gitarrenriffs unterstützen auf dem ganzen Album Mathieu Lescops ruhigen und präzisen Gesang. Man fühlt, das Frankreich sich da jemanden besonderen heranzieht. Eine moderne Version der 1980er, da schwebt ein bisschen New Order, ein bisschen Joy Division ganz hinten im Kopf herum.

“La forêt” ist der großartiger Einstieg in das Album. Bei ganz wunderbaren Beats möchte man gleich los tanzen. Es endet mit einem Sample aus Partygeräuschen – wir sind also gleich mitten drin in der Welt des Lescops.
Bis auf die Sprache scheint hier insgesamt wenig französisch zu sein. Seine kleine Weltreise auf der Platte führt Lescop von “Ljubljana” über “Los Angeles” und “Tokio, la nuit” zurück nach “Paris S’Endort”. Die Sound und die Melodien sind international.
“Los Angeles” ist weniger Elektro als schon ein fertiges Stück Soundtrack für eine leichte Indie-Romanze, “La Mal mon Age” ein sinnliches Duett mit Dorothée de Koon, “Tokio, la nuit” fast eine kleine Hymne, und “Un reve” bekomme ich stundenlang nicht mehr aus dem Kopf.

Mathieu Lescops Label heißt Pop Noir. Schon der Name weckt Assoziationen zum Film Noir, der französischen Nouvelle Vague, “Außer Atem”… und die hatten auch alle eins gemeinsam. Sie waren verdammt cool.

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Eine Band untermauert ihren Kultstatus!

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Was am neuen Alice In Chains-Album wortwörtlich als erstes ins Auge sticht, ist das rote CD-Tray. Wenn sich die Augen einigermaßen von der Farbe erholt haben, erkennt man jedoch seinen Sinn. Der mumifizierte Dinosaurierkopf, der für das Cover des fünften Longplayers in der wechselvollen Geschichte des Quartetts aus Seattle Pate stand, ist nur hinter der roten Klappe als solcher zu erkennen und mit den Texten im Booklet verhält es sich ähnlich. Dabei waren Alice In Chains vor elf Jahren dem Untergang fast schon genauso geweiht wie die Riesenechsen aus der Urzeit. Nach dem Drogentod ihres grossartigen Sängers Layne Staley dauerte es bis zum Jahr 2009, ehe sich Mastermind und Gitarrist Jerry Cantrell, Drummer Sean Kinney und Bassist Mike Inez mit dem grandiosen Vergangenheitsbewältigungsalbum “Black Gives Way To Blue” sowie William DuVall als neuem Sänger zurückmeldeten. Laut Mike Inez ist “The Devil Put Dinosaurs Here” sogar “besser als der Vorgänger, weil wir endlich unbeschwert an die Sache herangehen konnten”. Na, dann hören wir doch mal rein…

Der Opener “Hollow”, gleichzeitig die erste Single, legt gleich mit den typisch vollfetten Kreissägengitarren los, ist im Chorus allerdings etwas schwach auf der Brust. Trotzdem steht DuVall dem unvergessenen Layne Staley in (fast) nichts nach. Gesanglich natürlich. Der Mann ist ein menschgewordenes Wah-Wah-Pedal. Zu “Hollow” gibt es übrigens auch ein sehenswertes Science Fiction-Video, gedreht vom preisgekrönten Regisseur Roboshobo. Das folgende “Pretty Done” hört sich an, als würde DuVall zum Klang durchdrehender Reifen singen. “Stone” klingt ganz einfach so wie es heißt: “Cold, dry… stone”. Bei der wunderbar filigranen Midtemponummer “Voices” möchte man dann nur noch leise in sein Flanellhemd weinen.

Während des Titelsongs brüllt im Hintergrund ein Urvieh und man ist endgültig zurück in jenen seligen Zeiten, als Grunge noch keine Marke sondern ein künstlerischer Ausdruck war. Mit der bombastischen Düsternis vergangener Tage schmeißt die Band vor allem in “Lab Monkey” um sich, zu dem man dennoch unwillkürlich mit allen Körperteilen wippen muss. Ich habe ohnehin nie verstanden, warum man die Musik von Alice In Chains immer in die Kategorie “Schwermütig” einsortiert hat. Ich finde sie fröhlich. “Low Ceiling” ist dafür ein weiterer Beweis, zu dem Jerry Cantrell mit einem himmelhoch jauchzenden Gitarrensolo nicht unwesentlich beiträgt. “Scalpel” hätte in seiner schlichten Schönheit perfekt in die “Jar Of Flies”-Phase der Band gepasst, wohingegen “Phantom Limb” vor Kraft strotzt und das kaum noch vorhandene Haupthaar mächtig in Wallung bringt. Dazwischen liegen mit “Breath On A Window” und “Hung On A Hook” zwei solide, aber keinesfalls überragende Rocker. “Choke” sorgt schließlich für den hymnischen Abschluß.

Alles in allem ist Alice In Chains gemeinsam mit Produzentenlegende Nick Raskulinecz ein Album gelungen, das ihren Kultstatus erneut untermauert. Wo wären wir heute ohne Meilensteine wie “Facelift” oder “Dirt”? Dabei klebte das Etikett “Grunge” eigentlich immer zu Unrecht an Jerry Cantrell & Co., weil die Band viel mehr vom Heavy Metal beeinflusst war und bis heute ist. Auch die zwölf Songs auf “The Devil Put Dinosaurs Here” enthalten wieder eine Menge der Zutaten, die Alice In Chains inzwischen so eine Art Alleinstellungsmerkmal verschaffen. Dazu gehören die bis an die Schmerzgrenze tief klingenden Gitarren oder der zweistimmige Gesang. Das ist zwar weder neu noch innovativ, aber herrlich vertraut.

