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KScope

THE_PINEAPPLE_THIEF_cover_2024

Dazu führt es: immer bessere Alben der Artrock Koryphäen

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Und da sind sie wieder. Zweijahresrhythmus seit 2008 konsequent eingehalten. Dabei kann von einem Abfall der Qualität im Zuge der Quantität keine Rede sein. Im Gegenteil: The Pineapple Thief legen mit „It Leads To This“ eines der schlüssigsten Alben ihrer Karriere vor, das wie eine Traumreise in die Welt von Progressive Rock, Artrock und Melodic Rock führt.

Die Qualitäten von Mastermind Bruce Soord stehen seit Jahrzehnten außer Frage. Zunächst hat er seine Musik ziemlich im Alleingang eingespielt, doch nach und nach ist eine Band herangewachsen, die ihm 2016 mit Gavin Harrison an den Drums einen kongenialen Partner bescherte, der inzwischen auch im Songwriting kräftig mitmischt und für stärkere Komplexität in den Rhythmen sorgt. Bei „Your Wilderness“ war Gavin noch als Gastmusiker in den Credits, doch schnell wurde er zum festen Bestandteil des jetzigen Quintetts.

Fans von Gazpacho und Riverside warten stets auch sehnlichst auf neue Alben von The Pineapple Thief. Und obwohl ich Anathema – die seit Jahren leider auf Eis gelegt sind – immer noch schmerzlich vermisse, ist die Band um Soord und Harrison doch ein adäquater Ersatz, um mich mit sphärischen und emotionalen Songs zu versorgen.

Das Album besteht aus acht Epen, die alle etwa fünf Minuten lang sind und rockige Dringlichkeit mit zarter Atmosphäre, nachdenklichen Tasten und fesselnden Melodien verbinden. Die Texte stammen auch aus der Literatur: Berichte über das alte Rom, John Williams‘ Klassiker „Stoner“ und der Briefroman „Augustus“ standen Pate. All das wird durch Soords zerbrechlichen und doch eindringlichen Tenor vermittelt, der an Geschichtenerzähler wie Nick Drake, Thom Yorke und Jonas Renkse von Katatonia erinnert.

Im Booklet steht jeder Track auch für eine Epoche des Alterns, denn das Artwork zeigt eine älter werdende Figur vom Jungen bis hin zum schütteren Greis. Und damit steht es auch für eine Entwicklung hin zur homogenen Einheit, es fällt mir nämlich diesmal schwer, einen einzelnen Song heraus zu greifen und in den Mittelpunkt zu stellen. „It Leads To This“ funktioniert als Einheit. Neben Soords oft klagender Ausnahmestimme haben alle Tracks einen enormen rhythmischen Drive. Großartig!

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THE PINEAPPLE THIEF 2024 live 

  • 26/2 Neunkirchen (DE) – Gebläsehalle
  • 27/2 Aschaffenburg (DE) – Colos Saal
  • 28/2 Zürich (CH) – Komplex 457
  • 9/3 München (DE) – Technikum
  • 14/3 Berlin (DE) – Kesselhaus
  • 15/3 Köln (DE) – Carlswerk Victoria

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THE_PINEAPPLE_THIEF_cover_2024

Rockige Dringlichkeit mit zarter Atmosphäre und fesselnden Melodien

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Die gefeierten Koryphäen des Progressive Art Rock The Pineapple Thief kehren mit ihrem neuen Album „It Leads To This“ zurück, welches am 9. Februar auf Kscope erscheint.

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THE PINEAPPLE THIEF live 2024

  • 26/2 Neunkirchen (DE) – Gebläsehalle
  • 27/2 Aschaffenburg (DE) – Colos Saal
  • 28/2 Zürich (CH) – Komplex 457
  • 9/3 München (DE) – Technikum
  • 14/3 Berlin (DE) – Kesselhaus
  • 15/3 Köln (DE) – Carlswerk Victoria

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Nach ihrer mit Spannung erwarteten Rückkehr mit „The Frost“ geben The Pineapple Thief mit der zweiten Single „Every Trace Of Us“ einen weiteren Vorgeschmack auf ihr neues Album. Die Single wird von einem Lyric-Video begleitet, das auf dem Artwork des kommenden Albums „It Leads To This“ basiert.

