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Julia Zange

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Zebrahead und Skindred als Co-Headliner in Köln

Es ist Dienstag Abend, der 14.12.2016. Eine lange Schlange voller rauchender, Bier trinkender, frierender in T-Shirt stehender Menschen wartet ungeduldig auf den Einlass in die alte Essigfabrik Köln, die nun seit langen zu einer der beliebtesten Konzerthallen in der Kölner Innenstadt zählt.

Der Abend wir eingeleitet mit der aus Kalifornien stammende Punk Band Zebrahead. Diese startet das Konzert mit ihrem ersten Song „Save Your Breath“. Doch von einem langsamen Einstieg kann hier nicht die Rede sein. Die Fans beginnen zu toben und innerhalb der nächsten Lieder „Hell Yeah“, „Call Your Friends“ and „Drink Drink“ entstehen im 10 Sekundentakt, immer wieder neue Moshpits die in ihrer Größe variieren. Zebrahead scheint begeistert von dem Szenario zu sein und behauptet, das Köln ihre große Liebe auf jeder Europatour ist. „We fucking love this city close to the Rhine. It’s everytime beautiful up here.“ Und da die Fans eh schon quer durch die Menge fliegen, warum dann nicht auch noch Crowdsurfen? Frontsänger Matty Lewis verkündet den Geburtstag von einem der Security Männer. Sein Geburtstagswunsch ist es, so viele Fans wie möglich durch die Menge Crowdsurfen zu sehen. Zebrahead untermalt dies mit ihrem Song „Sirens“ und schon entsteht ein laufbandartiges Gefüge von durchgeschwitzten Fans die durch das Publikum getragen werden. Eine glorreiche Atmosphäre schwebt in der Luft, doch dann passiert das Unfassbare. Während des Moments der Euphorie werden einigen Fans ihre Wertsachen entwendet. Vorerst bekommt man nur einige Einzelfälle mit, bis sich später herausstellt, dass eine Gruppe von Taschendieben geplant auf diesem Konzert die eng aneinander stehenden Fans, die sich in Sicherheit und Vertrautheit wägen, ausnutzen.

Doch von all dem bekommt die Band und auch ein Großteil der Menge nichts mit und feiert begeistert weiter. Inspiriert von den vielen Crowdsurfern springt nun auch ein Barmann in ein riesiges Schlauchboot und paddelt quer durch die tobende Masse. Weitere Moshpits folgen und mit dem Song „Anthen“ wird das Konzert von Zebrahead eskalativ abgeschlossen. Laut ertönt aus Boxen „I Will Always Love You“ von Whitney Houston und die Fans beginnen leidenschaftlich richtung Bühne zu singen und zu performen.

Nach einer 30 minütigen Pause geht es weiter mit dem zweiten Akt Skindred. Die fünf Briten betreten die Bühne, während die letzten Töne des derweils abgespielten „Imperial March“ laufen. Mit „Under Attack“ überzeugt die Band gleich zu Beginn ihres Auftritts mit einer gekonnten Mischung der Genre Raggea und Metal, wobei die teils aggressiven Gitarrensounds des optisch an ZZ Top erinnerten Mikey Demus den Groove der Musik perfekt untermalen und in Kombination mit der extrem vielseitigen und trotzdem charakteristischen Stimme des Sängers Benji Webbe sogleich begeistern. Webbe versucht das durch Zebrahead bis zum Äußersten geforderte und sichtlich erschöpfte Publikum von Beginn an in das Geschehen mit einzubinden und mitzureißen.

Ruhepause? Nicht mit Skindred! Falls Frontsänger Webbe der Auffassung ist, dass nicht genug Menschen im Publikum zu den Beats der Band auf- und abspringen wird der soeben angespielte Song im Zweifelsfall noch ein zweites oder auch ein drittes Mal neu begonnen, sodass sich schließlich auch der Großteil der Fans noch einmal aufrafft.

Mit dieser Beharrlichkeit verlangt Webbe den Zuhörern noch ihre letzte Energie ab und verwandelt so die Essigfabrik mit Songs wie „Rat Race“, „Ninja“ oder „Pressure“ schließlich ein weiteres Mal in eine riesige Party. Dabei wird das Publikum eine abwechslungsreiche Show geboten in welcher zwischen harten Metalriffs und Reggae Tönen auch der Beat von Justin Bieber’s Pophit „Sorry“ gespielt wird, welches Webbe mit einem lauten „FUCK THIS SHIT“ kontert. Das Publikum scheint diesbezüglich ganz seiner Meinung zu sein und stimmt mit ein.

