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Coldplay

Coldplay - Moon Music artwork

Mondfahrt

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Coldplay haben sich leider schon lange von der innovativen Herangehensweise verabschiedet, die so geniale Alben wie „A Rush of Blood to the Head“ und „Viva la Vida or Death and All His Friends“ hervor gebracht hat. Spätestens seit „Music of the Spheres“ versinkt jeder Song im poppigen Einheitsbrei. Da ist „Moon Music“ keine Ausnahme, wenn es auch durchaus spannende Momente gibt.

„Moon Music“ hält nämlich das, was „Music of the Spheres“ im Titel verspricht: Es gibt sphärische Klänge, die das Albumkonzept zusammenhalten. Diese Idee haben Coldplay konsequent auf ihren Livekonzerten vergangenen Sommer verfolgt, als es instrumentale Zwischenspiele mit großen Keyboardflächen gab.

In knapp 44 Minuten Länge mit zehn Tracks bekommen wir vor allem radiotauglichen Mainstream-Pop. Da ist beispielsweise der aktuelle Hit „feelslikeimfallinginlove“, der sich in allerlei Playlists geschlichen hat. Genau das, was Fans heutzutage von Coldplay erwarten – aber keine Überraschung.

Fotocredit: AnnaLeeMedia Webres

Der Opener und Titelsong strotzt vor Melancholie und klingt wie ein SF-Soundtrack. Das rhythmische „We Pray“ glänzt mit chorischen Passagen. Ebenso „Jupiter“, das aber eine überraschend akustische Ausrichtung hat. „Good Feelings“ im Duett mit Ayra Starr ist ein tanzbarer Gute-Laune-Song, der vermutlich auch bald in den Hitlisten auftauchen wird.

Zur Albummitte gibt es eine gut sechsminütige Klangcollage mit vokalen Einsprengseln und Spoken Words – fast schon floydesk, aber am Ende dann doch zu poppig. In der zweiten Hälfte sticht das hymnische „Iaam“ heraus, gefolgt von dem computerverzerrten „Aeterna“, das sich aber zum Schluss überraschend in einen Gospel verwandelt. Auf das orchestrale „All My Love“ folgt schließlich der Longtrack „One World“, der die Schönheit der Welt zelebriert und im Mantra „In the end, it’s just love“ ausklingt. Nach kurzer Pause endet der Track mit seltsamen „Lalala“-Klängen.

Chris Martin sprach kürzlich in einem Video-Post über die Motivation hinter dem Album: „I think what this album is about is a response to struggling with all the conflict within oneself, within myself, and also all the conflict outside, and working out what the best response is. And I think what Moon Music is trying to say is maybe love is the best response.”

Wenn man sich gedanklich davon entfernen kann, wie progressiv Coldplay zu früheren Zeiten waren, bekommt man ein starkes und solides Popalbum mit einem interessanten Konzept. Nicht mehr, aber auch nicht weniger.

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SnowPatrol_Cover

Ein Wohlfühlort der Melancholie

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Beim ersten Durchhören der neuen Platte von Snow Patrol ging mein Music-Account nach dem Ende des Albums ohne Vorwarnung und nahtlos zu den neuen Songs von Coldplay über. Das muss einen Grund haben – hat es auch: Die neuen Stücke der beiden britischen Bands, Snow Patrol aus Glasgow, Coldplay aus London, klingen sehr ähnlich. Seicht, melancholisch, hymnisch, mit smarten Vocals von Gary Lightbody bzw. Chris Martin gesungen.

Eine Überraschung ist das nicht. Die bekanntesten Songs von Snow Patrol, „Run“, das in der Coverversion von Leona Lewis zum Welthit wurde, und „Chasing Cars“ sind echte Schmachtfetzen vor dem Herrn. Und das in absolut positiver Weise, denn ich kann mich daran einfach nicht satt hören. Vor kurzem noch live in Luxemburg. Grandios!

Das neue Album „The Forest Is The Path“ musste sechs Jahre reifen. Zur Halbzeit zwischen „Wildness“ und dem neuen Release gab es ein recht sinnloses Machwerk mit dem Titel „Reworked“. Die Compilation mit neuen Arrangements wollte bekannte Stücke auf Wesentliches reduzieren, doch die elektronischen Spielereien beispielsweise bei „Run“ konnten mich nicht überzeugen. Manche Neufassungen waren nett, aber kaum nachhaltig. Dann lieber die Originalfassungen.

Die EP „The Fireside Sessions“ mit fünf Songs aus dem Lockdown war hingegen sehr überzeugend. Besser noch als das „Wildness“-Album. Hymnische Balladen voll Ruhe und Melancholie. Eine Stimmung von Isolation und Einsamkeit zog sich durch die EP und wurde von akustischer Einfachheit und eindringlichen Lyrics getragen.