Bruce Soord: „Die Idee für diesen Song entstand während der Schreibsessions, die ich mit Gavin in seinem Studio hatte. Gavin spielte mir diese Idee vor, die er sich ausgedacht hatte, und ich fühlte mich sofort damit verbunden und summte, was die Strophe werden sollte. Ich ging mit meiner Gitarre in einen anderen Raum, um ein paar Ideen für den Refrain auszuprobieren, während Gavin in seinem Studio war und den Mittelteil ausspielte. Es war einer dieser Momente, in denen alles so schnell zusammenkam. Vieles von der Gitarre ist von dieser Session geblieben, einschließlich aller Lead-Riffs. Jon kam mit der Bassmelodie des Refrains, Beren Matthews, unser Tour-Gitarrist, fügte einige brillante Gitarrenarbeit hinzu, bevor Steve (Keyboards) das Sahnehäubchen auf den Kuchen setzte. Der Text kam später.“ Musikalisch lüftet der Track ein wenig mehr den Vorhang für das, was die Fans vom kommenden Album der Band erwarten können.

Fotocredit: Tina Korhonen

The Pineapple Thief schwelgen in gegensätzlichen Kräften. Muskeln und Zerbrechlichkeit. Chaos und Präzision. Verzerrte Introspektion und warme, traumhafte Weite. Das progressive Quartett wurde 1999 von Bruce Soord gegründet und erlebte 2017 mit der Ankunft von Gavin Harrison (King Crimson, Porcupine Tree) am Schlagzeug eine Wiedergeburt. Vervollständigt durch Bassist Jon Sykes und Keyboarder Steve Kitch haben sie einen schlanken und doch üppigen, zeitlosen Sound entwickelt, der auf „It Leads To This“ zu hören ist.

Das Album besteht aus acht Epen, die alle etwa fünf Minuten lang sind und rockige Dringlichkeit mit zarter Atmosphäre, nachdenklichen Tasten und fesselnden Melodien verbinden. Die Texte stammen auch aus der Literatur: Berichte über das alte Rom, John Williams‘ Klassiker „Stoner“ und der Briefroman „Augustus“ standen Pate. All das wird durch Soords zerbrechlichen und doch eindringlichen Tenor vermittelt, der an Geschichtenerzähler wie Nick Drake, Thom Yorke und Jonas Renkse von Katatonia erinnert.

„It Leads To This“ wird in einer Vielzahl von Formaten erhältlich sein:

Limited Edition Deluxe 4 Disc set featuring:

  • DISC 1: CD Album
  • DISC 2: Bonus CD ‚Y Aqui Estamos‘ – Alternate Versions
  • DISC 3: Blu-ray – It Leads To This + bonus album “Y Aqui Estamos” (reworkings of album session recordings): Dolby Atmos-DTS-HD MA 5.1-24/48 PCM Stereo mixes created by Bruce Soord
  • DISC 4: DVD – It Leads to This and Y Aqui Estamos: DTS 5.1-24/48 PCM Stereo
  • 52 page book
  • Limited edition brick red vinyl LP (exclusive to The Pineapple Thief and Kscope stores)
  • Limited edition green vinyl LP (exclusive to worldwide independent record shops)
  • Limited edition cream vinyl LP (exclusive to Germany & Austria)
  • Blu Ray – Includes “It Leads To This” and bonus album “Y Aqui Estamos” . All in hi-res dolby atmos, dts-hd 5.1 and stereo created by Bruce Soord

CD / LP / Digital & Dolby Atmos

It Leads To This tracklist:
1- Put It Right [05:30]
2- Rubicon [04:37]
3- It Leads To This [04:43]
4- The Frost [05:40]
5- All That’s Left [04:26]
6- Now It’s Yours [05:59]
7- Every Trace Of Us [04:30]
8- To Forget [05:20]

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Die besseren Songs der Newcomerband auf einer EP

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Gerade mal ein Jahr nach dem gelungenen Debüt veröffentlichen Envy of None ihr zweites Werk, diesmal aber nur eine EP mit fünf Titeln und 22 Minuten Spielzeit.

Mit an Bord ist wieder Alex Lifeson (Rush), allerdings sucht man vergeblich nach dem Rush-typischen Sound. „That was then, this is now“ kommt eher wie ein Singer-Songwriter-Album daher. Der Sound ist ein atmosphärischer Trip, was vor allem bei der vorab veröffentlichten albumtitelgebenden Single zum Ausklang der EP zum Tragen kommt.