Das rundum stimmige Programm neigt sich mit dem Lied „Warning“, bei welchem die Zuhörer aufgefordert werden ihre Shirts durch die Luft kreisen zu lassen, dem Ende zu und findet schließlich in einer letzten Perfomance zusammen mit den beiden Sänger  Ali Tabatabaee und Matty Lewis von Zebrahead, einen würdigen Abschluss.

Pixies

Die Kultband Pixies in Köln, 24.11.2016

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Die amerikanische Independent-Band Pixies, die in der heutigen Konstellation von Black Francis, Joey Santiago, David Lovering und Paz Lenchantin besteht, fanden am Donnerstag, den 24.11.2016 ihren Weg ins Palladium – eine der größten Konzerthallen in Köln. Sie sind auf Tour mit ihrem neuen Album „Head Carrier“, welches 2016 veröffentlicht wurde. Nach der Gründung der Band im Jahre 1986, damals noch mit der Bassisten und Sängerin Kim Deal, kamen in den 80ern und 90ern die Alben „Surfer Rosa“ und „Doolittle“ heraus, mit denen die Pixies Popularität erlangten. Ihr damals einzigartiger Musikstil gilt heute als einer der einflussreichsten für die Entstehung der Musikrichtungen Grunge, Indie- und Alternative Rock.

Auf dem Weg zum Palladium spricht man mit den ersten Fans über den Verlauf des kommenden Abends. Man erhofft sich, dass trotz des neuen Albums auch die alten Lieder gespielt werden, denn ein Großteil der Menschen die an diesem Abend da sind, sind diejenigen die den dreckigen Rock aus der Frühzeit der Pixies feiern und mit ihrer Jugendzeit verbinden.

Während man sich schnell noch ein Bier kauft, beginnt die Band überraschender Weise mit ihrem Kulthit „Where Is My Mind?“. Irritierte Blicke sind von allen Seiten zu erkennen. „Where Is My Mind?“ von dem ersten Album „Surfer Rosa“ wurde definitiv als Zugabe für das Konzert eingeordnet. Schnell wird das Lied herunter gerattert, welches den Eindruck erweckt, als wolle die Band das Lied, welches sie nun auch nicht weglassen kann, schnell hinter sich bringen. Während man sich durch die Menge kämpft, folgen die Songs „The Holiday Song“ und „Nimrod’s Son“ von den Alben „Come On Pilgrim“ und „Indie Cindy“. Vorne in der 2. Reihe angekommen, steht man in Mitten eines Publikums, das sich ziert auf einem Konzert von einer der einflussreichsten Bands zu tanzen. Von Hinten wird ein 1,60 m großes Mädchen kritisiert, weil es zu der rockigen Musik springt und damit die Sicht behindert. Unfassbar, aber wahr. Doch mit der Zeit kommt Bewegung ins Spiel und der erste Moshpit wird in der Halbzeit des Konzerts zu dem Lied „Debaser“ eröffnet. Man freut sich über die Präsens der alten Musik, die das Konzert im Stil des alten dreckigen Garagenrocks aufleben lässt.

Vom neuen Album „Head Carrier“, welches musikalisch poppigere Nuancen bietet, werden 8 von 12 Lieder gespielt, die wunderbar in das 2 stündige Konzert mit 29 Songs passen. Besonders werden „Onna“ und „Talent“ von den Newcomer Album gefeiert. Aber auch zwei Cover, unter anderem „Winterlong“ von Neil Young rocken die Pixies auf der Bühne. Obwohl die Menge in Stimmung kommt, merkt man, dass die Band sich nicht mehr in ihren goldenen Jahren befindet. Ihre Songs werden hintereinander abgespielt, ohne dass eine wirkliche Interaktion mit dem Publikum stattfindet. Als einer der wenigen interaktiven Momente lässt sich das 3 minütige E-Gitarren Duett von Black Francis und Joey Santiago beschreiben, bei dem man das erste Mal das Gefühl hat, dass nun auch die Akteure auf der Bühne in ihrem Tun richtig aufgehen und auf den zwischenzeitigen Applaus ihrer Fans reagieren.