„The Forest Is The Path“ setzt diese Idee nun fort. Solide Klangarbeit statt Experimente. Die intensive Ballade „Never Really Tire“ klingt wundervoll. „These Lies“ überzeugt ganz reduziert zu Pianoklängen, das akustische Britpop-Stück „Talking About Hope“ schleicht sich in die Gehörgänge – gerade im letzten Drittel würde man den Sänger in seiner Schwermut gern in den Arm nehmen.

Fotocredit: Tom Beard

Die nun aus dem Trio Gary Lightbody, Nathan Connolly und Johnny McDaid bestehende Band gab mit der ersten Single „The Beginning“ einen Vorgeschmack auf dieses außergewöhnliche neue Album, gefolgt von “This Is The Sound Of Your Voice” und dem Fan-Favoriten “All”. Das Projekt enthält zwölf Tracks über Reflexion, Selbstbeobachtung und Hinterfragung. Eines der wichtigsten Themen, sagt Gary, war die Idee der Liebe aus der Distanz der Zeit.

„Ich war schon sehr lange nicht mehr in einer Beziehung, zehn Jahre oder mehr, also bedeutete Liebe aus der Ferne für mich die Art und Weise, wie sich eine Beziehung aus einer Entfernung von, sagen wir, zehn Jahren in deinem Gedächtnis festsetzt. Wenn man verliebt ist, steht man in der Lobby des Empire State Building und wenn man mit dieser Person Schluss gemacht hat, steht man auf der Straße. Du kannst das Gebäude immer noch sehen, aber du bist nicht mehr da drin“, erklärt Lightbody.

In seiner Melancholie ist „The Forest Is The Path“ das perfekte Album für den Herbst. Man kann sich an ihm wie am offenen Kamin wärmen und 50 Minuten lang den Geschichten von Liebe und Herzschmerz folgen.

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CLASSIC ROCK RENAISSANCE_HI RES

Erweiterte Neuauflage eines Kultalbums

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Ursprünglich erschien das Album „Classic Rock“ des London Symphony Orchestra im Jahr 1978. Damals war ich neun Jahre alt und habe vor allem Vader Abraham und die Schlümpfe gehört, nun gut. Die Aufnahmen verschafften dem renommierten Orchester weltweite Aufmerksamkeit in einem ganz neuen Musiksegment und führten zu einer umjubelten Tournee mit einem Publikum, das vorher einen großen Bogen um Streicher und Holzbläser gemacht hatte.

Das Projekt war so erfolgreich, dass bis 1985 ganze sechs Alben erschienen sind, die Rock- und Popsongs in die klassische Musikrichtung überführten. Das Genre „Crossover“ war erfunden, das bis heute sehr erfolgreiche Blüten treibt. Das ursprünglich von den Produzenten Don Reedman und Jeff Jarratt entwickelte Konzept avancierte zu einem bahnbrechenden Phänomen und wurde in Großbritannien mit Platin ausgezeichnet.

In drei Stunden und elf Minuten Gesamtlänge werden nun bei der Neuauflage 32 dieser zeitlosen Titel in remasterter Form auf drei Silberlinge gepresst und um sechs brandneu eingespielte Titel ergänzt. Damit bekommt man die ganze Breitseite von Rockmusik aus sechs Jahrzehnten.

Das Album startet mit einem sanft instrumentierten „Human“ von Rag ’n‘ Bone Man und es folgt das unvermeidliche „Viva La Vida“ (Coldplay), das die orchestrale Umsetzung schon im Original-Arrangement mit sich trägt und hier auf die Spitze treibt. Adeles „Hello“ passt mit getragener Schwere in diese Linie. Dann fährt Queens „Somebody To Love“ groß auf, das durch bombastische Chöre der Royal Choral Society ergänzt wird.

Nach diesem starken Quartett läutet „Whola Lotta Love“ die Zusammenstellung der bekannten, zum Teil über 40 Jahre alten Klassiker ein. Die Highlights habe ich noch von meinen Musikkassetten aus den 80er Jahren im Ohr: „Life On Mars“ und „Baker Street“, „Bohemian Rhapsody“ und „Stairway To Heaven“ in fulminanter Größe, „Another Brick In The Wall“ und „Get Back“. Bei „Nights In White Satin“ ist Justin Hayward himself mit an Bord und „Pinball Wizard“ wird durch die Mitwirkung von Pete Townshend als Vokalist verfeinert.

Auch mit der Verklärung einiger Jahrzehnte ist nicht alles perfekt, was das LSO hier eingespielt hat. Oft überlagern die Koloraturen den Song so stark, dass man ausrufen will: weniger wäre mehr. „Life On Mars“ hat mir beispielsweise als Ballade immer besser gefallen. Doch das sind nur Marginalien, schließlich wollte das Orchester sich in epischer Breite zeigen – und das ist allemal gelungen.