Fotocredit: Richard Sibbald

Der Gesang der Sängerin wird durch den Groove der Bassgitarre geprägt. Der Song „Dumb“ enthält den Untertitel „Der Dummkopf-Remix“, klingt aber alles andere als dumpf.

Ich habe den Eindruck, als seien auf dieser EP die besseren Songs der Newcomerband veröffentlicht, die es leider nicht auf das Debütalbum geschafft haben. Ich kann jeden der fünf Songs als Anspieltipp empfehlen.

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Empyre

Eine Bandbreite von Melancholie bis Hoffnungslosigkeit

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Ein ums andere Mal erinnert mich die Band EMPYRE an Haken, die ich kürzlich gehört habe. Der Sänger interpretiert die Songs sehr leidenschaftlich. Der Opener, der Titeltrack „Relentless“ beginnt recht zackig und wird von einem Instrumental begleitet und berührt emotional.

Im weiteren Verlauf scheinen sich die Ideen zu wiederholen und der Wiedererkennungwert sinkt. Die Songs wollen sich nicht einprägen. Die Atmosphäre der Songs wird zunehmend düsterer, die Stimme des Sängers wird mir mit der Zeit allzu penetrant.

Die Songs bieten die Bandbreite von Melancholie bis Hoffnungslosigkeit. Etwas mehr Abwechslung hätte ich befürwortet.

Die zehn Titel laufen 49 Minuten. Meine Anspieltipps sind „Relentless“ und „Road to Nowthere“.

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Tracklisting:

  • 1. Relentless [03:57]
  • 2. Waking Light [04:36]
  • 3. Parasites [05:18]
  • 4. Cry Wolf [05:28]
  • 5. Hit And Run [04:00]
  • 6. Forget Me [05:48]
  • 7. Silence Screaming [05:01]
  • 8. Road To Nowhere [04:34]
  • 9. Quiet Commotion [06:10]
  • 10. Your Whole Life Slows [03:18]
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Cover image

Blackfield mit „An Accident Of Stars: 2004 – 2017“

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Kscope freuen sich, die Zusammenstellung „Blackfield: An Accident Of Stars: 2004 – 2017“ zu präsentieren, eine Sammlung der Arbeiten der Band von 2004 bis 2017, die zum ersten Mal gemeinsam veröffentlicht werden. Untergebracht sind die Silberlinge in einem Deluxe-Bookset, das ein 64seitigea Buch mit Liner Notes von Anil Prasad enthält. Es beschreibt die Anfänge und das Innenleben von Blackfields Reise – dokumentiert durch Interviews und seltene Fotos mit Steven und Aviv. Diese Sonderedition wird es nur in einer limitierten Auflage geben.

Aviv Geffen, einer der erfolgreichsten Musiker Israels, und Steven Wilson, Frontmann von Porcupine Tree und Solokünstler der Extraklasse, haben beide eine treue globale Anhängerschaft aufgebaut. Durch die Zusammenarbeit als Blackfield haben sie einen einzigartigen Sound kultiviert, der die besten Elemente beider Künstler zusammenbringt, um etwas völlig Einzigartiges zu schaffen, das dennoch sofort identifizierbar ist.

Aviv Geffen sagt dazu: „Steven und ich verbinden uns über Kunst, Politik und das Leben im Allgemeinen. Wir wechseln stets zwischen unseren Ideen hin und her, wenn wir zusammen sind. Deshalb funktioniert unsere Partnerschaft so gut. Man spürt die Liebe in Blackfield.“

Ergänzend zu den Alben gibt es eine neu produzierte Blu-ray mit „Blackfield“, „Blackfield II“ und „Welcome To My DNA“ im 24-Bit-44,1-kHz-Format, „Blackfield IV“ und „Blackfield V“ in 5.1 Surround Sound und High Resolution 24 -bit Stereo. Die Promo-Videos der Band aus dieser Zeit sind ebenfalls enthalten wie der Konzertfilm „Live in N.Y“ von 2007. Die Box erscheint am 31. März 2023!