Abgeschlossen wird das Konzert mit der Zugabe  „Into The White“ vom beliebten Album „Doolittle“, die den Abend impulsiv abschließt. Durchgeschwitzt, glücklich und außer Atem verlässt man den Saal. Doch eine kleine Enttäuschung macht sich breit, denn man hätte sich zum Ende hin doch viel lieber gefragt „Where Is My Mind?“, anstatt direkt zu Beginn mit dieser Frage konfrontiert zu werden.

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Die Crystal Fighters im E-Werk Köln

Eine Stunde warten die Fans der Crystal Fighters gespannt auf den Beginn des Konzerts. Und um 21 Uhr ist es soweit, die englisch baskische Electronic Band aus London betritt die Bühne. Frontsänger Sebastian Pringle, gekleidet in einem bunten Poncho begrüßt begeistert die gefüllte Konzerthalle. An seiner Seite Eleanor Fletcher und Clarissa Land die tanzend in bunten Röcken und Blumen im Haar ins Publikum lächeln. Und auch Gilbert Vierich und Graham Dickson erscheinen mit bunten Hüten und breitem Lächeln. Die Menge jubelt und beginnt zu den ersten Liedern zu tanzen. Vor allem bei Songs wie „All Night“ von dem neuen Album „Everything is my family“ verlieren sich die jungen Mädchen mit glitzernden Gesicht und Haar in der hippieangehauchten Musik.

Der Titel des neuen Albums steht prägend für das Motto der Crystal Fighters, welches Pringle nach der Hälfte des Konzerts verkündet. „Love, Peace and Family“–  Der gesamte Saal soll sich an dem Händen halten, während die Band mit ihrem Song „Love Is All I Got“ einsteigen. Ein leicht übertriebendes Szenario, welches mehr gewollt als authentisch wirkt. Die Hippiezeit der 68er ist längst passé und auch die Musik ist nicht mehr rocklastig, sondern formt sich aus einer Mischung von Trivialpop, electronischer Musik und kulturellen Tönen aus dem Baskenland zusammen. Allerdings wird dieser einzigartige Musikstil von der breiten Masse gefeiert – und zwar ordentlich.

So ist der Saal gefüllt mit Schul- und Studentencliquen, Familien oder Pärchen jeder Altersklasse. Es geht um eine gute Party und einen Abend der Gemeinschaftlichkeit. In Mitte der Menge wird mit Konfetti geworfen und auch nach dem Konzert findet man Glitzerpartikel an seiner Kleidung wieder, die während des Auftritts quer durch das Publikum gestreut wurden. Neben der Musik begeistert die Band außerdem mit ihrer bunten und abwechslungsreichen Bühnenshow. Das Bühnenbild ist kreativ und farbenfroh gestaltet. Um die Mikrofonständer wachsen Efeuranken, die mit verschiedenen Fahnen bestückt sind. Und auch das Bühnenlicht erstrahlt im verschiedenen Farben, wie blau, rot oder orange.

Nach der Performance des Megahits „You & I“, folgen die Zugaben mit den Liedern „Plage“ und „Xtatic Truth“, die das kunterbunte Konzert erfolgreich abschließen. Zufrieden verabschiedet sich die Band und bedankt sich für den wundervollen Abend im E-Werk Köln.

 

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Never Miss A Beat – Die Kaiser Chiefs rocken Köln

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Mit Beginn der deutschen Vorband „Pictures“ begibt sich die gefüllte Essigfabrik in Stimmung auf das kommende Kaiser Chiefs Konzert. Die in 2014 gegründete Indie-Rock Band begeistert mit Liedern wie „Here I Come“ und gewinnt mit ihrer stimmungsvollen Musik das Publikum für sich. Die „Pictures“ zeichnen sich als optimale Vorband für die Kaiser Chiefs aus, indem sie vom Sound und der Optik an die Kaiser Chiefs erinnern, aber trotzdem mit einem einzigartigen Stil überzeugen.

Nachdem das Publikum in eine kurze Raucherpause geschickt wurde, betreten nun auch die Kaiser Chiefs die Bühne. Frontsänger Ricky Wilson in einer roten Biker Lederjacke, für die er wohl von fast jedem im Saal beneidet wird, begrüßt herzlich die Menge und schon beginnt die Band mit ihrem ersten Song „We Stay Together“ von dem gleichnamigen neuen Album, welches 2016 veröffentlicht wurde. Nach dem eher sanften Einstieg geht es weiter mit „Everyday I Love You Less And Less“ und schon fliegt das Mikrofon in die Höhe und wird um die Beleuchtungsleiste der Bühne geschwungen.

