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Posts by Pascal Kraus:

Mark Lanegan Cover

Mark Lanegan “Imitations” – Ein Album wie Proust’s Suche nach der verlorenen Zeit

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Jeder kann sich hoffentlich an das Gefühl erinnern, als Kind die ersten Berührungsversuche mit der Plattensammlung der Eltern zu machen. Da öffnet sich mitunter eine wahre Schatzkiste an neuen Eindrücken und Erfahrungen und Emotionen, die Musik in Menschen auslösen kann. Selbstverständlich findet das Kind am Anfang das meiste der Sachen gut, die Mama & Papa gut finden – das relativiert sich allerdings auch recht schnell und im Laufe der Jahre meist ohnehin. Dennoch bleibt in manchen Fällen auch so eine erste musikalische Prägung irgendwo in der persönlichen Erinnerung haften.

Mit seinem achten Soloalbum „Imitations” spürt Mark Lanegan diesen Gefühlen seiner Kindheit nach. Das Songmaterial auf dem aktuellen Album beinhaltet ausschließlich Coverversionen von Künstlern wie Andy Williams und Frank Sinatra, aber auch neuere Songs wie „Brompton Oratory” von Nick Cave & The Bad Seeds oder „Deepest Shade” von The Twilight Singers mit denen Lanegan bereits in jüngster Vergangenheit eine recht erfolgreiche Kollaboration einging. Seit der Auflösung seiner Seattle Band Screaming Trees war der dunkle Hüne musikalisch sehr umtriebig, ob als jahrelanges Mitglied der mittlerweile omnipräsenten Queens Of The Stone Age, im Duett mit Isobel Campbell (Belle & Sebastian), als Solokünstler oder wie zuletzt in diesem Jahr mit dem Multiinstrumentalisten Duke Garwood, um die Essenz eines knochigen trockenen Blues zu beschwören.

Der einzigartige gänsehautfördernde Bariton von Mark Lanegan vermählt sich auf „Imitations” oft mit fantastischen orchestralen String Arrangements. Auf dem Nancy Sinatra Song „You Only Live Twice” (1967 James Bond Theme) brilliert der Mann aus Seattle andererseits wieder mit einer intensiven akustischen Version. Das anschließende „Pretty Colors” von ihrem Vater Frank Sinatra schafft Lanegan hier auch scheinbar mühelos. Als einen der besten Sänger aller Zeiten erinnert sich Mark Lanegan an Andy Williams, dessen Musik im Elternhaus damals sehr präsent war und es schwingt schon eine gewisse Ehrfurcht mit, wenn man Mark Lanegan auf „Solitaire” anspricht. Der vielleicht überraschendste Song auf der Platte ist jedoch der Brecht/Weill-Klassiker „Mack The Knife” aus der Dreigroschenoper, der zum Beispiel auch von Bobby Darin bekannt ist. Hier gelingt Lanegan das Kunststück etwas völlig Neues zu erschaffen, aber dennoch das Lied unverkennbar zu erhalten. Weiter geht es mit einem Song von John Cale, dem französischen „Elegie funebre” von Gerard Manset und später wiederholt nochmals Andy Williams – zum Abschluss dann auch noch mit „Autumn Leaves”.

Diese Platte ist vielleicht etwas anderes was der gemeine Fan von Mark Lanegan erwarten würde, aber die teilweise doch sehr gelungenen Variationen dieser Klassiker machen das Coveralbum am Ende doch zu einem eigenständigen Werk. Bemerkenswert ist es, dass Mark Lanegan sich weiter abseits jeglicher Trends bewegt und weiterhin Musik macht, die sich auch grundlegend von dem unterscheiden kann was er zuvor gemacht hat. Er präsentiert sich mit „Imitations” einmal mehr, nicht nur bei seinen ohnehin treuen alten Fans, als echter grundehrlicher Musiker, der mit viel Emotionen arbeitet. Das Album ist wunderschön, wenn man sich auf die Art des Sounds einlassen möchte. Man darf bereits jetzt auf die nächste Arbeit dieses Mannes gespannt sein.

Scorpion_Child

Scorpion Child: Neue Zutaten im klassischen Heavy-Sound

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Die Welle der vielen so genannten “Retro – Bands” warf ihre Schatten voraus, nicht erst seit der manischen überbordenden Schaffenswut eines Jack White, der den Blues so offenkundig wie seit Jahren nicht mehr zurück in die moderne Rockmusik fließen ließ oder etwa die Black Keys. Daneben suchten viele Epigonen mehr oder minder erfolgreich ihr musikalisches Werk auf den heiligen Grundfesten von Bands wie Black Sabbath und Led Zeppelin zu gründen. Diese beiden überlebensgroßen Legenden haben unlängst in nahezu originaler Besetzung wieder öffentlich von sich hören lassen und auch aktuelle Tonträger veröffentlicht. Da stellt sich die Frage, ob die (Musik)-Welt all die wie halluzinogene Pilze aus dem Boden schiessenden Bands noch braucht?

Wie im sumerischen Gilgamesch-Epos führt der Ein– und Auszug der Sonne an dem Skorpion-Paar vorbei, dass auf dem Berg Maschu Wache hält. So wie Gilgamesch die Skorpione überzeugen konnte, so überzeugen „Scorpion Child” auf ihrem gleichnamigen Debütalbum mit einer bluesinfizierten Scheibe die knietief in schweren Sabbath – Riffs watet und dabei trotzdem nicht die musikalische Sozialisation der einzelnen Bandmitglieder im Punk, Metal- und Alternative Zirkus der frühen Neunziger leugnen kann.

Was vor allem anderen allerdings besonders hervor sticht, ist die Gesangsarbeit von Aryn Jonathan Black, der wie ein goldener Gott das stimmliche Abbild eines jungen Robert Plant, jedoch mit schwarzen langen Locken und Schnauzbart, gibt. Seine Mitstreiter Christopher Jay Cowart (Gitarre), Thomas Frank (Gitarre), Shaun Diettrick Avants (Bass) und Shawn Paul Alvear (Drums) stehen dem Frontmann schon rein optisch in Nichts nach und wirken wie aus der Zeit gefallen. Das Quintett aus Austin in Texas reiht sich damit auch nahtlos in eine Reihe von Bands wie „Wolfmother”, „Graveyard” oder auch die „RivalSons” ein. Der Sound von Scorpion Child walzt sich über weite Strecken des Albums in elektrischen Wogen aus den Boxen, mit bombastischen Drums, brodelnden Basslines und züngelnden Gitarren, deren Hälse sich wie Skorpionschwänze zu umtanzen suchen um den tödlichen Stich zu setzen. Der schweißgetränkte Sex in diesen heavy Songs wird mit den ersten Klängen von „Kings Highway” offenbar und wechselt über zum treibenden „The Secret Spot” und „Liquor”. Verschnaufpausen auf ihrem Ritt durch die kraftstrotzenden heavy Classic – Rock – Wogen gönnt sich die Band schon auch hin und wieder und baut dynamische Spannungsbögen filigran auf und bricht aus den elektrischen Gefilden aus, um akustische Fäden in die Songs zu weben, die mit einem epischen „Red Blood (The River Flows)” eine gute Platte schließt, die den klassischen Rock feiert und dessen Grenzen noch erweitert.