Nach Aussage der Verantwortlichen hat sich das Orchester sehr gefreut, mit neuen Aufnahmen in die erweiterte Neuauflage mit einbezogen worden zu sein. Die 38 Stücke strotzen dann auch vor Spielfreude und wirken wie aus einem Guss. Wer auf Classic-Crossover steht, bekommt hier einiges geboten: die Originale aus der Anfangszeit in neuer Qualität und eine Überführung des Konzepts in die Gegenwart. Sehr gelungen!

Coldplay

Coldplay – es fehlt die frühere Magie

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Wenn man Coldplay vorgeworfen hat, mit den letzten Alben dem Mainstream und Chartplatzierungen zu frönen, kann man ihnen mit diesem Werk diesen Vorwurf sicher nicht machen. Kaum ein Song eignet sich als Single-Auskopplung, zumindest nicht für einen Airplayhit. Und das, obwohl jeder Song im Schnitt nur drei Minuten lang ist (16 Songs, 48 Minuten Spielzeit), also bestens ins Radioformat passt.

Schon das Cover lässt erahnen, dass man hier kein gewöhnliches Werk von Coldplay erwirbt. Es zeigt im Fuß ein kleines Orchester, von der Optik her könnte die Aufnahme noch aus dem 19. Jahrhundert stammen. Das Motiv erscheint dann noch mal im Kopf gespiegelt. Dazwischen steht der Albumtitel „Everyday Life“, den Namen der Band sucht man vergeblich, fast so, als wolle Coldplay nicht mit diesem Album in Verbindung gebracht werden oder der Hörer die Musik nicht allzu sehr mit Coldplay vergleichen solle.

Obwohl das Cover auf Nostalgie getrimmt ist, findet sich über den Titel ein arabischer Schriftzug, als wolle die Band der gefühlten Islamisierung des Abendlandes Tribut zollen. Auf dem Album findet sich auch ein بنی آدم betitelter Song. Die Mühe einer Übersetzung bzw. Transkription in arabische(!) Buchstaben hat sich die Band bzw. der Coverdesigner nicht gemacht. So bleibt der Song leider nur ein Lückenfüller, ein unaussprechliches Irgendwas.

Kontrovers zum nostalgischen Cover stehen die Songs, die aktuelle Themen aus dem Alltag, Politik und Weltgeschichte beinhalten. Das ganze säuselt ohne im Ohr hängen bleibende Musik dahin, trotzdem langweilt die Musik nicht und hat, von ein paar penetranten Bläsereinsätzen und einem Ausrutscher ins Hiphop abgesehen, eine beruhigende Wirkung, ja teilweise geradezu besinnlich, aber wie gesagt, ohne Nachgang. Veröffentlicht im November wollte die Band vielleicht auch einen besinnlichen Teil zur Weihnachtszeit abliefern, ob das Album aber auch noch nach dem Jahreswechsel oft in meinem CD-Player rotiert, bleibt abzuwarten.

Vielleicht wollen Coldplay aber auch bloß, wie seinerzeit die Beatles, einen neuen Weg einschlagen. So beginnt das Album mit einem orchestralen, instrumentalen Intro. „Sunrise“ ist damit wohl der untyptischste Coldplaysong. Ob die Fans den Wandel mit „Yeah“ schreien begleiten werden? Die ersten Alben von Coldplay haben mich emotional tief bewegt, unabhängig von den eingängigen Melodien, dieses Album vermag das nicht. Es scheint so, als habe Sänger und Songwriter Chris Martin mit der Trennung von Schauspielerin Gwynneth Paltrow die Magie, bewegende Hymnen und Evergreens zu schreiben, verloren.

Coldplay_live

Coldplay: Live In Buenos Aires – ein „chorisches“ Livealbum

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Auf den Release eines kompletten Konzertmitschnittes von Coldplay haben Fans schon lange gewartet. Im Dezember war es endlich soweit: Der November-Abend 2017, an dem das Live-Album aufgenommen wurde, ist der Abschlussabend der „A Head Full Of Dreams Tour“ und damit ein ganz besonderes Konzert. 5,5 Millionen Zuschauer haben die Tour besucht und sie damit zur dritterfolgreichsten aller Zeiten gemacht.