Ziemlich cool peformt Wilson weiter mit dem von oben herunterhängenden Mikrofon. Trotz der grandiosen Bühnenpräsenz kommen Lieder wie „Everything is Average Nowadays“ oder „Angry Mob“ akustisch mittelmäßig rüber. Dafür begeistern die britischen Jungs allerdings mit ihren rockigeren Liedern wie „I Predict A Riot“, bei dem sowohl die Band, als auch Publikum völlig eskalieren. Als absoluter Favorit stellt sich aber wiedermal „Ruby“ heraus, der größte Hit der Kaiser Chiefs, der die Kölner Essigfabrik beben lässt.

Und auch die poppigeren Lieder von ihrem neuen Album „We Stay Together“ kommen zur Geltung. „Hole In My Soul“ und „Parachute“ bringen einen discoartigen Sound in die Essigfabrik, bei dem das Publikum gelassen Hin und Her wippt. Der neue Sound scheint anzukommen, aber keineswegs so gut wie die rockige Version der britischen Band.

Nach Verlassen der Bühne wird nach einer Zugabe verlangt. Einige Sekunden lassen die Kaiser Chiefs auf sich Warten, bis sie dann doch schelmisch grinsend wieder die Bühne betreten und passender Weise das Lied „Misery Company“ trällern mit der Textpassage in der bösartig gelacht wird. Und doch gibt es noch eine weitere Zugabe mit dem Song „Oh My God“, der davon handelt, dass man noch nie so weit weg von Hause war und sich gleichzeitig auch noch nie so wohl und angekommen gefühlt hat. Möglicherweise gilt dies auch für die Kaiser Chiefs und ihre Tour 2016.

THEATER BONN: EVITA

Das Musical Evita im Opernhaus Bonn

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Argentinien in den 50er Jahren. An der Macht Juan Perón, der mit seiner Diktatur versucht, das durch Kapitalismus und Kommunismus gespaltene Volk zu vereinen und neu aufzubauen. An seiner Seite Eva Perón, die ihn zu seinem politischen Erfolg verhilft und sich selbst als einer der ersten Frauen öffentlich in der argentinischen Politik inszeniert.

Als uneheliche Tochter, wird die geborene Eva Duarte von ihren bürgerlichen Verwandten abgelehnt und entwickelt schon in jungen Jahren eine Abneigung gegen die wohlhabende Klasse. Durch den Musiker Magali schafft sie es aus ihrem Heimatdorf auszubrechen und in die Großstadt Buenos Aires zu kommen. Trotz hoher Wahrscheinlichkeit dort zu scheitern, erklimmt Eva die Karriereleiter mit Biss und Ehrgeiz. Erst als Model, dann beim Radio und zu guter Letzt als Filmschauspielerin. Der Wille Jemand zu werden, bringt sie soweit dass sie eines Tages den Politiker Juan Perón begegnet und auch ihn in ihren Bann zieht. Kritisch beäugt wird sie von Ché, der Evita als eine egozentrische Selbstdarstellerin wahrnimmt, anstatt einer Heiligen, die das argentinischen Volk rettet.

Erstmals aufgeführt wurde das Musical Evita 1978 in London. Entstanden durch die Zusammenarbeit von Tim Rice, der die Texte schrieb und Andrew Lloyd Webber, der die Musik komponierte. Nun ist es soweit, dass die Geschichte der Eva Perón alias Evita auch ihren Weg ins Bonner Opernhaus findet. Ins Deutsche übersetzt von Michael Kunze. Verkörpert wird Evita von Bettina Mönch, die bereits in Musicals wie Aida, Les Miserablés oder Shrek zu bewundern war. Mit einer starken Stimme und einem Talent für Wandelbarkeit nimmt sie die Zuschauer für sich ein. So wird sie von einem brünetten eher unscheinbaren Mädchen, zu einem blonden Shootingstar in Glanz und Glamour und von da aus zu einer selbstgefälligen Herrscherfigur.