Inhalt der sieben Scheiben:

  • Blackfield (2004)
  • Blackfield II (2007)
  • Welcome to my DNA (2011)
  • Blackfield IV (2013)
  • Blackfield V (2017)
  • Live DNA: Recorded at the Paradiso, Amsterdam, The Netherlands on 10th April 2011 – Previously unreleased
  • Blu-ray – Blackfield Hi-Res + Live in N.Y. & Official Promo Videos

Klone

Erhabene Gitarren im Soundgewitter

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Das Cover ziert eine Wolke in Form eines Bären. Spontan werde ich an den Grizzly erinnert, der in dem Film „The Revenant“ mit Leonardo di Caprio den Waldboden aufwischte. Leider kann meine Neugier die Erwartungen nicht ganz erfüllen. Zu sehr drängen sich mir Vergleiche zum gerade zuvor gehörten Album „Fauna“ von Haken auf.

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Irgendwie klingt es für mich nach einer Blaupause. Zweifellos sind die Gitarrensounds erhaben und immer wieder blitzen wunderschöne Melodien im Soundgewitter auf. Die Songtexte drehen sich um aktuelle Ereignisse in der Welt und um Fremdbestimmung. Fans der Band werden sicher auf ihre Kosten kommen, ich kann mit dem Album nicht so recht warm werden.

Anspieltipps des zehn Titel (54 Minuten) umfassenden Albums: „Night and Day“ und der Titelsong „Meanwhile“ am Albumende.

Meanwhile Tracklisting:

1. Within Reach [05:00]
2. Blink Of An Eye [05:22]
3. Bystander [05:05]
4. Scarcity [04:25]
5. Elusive [05:02]
6. Apnea [05:22]
7. The Unknown [04:55]
8. Night And Day [05:36]
9. Disobedience [05:44]
10. Meanwhile [06:48]

KLONE gehen 2023 auf Tour als Support für Devin Townsend:

04.03. Köln, Carlswerk Victoria
07.03. Leipzig, Werk 2
08.03. Frankfurt, Batschkapp
10.03. CH-Zürich, X-Tra
11.03. München, Backstage Werk
13.03. AT-Dornbirn, Conrad Sohm
25.03. Stuttgart, Lka Longhorn

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Pineapple Thief Cover

Unscheinbaren Stücken neuen Glanz verliehen

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Wieder mal ein Best of von Pineapple Thief? Kann man so nicht sagen, denn es handelt sich nicht um eine Sammlung ihrer größten und beliebtesten Hits, sondern um Songs, bei denen Gavin Harrison nicht am Schlagzeug saß.

Gavin hat nun diese Stücke mit seinem Spiel aufgepeppt. Als Nicht-Musiker muss ich gestehen, dass mir beim ersten Hören keine großen Unterschiede, falls überhaupt welche, zu den bekannten Versionen aufgefallen sind. Erst beim direkten Vergleich mit den Originalen wurden Nuancen hörbar. Obwohl es sich teils um selten live gespielte Songs handelt, enthält die Auswahl jedoch auch viele meiner Lieblinge.

Von den zwölf Songs aus der Zeit zwischen 2002 und 2012 (55 Min. Spielzeit) stammen alleine fünf vom 2012er-Album „All the Wars“. Die Tracks sind alle komplett neu aufgenommen und neu arrangiert. Gavins Schlagzeugspiel haucht den Songs neues Leben ein. Das gewonnene Qualitätslevel wird mir bewusster, je öfter ich zum Vergleich die Originale höre. Zweifelsohne hat die Band mit dieser Produktion unscheinbaren Stücken neuen Glanz verliehen.

Meine Anspieltipps sind der Opener „Wretched Soul“, der Titelsong „Give it back“, „Shoot first“ und „Someone pull me out“.

Envy Of None Cover

Ein Popalbum des ehemaligen „Rushers“ Alex Lifeson

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Eine neue Band legt ein hörenswertes Album vor, das allerdings ungehört an mir vorübergegangen wäre, wenn nicht die Mitwirkung von Alex Lifeson meine Aufmerksamkeit geweckt hätte. Das Mitglied von Rush, der kanadischen Rockband, die sich nach dem Tod ihres Drummers Neil Peart aufgelöst hat, hat das einzige Instrumental auf der CD, „Western Sunset“, welches das Album abschließt, beigesteuert. Lifeson hat es seinem Kumpel Neil Peart gewidmet, den er zu Hause besucht hatte, als er längst vom Tode gezeichnet war. Vom Balkon aus beobachtete er den Sonnenuntergang, erzählt Lifeson. Dieser hat etwas Endgültiges, dennoch beginnt nach einer kurzen Zeit der Dunkelheit stets ein neuer Tag.