The Rumour Said Fire, 24.04.2013, Molotow / Hamburg

The Rumour Said Fire stellen ihr neues Album “Dead Ends” live am 24.04.2013 im Hamburger Molotow vor

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Das dänische Quartett The Rumour Said Fire hat gerade kürzlich ihr neues Album “Dead Ends” veröffentlicht, über welches wir hier ausführlich berichteten, und schon sind sie auf ihrer Tour bei uns im Hamburger Molotow zu Gast.
Ebenfalls aus Dänemark stammt die sympathische Supportband Dad Rocks!, die das Konzert an diesem späten Mittwochabend im noch nicht vollends gefüllten Molotow eröffnen. Die doch recht junge Band um den isländischen Frontmann und Mastermind Snævar Njáll Albertsson hat das Glück, vor absolut respektvollem und zuhörendem Publikum zu beginnen, was bei vielen Konzerten ja nicht unbedingt selbstverständlich ist. Sie spielen sich mit ihren wundervollen akustischen Folk-Pop-Melodien direkt in die Herzen der Zuhörer, wobei ihre Musik erstaunlicherweise ganz ohne Drums auskommt. Sie verzaubern das Publikum mit geschmackvoll abgestimmten, sanften Harmonien mit teils sogar dreistimmigem Gesang, der durch die Begleitung der Akustikgitarre und der Geige absolut überzeugend wirkt.

Als The Rumour Said Fire gegen 22:00 Uhr die Bühne betreten, ist das Molotow inzwischen mit einem angenehm international durchmischten Publikum gut gefüllt, wenn auch nicht ganz ausverkauft. Die Band zeigt sich zu Beginn eher gesprächsarm, ob dies Schüchternheit ist oder sie einfach nur sehr konzentriert sind, werden wir dann sehen. Das Quartett startet direkt mit  “Provence III” in ihr Set, bei dem Jesper Lidang´s zarter, aber dennoch kräftiger Gesang wunderbar zur Geltung kommt. Lediglich das auf dem Album eingespielte Saxophon fehlt leider bei der Live-Performance, aber ansonsten bestätigt die heute fünfköpfige Band ihre Leistung vom Album durchweg. Im Anschluss kommt dann schon direkt mein persönlicher Ohrwurm “Voyager”, bei dem das Publikum mittlerweile langsam aus der passiv-zuhörenden Position in die aktive Bewegung kommt. Aber auch ich bin heute ein erstaunter “Zuhörer”, denn das was The Rumour Said Fire hier live performen begeistert und fesselt mich zugleich. Von ihrer Musik geht eine Faszination aus, die mir schon beim Hören von “Dead Ends” sehr positiv aufgefallen ist. Im Verlauf des Konzerts wird Frontmann Jesper dann auch etwas kommunikativer, was der relativ verhaltenen Stimmung im Raum definitiv zugute kommt.

Mich begeistern live vor allem die treibenden Songs wie “Reckless Hearts”, aber natürlich haben auch die ruhigen, eher dem Folk zugeordneten Songs wie “Sleep” sowie “Air Force” von ihrem Debütalbum “The Arrogant” ihren Reiz. Erst gegen Ende des Konzerts animiert Jesper Lidang dann endlich sein Publikum zum Mitklatschen, und selbstverständlich spielen sie schließlich auch noch das allseits beliebte “The Balcony”, welches ihnen in Dänemark mit zum Durchbruch verhalf. Sichtlich aufgetaut und entspannter als am Anfang beenden The Rumour Said Fire ihr wirklich großartiges Set gegen 23:00 Uhr mit dem recht pop-rockigen “Dead Leaves”, bei dem noch mal richtig mitgetanzt wird.

Insgesamt liefern die talentierten Dänen von The Rumour Said Fire hier ein tolles Set ab, schade nur, dass sie nicht für eine Zugabe zurück auf die Bühne kommen, denn der ein oder andere hätte sich wohl noch einen Song mehr von ihrem Debütalbum gewünscht. Dafür nehmen sich alle Musiker nach dem Konzert ausgiebig Zeit für ihre Fans, signieren fleißig am Merch-Stand und stehen allen zum kleinen Klönschnack zur Verfügung. Ich hoffe, dass wir die sympathischen Musiker bald wieder in Hamburg oder auf einem Festival in diesem Sommer erleben dürfen.

The Rumour Said Fire Fotos Molotow Hamburg

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Tracer “El Pistolero” – Powerrock vom Feinsten!

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Nicht erst seit AC/DC weiß man, dass Australien weitaus mehr zu bieten hat als Koalabären, Kängurus oder das Great Barrier Reef. In Australien wird richtig gute Musik gemacht. Sinnbildlich dafür stehen solche Namen wie die Bee Gees, INXS, Rose Tattoo, Men At Work, Midnight Oil, Kylie Minogue, Silverchair oder Nick Cave. Nun ist das mit Quervergleichen ja immer so eine Sache. Sie können einer Band durchaus mehr schaden als nutzen. Tracer sind da anders. “Ich sehe das eher als ein großes Kompliment. Ärgern würde ich mich nur, wenn uns jemand mit Justin Bieber vergleichen würde”, gibt Sänger und Gitarrist Michael Brown offen zu. Man kann den Mann beruhigen. Diese Gefahr besteht definitiv nicht. Allerdings wird im Verlaufe dieses Reviews noch der ein oder andere Vergleich mehr hinzukommen.

Gemeinsam mit Dre Wise am Schlagzeug und dem neuen Bassisten Jett Heysen-Hicks veröffentlicht Brown jetzt “El Pistolero”, das zweite Album des Trios aus Adelaide. Tracer wurden bereits 2003 gegründet und neben dem Debüt “Spaces In Between” finden sich noch zwei EP’s auf ihrer Habenseite. Im vergangenen Jahr verlieh ihnen das Classic Rock Magazine den Roll Of Honour Award als “Best New Band”. Und wie man sagt, macht die Band für drei Leute noch dazu einen Haufen Lärm auf der Bühne. Soweit die Vorschußlorbeeren. Da das zweite Album aber bekanntlich häufig das Schwerste ist, holte man sich mit dem Produzenten Kevin Shirley gleich ein Schwergewicht in die Revolver Studios von Los Angeles und prügelte die 13 Songs in gerade einmal sieben Tagen ein.