REM Green (25th Anniversary Edition) Cover

R.E.M. “Green (25th Anniversary Edition)” – mit ihrem sechsten Studioalbum landete die Band bei einem Majorlabel und veröffentlichte erneut ein ganz großes Stück Musik

Am 21. September 2011 war es dann soweit – nach 31 Jahren, fünf Monaten und 16 Tagen – eine der größten Rockbands der Welt löst sich auf. Man könnte jetzt erstmal ihre unglaubliche Karriere nacherzählen – vom ersten Konzert 1980, über Welterfolge sinnieren wie „Losing My Religion” (Automatic For The People), den Ausstieg von Schlagzeuger Bill Berry 1997, der steinige Weg „zurück” in den Jahren danach und so viele noch folgende wunderbare Konzerte und Alben. In all den Jahren seit ihrer Gründung, den ersten kultverdächtigen Verehrungen an den Universitäten, bis hin zu der Stadionband von heute sind sich R.E.M. stets treu geblieben – musikalisch und menschlich. Sie haben den Spagat zwischen Bewahrung von Integrität, der wundersamen Atmosphäre einer kleinen Alternativerock-Band aus Athens, Georgia zu einer der größten Rock´n´Roll Bands unserer Tage geschafft. Verbogen haben sie sich in den 31 Jahren nie!

Und am Scheideweg zwischen Independent und Kommerzialität stand Ende der Achtziger dann der berühmte Plattenvertrag mit Warner, der ihnen einst angeblich 80 Millionen Dollar brachte und eben zu Beginn jenes sechste Studioalbum „Green“, das erste beim Major–Label Warner Bros..Unter die breite Hörerschaft gebracht wurde die Platte im November 1988 und reiht sich damit zum 25. Geburtstag jetzt auch in die R.E.M. Jubiläums-Reissues ein.Die aktuelle Veröffentlichung beinhaltet neben der klanglich überarbeiteten Fassung des Albums noch die Live–CD „Live in Greensboro, 1989″, das vorletzte Konzert der damaligen Tour zur Platte. Bei diesem emotionalen energiegeladenen Auftritt spielt die Band nahezu die komplette aktuelle Platte und durchmischt das Set mit älteren Songs wie zum Beispiel den Klassikern „It´s The End Of The World As We Know It”, „Begin The Begin” oder „Exhuming McCarthy”. Außerdem liegen dem Album noch Postkarten, ein Poster und neu verfasste Linernotes bei.

Mit „Green” machte das Quartett aus Athens dann vorsichtig den Schritt in Richtung Pop, ohne auch hier die ganz eigene Indepentent-Attitüde zu verlieren (der erste Song heißt auch gleich „Pop Song 89″) und das Werk ist geprägt von ernsten politischen Themen und sehr stark vom Umwelt–Aktivismus. Diese Platte ist erneut ein Werk, das den Ausnahmestatus dieser Band deutlich macht, eine klangliche Selbstfindung, man verstand endlich die eigenwilligen Texte von Michael Stipe – zumindest die Wörter, deren Bedeutung blieb weiterhin stellenweise rätselhaft und lässt Platz für eigene Interpretationen und Empfindungen. Es war der erste Schritt Richtung etwas Großem. Mit dem Opener, den Songs „Stand” und „Orange Crush” beinhaltet dieses Major–Debüt sogar drei der populärsten Radio–Hits der Band. Die alten Anhänger nahmen Stipe, Buck, Mills und Berry spätestens mit dem eindringlichen „World Leader Pretend”, für viele ein Highlight der Platte und einziger abgedruckter Text im Booklet, mit auf die neue Reise in die große weite Welt, raus aus den Clubkellern in Amerikas Kleinstädten. Peter Buck spielt auf „Green” erstaunlich oft auf der Mandoline, zum Beispiel im Song „Hairshirt” der gefühlt nur aus der einzigartigen Stimme von Stipe und der Mandolinenbegleitung Bucks besteht.

In der zweiten Hälfte des Albums haben R.E.M., so scheint es, die ersten Gehversuche in Richtung tanzbarem Popsong hinter sich gebracht und die Gitarren werden wieder stellenweise härter, verzerrt, der Gesang und die Lyrics nachdenklicher und mit dem (vorläufig) abschließenden rockigen Stück „I Remember California” atmen dann alle Skeptiker wieder auf. Am Ende haben die vier ehemaligen Studenten aus Georgia auf ihrem sechsten Album, nach dem grandiosen „Document”, einen Schritt in eine andere Richtung gewagt, sind sich aber wie bis zu ihrem Karriereende treu geblieben. „Green” reiht sich nahtlos ein in eine Reihe großer Alben einer beispiellosen Band – zu Recht heute 25 Jahre nach der ersten Veröffentlichung ein Klassiker.

REM Green (25th Anniversary Edition) Boxset Cover

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Mark_Lanegan

Mark Lanegan & Duke Garwood: “Black Pudding” – Hypnotischer dunkler Blues zweier spiritueller Brüder im Geiste

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Der ehemalige Sänger der Screaming Trees gehörte mit seiner Band zu den Pionieren einer Musikszene rund um die Stadt Seattle, im Nordwesten Amerikas Anfang der Neunziger. Gemeinsam mit Gruppen wie Soundgarden, Alice In Chains und Pearl Jam spielte man erfolgreiche Clubgigs und bereitete den Nährboden für die nächste große rockmusikalische Revolution. Die Screaming Trees sind mittlerweile Geschichte und Mark Lanegan jedoch erweist sich bis heute als Hans Dampf in allen Gassen, von seinen frühen Solowerken (z.B. “Whiskey For The Holy Ghost”) über Gastperformances bei den Twighlight Singers, als Teil der Gutter Twins mit Greg Dulli, bei den Soulsavers, sowie seiner eigenen Mark Lanegan Band, den Platten mit Isobel Campbell, bis schließlich hin zu diversen Beiträgen mit den Queens Of The Stone Age. Man kann also behaupten, dass das Urgestein aus dem Nordwesten der USA nicht vor Kollaborationen zurückschreckt, die durchaus auch mal genreübergreifend ausfallen können, wie jüngst die Zusammenarbeit mit dem New Yorker (DJ) Moby. Auch auf seinem letzten Soloalbum „Blues Funeral” im vergangenen Jahr webte Lanegan nervös pluckernde Beats und ätherische Elektronik in sein düsteres blueslastiges Songkonzept ein.

Die aktuelle Platte allerdings hat mit solchen experimentellen Ausflügen wieder weniger zu tun. Mark Lanegan hat diese mit dem Multiinstrumentalisten Duke Garwood, einem persönlichen Freund und sogar langjähriges musikalisches Vorbild für Lanegan, in Kalifornien aufgenommen.

Bevor der Mann aus Seattle allerdings seinen brummigen Bariton durch die Mikros schickt, eröffnet die Platte mit dem instrumentalen Titelsong. Ein spanisch anmutendes gezupftes Stück und dieses staubig trockene Gitarrenspiel von Duke Garwood geht auf dem zweiten Song “Pentecostal” weiter, mehr verwurzelt im Blues und dann kommt rauchig und kratzend diese markante Stimme ins Spiel. Eindringlich, dunkel, voll von gelebten Jahren. Es ist ein schleppendes Album geworden, Töne in Moll begleiten den ruhigen Gesang, der nur selten ausbricht aus dem erzählerischen Tempo dieser Stories. Beim vierten Song “Mescalito” stampft dann plötzlich ein Drum Computer den Takt vor, doch mit der weiteren Instrumentierung bleibt das Lied dennoch organisch bei der Stange. Die “Sphinx” kehrt zum Blues zurück, wenn auch mit verhallter verzerrter Stimme irgendwo aus dem Off. Das Zusammenspiel von Lanegan´s einzigartigem Organ, schwerem Piano, akzentuierter Gitarre, Streichern, Flöten und anderen wummernden Instrumenten ziehen das Album oft tief hinab in eine musikalische Schwermut, die man eigentlich auch erwarten konnte von dem “schwarzen Mann” Mark Lanegan. Teils sind die einzelnen Songs sehr kurz gehalten, aber dadurch nicht minder eindringlich und oft auch gespenstisch rauschen sie in den Kopf des Hörers.