Dieser Song ist quasi ein Ausreißer. Die restlichen Titel sind eher poppig als rockig. Auf seine alten Tage hat sich Lifeson auf ein gänzlich andersartiges Projekt als Rush fokussiert. Wenn man es nicht wüsste, würde man Envoy of None niemals mit ihm in Verbindung bringen. Ob ihn seine Fans darum beneiden? Es ist nicht Lifesons Projekt, er wurde erst Mitglied, nachdem ihn Andy Curran gebeten hat, einzusteigen. Getragen werden die sofort ins Ohr gehenden Songs von der Stimme der Sängerin Maiah Wynne, die am 8. April zudem ihr selbstbetiteltes Debütalbum bei Kscope veröffentlicht hat.

Etwas in die Irre geführt hat mich der Song „Kabul Blues“. Entweder ist der Text sehr kryptisch oder der Text hat wirklich nichts mit der afghanischen Hauptstadt zu tun. Als Single wurde „Liar“ ausgekoppelt. Er gefällt mit „industrial beats“ und atmosphärischen Gitarren erzeugen einen verführerischen Strudel wie bei Depeche Mode.

Fazit: Kein Rock-, sondern ein Popalbum des ehemaligen „Rushers“ Alex Lifeson. Aber ein verdammt gutes.

Gazpacho live

„Fireworking at St. Croix“ – vom Stream zur live CD

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Hoffentlich werden wir irgendwann einmal kopfschüttelnd auf diese unsägliche Zeit der Streaming-Konzerte zurück blicken und sie als Fußnote der Musikgeschichte abtun. Events ohne echtes Livefeeling sind nun mal auch nicht besser als die dritte Rockpalast-Wiederholung im WDR. Trotzdem kann man es den Bands nicht verdenken, wenn sie solche Mitschnitte als live-CD veröffentlichen. Immerhin steckt viel Arbeit drin und die Soundqualität ist oftmals besser als bei vergleichbaren Konzertmitschnitten mit Publikum.

Die Norweger von Gazpacho haben im Herbst 2020 mit „Fireworker“ ein Feuerwerk sphärischer und mystischer Musik auf ihre Fans und die weltweite Gemeinde des Progressive Rock losgelassen. Diesmal ging es nicht um ein echtes Albumkonzept – stattdessen nahm man den Hörer mit auf eine Reise in die Psyche. So startete die Band zur Freude der Progressive- und Artrock-Fans mit einem epischen 20minüter. „Space Cowboy“ bietet komplexe Songstrukturen, Tempowechsel, Klangmalereien und chorische Passagen. Es geht um den instinktiven Teil jedes Menschen, den Keyboarder Thomas Andersen „Space Cowboy“ oder „Fireworker“ nennt. Nach drei kürzeren balladesken Stücken bringt „Sapien“ die hypnotische Wirkung der Musik zurück und entfacht ein weiteres Feuerwerk.

Dann waren Gazpacho aber nach der Absage ihrer Tour festgefahren in der misslichen Lage, eine ausgefeilte Show einstudiert zu haben, und der Aussicht auf eine lange Zeit abseits der Straße zu sein. So musste die Band eine Entscheidung treffen. Die Idee eines Live-Streams, der Fans weit und breit erreichen würde, war schnell da und die Band hatte einen perfekten Rahmen in ihrem eigenen Proberaum im schönen Fredrikstad. Die Musiker stellten sich im Kreis auf und spielte den Stream genau so, wie sie sich auch zum Proben und Aufnehmen dort versammeln.

Was soll man sagen? Die Soundqualität ist hervorragend. Chorische Passagen kommen vom Synthesizer, aber das stört den Musikgenuss nicht weiter. Das Album wird komplett in der originalen Reihenfolge gespielt, ergänzt um einige ältere Songs.

Gazpacho sind eine Wucht. Immer und immer wieder! So ist auch dieses aus der Not geborene und ganz besondere Album ein Genuss. Absolute Empfehlung!