Der Set beginnt mit den Worten: „I’m sorry, but I don’t want to be an emperor. That’s not my business. I don’t want to rule or conquer anyone. I should like to help everyone – if possible – Jew, Gentile – black man – white. We all want to help one another. Human beings are like that. We want to live by each other’s happiness – not by each other’s misery. We don’t want to hate and despise one another. In this world there is room for everyone. And the good earth is rich and can provide for everyone. The way of life can be free and beautiful, but we have lost the way.“

Das ist der Beginn der Rede, die Charlie Chaplin am Ende der Polit-Satire The Great Dictator (1940) hielt und die heute nicht minder aktueller ist. Bevor Chris Martin bei dem Opening Track auf die Bühne stürmt, endet die Rede aus dem Off mit den Worten: „In the 17th Chapter of St Luke it is written: the Kingdom of God is within man – not one man nor a group of men, but in all men! In you! You, the people have the power – the power to create machines. The power to create happiness! You, the people, have the power to make this life free and beautiful, to make this life a wonderful adventure.“ So starten legendäre Konzerte und Gänsehaut-Auftritte.

Songs wie „A head full of dreams“ bieten Livemomente, die ich mal etwas lapidar als U2-Momente bezeichnen möchte. Die Ähnlichkeit zu den U2 Auftritten Ende der 80er und Anfang der 90er Jahre ist schon frappierend. Man verzichtet (bewusst?) auf einen klaren Livesound, um der Interaktion mit dem Publikum viel Raum zu geben. Für mich macht dies den Mitschnitt zu etwas Besonderem. Ich kann aber auch verstehen, wenn manche Fans lieber einen besseren Sound hätten.

Chris Martin ist ein Meister seines Fachs und hat die Menge fest im Griff. Das wird vor allem deutlich, wenn er seine spanischsprachigen Ansagen unters Volk bringt und argentinische Klassiker wie „De Musica Ligera“ sowie „Amor Argentina“ raushaut. Das Publikum spielt chorisch und enthusiastisch mit. Die Setlist von CD 1 mit „Every Teardrop Is A Waterfall“ und „Paradise“ ist fantastisch. CD 2 startet dann mit „Hymn For The Weekend“, „Fix You“ und „Viva la Vida“ in epischer Breite voll durch. So werden geniale Livealben durchkomponiert.

Ein Fazit? Mir persönlich gefallen das laute Publikum und die Energie des Mitschnitts. Wer die Songs ohne störenden Mitsing-Chor hören möchte, kann ja auf die Studioalben zurückgreifen.

Coldplay_Cover

Coldplay: Optimismus statt Liebeskummer

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Die Stilwechsel von Album zu Album sind seit langem Coldplays Markenzeichen. Vermutlich ist es die akute Gemütsverfassung von Chris Martin, die dem jeweils neuen Werk seine Stimmfarbe gibt. Im Prinzip hat man selbst einen Trend kreiert, den Britpop in eine virtuose, warme, gefühlvolle Richtung geführt und mit Alben wie „A Rush Of Blood To The Head“ sowie „X & Y“ Musikgeschichte geschrieben. Und dann kam das hymnische „Viva La Vida“ mit Anleihen an Radiohead, Travis und vor allem U2. Der musikalische Höhepunkt der Karriere? Es scheint so.

Danach gab es nur noch kleinere Brötchen: „Mylo Xyloto“ sehr experimentell mit elektronischen Pophymnen – und dann als Höhepunkt der Introvertiertheit das vor Selbstmitleid triefende, melancholische „Ghost Stories“. Die Trennung Martins von Gwyneth Paltrow hatte ihre Spuren hinterlassen. Durch solche Phasen muss wohl auch ein weltweiter Superstar durch. Und mental gestärkt kann es mit einem Album weiter gehen, das im Sound ebenso optimistisch klingt wie der Albumtitel „A Head Full Of Dreams“. Selbst das Cover bietet eine kaleidoskopische Farbenfreude.

Wie von Coldplay gewohnt, macht es wenig Sinn, den Longplayer auseinander zu pflücken. Ich kann und will ihn nur als Gesamtkunstwerk betrachten und bewerten. Es gibt eine Reihe lebensbejahender Momente, beispielsweise die Single „Adventure Of A Lifetime“ und das mit Beyoncés Stimme versehene „Hymn For The Weekend“. Ruhiger wird es mit „Everglow“ – und vor allem „Army Of One“ lässt im introvertierten Modus die alte Travis-Melancholie durchschimmern. Nur die stakkato-artigen Streicher, die lange Zeit so symptomatisch für Coldplay waren, sucht man vergebens. Der alte Bombast schimmert aber zumindest beim Abschluss „Up & Up“ durch.

Irgendwie ist „A Head Full Of Dreams“ weder Fisch noch Fleisch. Keine wirklich schlechten Stücke, aber auch keine Ausreißer nach oben. Coldplay haben vielleicht das perfekte Popalbum geschrieben, das dem Massengeschmack unserer Zeit entspricht. Doch wenn ich dann die zahlreichen Fernsehauftritte sehe, fehlt der Enthusiasmus, der Coldplay früher so stark machte. Schade eigentlich.