Die beiden Schmerzensmänner sind spirituelle Brüder und haben den dunklen Blues fest in ihren verwandten Seelen eintätowiert. Vielleicht ist diese Verbundenheit und gefühlte Gleichheit am Ende doch auch ein Manko dieser Platte? Tief unten auf seinem Seelengrund hat Lanegan den Blues vor kurzem fast zu Grabe gebettet und nur noch in seinem Innern verpflanzt. An der Seite seines Partners Duke Garwood holt er ihn jetzt erneut hervor.

Iggy_Stooges

Iggy & The Stooges “Ready To Die” – Alles beim Alten bei den Stooges

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Wer es noch nicht wusste, dass es sich hier um die erste Band von Iggy Pop handelt, die vor etwas mehr als vierzig Jahren mit ihrer kompromisslosen aggressiven Attitüde nicht selten für Skandale sorgte und für ihre provokativen Auftritte berüchtigt war, der hat die Geschichte des Rock´n´ Roll irgendwie verschlafen. Zum Kanon der Rockmusik gehört diese Gruppe definitiv dazu und fand 2010 schließlich auch die entsprechende Anerkennung durch die Aufnahme in die berühmte „Rock and Roll Hall of Fame”. Nach drei Alben war Mitte der Siebziger aber erstmal Schluss und Iggy Pop machte sich selbst über die Jahrzehnte einem breiteren Publikum bekannt.

2002 kam es zu einer – in Insiderkreisen – beachteten Reunion und einem Album (Skull Ring). Fünf Jahre Später folgte „The Weirdness” und wiederum zwei Jahre danach verstarb mit Ron Asheton, das zweite Gründungsmitglied der Stooges.

Was niemand mehr für möglich gehalten hätte, aber Iggy & The Stooges sind jetzt wieder da! Am Bass jetzt komplettiert von niemand geringerem als der Underground – Ikone Mike Watt (Minutemen / Firehose). Die aktuelle Platte kommt so gewalttätig, brutal und hart daher wie die Stooges seit ihrer Gründung in den Sechzigern kokettierten: „Ready To Die” heißt das Baby – und es klingt wie eine Platte dieser Band heute klingen sollte. So als hätten die Stooges sie in den Siebzigern eingespielt. Das ist Rock´n´Roll aus der Garage und ohne diesen Sound hätte es Punk wohl nie gegeben? Iggy ist noch immer wütend, tritt den gesellschaftlichen Strukturen gehörig in die Eier und spuckt bisweilen Gift und Galle gegen soziale Ungerechtigkeit. Neben den sägenden Riffs der Gitarre ist es ein prominentes Saxofon, dass sich durch weite Teile des Albums fräst und Iggy Pop nölt, prustet und singt noch immer in unterschiedlichen Stimmlagen mit seinem unverwechselbaren Organ irgendwie gut. Dieser Mann ist schon ein Phänomen und ein Unikat im Musikzirkus. Besonders gut ist es wie ich finde aber immer dann, wenn Mr. Pop mit tiefer Stimme, auf dieser Platte gleich zweimal, ein langsames ruhiges “Schlaflied” zu countryesker Slidegitarre croont.

Die zehn kleinen Song – Biester hören ansonsten auf so Namen wie “Burn”, “Sex And Money”, “Gun”, “Ready To Die” oder auch “Beat That Guy” – also auch hier alles beim alten bei den Stooges. Warum es dieses Werk jetzt und hier braucht kommentiert Iggy Pop selbst so: “My motivation in making any record with the group at this point is no longer personal. It’s just a pig-headed fucking thing I have that a real fucking group when they’re an older group they also make fucking records. They don’t just go and twiddle around on stage to make a bunch of fucking money…”

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Billy_Bragg

Billy Bragg – Der Mann der politischen Hymne ist auch der Sherpa der gebrochenen Herzen

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Wer hätte gedacht, dass die „eiserne Lady” Margaret Thatcher mal einen positiven Einfluss im popkulturellen Kontext ausgeübt hat? Nach eigener Aussage sei sie aber der Grund gewesen, weshalb sich der junge Billy Bragg mittels Musik gegen die neoliberale Politik der britischen Regierung der 80er Jahre Gehör verschaffen wollte.

Dies tut der Punk auf der Straße und bei jeder sich bietenden Gelegenheit. Irgendwann kommt der Plattenvertrag und die wutentbrannten Lieder des Protests und der Arbeit werden für die Nachwelt auf Tonträgern konserviert. Nur ein Mann, sein Verstärker und seine Gitarre.

So direkt ist der Barde aus Barking nicht mehr auf dem aktuellen Album „Tooth& Nail” zu hören, dem neuesten Werk seit fünf Jahren.Das hat er in Kalifornien im Studio von Joe Henry eingespielt und unterstützt wurde er dabei von diversen Studiomusikern.

Vorbei sind die Zeiten der Protestsongs nicht – zumindest nicht in der Arbeiterseele eines Billy Bragg – wenn er zum 50. Thronjubiläum der Queen 2002 einen Titel mit Namen „Take Down The Union Jack” veröffentlicht. Heute singt er den „Handyman Blues” und einen Song namens „Chasing Rainbows”, der davon handelt dass die sonnigen Tage einer Beziehung nur genießbar sind, wenn man die bewölkten aushält. Dieser Mann istdoch kein politischer Songwriter, sondern ein wütender und die Essenz seiner Songs ist meist Frustration und der Ärger über bestehende Situationen.Nach wie vor eignen sich seine Songs generell schon für Streiks und Gewerkschaftsveranstaltungen, obgleich doch derzeit die Texte persönlicher sind, die Musik leiser ist, aber dennoch von nicht minderer Dringlichkeit.

Wenn man mag kann man in den neuen Liedern die Fortsetzung des Storytelling der beiden „Mermaid Avenue” Alben sehen (1998/2000), auf denen Billy Bragg in Zusammenarbeit mit Wilco die Texte des verstorbenen Woody Guthrie vertonte.Die musikalische Ausrichtung auf „Tooth & Nail” changiert irgendwo zwischen Gospel, folkloristischen Anleihen amerikanischen Liedguts und lässt wohldosiert auch dem Soul genügend Platz, der die Melancholie und urbane Zärtlichkeit der neusten Kompositionen dieses alten Haudegens zu Geltung bringt.

Bragg befasst sich auf der aktuellen Platte eben auch mit Beziehungen und der Schwierigkeit die Beziehung zu denen aufrecht zu erhalten, die man am meisten liebt. Er ist nicht nur der Mann der politischen Hymne – er ist auch der Sherpa der gebrochenen Herzen.

Pirates

Hier atmen wir den salzigen Geruch der rauen See: „Son Of Rogue´s Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs & Chanteys” – RowBulliesRow!

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Wenn Schauspieler etwas mit Musik machen, ist das in der Regel immer eher mit Vorsicht zu genießen. Im Fall von Johnny Depp ist das jedoch anders. Vor seiner eindrucksvollen Karriere in Hollywood hat der Mime bereits mit eigener Band im Vorprogramm von Iggy Pop gespielt und in den letzten Jahren immer wieder abseits der Kamera musikalisch auf der ein oder anderen Veröffentlichung bekannter und weniger bekannter Bands einzelne Gitarrenparts beigesteuert. Gerade in der letzten Zeit wird die musikalische Seite von Johnny Depp in der Öffentlichkeit immer präsenter und da erscheint es dann fast nur logisch, daß er jetzt in gewisser Weise seine beiden Leidenschaften Film und Musik zusammenführt. Dieses gelingt ihm in gewohnt eigenwilliger Manier mit der Veröffentlichung der Doppel – CD „Sons Of Rogue´s Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs & Chanteys”, die er mit dem Regiesseur der „Pirates Of The Carribean” – Trilogie Gore Verbinski und Hal Willner, als Nachfolger von dessen grandiosem Album „Rogue´s Gallery” aus dem Jahr 2006, produziert hat. Soviel kurz zu den Rahmenbedingungen.