Der Titelsong ist zugleich der Opener und wenn man sich das Cover betrachtet, weiß man schon ungefähr wohin die Reise geht. “El Pistolero” ist ein Rockbrett, das den Hörer sofort mitnimmt. Neben “Ballad Of El Pistolero”, “Santa Cecilia” und “Until The War Is Won” gehört es zu den vier Stücken, die von dem schrägen Robert Rodriguez-Film “Desperado” inspiriert wurden. Angesichts solch formidabler Stonerrock-Hymnen möchte man sich hinterher tatsächlich den Staub von den Stiefeln klopfen. Schnell wird klar: Dies ist kein Album für Weicheier. “El Pistolero” ist heiß, laut und genau der richtige Soundtrack für einen Grillabend mit viel Gegröhle und einem Testosteronspiegel nahe am Überlaufen. Tracer servieren dazu knackige Kreissägengitarren (“Dirty Little Secret”), eine fette Prise Post-Grunge (“Dead Garden”) und jede Menge feinsten Powerrock (“Wolf In Cheap Clothes”, “There’s A Man” oder “Now I Ride”). Die Abendgarderobe besteht aus T-Shirts von den Ramones, Black Sabbath, Soundgarden oder Queens Of The Stone Age. Dazwischen gibt es mit “Scream In Silence” eine schöne Bombastballade. Falls mal jemand auf’s Klo muss.

Zweifellos haben Tracer es geschafft, die Energie ihrer vielgepriesenen Liveshows ins Studio zu übertragen. Und ebenso zweifellos sind sie mehr als nur ein weiterer dieser typischen Retro-Acts. Wenn mich mein musikalisches Bauchgefühl nicht vollständig verlassen hat, dann werden sie mit “El Pistolero” für mächtig Furore sorgen. Auf der musikalischen Landkarte von Australien muss man für Michael Brown, Dre Wise und Jett Heysen-Hicks jedenfalls ganz schnell eine neue Pommesgabel setzen. Vorher aber kommen die Drei von Down Under noch rüber nach Europa und machen im Juni folgende deutsche Städte unsicher:

  • 04.06. – München, Backstage Club
  • 05.06. – Berlin, Magnet
  • 06.06. – Köln, Luxor

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Jazz meets Prog and Alternative: Motorpsycho und ihr neues Album “Still Life With Eggplant”

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Lange Zeit waren Motorpsycho auf die Arbeit an ihrer Rockoper “The Death Defying Unicorn” fokussiert. Bei einem solch monumentalen Konzeptalbum ist klar, wohin die Reise führt, welche Songs dazugehören und welche nicht. Es verwundert also nicht, dass in den drei Jahres einiges an Songmaterial entstand, das zunächst hinten an gestellt werden musste. Dass es 20 Stücke geworden sind, von denen nun fünf den Weg auf die aktuelle Scheibe “Still Life With Eggplant” gefunden haben, ist ein erneuter Beleg für die zügellose Schaffenskraft der Norweger. Es lässt sich somit schon jetzt absehen, dass es in absehbarer Zeit die nächste Veröffentlichung geben wird.

Verharren wir aber noch einen Moment im Hier und Jetzt, im Stillleben mit Aubergine, einem Album, das weder einem Konzept folgt, noch eine einheitliche Stilrichtung hat. Dem aufmerksamen Motorpsycho-Fan ist der Opener “Hell” schon bekannt. Unter dem Namen “Dog Parade” wurde er auf der Tour 2011 z.B. in Düsseldorf gespielt. Gespickt mit grandiosen Riffs und nach vorne peitschendem Bass ist es ein echter Hinhörer. Der Doppelgesang schmiegt sich an das stonerlastige musikalische Fundament an. Als besondere Würdigung erhält das Stück sowohl einen verheißungsvoll großspurigen Prolog, als auch einen groovigen Ambient-Epilog. Als Gesamtpaket namens “Hell, Part 1-3” einfach umwerfend.

Ab “August”, einem Cover der 60er Jahre Band “Love”, kommt Reine Fiske mit ins Spiel. Als langjähriger Bekannter und Bewunderer Motorpsychos unterstützte der schwedische Gitarrist nicht nur die Studioaufnahmen, sondern macht auch bei der anstehenden Tour aus der Band ein Quartett. Mit seinem Zutun wird das sonnige “August” im zweiten Teil durch ein irrwitzig verspieltes Jazzkarussel gezwirbelt.

An Simon & Garfunkel erinnert der Gesang in “Barleycorn”. Die Akustik-Gitarre prägt entsprechend weite Teile des Songs, der vor allem vom Antagonismus zwischen ruhigen Strophen und pathetischem Refrain lebt. Allein schon wegen seiner epischen Länge von über 17 Minuten drückt “Ratcatcher” dem von Bassist Bent Sæther selbst produzierten Album seinen Stempel auf. Hier heißt ein entscheidendes und seit dem Einstieg von Kenneth Kapstad an den Drums immer häufiger eingesetztes Stilmittel Jazz. Über weite Strecken dürfen sich die Gitarren auf dem eigens für sie ausgebreiteten Klangteppich räkeln.

Äußerst harmonisch und zart besaitet beginnt schließlich “The Afterglow”, bis Akustik- und E-Gitarre ein wundervolles Duett zum Besten geben. Hans “Snah” Ryan’s Spiel lässt hier noch einmal erahnen, wie sehr ihn bei den Aufnahmen im Brygga Studio Trondheim das Zusammenspiel mit Fiske inspirierte. Ob das auch auf der Bühne so sein wird, darüber kann man sich in wenigen Wochen selbst ein Urteil bilden. Dies ist als Empfehlung zu verstehen, auch wenn selbst Motorpsycho-Fans, angesichts des riesigen Backkatalogs und der Experimentierfreude der Band, nicht vorhersagen können, wie diese Abende klingen werden. Obwohl, die Anzeichen für eine Wiederbelebung des 90er-Albums “Blissard” sind unübersehbar. Jazz meets Prog and Alternative, klingt doch vielversprechend, oder?

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The Rumour Said Fire - Dead Ends

The Rumour Said Fire präsentieren mit ihrem zweiten Album “Dead Ends” Lo-Fi Sound in Perfektion

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Mit ihrem Debutalbum “The Arrogant” weckten The Rumour Said Fire 2010 zum ersten Mal auch international das Interesse der Musikszene, nachdem die 2008 gegründete Band um Sänger Jesper Lidang aus Kopenhagen als Newcomer beim Spot-Festival in Aarhus auf sich aufmerksam machte und daraufhin direkt zum Roskilde Festival eingeladen wurde. Im selben Jahr besuchte uns das zu der Zeit hierzulande noch recht unbekannte dänische Quartett sogar schon beim Reeperbahn Festival in Hamburg.