An dieser Stelle sind auch die Kostüme zu loben, die die Rolle der Evita ganz nach dem Motto: „Hands! Magic! Rings! Glamour! Face! Diamonds! Excitement! Image!“ in Szene setzen. Da Mode ein wichtiger Bestandteil der Rolle ist, wird hier nicht an Kreativität gespart. Spätestens beim Anblick des glitzernden Märchenkleides, verfällt jeder der Kunst des Designers. Neben den aufwendigen Kostümen ist das Bühnenbild vergleichsweise einfach gehalten. Allerdings genau passend. Besonders schön ist, dass die Band nicht im Orchestergraben versinkt, wie bei anderen Produktionen, sondern auf der Bühne rechts und links zusehen ist.

Die Rolle des Revolutionärs Ché wird von David Jakobs gespielt, der bereits Bühnenerfahrungen im Pina Bausch Theater, in Hair oder Jesus Christ Superstar sammelte. Jakobs wirkt auf der Bühne schauspielerisch und gesanglich grandios. Man möge meinen, sein Gesang übertrumpfe sogar den, der Hauptdarstellerin. Sein dynamisches Spiel und der Sympathiebonus seiner Rolle formen den Darsteller zum Publikumsliebling.

Das Ensemble, stellt den Klassenkampf dar. So verkörpert es zum einen den hochnäsigen Adel und zum anderen die frustrierte Arbeiterschaft, die nach Hilfe sucht. Und auch Kinder schaffen es auf die Bühne, in einem Engelchor singen sie „Santa Evita“. Wirklich kitschig, aber doch passend. Man möge fast sagen, es sei herzerwärmend.

Dieses Musical ist zum Einen darstellerisch sehenswert und zum Anderen regt es dazu an, sich mit dem geschichtlichen Aspekt weiter zu befassen. Es erwartet einen ein glamouröser Abend, der auch für Studenten erschwinglich ist, da dieses Musical im Vergleich zu anderen Produktionen wirklich preiswert ist, was aber keineswegs mit der Qualität des Stückes zutun hat.

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Bodyguard – Der Neue Musical Blockbuster in Köln

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Jeder kennt die herzergreifende Liebesgeschichte aus dem Film „Bodyguard“, in dem sich das Popsternchen Rachel Marron (Whitney Houston) in ihren Bodyguard Frank Farmer (Kevin Costner) verliebt. Während der engagierte Bodyguard Frank Farmer versucht, Rachel Marron vor einem unbekannten hochintelligenten Stalker zu beschützen, weigert sich die Pop Diva vorerst gegen die aufdringlichen Sicherheitsvorkehrungen, die ihren Alltag größtenteils einschränken. Doch mit der Zeit erkennt auch sie die Ernsthaftigkeit der bedrohenden Lage und lässt sich auch die verschärften Sicherheitsvorkehrungen ein. Allein in Deutschland begeisterte der Kinohit über 6 Millionen Zuschauer. Nun wird die dramatische Liebesgeschichte mit den bekanntesten Hits von Whitney Houston wieder zum Leben erweckt. Seit November 2015 ist die Londoner Originalproduktion im Kölner Musical Dome in deutscher Sprache zu erleben.

Der Soul- und Popstar Rachel Marron wird von der ­aus Berlin stammenden Patricia Meeden­ gespielt, die bereits Bühnenerfahrungen an der staatlichen Ballettschule Berlin, der Deutschen Oper sowie der Staatsoper Unter den Linden sammelte. Mit ihrer überzeugenden Bühnenpräsenz und einer voluminösen Stimme macht die Berlinerin mit kubanischen und dänischen Wurzeln der Musik Legende Whitney Houston alle Ehre. Komplett in Gänsehaut verfällt man wenn P. Meeden „I Will Always Love You“ singt und mit Dampf in die Höhe getragen wird.

Der Bodyguard Frank Farmer wird von dem Berufsschauspieler Jürgen Fischer verkörpert, der Kevin Costner nicht nur optisch ähnelt, sondern auch seine Rolle glaubwürdig darstellt. Gesang wird in dieser Produktion leider nur im geringsten Maße von ihm verlangt, wenn er Rachel ein schiefes Ständchen in einer Karaoke Bar vorsingt. Schade, denn der gute Mann ist dank einer Gesangsausbildung in der Lage die Töne zu treffen.

Umso mehr beweist Jessica Mears, was sie musikalisch drauf hat. Die erfolgreiche Musicaldarstellerin, die auch schon in Produktionen wie König der Löwen, Dirty Dancing, Aida und We Will Rock You mitwirkte, übertrumpft selbst die Hauptdarstellerin in ihrem Gesang. Sie verkörpert die Rolle der Nicki Marron, die eifersüchtige Schwester des Popsterns. Überzeugend ist sie vor allem in der Szene, als sie in einer gemütlichen kleinen Bar als Sängerin mit dem Song „Saving All My Love For You“ auftritt und damit auch den Hauptdarsteller Frank Farmer in ihren Bann zieht.