Die Namen die auf diesem Albums im Fahrwasser der wieder gefundenen Piraten-Romantik angeheuert haben, können sich durchaus hören lassen. Eröffnet wird die Songsammlung von Shane MacGowan (The Pogues), der eine versoffene Version des Klassikers „Leaving Of Liverpool” ins  Mikro lallt und dabei von rockigen dreckigen Gitarren, satten Bläsern, Fiddle und was sonst noch so Krach macht begleitet wird.Vieles funktioniert auf diesem Doppelalbum auch mit gespenstisch klingendem Instrumentarium, Nebelhörner, polternden Drums, rostigen Gitarren und immer wieder Geigen und Akkordeon. Über die gesamte Länge dieses Doppelalbums bleibt eindeutig der folkloristische Einschlag der Songs und eine authentische Vokalarbeit im Ohr, intensive Gesangsparts und maritime Chöre. Tom Waits knarzt mit seiner einzigartigen Stimme die Ballade „Shennandoah” in den Raum und dabei ist fast alles auf Stimme und gespenstischen Klabauter – Chor reduziert.

Einzig Keith Richards setzt seine Gitarrenlicks wie Säbelhiebe kurz vor Ende dazwischen. Erholen kann man sich von dieser tiefen seelischen Anstrengung nicht lange, denn Beth Orton intoniert derart eindringlich ihre Story so dass es auf dem ganzen Körper Gänsehaut erzeugt. Die Songs dieser Kompilation atmen  den salzigen Geruch der weiten See und sind in vielen Fällen so spröde und rau interpretiert, dass sich die Bilder von knarzenden Segeln, schwankenden Schiffsplanken und rauchigen Hafenspelunken unweigerlich vor dem inneren Auge einstellen. Alles Wasser, alles Meer und Fluss – so besingen Michael Stipe und Courtney Love in einem wunderbaren unkonventionellen Duett den „Rio Grande”. Das meiste hier ist nicht unbedingt für die breite Masse verdaulich, zu eigenwillig und schräg wie ein Schoner bei starkem Wellengang kommen diese Lieder letztlich daher. Ausfälle gibt es jedoch wenig, bis auf zwei – drei Nummern, die aufgrund ihrer sehr modernen Umsetzung und paukenden Beats nicht in den Gesamtkontext dieser Zusammenstellung passen wollen und leider so etwas Gesamtfluss stören. „The Mermaid” von Patti Smith / Johnny Depp wiederum ist ein Song der ruhig und getragen in den Hafen einfährt und bei flackernder Kerze und einem Glas Rum die Sonne am Horizont schlafen legt.

Nicht nur Seebären der Neuzeit segeln auf diesem Album mit, auch Frank Zappa mit den Mothers tragen rein instrumental ein Stück Liedgut bei (Handsome Cabin Boy) und Dr. John (In Lure Of The Tropics) ist ebenfalls zu hören. Insgesamt handelt es sich um eine 36 Lieder umfassende Zusammenstellung mit den unterschiedlichsten Künstlern, die hier in der Anordnung des Albums unterm Strich wunderbar funktionieren.

Die uralte Tradition von Liedern über die See, Lieder von fernen Ländern, Liedern vom Warten am Dock, dass der Liebste zurück kommt nach Hause. Heute werden diese Songs noch immer gesungen – solange wir den Ozean schmecken können, die fliegenden Wolken ziehen sehen – und sei es nur in unseren Träumen.

Walking Papers

“Walking Papers” – Barrett Martin (ex Screaming Trees) meldet sich mit neuer (All Star)-Truppe aus Seattle und neuem Album in der Rockmusik zurück

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Barrett Martin hat Jazz und klassische Musik studiert und verdiente sich seine ersten Sporen Ende der Achtziger Jahre in seiner Heimatstadt Seattle bei den Pionieren der dort aufkeimenden neuen musikalischen Revolution, bei der Band Skin Yard. Mit den “Screaming Trees”, Stars der zweiten Reihe dieser Szene hinter Nirvana, Soundgarden und Pearl Jam spielte er am Schlagzeug das Album “Sweet Oblivion” (1992) ein, den größten kommerziellen Erfolg der Band. Mit den Jahren trommelte Martin in so unterschiedlichen Bands und Projekten, die von der so genannten “Grunge – Supergroup” Mad Season (mit ua. Layne Staley, Mike McCready), dem Kollektiv “Tuatara” mit REM´s Peter Buck bis hin zu diversen Jazz – und Weltmusikaufnahmen und Soundtracks reichten. Damit aber nicht genug, gründete der Multiinstrumentalist seine eigene Barrett Martin Group und das indie record label “Sunyata Records”. Martin ist inzwischen auch Professor an der Universität von Seattle und hat einige akademische Weihen hinter sich. Man könnte also nach diesem sehr knappen Abriss dieser vielseitigen Betätigungsfelder trotzdem schon vermuten, der Mann wäre durchaus gut beschäftigt.

Offensichtlich hat Barrett Martin allerdings – zum Glück – noch ein paar Stunden frei am Tag, denn im August diesen Jahres eilte eine kurze Meldung durch den einschlägigen Blätterwald, dass Martin mit dem ehemaligen Post Stardom Depression Sänger/Gitarrist Jeff Angell und Duff McKagan (Guns´n´Roses) am Bass im Juli bereits einige Auftritte als neue Band unter dem Namen “Walking Papers” gespielt hatte. Bald wuchs das Trio mit Benjamin Anderson an den Keyboards zum Quartett und die Nachricht eines Debütalbums im Oktober ließ nicht lange auf sich warten. Nachdem vereinzelt bereits Videos und Streams der Songs im Netz zu hören waren, steht die selbstbetitelte Scheibe jetzt in den Regalen der Plattenläden.

Aufgenommen wurde die Platte in den Avast Studios in Seattle, abgemischt von keinem Geringeren als Jack Endino, einem Urgestein der Seattler Musikszene und ehemaliger Bandkollege von Barrett Martin. Ein Hauch von Mad Season weht durch die stautrockenen Bluesinfizierten Kompositionen und die Arrangements sind so düster und herbstlich grau gefärbt wie man es gemeinhin dem Wetter der Stadt im Nordwesten der USA nachsagt. Dazu drängen donnernde polyrhythmische Drums, die Martin´s weltmusikalische Einflüsse durchschimmern lassen und wie erwähnt laufen die Walking Papers hier auf Albumlänge knietief im Blues, mit schwarzen Mänteln und schwarzen Seelen. Der Sound ist bei allem traditionellen Habitus unglaublich dicht und facettenreich, was nicht zuletzt auch an der Vielzahl der eingesetzten Instrumente liegt. Tropfende durchsickernde Marimbas und schimmernde Vibraphone Klänge legen sich ebenso unter die dichten schweren Soundstrukuten dieses Debüts, wie verschiedene Percussion.

Auf “The Whole World´s Watching” und “Ill Stick Around” spielt sogar Mike McCready (Pearl Jam) die Sologitarre und auf letzterem Song und im Stück “Red Envelopes” setzen die Kollegen aus dem Jazz – Lager Dave Carter (Trompete), Dan Spalding (Saxophon) und Ed Ulman (Posaune) soulige Bläserarrangements dazu. Die Songs auf Walking Papers erzählen Geschichten, einzeln gesehen oder auch im Gesamtkontext des Albums, von der dunklen Schönheit des amerikanischen Herzen.

