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Joachim Witt

NDW

Die Hit-Giganten der Neuen Deutschen Welle

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Ende der 70er und Anfang der 80er Jahre gab es die Neue Deutsche Welle (NDW) als deutsche Antwort auf die internationale Bewegung aus Punk und New Wave. Synthesizer waren ein wichtiges Element des musikalischen Ausdrucks, starke, mitunter ungewollt oder gewollt komische Texte, aber auch Anleihen am Schlager, den man für die Jugend hörbar machen wollte.

Mit der neuen Ausgabe der beliebten Sat1-Reihe „Die Hitgiganten“ geht es diesmal auf eine Reise zurück in eben diese 80er Jahre. Die Neue Deutsche Welle präsentiert zeitlose Klassiker, die bis heute für gute Laune sorgen.

CD 1 mit unverwüstlichen Hits wie „Nur geträumt“, „Hier kommt Kurt“, „Sommersprossen“ und „Goldener Reiter“ bietet den ultimativen NDW Sound für Nostalgiker. Viele Stars, u.a. Nena, Peter Schilling, Joachim Witt, Ideal, Geier Sturzflug und Heinz Rudolf Kunze drehen die Zeit noch einmal zurück und lassen Erinnerungen an die ZDF-Hitparade hochkochen.

Es war eine Zeit des Umbruchs und der kulturellen Vielfalt, die sich auch in der Musik widerspiegelte. Der Mut zur Experimentierfreude war sehr groß und führte zu einer bunten und energiegeladenen Musik, die für viele Menschen neu und aufregend war. Heutzutage kann so gut wie jeder die Texte glücklich und sorglos mitsingen, wenn Hits wie „Dein ist mein ganzes Herz“ von HRK oder „Major Tom“ von Peter Schilling erklingen, obwohl man diese einmalige Ära vielleicht selbst gar nicht miterlebt hat. Das ist außergewöhnlich und betont den zeitlosen Charakter.

Auf der zweiten CD mit ebenfalls 20 Titeln gibt es dann einige Coverversionen, die die NDW in die Gegenwart holen. Stefanie Hertel singt mit Markus, Oli P. covert die Münchner Freiheit, Dieter Thomas Kuhn macht „Über den Wolken“ zur Schlagerhymne, Lafee gibt „Rock me Amadeus“ eine weibliche Note und Giovanni Zarrella singt „Ohne dich“ mit italienischem Text.

CD 1 ist essenziell – CD 2 ein nettes Gimmick. Auf jeden Fall lässt der Doppelpack die NDW-Zeit hochleben. Ziel erreicht!

Witt_Cover

Joachim Witt kehrt als Inkarnation von „Rübezahl“ zurück

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Joachim Witt ist wieder da. Im 71. Lebensjahr und passend zum 40. Jubiläum seines ersten Hitalbums „Silberblick“ mit dem NDW-Klassiker „Der Goldene Reiter“, steigt er als Rübezahl erneut zu den Sterblichen hinab und verkündet streitbar und entschlossen seine Botschaften mit markant-melodiöser, unverwechselbarer Stimmkraft.

Das erste „Rübezahl“-Album erschien 2018 und gilt als das dunkelste seiner bisherigen Diskografie. Jetzt gibt es den Nachfolge-Release: „Rübezahls Rückkehr“. Der Berggeist des Riesengebirges ist dabei nicht wirklich Protagonist eines echten Konzeptalbums, aber er gibt durch seine Naturverbundenheit den Rahmen für philosophische, bisweilen verbitterte Lyrics vor, die sich mit aggressiven und melancholischen Worten dem Zeitgeschehen widmen.

Spätestens seit dem Comeback mit „Die Flut“ (1998) liefert Witt sehr brachiale Deutschrock-Songs, die nicht zuletzt an die Neue deutsche Härte von Rammstein erinnern. Mit Bombast und viel Synthie-Einsatz klingen diese Rocksongs recht faszinierend. Hinzu kommen Balladen wie „Die Rückkehr“, „Rote Tränen“ und „Windstille“. Daneben gibt es gelungene orchestrale Einsprengsel („Schmerzende Welt“). Dass Witts Stimme einfach unverwechselbar genial ist, muss wohl nicht mehr erwähnt werden.

Für den monumentalen Sound ist Chris Harms von Lord of the Lost verantwortlich. Er hat hier ein Album mit viel Tiefgang produziert. Manchmal ist es auch einfach zu viel des Guten und man wünscht sich, Joachim Witt würde mal einen Gang runter schalten. Im Gesamten aber funktioniert die Idee und Joachim Witt trifft den Nerv der Zeit.

PeterHeppner

Peter Heppner – ein Doppelschlag in Pop & Dance

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Erst lässt Peter Heppner sich sechs Jahre Zeit für sein neues Soloalbum – dann veröffentlicht er plötzlich zwei recht unterschiedliche Werke (was vielleicht der Grund ist, warum es kein Doppelalbum wurde). Mutig ist dieses Vorgehen allemal, wobei es nicht verwundert, hat der charismatische New Wave-Pionier doch nie der allgemeinen Erwartungshaltung entsprochen.