Jetzt ist bereits ihr zweites Album “Dead Ends” erschienen und überrascht uns mit einer wirklich gelungenen musikalischen Weiterentwicklung. War ihr Debut doch noch vorrangig dem Folk verhaftet, so haben sich im aktuellen Album nun deutlich neue Soundqualitäten herauskristallisiert. Dass sich Jesper´s Musikgeschmack schon früh durch die Plattensammlung seiner Eltern prägte ist auch in “Dead Ends” nicht zu überhören. Seine Vorliebe für The Cure als Teenager zieht sich ebenfalls wie ein musikalischer Faden durch das gesamte Album, ohne dabei wie reproduziert zu wirken. Aus den verschiedensten Einflüssen kombinieren The Rumour Said Fire in ihren neuen Songs interessante Arrangements, die den Hörer durch die Verbindung dieser Stilelemente stets auf´s neue überraschen.

Einige Songs wirken aufgrund ihrer sphärisch angelegten Klänge aus Synthies, verzerrten E-Gitarren und langgezogenen Gesängen regelrecht hymnisch und fast schon hypnotisch auf ihre Art. Jedoch durchbrechen peitschende Drums, rasselnde Schellen oder widerhallende Sprechgesänge diese breite Soundwand immer wieder. “Moon Stream” wirkt dadurch regelrecht surrealistisch verzerrt. Die Bee Gees hätten die hohen Stimmen in der verträumten Ballade “Séance” nicht besser hinbekommen können, hier wirkt der Gesang fast himmlisch, obwohl der Song dann plötzlich doch noch richtig Fahrt aufnimmt aber wieder sanft zum Ende kommt. Good Vibrations gibt es vor allem in dem antreibenden, tanzbaren Opener “Destroyer”, “The Oracle” oder auch in “Reckless Hearts”, deren Rhythmen und Refrains den Hörer quasi direkt “einfangen”. Neben den wahrhaft Cure-verwandten Gitarrenklängen schimmert wie in “Dead Leaves” gelegentlich eine gute Portion Glamour durch. Manchmal wirken ihre Melodien so geheimnisvoll wie Chris Corners Kompositionen mit IAMX, die beiden Instrumentalstücke “Nocturne IV/Mist” und “Nocturne V/K’s Passage” kommen dem schon sehr nahe. Großartig ist auch die Integration des jazzigen Saxophons in dem Ohrwurm “Voyager” und in “Provence III”, eine Kombination die mutig ist und stilistisch spannend zugleich. Den Abschluss des Albums bildet der wunderschöne Indie-Folk Song “Sleep”, der mich melodisch und gesanglich an die guten alten Oldie-Zeiten erinnert.

Für Fans von Nada Surf, Glasvegas und natürlich The Cure dürfte dies ein grandioses Album sein. Experimentell und dennoch mit erfolgssicheren Stilelementen durchzogen überzeugen The Rumour Said Fire mit einem tollen Album basierend auf originalen Demos und einem genialen neuen Mix aus Indie- und Synthie-Pop, Glam-Rock, Alternative, ein wenig Folk, sowie mit einem leichten 80-iger und Oldie-Touch.

Dead Ends von The Rumour Said Fire hier bestellen!

Ihr solltet auf keinen Fall eins der kommende Konzerte von The Rumour Said Fire verpassen:

  • 17.04.2013  Berlin, Magnet
  • 18.04.2013  Flensburg, Volxbad
  • 23.04.2013  Köln, Studio 672
  • 24.04.2013  Hamburg, Molotow
  • 25.04.2013  Osnabrück, Kleine Freiheit
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Das Comeback-Album des Jahrhunderts: “13” von den Suicidal Tendencies

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Die Suicidal Tendencies sind in der Punk-, Hardcore- und Skateboard-Szene eine lebende Legende. In diesem Jahr feiert das Quintett aus Südkalifornien sein 30jähriges Bandjubiläum. Es waren drei Jahrzehnte voller Höhen und Tiefen. Solch grossartigen Alben wie „The Art Of Rebellion”, „Still Cyco After All These Years” oder „Suicidal For Life” stand zuletzt eine schier endlos scheinende Veröffentlichungspause von dreizehn Jahren gegenüber.

Die hat nun ein Ende! Am 5. April erscheint mit „13″ endlich ein Suicidal Tendencies-Album mit neuem Material. Kein sehr origineller Titel mag man mit Blick auf die aktuelle Jahreszahl denken, zumal die Kollegen von Black Sabbath in gut vier Wochen ein Album gleichen Namens unter das headbangende Volk werfen wollen. Doch die „13″ hat im Falle von Mike Muir & Co. von jeher eine besondere Bedeutung. In ihren Anfängen wurden sie zeitweise vom FBI überwacht, weil man ihnen eine grosse Nähe zu der in Venice Beach ansässigen Straßengang „Venice 13″ nachsagte. Bezogen auf ihr jüngstes Werk heißt das: „13″ erscheint 13 Jahre nach „Free Your Soul And Save My Mind”, es enthält 13 Songs und ist das 13. Studioalbum in der Geschichte der Suicidal Tendencies. Abergläubisch scheinen die Jungs nicht zu sein.

Dazu besteht auch kein Grund. Von der Originalbesetzung ist zwar mittlerweile nur noch „Cyco Miko” Muir übrig, auf dessen eigenem Label Suicidal Records die Platte auch erscheint, aber seine Mitstreiter erweisen sich als Creme de la Creme des gepflegten Hardcore Punks. Also, klappen wir genüßlich die Baseballmützen hoch, holen unsere Bandanas und Basketballshirts aus dem Schrank… die Suicidal Tendencies sind zurück. Und zwar lebendiger als jemals zuvor!

Schon beim Opener „Shake It Out” schlägt das Metalcore-Herz sofort auf Hochtouren. Dafür sorgen die virtuosen Gitarrenläufe von Dean Pleasants, knackige Riffs und ein Song, der genauso drauflos prügelt wie vor zwanzig Jahren „Gotta Kill Captain Stupid”. Mit „Smash It!” und „This Ain’t A Celebration” gibt es weiter gnadenlos eins auf die Zwölf. Das Gitarrenspiel von Pleasants und seinem saitenschwingenden Partner Nico Santora bleibt sensationell. „Make Your Stand” reiht sich da ebenso nahtlos ein wie „Show Some Love… Tear It Down” mit seinen genialen Hooks, die Trashmetalpunkrock-Offenbarung „Cyco Style” oder die vollfetten „Who’s Afraid?” und „Slam City”. Steve Bruner’s Bass polstert unseren Magen aus, Eric Moore klöppelt mit den Drumsticks unsere Gehörgänge geschmeidig und zu all diesen göttlichen Klängen brüllt sich Mike Muir heiser. In Your Face!