Bob_Mould

“Silver Age” – die graue Eminenz Bob Mould rauscht entspannt durch die Boxen

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Etwa 38 Minuten genügen der grauen Eminenz Bob Mould, um jüngere Epigonen und Nacheiferer, oder nennen wir sie auch Bewunderer seiner musikalischen Schaffenskraft, von den unsterblichen Songs der Achtziger mit Hüsker Dü oder auch später dann mit Sugar, in gewissem Sinn so alt aussehen zu lassen wie dieser Silver Ager mittlerweile selbst mit grauem Stoppelbart und Halbglatze.

Das Flanellhemd könnte allerdings aus dem Kleiderschrank von Dave Grohl stammen, den Mould auch artig im Booklet dieser Platte extra speziell grüßt. Auf dem letzten Album von Grohl´s Foo Fighters “Wasting Light” hatte Bob Mould schließlich auch seine weihevolle Salbung mit einem Gastauftritt (im tollen Song “Dear Rosemary”) erhalten. Im November letzen Jahres krönten einige der zuvor erwähnten Nachkommen im Geiste dieses Ur-Punks den Altmeister sodann auch mit einem Tribute – Konzert zu seinen Ehren. Dieses darf eine Galionsfigur des frühen Alternative – Punk – Indiependent – Powerpop – oder so was von – Rock dann auch entsprechend geniessen und mit seinem aktuellen Soloalbum “Silver Age” kommt uns Bob Mould mit seinen Mitmusikern Jon Wurster (Superchunk) und Jason Narducy (Verbow) jetzt auch reichlich entspannt durch die Boxen gerauscht.

Mit dem ersten Gitarrenriff im Album Opener “Star Machine” weiß der erfahrene Hörer schon wo hier der Hammer hängt, von den kurz darauf einsetzenden kraftvollen Vocals ganz zu schweigen. Er kann es einfach. Diese angekündigte melodieverliebte Rotzigkeit mit doch feinen Hooklines und doch daneben harten Gitarren klebt im Ohr, fräst sich in die hintere Ecke des Gedächtnisses. Da war doch was – Ende der Achtziger? Organische handgemachte Musik aus den Norden der USA, Indie – Discos, Slacker, Skater, wilde Haare, Hardcore und die typischen Klamotten.

Neben feinstem Punk – Verve mogeln sich auch heute auf der aktuellen Platte immer mal wieder schlingernde psychedelische Klangbilder und Gitarrenkaskaden, die sich aufbauen zu einer fast schon Art “Wall of Sound” und die schmiegsamen wendigen Melodien sorgen dann für den notwendigen Popappeal. Frisch und unverbraucht klingen diese Songs, brettern rasant los, angetrieben von trockenem Schlagwerk, Mould´s routiniertem Gesang und einer hörbaren Unbeschwertheit von einem, der sich und der Musikwelt nichts mehr beweisen muss.

Nach all den mindestens mid – tempo getriebenen Songs gibt es in der Mitte mit dem Song “Steam Of Hercules” so etwas wie eine Verschnaufpause, um später kurz vor dem viel zu frühen Ende der Scheibe (nein, das passt schon genau so bei dieser Musik) mit dem punkigen Kracher “Keep Believing” nochmals alle Register zu ziehen. Wenn die alten Recken wie J. Mascis, Lee Ranaldo und jetzt auch Bob Mould so weiter machen mit ihren Soloplatten müsste dafür bald eine neue musikalische “Bewegung” der Silver – Alternative – Surfer ausgerufen werden. Repeat !

JSBE

Jon Spencer Blues Explosion – wie Songs von einer Grillfeier mit “Meat & Bone”

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Bereits gut zwanzig Jahre ist es schon her, dass in New York ein Trio (lange vor Jack White) mit einem Konglomerat aus den Elementen Rock´n ´Roll, Blues, Rockabilly und Noise-Rock von sich reden machte. Das ist aber in seiner stilistischen Beschreibung irgendwie auch alles viel zu kurz gegriffen und im Laufe der Jahre haben sich Jon Spencer (Gesang, Gitarre), Judah Bauer (Gitarre) und Russell Simins (Drums) diverse Male auf den ein oder anderen musikalischen Schwerpunkt verlegt. Ihre Wurzeln haben sie dabei aber stets gespürt. Wie das bei solchen oder ähnlichen Genres so ist, kommt man wohl nicht um die klassischen Vergleiche und Referenzen zur populären Musikhistorie herum, um den archaischen Sound zu definieren. Vielleicht hilft es, wenn man beschreibt, dass Jon Spencer mit meist verzerrtem, durch allerlei Effekte gepushten Gesang wie ein Jagger auf Acid im Elviskostüm den bratzigen Gitarrenriffs entgegensetzt.

Oder, dass die Combo vielleicht teilweise wie Monster Magnet klingt, wenn diese deutlich näher an den Rolling Stones als an Hawkwind orientiert wären. Vielleicht hat das Trio aber auch einfach früher manchmal mit G.Love abgehangen oder waren bei Iggy Pop auf einer Grillfeier – mit Meat & Bone!

Tatsächlich war die Garage in der die neue Platte aufgenommen sein könnte wohl wesentlich kleiner als die von Dave Grohl. Durch die Boogie Woogie Blues Rock Stampfer ziehen sich immer wieder naive merkwürdige elektronische Effekte, die den Bezug zur Gegenwart herstellen könnten, tatsächlich aber klingen wie ein Gerät so alt wie die Band selbst. Prinzipiell bleibt also alles irgendwie wie früher bei der Jon Spencer Blues Explosion. Es wird gelärmt, gecroont, gebrüllt und schmutziger Rock´n´ Roll gespielt, der sich manchmal auf Hip Hop Grooves setzt und mit einem dumpfen pochenden Soundbrei durch die Rock – und auch eigene Bandgeschichte stolpert. Konventionell, heavy, laut und dreckig gebärden sich die New Yorker auch nach der kreativen Pause auf “Meat & Bone”. Das rohe Fleisch gehört dennoch am besten mit Salz und Pfeffer gewürzt, so dass es dem der es dann verzehren möchte auch auf Dauer nicht zu fad vorkommt.

Band-of-Horses-Mirage-Rock

Band of Horses bieten mit “Mirage Rock” ein abwechslungsreiches Werk voller neuer Horizonte

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Das Plattenlabel Sub Pop hatte ja bekanntermaßen schon immer ein gewisses Gespür für junge aufstrebende Bands und säugte die meisten so lange an der Mutterbrust, bis der Nachwuchs alleine für sich sorgen konnte oder eben den Bund der Ehe mit einem Major Label schloss. In diesem Fall der “Band Of Horses” aus der Stadt Seattle im Nordosten der USA, war das ähnlich. Vor gut zwei Jahren wechselten die fünf bärtigen Männer mit der Veröffentlichung des Vorgängers “Infinite Arms” zu Sony Music.

Die waldschratige Fleet Foxesche Folkrock – Melancholie der ersten beiden Alben “Everything All The Time” (2006) und “Cease To Begin” (2007) streifen Benjamin Bridwell und seine neuen vier Bandkollegen dort über weite Strecken ab und veröffentlichen ein abwechslungsreicheres Werk voller neuer Horizonte. Dafür gab es für die Musiker sogar eine Grammy – Nominierung in der Kategorie “Best Alternative Album”, eine Tour im Vorprogramm von Pearl Jam und einige Meriten mehr. Jetzt also der vierte Longplayer “Mirage Rock”, aufgenommen im Sunset Sound Studio zu L.A. in der Besetzung Ben Bridwell, Creighton Barrett, Ryan Monroe, Bill Reynolds und Tyler Ramsey.