Neben der schauspielerischen Leistung ist besonders das aufwendige Bühnenbild zu loben. So verwandelt sich die Bühne von einer Karaoke Bar in ein Wohnzimmer, von da aus in einen Konzertsaal und zu guter Letzt wird sogar eine zweistöckige Holzhütte auf die Bühne gestellt.

In Kombination mit dem detailgetreuen Bühnenbild ist auch das Spiel realistisch und modern inszeniert. Vor allem sticht dabei die Szene in der Karaoke Bar hervor, in der ein Teil des Ensembles Gäste spielt, die mit ihrem Smartphones Selfies von sich machen und in späteren Szenen betrunkene Fans auf Rachels Konzerten verkörpern. Das Spiel ist unterhaltsam und gleichzeitig beeindruckend, wenn die betrunkenen Fans wieder zu ausgezeichneten Tänzern werden. Vor allem bei Liedern wie „I Wanna Dance With Somebody“, welches zum Schluss nochmal ertönt, scheinen auch die Musical Besucher Lust zu haben sich zu bewegen. An Digitalisierung fehlt es der modernen Produktion außerdem nicht, denn der Attentäter erscheint vorerst auf der Leinwand im Filmformat. Erst später sieht man ihn leibhaftig bei dem Versuch des Attentats auf der Oscar Verleihung.

Für Musicalfans ist Bodyguard ein absolutes Muss. Aber auch für Konzertgänger, die ihren Horizont erweitern wollen, ist das moderne Musical empfehlenswert. Es erwartet einen ein glamouröser Abend mit ausgezeichnetem Gesang, einer atemberaubenden Tanzdarbietung und einem erstaunlich guten Bühnenbild.

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It don’t mean a thing, if you ain’t got that swing – Parov Stelar in Düsseldorf

Am Konzerteingang erkennt man die ersten Fans, verkleidet im Stil der 20er Jahre. Männer mit weißen Hemden und Hosenträgern sowie Frauen mit schwarzen Kleidern, Federboa und Wasserwelle rauchen ihre letzte Zigarette, bevor sie die Location betreten.

Das Konzert startet mit der aus Rumänien stammende Vorband Golan, die mit Schlagzeug, Gesang, Trompeten und elektronischen Beats einen angenehmen melancholisch verträumten Sound kreiert. Man lauscht den melodischen Electro Klängen und trinkt in Ruhe noch sein letztes Bier aus, bis es dann um 21 Uhr mit dem Hauptakt losgeht.

Auf der Bühne erscheint der erfolgreiche Electroswing Pionier Marcus Füreder alias Parov Stelar zusammen mit der Frontsängerin Cleo Panther und seinen Live Musikern. Es verschmelzen Gesang, Schlagzeug, Bass, Trompete und Saxophon mit den elektronischen Beats und Samples zum unverkennbaren Sound des Electroswings.

Während „Clap your hands“, „Catgroove“ und „All night long“ schwingen die Fans energisch ihre Hüften. Auch die jungen schlaksigen Männer mit ihren Hipster-Brillen bewegen sich leicht zu der swingigen Musik.

Cleo Panther, die mit rauer Stimme das Publikum für sich einnimmt, weiß sich gekonnt auf der Bühne zu bewegen – und es scheint, als sei man auf diesem Konzert in eine andere Zeit zurück versetzt. (Oder zumindest in den Film „The great gatsby“).

Auch die Soli des Saxophonisten begeistern das Publikum um ein Weiteres. Doch neben der swingigen Musik und der Bühnenperformance elektrisieren vor allem die Bilder und Lichter. So verwandelt sich die Bühne bei dem Song „Invisible Girl“ in einen wunderschönen Sternenhimmel.

Mit einem der letzten Lieder vor der Zugabe „Jimmy’s Gang“ tanzt die Menge nochmal was das Zeug hält, bis es dann zu der endgültigen Zugabe „Timeline“ kommt, welche erst vor ein paar Wochen ganz neu entstanden ist. Dankend verabschiedet sich die Parov Stelar Band nach 1 ½ Stunden Konzert und was bleibt ist ein zufriedenes Publikum.