Mit „God Only Knows Who I Am” gönnen sich die Suicidal Tendencies die einzige echte Verschnaufpause auf „13″. Doch selbst die ist grosse Kunst. Ein relaxt aus dem Ärmel geschütteltes grandioses Stück Rockmusik, für das andere Bands vor Dankbarkeit auf die Knie gehen würden. „Till My Last Breath” überrascht zunächst hingegen als Hippie-Chor, wächst sich dann zu einem reinrassigen Funkrockkaliber aus. Zum Ende der knapp 60 Minuten langen Vollgasveranstaltung geht ihnen dann aber doch ein klein wenig die Puste aus. „Living The Fight” und „Life (Can’t Live With It, Can’t Live Without It)” sind solide Rockkost mit einer hemmungslos schön gniedelnden Gitarre, “This World” ein wunderbar hymnischer Closer unter Einsatz der Akustikklampfe. Wohlgemerkt: Wirkliche Ausfälle sind das bei weitem nicht. Ein zusätzlicher Pluspunkt ist die druckvolle Produktion von Paul Northfield und Mike Muir himself.

Dem Chef-Suicyco gebührt dann auch das letzte Wort: „Thank you for all the people that have patiently waited for this record. Now I will shut up and let the music do the talking”. Recht so! Den Suicidal Tendencies ist mit “13” ein Album gelungen, das so klingt wie sich eine Achterbahnfahrt anfühlt. Es ist DAS Comeback-Album des Jahres, ach was… des Jahrhunderts. Adrenalin-Junkies dieser Welt vereinigt euch!

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Die kanadischen Alternative Rocker Arkells präsentieren ihr zweites Album “Michigan Left”

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Das 2006 gegründete kanadische Quintett Arkells aus Ontario, Kanada hat sich bereits mit dem erfolgreichen Support der Billy Talent -Tour 2012 in Deutschland einen Namen machen können. In ihrem Heimatland Kanada heimsten Sie schon 2010 den Juno Award für die beste “New Group of the Year” ein und sicherten sich im vergangenen Jahr dann den Award in der Kategorie “Group of the Year”. Jetzt präsentieren Sie nach ihrem frühen Debüt  “Jackson Square” endlich auch in Deutschland ihren zweiten Longplayer “Michigan Left”, welcher in Kanada schon 2011 released wurde und sich mit “Whistleblower” ganz oben in den kanadischen Alternative- und Rock-Charts platzierte.

Während der Sound der fünfköpfigen Band um Frontmann und Sänger Max Kerman, Gitarrist Mike DeAngelis, Keyboarder und Gitarrist Anthony Carone, Bassist Nick Dika und Schlagzeuger Tim Oxford in ihrem Debütalbum noch soulige Südstaaten-Einflüsse aufweist, ist ihr aktueller Longplayer ganz offensichtlich mehr von den Klassikern der 80-iger Jahre geprägt, die sich mit einer gesunden Prise Pop versehen schnell in unsere Gehörgänge brennen.

Schon der Opener “Book Club” oder auch “Coffee” erinnern mit ihren melodisch beschwingten Gitarren- und Synthiesounds, sowie der gesamten Gesangslinie an die guten alten Fleetwood Mac und Daryll Hall & John Oates Zeiten. Stimmungsvolle Refrains mit immer wiederkehrenden “A-a-aaah´s”, “Oooh´s” und “Uuuh´s” dürften die Radiotauglichkeit außer Frage stellen, wobei durch deren Häufigkeit schon ein leichter Geschmack von Mainstream aufkommt. Die flott durchlaufende rhythmische Snare lässt die Tanzfüße zu dem Motown-Flair versprühenden “Where U Goin’ ” nicht mehr stillstehen. Arkells Vorliebe für Bruce Springsteen ist in “On Paper” oder “One Foot Out The Door” sowohl im Songaufbau als auch in der Rhythmik unverkennbar, vielleicht schon fast zu offensichtlich. “Michigan Left” fällt positiv aus der Retro-Schiene heraus und hat mich direkt beim ersten Hören an die erfreuliche Experimentierfreudigkeit von Vampire Weekend erinnert. Sich immer wiederholende, melodisch eingängige Hooklines charakterisieren den Sound von “Bloodlines”, durch deren Gleichförmigkeit der Song aber auch ein wenig am Hörer “vorbeiläuft”. Die stärksten Songs sind klar die energetisch geladenen Rock-Songs wie “Whistleblower” und “On Paper”, spannungsreich und mit Ohrmwurmqualität, ohne dabei zu soft und poppig zu sein.

Textlich geht es der fünfköpfigen Band aus Hamilton/Kanada hauptsächlich um die alltäglichen Dinge oder Orte, die der Band persönlich viel bedeuten. So wählten Sie als Bandname die Straße, in der sie zu Studienzeiten wohnten und beschreiben neben Themen rund um Freundschaft und Beziehungen auch erlebte Geschichten aus ihrer Heimat.

Arkells vereinen in ihrem aktuellen Album mehrere stilistische Ideen und bieten uns eine abwechslungsreiche Mischung aus 80-er Melodien, Motown-Sounds und dem Arkells-typischen Rocksound, der auch schon auf dem Debütalbum zu hören war. Für eine Top-Bewertung reicht es für “Michigan Left” aufgrund des angelegten Mainstreamcharakters nicht ganz aus, auch ist das Album mit mageren zehn Songs eher ein kurzes Vergnügen. Dennoch ist es ein rundum gelungenes Album, dessen Stimmung vorrangig durch die Vintage-Inspiration geprägt ist.

Mit dem Video “Where U Goin’ ” könnt ihr Euch hier  schon mal in den Sound von “Michigan Left” reinhören, es lohnt sich!