Wer aufgrund der zuvor genannten “Referenzen” Sub Pop und Seattle auf die Musik der Band voreilig schließen möchte, für diesen Hörer sei hier Vorsicht geboten. Die aktuelle Scheibe der Band Of Horses lässt nur an ein, zwei Stellen die Zügel richtig los und versprüht so etwas wie rockige Anklänge. Der Rest der Songs ist durchaus gut arrangiert, allerdings wird der am inneren Auge vorbei ziehende Highway im Mittleren Westen Amerikas mit gedrosseltem Tempo  passiert und gemächlich filigran zupfen sich die Männer hier durch ihre Gitarren lastige Mischung aus harmonischem Chorgesang wie Crosby, Stills & Nash.

Der Melodramatiker Bridwell spielt erneut mit den Elementen der Melancholie, Traumwelten, Natur und Westernmythologie und der uramerikanischen Pionierstimmung. Deutliche Country – und Westcoast Anklänge im Stil der Eagles weisen hier eher den Weg ins sonnige Kalifornien statt ins regnerische Seattle und die weichen Gitarrentöne und wunderschönen Vokalpassagen schmiegen sich sanft in die klare Melodieführung der Songs ein. Scharfe Ecken und Kanten gibt es in der Musik auf “Mirage Rock” keine, alles kommt in einem runden, warmen, manchmal seichten, trotzdem auch bisweilen aufwändigen Klangbild daher. Es sind eben bitter süße Folkrock Knabbereien mit Zuckerglasur, die durch die im Artwork gesetzten nebulösen Wälder und Wiesen schweben.

Cat_Power

Cat Power – Chan Marshall lässt mit “Sun” die Sonne aufgehen

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Verklärt und sanft blickt uns Chan Marshall alias Cat Power vom puristischen Albumcover  ihrer neuen Platte “Sun” mit kurzen Haaren entgegen. Ein blasser Regenbogen weht ihr dort um die Nase. Es hat etwas altmodisch popiges, der erste Eindruck der sich visuell aufdrängt und inhaltlich verortet sich die Künstlerin jetzt neuerdings in Popkunststücken. Mit neuem Selbstbewusstsein streift Chan Marshall scheinbar alle Dämonen der Vergangenheit ab, damit aber auch die zuvor bespielten Terrains wie Memphis Soul oder urbanen Blues. Bekannt war sie durch viele Cover versionen alter Helden der Genres Blues, Folk und auch Jazz. Alles organisch, rauchig und traditionell verhaftet.

Auf “Sun” wagt sich die Künstlerin jetzt mit einem Album, ausschließlich auf Eigenkompositionen basierend, in modernere Gefilde oder sagen wir Poplandschaften vor. Diese Landschaften bergen Latino-Pop (“Ruin”) genauso wie New Wave Versatzstücke, Hip Hop – Beats (“Sun”) und prominente Synthie Loops in einigen der neuen Songs.

Es braucht seine Durchläufe und auch nach einiger Zeit hört man hier noch kein zweites Meisterwerk der Frau aus Atlanta, die einst als sensibles Pflänzchen im New Yorker Underground gehegt und gepflegt wurde. Sie hat ihre frischen Emotionen, nach tiefer schwerer Dunkelheit, in diese Lieder gelegt und die sind durchaus ambitioniert und auch von ihr selbst arrangiert. Das finale Mastering, so dass Cat Power nicht mehr so klingt wie gewohnt, übernahm dann einer der sich mit Elektro Pop auskennt und fertig ist der neue Sound. Auf der aktuellen Platte begleitet Cat Power im Song “Nothing But Time” über eine Länge von elf Minuten ein Mann, der sich in seiner langen Laufbahn im Musikbusiness auch bereits schon (neu) erfunden hat – nämlich im Background Iggy Pop.

Die junge Frau hat sich auf dem neusten Werk von ihrer Vergangenheit losgesagt und vielleicht erst das nächste Album wird weisen, wohin der Weg der Chan Marshall jetzt tatsächlich führt. “….es ist ein Nicht – zurücksehnen, sondern weitermachen. Ein zuversichtlicher Gang in die eigene Zukunft, hin zu persönlicher Kraft und Erfüllung….” Wir wünschen ihr das Beste!

Kid Kopphausen_Album_Cover_1200

Gisbert zu Knyphausen und Nils Koppruch sind Kid Kopphausen

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Hinter dem eigenwilligen Namen Kid Kopphausen haben sich zwei der derzeit viel beachtetsten Songschreiber deutscher Sprache zusammengefunden, um ihre unbändige lyrische und tief grabende Weltsicht und ihre introvertierten Gefühlsregungen als einen drängenden Organismus aus mehr als Musik zu gebären, der weit draußen auf dem Land die Sehnsucht nach Großstadt auf die weiten Felder schreit.

Gisbert zu Knyphausen hat zuvor zwei grandiose Alben veröffentlicht und der  bildende Künstler aus der Stadt, Nils Koppruch seine alte Band Fink (vorerst) zu Grabe getragen. Sie kennen sich bereits aus verschiedenen gemeinsamen musikalischen Gehversuchen zuvor (“die Aussicht / Knochen & Fleisch”), aber haben jetzt zum Herbst dieses Jahres, bevor die Blätter draußen in den buntesten Tönen leuchten, zusammen mit Alexander Jezdinsky (Schlagwerk), Felix Weigt (Bass, Tasteninstrumente) und Marcus Schneider (Gitarren) ihre Version eines neuen Western in der Verpackung aus den goldenen Zeiten dieses Genres mit dem Album “I” aufgenommen. Sie geben sich dabei die Zügel in die Hand während ihres Rittes durch staubige Strassen, stets ihre kongeniale Weltklugheit und den trockenen Humor im Sattel.

Eine Americana – Melancholie kratzt an den typischen Knyphausischen Songstrukturen und den fein gesponnenen so überlebensgroßen Melodien, wie sie auf den Soloplatten des jungen Mannes aus dem hessischen Rheingau zu finden sind. Es ist im Grunde nicht schwer zu merken, wer welche Songs auf diesem Album geschrieben hat und die Schwingung der doch unterschiedlichen Stimmen der beiden Liedermacher grenzen sich deutlich voneinander ab – und doch sind die ergreifenden Momente die, in denen sich diese Stimmen innerhalb eines Songs treffen und überraschend so schön ergänzen.

Die ruhigen Momente sind es, die haften bleiben. Manchmal wünscht man sich beim hören dieses Liedguts mehr Verschmelzung, weniger merkliche Aufteilung zweier musikalischer Lebenswege. Diese Platte rockt an vielen Stellen laut los, verkriecht sich dann wieder in dunklen Ecken und wiegt sich getragen in sanften Melodien. Da stecken in diesen Liedern die Wurzeln dieser beiden Männer, manchmal wie gesagt auch beide Stimmen in einem Song, keine Grenzen, keine Kategorien. Die Bilder und Wörter rauschen vorbei, doch klar erkennbar, immer auch mysteriös. Liebeslieder sind das, verpackt in goldenes Geschenkpapier.

Diese organische Musik zeigt Zwei, die sich gefunden zu haben scheinen. Ihre Sicht des Lebens, die Veränderung und das Übertragen des Wohlbekannten in neue Pfade. Musik im Hier und Jetzt, gefilmt auf altem Celluloid.

Stanley Clarke & Stewart Copeland Presse Foto

Stanley Clarke & Stewart Copeland Band, live in der Centralstation Darmstadt

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Die Centralstation in Darmstadt war schätzungsweise ausverkauft. Kein Wunder, denn schließlich konnte an diesem Abend zwei musikalischen Legenden zugehört werden. Es ist schon erstaunlich welche hochkarätigen Gäste die Centralstation, auch in diesem Jahr wieder dank des Programms “Merck – Sommerperlen”, in ihrem Programm hat.
Gegen kurz nach 21:00 Uhr kommt das Quartett auf die Bühne. Neben Keyboarder Rusian Sirota und (vor allem) Brady Cohen an der Gitarre sind das Stanley Clarke, der Ausnahmebassist und Vorbild vieler nachwachsender Bass – Generationen, der mit Chick Corea, Al di Meola und Lenny White als “Return To Forever” Fusion – Geschichte schrieb und Stewart Copeland, der (Ex)- Drummer/Gründungsmitglied  von “The Police” und wohl weltweit einer der besten Schlagwerker überhaupt. Ja, hier spielen heute zwei Superstars!