1967 geboren begründete er 1987 die Kultband Wolfsheim. Synthiepop und Dark Wave waren die Aushängeschilder des Duos. das sich in der Szene einen großen Namen machte und in der Reunion 2003 mit „Casting Shadows“ ein verspätetes Nummer 1-Album vorlegte. Der populäre Durchbruch für Heppner kam allerdings erst 1998, als er gemeinsam mit Joachim Witt den Song „Die Flut“ veröffentlichte.

2018 haben sich die beiden Musiklegenden nun endlich wieder zusammengefunden, um gemeinsam einen neuen Song aufzunehmen – diesmal allerdings unter umgekehrten Vorzeichen: gastierte Heppner damals noch auf Witts Album, so ist der Hamburger diesmal der „Gastgeber“. Die Single „Was bleibt?“, die sich dem Thema „Vergänglichkeit“ widmet, ist ein Titel von „Confessions & Doubts“.

„Tanzzwang“ ist – wie der Name schon vermuten lässt – ein Dancealbum. Die Produktion der einzelnen Tracks hat Heppner in die Hände von elf verschiedenen Produzenten gelegt. Das könnte Gift für ein Album sein, wäre da nicht Heppners herausragende Stimme, die eine Homogenität gewährleistet und das Album zusammenhält. Apoptygma Berzerk haben den Remix von „All Is Shadow“ zu verantworten und allein das ist ein Knaller. „Im Nebel“ vertont ein Gedicht von Hermann Hesse und gehört zu den atmosphärischen Highlights des Albums. In „Once Again“ verbreitet Christopher von Deylen den typischen epischen Schiller-Style.

Das Pop-Album „Confessions & Doubts“ zeigt Heppner von seiner besten, nämlich der düster-schweren Seite. Melancholisch, dunkel und intensiv erklingen die Melodien. Die Einflüsse sind zum Teil klar erkennbar: „Herz (Metropolis)“ ist inspiriert von dem Stummfilm aus dem Jahr 1927. „Theresienstadt: Hinter der Mauer“ erinnert an das Musical „Die Kinder der toten Stadt“, an dem Heppner beteiligt war und das eine Episode aus dem Ghetto Theresienstadt erzählt wird.

Mir persönlich gefällt das düstere Popalbum besser als die Remix-Versionen, aber beide Scheiben haben ihre Highlights. Für Komplettisten gibt es übrigens eine Box, in der neben beiden Alben auch die Remix-Songs in ihrer Ur-Version enthalten sind.

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MonoInc

Mono Inc.: Von der Wüste ins große Wasser

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Vor fast zwei Jahren haben Mono Inc. mittels eines wüstengelben Albums überzeugt, dass als Hommage an ein mittelamerikanisches Desperado-Feeling verstanden werden konnte. Diesmal geht es in eine ganz andere Richtung – es zieht die Dark Rocker aufs Meer, was auch viel besser zu ihrem Herkunftsort Hamburg passt.

„Together Till The End“ ist als Konzeptalbum geschrieben und wir begleiten das Quartett auf der tragischen Seereise über die Weltmeere und der Suche nach rettenden Ufern. Vom sicheren Hafen bis zum schicksalhaften Ende. Es ist eine dramatische Fahrt mit Seemannsblut, großer Instrumentierung, Hymnen von Fernweh und Weite. „The Banks Of Eden“ lässt das Album rau und emotional starten. Der Kreis schließt sich mit der episch-orchestralen Reprise „Eden“, die versöhnlich in eine neue Zukunft führt.

Dazwischen liefern Mono Inc. ihre Spezialität: düstere Ohrwürmer in einer Mischung aus Gothic und Dark Rock mit starken elektronischen Einflüssen. Vieles ist tanzbar und dürfte live zu Begeisterungsstürmen führen. Doch auch Balladen wie das minimalistische „Tide“ und „Forever And A Day“ tun sich angenehm hervor.

Zudem gibt es zwei interessante Kollaborationen: die treibende Hymne „Children Of The Dark“ wird durch die gesangliche Unterstützung von Joachim Witt, Tilo Wolff (Lacrimosa) und Chris Harms (Lord Of The Lost) ein regelrechtes All-Star-Projekt und wird sicherlich über Jahre hinaus ein Tanzflächen-Füller der Rockclubs sein. Der Titel „Boatman“ löste bei VNV Nation Frontmann Ronan Harris beim ersten Hören eine derartige Gänsehaut aus, dass er spontan (und zum ersten Mal in seiner großen Karriere) für ein Duett zur Verfügung stand.

Mein Wermutstropfen ist, dass die Band den deutschsprachigen Texten ganz den Rücken zugekehrt hat. Das mag daran liegen, dass man die ewigen Vergleiche mit Unheilig und Co. leid war – und ist damit ein verständlicher Schritt. Trotzdem hat mir der Gesang gerade dann sehr gut gefallen, wenn die Lyrics in Deutsch gehalten waren.

Besonders stark hingegen finde ich das Gary Moore-Cover „Out In The Fields“. Thematisch absolut passend machen sich Mono Inc. diesen Hit aus den 80ern ganz zu Eigen und führt ihn zeitlos rockend in die Gegenwart.

Der Albumtitel ist laut Martin Engler ein Dank an die Fans. Und da kann man Mono Inc. nur Recht geben. Ihre Fanbase ist wirklich gewaltig, wie man auf diversen Festivals erkennen kann. Im Gegenzug belohnen sie ihre Hörer mit einem hymnischen Konzeptalbum, das vom ersten bis zum letzten Ton stimmig ist.