Konzerttermine Arkells im April 2013:

  • 03.04.2013    Hamburg – Molotow
  • 04.04.2013    Berlin – Magnet
  • 05.04.2013    Dresden – Beatpol
  • 06.04.2013    Münster – Gleis 22
  • 07.04.2013    Köln – Luxor
  • 09.04.2013    Frankfurt – Nachtleben
  • 10.04.2013    Stuttgart – Universum
Borko - Born To Be Free

Die Isländer Borko verzaubern mit ihrem zweiten Longplayer “Born To Be Free”

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Der isländische Herzblutmusiker Björn Kristjánsson, der sich u.a. als Mitglied von FM Belfast und Support von Seabear oder mùm einen Namen machen konnte, trägt mit seiner derzeit achtköpfigen Band Borko und seinem zweiten Album  “Born To Be Free” wahre isländische Winterstürme direkt in unsere heimischen Wohnzimmer.

Bereits 2008 brachten Borko ihr Debütalbum “Celebrating Life” heraus, welches im Vergleich noch etwas elektronisch-poppiger und insgesamt verspielter angelegt war. Die experimentelle Seite soll aber auch diesmal nicht zu kurz kommen, so sind die Songs durchgehend variationsreich in Instrumentierung und Arrangement, mal orchestral und melancholisch, mal elektronisch und gar sphärisch anklagend. Wie ein roter Faden ziehen sich jedenfalls die schwermütigen, tief drückenden Blas- und Streichinstrumente durch das gesamte Album, die melodisch aber so fein abgestimmt sind, dass kein einziger Track langweilig wirkt.

Schon der Opener “Born To Be Free” fesselt mit seinen weichen Melodien, sanften Drums, zart gezupften Saiteninstrumenten, Streichern und Kristjánssons melancholischem Gesang und ist somit der verdiente Titelsong des Albums. In den folgenden Songs zeigt sich der ausgesprochen komplexe Charakter des Soloprojekts Borko. Mit einer gekonnten Kombination aus verzerrten Synthiesounds, klassischen Piano-Melodien, zartem Gesang und starken Bläserparts entstehen immer wieder spannende Kompositionen, in denen Elemente der unterschiedlichsten Genres zu einem einmalig gefühlvollen Sounderlebnis verschmelzen. Eingängige Hooklines prägen zunächst “The Final Round”, wobei der Hörer im Mittelpart dann noch mit einem jazzigem Intermezzo überrascht wird. “Yonder” lebt ganz klar von der Variation aus ruhigen, sanften Parts, die sich dann zu druckvoller Orchestergewalt aufbäumen. Genau das macht Borkos Musik so interessant und lässt sich somit nicht einfach in irgendeine “Musik-Schublade” stecken. Auffällig sind die extrem langen Tracks, allen voran “Sing To The World” mit 7.16 Minuten, daher ist das Album mit seinen 9 Titeln keinesfalls ein kürzerer Hörgenuss.

“Born To Be Free” ist ein perfektes Winteralbum, welches mit seinen außerordentlich feinfühligen Arrangements einen bezaubernden Charme ausstrahlt. Während draußen der ungemütliche Schneesturm tobt und im Haus das Kaminfeuer knistert hören wir nun Borko in Dauerschleife, mindestens so lange bis der nächste Sommer kommt.

Cover Herman Van Veen

Nach dem Album nun das Buch – Herman Van Veen mit “Für einen Kuss von Dir”

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Die letzten Monate sind wahre Festwochen für Herman Van Veen-Fans. Ende September veröffentlichte der 67-jährige Holländer sein neues Album “Für einen Kuss von Dir” und mit diesem Programm ist er aktuell zum zehnten Mal in seiner Karriere auf Deutschland-Tour. Parallel dazu erscheint jetzt noch ein gleichnamiges Buch. Es ist nach der Autobiographie “Bevor ich es vergesse” bereits sein zweites innerhalb von nur zwei Jahren. Buch und Album hat er seinen beiden Enkelsöhnen gewidmet. So sind Enkel eines der zentralen Themen in “Für einen Kuss von Dir” – ob nun die eigenen oder der von Charlie Chaplin. Herman Van Veen erzählt von seiner Mutter im speziellen, Müttern im allgemeinen und solchen, die pupsen. Und er spricht von seinem kleinen Heimatland: “Wenn man in den Niederlanden beispielsweise in Den Haag erkältet ist und stark hustet, hört man das in Enschede”.

Über das Foto auf dem Buchdeckel hat Herman Van Veen kürzlich in einem Interview mit uns gesagt, es zeige “ungefähr ein Lachen” (das komplette Interview findet ihr hier). Und tatsächlich sind all die Geschichten, die er in “Für einen Kuss von Dir” erzählt auch so etwas wie “ungefähr ein Lachen”. Es sind seltsame, lustige oder nachdenkliche Geschichten, die manchmal keinem Erzählfaden zu folgen scheinen und die sich oftmals erst beim zweiten Durchlesen erschließen. Auf 312 Seiten philosophiert er darin über “Schimenschen”, über Haarausfall, Elfen, Krokodile, alte und neue Hotels. Er bewundert kleine Spinnennetze und erklärt uns ganz nebenbei, warum Gott einem Brötchen gleicht. Er tut das so, wie nur Herman Van Veen das kann. Man amüsiert sich mit ihm zusammen über kostbare Zwiebeln und andere heitere Irrtümer, legt gemeinsam den Kopf schief und sinniert über das Älterwerden oder das Langsamleben oder schluckt auf der Suche nach Zärtlichkeit den Kloß im Hals hinunter. Egal, ob Herman Van Veen in der Gestalt eines Großvaters auftritt, ob er Musiker, Clown, Kabarettist, Komponist, Maler oder wie hier Schriftsteller ist, eines ist stets sicher: Er berührt!

Das eigentlich Wundersame daran ein Buch von Herman Van Veen zu lesen ist jedoch, dass es sich anfühlt, als würde er selbst es vorlesen. In Gedanken höre ich ihn Seite für Seite in diesem für ihn typischen Deutsch mit dem symphatischen holländischen Akzent sprechen. Manchmal sehe ich ihn auch dabei lächeln. Es ist “ungefähr ein Lachen”.

Babel

Mumford & Sons legen mit “Babel” Folkrock-Zündstoff nach!