Stewart Copeland präsentiert sich als extrovertierter Entertainer, der äußerlich mit weißem Stirnband unter dem wuscheligen mittlerweile vollständig ergrauten Haarschopf, enger heller Jeans und weißem engen Hemd, gewisse Reminiszenzen an die achtziger Jahre bietet. Er ist gleich nach Betreten der Bühne unter großem Applaus des Publikums vorne am Mikro und versucht den Einheizer zu geben. Das gelingt ihm in Hessen und bei dem etwas gesetzteren Auditorium zunächst eher weniger. Später wird sich das noch ändern und die Anwesenden goutieren im Laufe des Sets lautstark die virtuose Könnerschaft der vier Musiker  auf der Bühne.
Das gesamte Programm bewegt sich über weite Strecken sehr dynamisch rockig nach vorne und Brady Cohen an der Gitarre steht erstaunlich oft im Vordergrund in den Kompositionen der Gruppe. Er spricht jede Note, jeden Ton lautmalerisch mit, den er seinen sechs Saiten entlockt. Der Körper unter Spannung. Die Gruppe füllt stetig atmosphärische perlende jazzige Improvisationen in die groovende Melange aus Rock und Jazz (übergreifend bezeichnet) ein. Manchmal hört sich das Keyboard an wie bei den Doors, manchmal hört man Pink Floyd, manchmal der alte “Police – Sound”, oft Jazz auf höchstem Niveau  und doch hält Stanley Clarke, der mächtige große Mann am Bass, den Groove zusammen. Der Rhythmus des Jazz, wuchtig, mal leise, mal Raum füllend bis in die Magengrube. Clarke “slapt”, spielt zweimal auch den Kontrabass und stellt unter Beweis warum er zu den gefragtesten Bassisten im Musikbusiness zählt.
In Stewart Copeland hat er seinen kongenialen Partner, der ebenfalls über jeden Zweifel erhaben sein Instrument mehr als beherrscht. Kenner machen an diesem Abend Stücke wie “No Mystery” und “Quite Afternoon” aus, um nur zwei Songs beim Namen zu nennen. Generell spielen sich die Musiker virtuos durch minutenlange Stücke und vermitteln bei aller Konzentration und Einsatzbereitschaft auch den großen Spaß, den sie nach all den Jahren noch am Musikmachen haben. Große Kunst ist das und wer diese Form der Musik mag, kam heute in der Centralstation sicherlich voll auf seine Kosten.

Patti Smith Banga Album Cover

Patti Smith – Banga

Sie ist heute Mitte Sechzig, Rockmusikerin, Dichterin, Performance-Künstlerin, Malerin und Fotografin. Geboren wurde Patti Smith in Chicago. Mit ihrem Debüt “Horses” (1975 von John Cale produziert), “Radio Ethiopia” (1976), “Easter” (1978) und “Wave” (1979) war sie Ende der 70er auf dem Gipfel ihres Erfolges angekommen und die in New York aufkeimende Punkbewegung rund um das CBGBs hatte in ihr eine neue Ikone gefunden. Der kommerzielle Durchbruch gelang Patti Smith sicherlich mit “Because The Night” vom Easter – Album, der Song den ihr Bruce Springsteen quasi “schenkte”.

Auf dem Höhepunkt ihres Erfolges zieht sie sich 1979 dann überraschend in die Provinz nahe Detroit zurück, um als Hausfrau die beiden gemeinsamen Kinder von ihr und Fred “Sonic” Smith (Gitarrist der Band MC5) großzuziehen. Nach dem Tod ihres Ehemannes (1994) und dem Verlust weiterer geliebter Menschen kehrt Patti Smith zwei Jahre später mit dem Album “Gone Again” wieder auf die musikalische Bühne zurück. Es folgen in den kommenden Jahren weitere Alben, die Aufnahme in die Rock´n´Roll Hall Of Fame (2007) und im gleichen Jahr ihr letztes offizielles Studioalbum “Twelve”. Nach der 2010 erschienen (Teil)- Autobiographie “Just Kids” hat die Künstlerin in den Electric Lady Studios in New York mit ihrer Band aktuell das neue Werk “Banga” aufgenommen.

Es sind die elegischen Klänge des ersten Songs “Amerigo” die in das Album hineintragen, in diese Ouvertüre voller (Piano) Melodiebögen die sich winden, Wellen schlagen und sanft dahin gleiten wie das Schiff Amerigo Vespuccis auf seiner Reise in die neue Welt. Auf einer Mittelmeerkreuzfahrt 2009 mit der Costa Concordia (!) zusammen mit ihrem langjährigen Partner Lenny Kaye sind viele der Kompositionen dieses Albums entstanden. Von dieser Reise zeugen auch die anspruchsvollen Schwarz- Weiß Aufnahmen im Booklet.

Die erste Single “April Fool” ist vielleicht etwas zu poppig geraten und genau diese stellenweise seltenen poppigen Momente sind auf “Banga” vielleicht der einzige Schwachpunkt in einem sonst sehr tiefgründigen und vielseitigen Werk. Die eruptive Kraft, aus der sich ein Stück wie “Fuji – San” speist, reißt förmlich die Erde auf und lässt in einem tiefen Loch all das Leid der Menschen Japans verschwinden. Patti Smith singt besser denn je, rezitiert eindringliche Texte zu atmosphärischer Instrumentierung. Der Song “This Is The Girl” ist eine Reminiszenz an die verstorbene Amy Winehouse und entsprechend soulig intoniert. Emotional singt sich Smith durch dieses Lied und man hört die geschundene Seele der Winehouse aus den tiefsten Ecken des nächtlichen Studios rufen nach Erlösung.

Die stärksten Momente auf “Banga” sind allerdings ohne Zweifel die ruhigen getragenen Stücke, in denen sich die gesamte Emotionalität der Künstlerin entladen kann und gebettet auf die akzentuierte Akustik der Musiker erfassen Songs wie das orientalisch folkloristische angehauchte “Mosaic” oder die Ballade “Seneca” eindringlich. Tom Verlaine ihr alter Kumpel aus New Yorker Anfangstagen, ehemaliger Gitarrist der legendären Band Television, ist erneut auf einigen Songs zu hören und Smiths´ Sohn Jackson und ihre Tochter Jesse Paris wirken ebenfalls bei einigen Liedern mit. Für ihren Freund Johnny Depp, der auch Gitarrenparts beisteuert, hat Patti Smith zum Geburtstag “Nine” geschrieben. Das zehnminütige meditative “Constantine´s Dream” bildet den starken Übergang zum letzten Stück der Platte: “After The Gold Rush” von Neil Young. Die letzten Zeilen dieses wunderschönen unsterblichen Songs singt ein Kinderchor: ” …look at mother nature on the run in the 21st century….” Sie hat wieder mal alles gesagt !