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Die vier britischen Folkrocker Marcus Mumford, Ben Lovett, Winston Marshall und Ted Dwane machten sich mit ihrer energiegeladenen Musik bereits lange vor Veröffentlichung ihres Debütalbums “Sigh No More” (2009)  einen Namen, so durften sie sogar ein Jahr nach ihrer Bandgründung schon auf dem Glastonbury Festival 2008 auftreten. Ihr Erfolg lodert seitdem wie ein offenes Feuer, vor allem durch ihre mitreißenden Live-Performances konnten sie die Herzen ihres Publikums rund um den Globus im Sturm erobern und dem Folk international ein neues Gesicht geben. Millionenfach verkaufte Alben, Spitzenpositionen in UK/US-Albumcharts, weltweit ausverkaufte Konzerte und Headline Shows bei unzähligen Festivals ließen ihnen wenig Zeit, um neue Songs zu schreiben, weshalb viele ihrer Stücke des zweiten Albums sogar auf Tour entstanden sind. Mit “Babel” legen sie nun ordentlich Brennstoff nach, die Flammen schlagen nun sogar weiter und höher. Dafür sorgte die erneute Zusammenarbeit mit Produzent Markus Dravs (u.a. Arcade Fire, Coldplay, Björk), der auch schon ihrem Debüt “Sigh No More” zum Erfolg bei den BRIT Awards 2011 in der Kategorie “Best British Album” und der Nominierung bei den Grammy Awards verholfen hatte.

Die erste Single-Auskopplung “I Will Wait” war der euphorische Vorbote für das bemerkenswerte neue Album, meines Erachtens auch nach mehrmaligem Hören neben “Babel” einer der stärksten Songs der zwölf Tracks, der eindeutig mit den Krachern ihres Debüts wie “Little Lion Man” und “The Cave” mithalten kann. Etwas schwermütig wirken hingegen die melancholischen Balladen “Ghosts That We Knew” oder “Reminder”, welche vorwiegend zurückhaltend mit Gitarre bzw. Piano, und dem leisen Banjo begleitet werden und einen mit den gospelartigen Chorgesängen oder dem teils klagenden Gesang schon fast zum Weinen bringen können. Immer wieder begegnet uns jedoch diese unglaubliche Dynamik, wobei sich zunächst ruhige, ja fast wehleidige Parts mit absolut minimalistischer Instrumentierung, dann orchestral und mit voller Intensität, schwungvoller Rhythmik, den typisch treibenden Banjoklängen zusammen mit der kräftigen Stimme Marcus Mumfords, zu einem regelrechten Wirbelsturm aufbäumen. Diese fein aufeinander abgestimmten und durchweg faszinierenden Arrangements haben die talentierten Briten in “Babel” regelrecht perfektioniert, sie ziehen sich als charakteristisches Stilmittel durch das gesamte Album und rufen nicht selten Gänsehautfeeling hervor. In “Hopeless Wanderer”, “Broken Crown” und “Below My Feet” kommt diese Songstruktur besonders gut zur Geltung, sie reißt den Zuhörer letztendlich einfach mit, ob er will oder nicht, um ihn dann vielleicht doch wieder mit einem abrupten Tempowechsel zu überraschen.

Den Ausnahmemusikern von Mumford & Sons gelingt es mit “Babel” die außerordentliche Leidenschaft ihrer Live-Performances direkt in ihr Studioalbum zu transportieren und macht es so zu einer echten Herzensangelegenheit. Das gesamte Album wirkt auf mich höchst infektiös, man kann sich der Ansteckung durch die energetischen, größtenteils hymnischen Songs kaum entziehen, auch wenn “Babel” stimmungstechnisch etwas gedämpfter als das Debüt auf mich wirkt. Trotzdem sehnt man sich plötzlich wieder nach einem ihrer erfrischenden Auftritte, die jedoch erst für Anfang 2013 in Deutschland geplant sind. Bis dahin hören wir eben ihr neues Album….rauf und runter!

Two Door Cinema Club "Beacon"

Two Door Cinema Club präsentieren ihr zweites Studioalbum “Beacon”

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Bereits vor zwei Jahren wurde eine Menge Wirbel um das Debütalbum “Tour History” von Two Door Cinema Club gemacht, welches es zwar nur bis auf Platz 24 der UK Album Charts schaffte, wofür sich TDCC aber 2010 immerhin den Choice Music Prize für das beste irische Album einheimsten. Darüber hinaus erspielten sich Frontmann Alex Trimble (Gesang/Gitarre/Synthie), Kevin Baird (Bass) und Sam Halliday (Gitarre) während ihrer weltweiten Tour eine riesige Fangemeinde, die vor allem aus recht jungen Publikum besteht. Jetzt hat das 2007 gegründete nordirische Trio unter extrem hohem Erwartungsdruck endlich nachgelegt und ihr Folgealbum “Beacon” herausgebracht.

Wer so erfolgreich ist, in dem was er tut, und so viel positives Feedback und Euphorie mit seiner Musik auslöst, wird sicherlich nicht das ganze Konzept in Frage stellen und im nächsten Album alles grundlegend anders machen, so viel ist klar. Doch wird schon in den ersten Songs spürbar, dass sich dennoch musikalisch und konzeptionell einiges bei Two Door Cinema Club getan hat. Steht in ihrem Erstlingswerk noch oft das “spielerische” Element im Vordergrund, in der Hauptsache die leichten, fröhlichen Indie-Gitarren und Popklänge, rückt in “Beacon” die Verspieltheit etwas in den Hintergrund, der breit angelegte Sound wirkt durch eine umfangreiche Instrumentierung und tragende Soundeffekte insgesamt voluminöser und wird damit sozusagen stadiontauglich. Nicht unbemerkt bleibt da der Einfluss des irischen Produzenten Jacknife Lee, der u.a. schon Bloc Party, Snow Patrol, Editors sowie U2 erfolgreich unterstützte. Obwohl ihr eigener unverkennbarer Stil natürlich grundsätzlich erhalten bleibt, bemerkt man schon eine stilistische Annäherung an die zuvor genannten Bands, weshalb sich das ganze Album auch etwas ausgereifter anhört als der vorwiegende “Teenie-Pop” ihres Debüts.