Gisbert zu Knyphausen - daantje & the golden handwerk, Centralstation in Darmstadt

Gisbert zu Knyphausen Tour 2012 – Centralstation in Darmstadt

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Was macht wohl einer der als Gisbert Wilhelm Enno Freiherr zu Innhausen und Knyphausen geboren wurde? Aufgewachsen ist er im Rheingau in Eltville als Winzersohn zwischen Weinreben. In die Welt hinaus hat es ihn verschlagen. Nach Berlin, nach Holland, schließlich Hamburg. Studium. Er ist Liedermacher geworden, dieser schlaksige junge Mann und veröffentlichte sein selbst betiteltes Debütalbum als Gisbert zu Knyphausen im Jahr 2008. Dieses zeigte schon ein solch reifes tiefes Songwriting, wie man es in deutscher Sprache nur selten zu Gehör bekommt. Es ist die klare Sprache von zu Knyphausen und die trotzdem auch versteckten Assoziationen, die seine Versionen von zerbrochener Liebe, den Geräuschen im Kopf, dem Hämmern in der Seele oder einfach auch nur mal vom Trinken erzählen. Diese große Songwriting-Qualität führte der Wahl-Hamburger auch auf seiner zweiten Platte “Hurra, Hurra, So Nicht!” fort. Und mit den Liedern beider Scheiben im Gepäck geht Gisbert zu Knyphausen jetzt nochmals auf große Deutschlandreise, bevor er sich neuen musikalischen Projekten widmen möchte.

Draußen herrschen derzeit frostige Temperaturen, aber der Junge ist heimgekehrt nach Hessen, um mit seiner vierköpfigen Band Gunnar Ennen (Gitarre, Tasten und vieles mehr), Frenzy Suhr (Bass), Jens Fricke (Gitarre) und Sebastian Deufel (Schlagwerk) ) unsere Herzen zu erwärmen. Heute abend in der Centralstation. Und wenn es sein soll durch die Nacht. Als Vorgruppe spielen erstmal “daatje & the golden handwerk”. Das ist Joachim Zimmermann in Begleitung von Gisbert zu Knyphausen´s Band, übrigens beheimatet auf dessen kleinem Label “Omaha records”. In einem Text über die Gruppe heißt es dort: “…Daantje will “keine Grinsefressen mehr”, sondern “Menschen die Lächeln”. Bei mir hat er das sofort geschafft mit seinen teilweise sehr amuesanten und ehrlichen Texten und den spielerisch ausgearbeiteten Songs. Mit einfachsten Mitteln schafft es dieser Mann Melodien zu erschaffen, die sich in meine Herzkammern bohren und mir ein subtiles Lächeln ins Gesicht zaubern…Daantje besticht immer durch seinen Charme und seine authentische Art…”. Dem ist auch heute nichts hinzuzufügen. Man glaubt hin und wieder Rio Reiser zu hören und manchmal blitzen Regener´s Element Of Crime hinter den runden Brillengläsern von Joachim Zimmermann hervor.

Gisbert zu Knyphausen und Band kommen danach schnell auf die Bühne und nach einer herzlichen Begrüßung, scheinbar schüchtern, geht es behutsam los. Man gibt an, nach vielen Tagen auf Tour etwas müde zu sein. Pustekuchen! Im Verlauf des Konzerts zeigen die Musiker eine Dynamik und Konzentriertheit, die sofort eine Brücke zum Publikum schlägt, so daß sich eine unsichtbare aber im Innern und der Luft spürbare Verbundenheit entfaltet. Da oben spielen welche von uns. Seelenverwandte. Gisbert (auch der Einfachheit halber bleibe ich jetzt beim Vornamen) taumelt zwischen Trotz und Wehleid hin und her. Der Melancholiker vergräbt seine nackten Füße im Sand. Er singt Traurigkeit und unendlich echt. Berührend, an der Seele nagend. Es sind Zeilen wie “Was hast du der Menschheit jemals Gutes gebracht? / Außer Musik und Kunst und billigen Gedichten? / Hast du darüber schon mal nachgedacht? Ach, fick dich ins Knie, Melancholie / du kriegst mich nie / klein…” (aus “Melancholie).

Gepackt hat sie ihn dennoch, obgleich er diesen Song, wohl der bekannteste von Gisbert zu Knyphausen, heute abend gar nicht spielen wird. Statt dessen steht er nach der ersten Pause am Ende dieses wunderbaren Konzertabends alleine mit seiner Gitarre auf der Bühne und singt: “Verschwende Deine Zeit (Gisberts Blues nr.135)”. Danach ist erneut die gesamte Band wieder da und die Fünf legen nochmals ordentlich los. Die angesprochene Melancholie, sie zieht sich durch die fein gesponnenen Geschichten, sogar durch die wütend lärmenden Ausbrüche (z.B. “Grau, Grau, Grau”, “Sommertag”). Alles an dieser Musik ist so gnadenlos ehrlich, manchmal pessimistisch, aber immer auch verdammt nochmal so hoffnungsvoll wie ein Regenbogen an einem nassen Tag im Herbst. Es wird warm in der Halle der Centralstation, die nahezu komplett voll ist.

Gisbert steht vorne am Bühnenrand, umrahmt von seiner kongenialen Band und versprüht diesen speziellen Charme, diese Herzenswärme und Kumpelhaftigkeit, so dass man sich wünscht er würde danach noch zu einem Bierchen einladen und bis zum nächsten Morgen über die großen Fragen des Lebens sinnieren, in irgendeiner gemütlichen Kneipe wie wir sie von früher kennen und wo uns der eisige Februarwind nicht erwischen kann, obwohl er ja wie der bucklige Winter,vermutlich die Antworten bereits kennt. Seine Lieder verströmen den rauen Duft von Hafenromantik, der aus der Großstadt herüber zieht. Fast alle Songs der beiden Platten werden heute gespielt und es ist ein Wechselbad der Gefühle, Gänsehaut die über die Arme bis in den Nacken empor kriecht. Füße die nicht still stehen wollen. Lieder wie “Kräne”, “Morsches Holz”, bei dessen Ankündigung Gisbert zuerst auf seine Akustikgitarre klopft und anschließend schelmisch grinsend an seinen Kopf. Es sind diese kleine Gesten, die ihn so liebenswert und sympathisch machen.

“Dreh Dich nicht um” (auch Solo) oder auch “Kleine Ballade”, “Der Blick In Deinen Augen” gehen so tief ins Herz, setzen sich dort fest und wollen nie wieder weg. Etwa in der Mitte des Sets wird den Anwesenden dann überraschend ein bislang unbekannter, irgendwie apokalyptischer, Song (“Der tödliche Schlag”) “zugemutet”, den Gisbert mit Gunnar Ennen für ein kleines Theaterstück geschrieben hat. Vor allem textlich keine leichte Kost (“Tausend Jahre Evolution führten uns immer nur zu besseren Waffen. Wir Menschen, den Göttern zum Hohn, sind nichts als waghälsige Affen. Es ging mal um irgendwas mit Ehre. Oder geht´s schon immer nur ums Verrecken? Selbst wenn das jetzt wichtig wäre, es ist zu spät sich zu verstecken. … Gebt meiner Mutter einen Kuss und wenn ich sterbe, verstreut meine Asche überall. Nur nicht hier! Nur nicht hier! Nur nicht hier!…”), auch in seiner musikalischen Umsetzung unglaublich intensiv.

In der zweiten Hälfte des Konzerts folgen weitere Songs und Arrangements von großer Intensität und das intime dringliche Gefühl dieser wirksamen Poesie der gesammelten Lieder der beiden Alben dieses jungen Liedermachers schiebt sich durch unsere Adern zu den Herzen und den Köpfen. Selbst ohne die starke Sprache in einem ausufernden Jam, inmitten eines Songs, taumeln die Musiker hypnotisch einem Inferno entgegen.

Das letzte Lied vor der ersten Pause gibt uns Gisbert sogar ungewohnt ohne sein Instrument, sondern nur mit dem Mikro in der Hand. Er tanzt und kreiselt dabei über die Bühne wie er es bei den schnelleren Momenten heute immer wieder macht. Still steht er nicht. Er und seine Band leben diese Musik und entlassen dann schließlich irgendwann später die emotional berührte Zuhörerschaft in die kalte Nacht hinaus. Gisbert, Wir sind hier, weil Du auch hier bist!