Wie schon beim Opener “Next Year” laufen u.a. auch in “Beacon” programmierte Beats sowohl songeinführend als auch begleitend mit, so dass eine gewisse “Dichte” entsteht, die ihren neuen durchweg überzeugenden Studiosound perfekt ausbalanciert. Als echte Pop-Ohrwürmer entpuppen sich ebenfalls schon beim ersten Hören “Pyramid” und “The World Is Watching”, der treibende Rhythmus in “Spring” und “Sleep Alone” zieht einen sofort in seinen Bann und man kann die Tanzbeine eigentlich gar nicht mehr ruhig halten. “Settle” hat irgendwie etwas opulentes und scheint schon direkt für die großen Bühnen geschrieben zu sein. Die Favoritenrolle geht neben dem eingängigen “Next Year” jedoch an das treibende Spektakel von “Someday” und an den wunderschön arrangierten und abwechslungsreichen Song “Sun”, der die melodische Stimme von Alex Trimble hervorragend mit Synthiemelodien, Bläsern und Drums zu einem nicht mehr aus dem Gehörgang weichenden Popsong macht. Man hört förmlich schon die Chorgesänge der Fans, die im Konzert den Refrain kollektiv mitsingen.

Thematisch orientiert sich “Beacon” vorrangig an der Sehnsucht nach der Heimat, nach Nähe und Liebe, was sicherlich in ihrer ständigen Abwesenheit von zu Hause während der Tour und auch in ihrem längeren Aufenthalt in Kalifornien begründet liegt, wo TDCC die Aufnahmen zu ihrem Album gemacht haben.

Ihr aktuelles Album “Beacon” zeigt uns sehr deutlich, dass sich Two Door Cinema Club ihrem Umfeld entsprechend stets weiterentwickelt haben und mit diesen durchweg positiven Einflüssen auch weiterhin voll durchstarten werden. Auch wenn mir die Verspieltheit ihres Debüts ein wenig fehlt, verloren gegangen ist sie keinesfalls, nur etwas dezenter verpackt und stärker in das musikalische Gesamtkonzept integriert. Auf jeden Fall macht auch ihr zweites, absolut lebhaftes Album Lust auf mehr, vor allem Lust auf Tanzen und auf ihre Livekonzerte! Schon ab November sind die jungen Iren dann mit ihrem aktuellen Album im Gepäck wieder für acht Konzerte bei uns in Deutschland zu Gast, aber man sollte sich beeilen, denn die Tickets sind bestimmt schnell wieder ausverkauft:

  • 19.11.2012 Köln, E-Werk
  • 20.11.2012 München, Tonhalle
  • 21.11.2012 Offenbach, Capitol
  • 23.11.2012 Berlin, Astra Kulturhaus
  • 24.11.2012 Hamburg, Große Freiheit
  • 04.03.2013 Münster, Skaters Palace
  • 08.03.2013 Stuttgart, Longhorn
  • 09.03.2013 Bremen, Modernes
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Bloc Party sind nach vier Jahren mit neuem Studioalbum “Four” zurück

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Die britischen Indierocker von Bloc Party melden sich mit ihrem aktuellen Album “Four” definitiv wieder zurück! Seit ihrem letzten Album “Intimacy” (2008) und ihrer letzten Tour in 2009 wurde es ruhig um die Band, sogar Trennungsgerüchte machten die Runde. Frontmann und Sänger Kele Okereke brachte 2010 sein elektronisch geprägtes Soloalbum “The Boxer” heraus und ging damit anschließend auf Tour. Anfang des Jahres wurde dann offiziell bekannt gegeben, dass sich Bloc Party in Originalbesetzung wieder zusammengefunden haben und bereits erste Songs für ein neues Album im Studio in New York aufnehmen.

Und jetzt ist es endlich soweit, mit ihrem vierten Longplayer starten die vier Briten so richtig durch, rockiger als die Alben zuvor und doch irgendwie noch dem Bloc Party Stil treu, bringen sie mit “Four” neue Einflüsse und Melodien hervor, die unsere überraschten Ohren entzücken.

Der Opener “So He Begins To Lie” startet mit unverkennbarem Okereke-Gesang, verzerrten Gitarren, eingängigen Riffs und dem stets präsenten Drumsound, der sich zunehmend im Songverlauf aufbäumt. “3×3” kommt monumental und fast episch daher, der breit angelegte Sound ist prädestiniert dazu, ganze Stadien und Festivalgelände zu beschallen, was sie in diesem Sommer u.a beim Melt! und dem FM4 Frequency eindrucksvoll unter Beweis stellten. Die vibrierenden Gitarren und zischelnden Becken in “Octopus” und “Truth” prägen den schwungvollen. eingängigen Charakter der Songs, welche durchweg tanzbar sind. Auch in “Team A” vereinigen sich schwungvolle Indieklänge mit rockigen Sounds, was für Bloc Party geradezu typisch sind. “Kettling” und auch “We Are Not Good People” brechen in die rockig-lärmige, teils sogar in die Nu-Metal-Richtung aus und läuten eine ganz andere Ära als das eher elektronisch geprägte Vorgängeralbum ein, was sicherlich auch durch Produzent Alex Newport (u.a. Death Cab For Cutie, The Mars Volta) hervorgerufen wurde. Echte Überraschungseffekte mit Tempo- und Stilwechseln hält vor allem “Coliseum” bereit, der ruhig beginnende langsame Song kippt in krachend aggressive Töne und rau-rockige Gesangspassagen. “Day Four” und “V.A.L.I.S.” gehen wieder eindeutiger in die melodisch-poppige Richtung von “A Weekend In The City” und entwickeln sich schon beim zweiten Hören als echte Ohrwürmer, vor allem in den einprägsamen, mitsingtauglichen Refrains. Das wunderschön zart gesungende “Real Talk” oder “The Healing” ruft hingegen geradezu Melancholie beim Zuhörer hervor,

Mit “Four” bringen die Briten ein frisches Album hervor, welches in der Tat Neues hervorbringt und nicht nur Altes wieder heraus kramt. Soundtechnisch nähern sie sich Bands wie den Arctic Monkeys merklich an, zeigen aber die Besonderheit ihrer musikalischen Entwicklung weiterhin in ihrer Experimentierfreudigkeit. Sogar Bloc Party Fans, die sich einem der Sounds der Vorgängeralben verschworen haben, werden bei der hervorragend gelungenen musikalischen Mischung sicherlich ebenfalls auf ihre Kosten kommen.
Einen Online Stream des Albums findet ihr bei Soundcloud unter dem Link 

Nach diversen Festivalauftritten und einer USA/Kanadatour kommen Bloc Party im November für vier Konzerte wieder zu uns nach Deutschland:

  • 11.11.2012 Hamburg – Docks
  • 12.11.2012 Stuttgart – Theaterhaus
  • 13.11.2012 Dresden – Eventwerk
  • 15.11.2012 München – Tonhalle Tags