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The Anchoress Cover

Songs, die zum tristen Wetter passen

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Hinter The Anchoress (Ankerin) verbirgt sich die Singer/Songwriterin und Multiinstrumentalistin Caitlin Moran aus Wales. Ich weiß nicht, ob sie die Frau auf dem Cover darstellt, die ein aufgeschlagenes Buch in der Hand hält, aus dem die Seiten im Bogen auf ihren geöffneten Mund zu wegfliegen.

Moran war zuletzt mit den Simple Minds auf Tour und an deren beiden letzten Studioalben beteiligt war, jeweils als Keyborderin, Gitarristin und Hintergrundsängerin. Aber nicht Jim Kerr ist Gastsänger auf ihrem zweiten Album, sondern James Dean Bradfield von den Manic Street Preachers im Stück „The Exchange“.

Die Solokünstlerin ist bereits mit einer Menge Preisen überhäuft worden und erhielt für ihr neues, im März erscheinendes Album von „The Sunday“ und der „Times“ Vorschusslorbeeren. Selbst Elton John bezeichnete das Album bereits als das beste des Jahres. Nun, das Jahr hat gerade erst begonnen, und solche Lobeshymnen sind zwar nett, aber alles andere als objektiv.

Ohne Zweifel ist es ein hervorragendes Album, das sich mir aber auch erst nach dem zweiten Hören richtig erschließt. Die Vergleiche mit Kate Bush mögen sich vielleicht auf das Texten beziehen, von der Stimme ähnelt sie nach meinem Empfinden eher Tori Amos. Ich höre eine Sonderausgabe, die neben den 14 Albumtiteln noch sieben Zugaben enthält (im Pressetext ist nur von fünf die Rede). Unter den tollen Songs – das Album hat keinen Leerlauf – befinden sich auch zwei Instrumentaltitel.

Moran singt, wie der Albumtitel vermuten lässt, über die Kunst loszulassen. Streichinstrumente kleiden die Songs mit Melancholie ein. Der Umgang mit Trauer, Verlustängste – das sind die Themen, die die Musikerin interessieren. Viel Gefühl zeigt sie in ihren Songs, nicht nur in „The Heart is a Lonesome Hunter“. Dieser Song ist neben „Let it hurt“, „Show your face“ und „Moon Rise“ einer meiner Favoriten.

Ein Album voller Songs, die zum tristen Wetter und der Teilnahmslosigkeit durch die Pandemie passen, die aber dennoch eher das Gemüt aufheitern.

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Gazpacho Fireworking

GAZPACHO – neues Video und Tour der Artrockband aus Norwegen

„Fireworking At St.Croix“, gefilmt im Proberaum der Band in Fredrikstad, Norwegen, bietet Fans eine sehr stimmungsvolle Reise in die Welt von Gazpachos „The Fireworker“, aufgenommen im Lockdown am 25. Oktober 2020. Keine Korrekturen, keine Polituren, keine Lichtshow und nichts weiter. Nicht einmal Verpflegung. Nur die reine Wiedergabe der Musik zusammen mit ein oder zwei Überraschungen für diejenigen unter euch, die der Band schon eine Weile folgen.

Der Original-Stream wurde jetzt komplett neu bearbeitet und um 30 Minuten zusätzliches Material erweitert, das nicht in der Originalsendung enthalten war. Alles ist neu abgemischt in herrlichem 5.1-Surround-Sound. Die Blu-Ray-Edition enthält außerdem 2,5 Stunden Bonusmaterial, darunter Promo-Videos, Interviews und ein Bonuskonzert, das in der letzten Nacht der Sojus-Tour 2019 gedreht wurde.

Ein wundersames, ganz besonderes, fantastisches Live-Erlebnis – VÖ: 11. März 2022!

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GAZPACHO LIVE

Gazpacho will be heading back out on the road in April 2022 with Pure Reason Revolution:

  • Friday 8th – Germany – Stuttgart – Club Cann
  • Saturday 9th – Germany – Aschaffenburg – Colos-Saal
  • Sunday 10th – Germany – Berlin – Columbia Theater
  • Monday 11th – Germany – Cologne – Die Kantine
  • Wednesday 13th – The Netherlands  – Breda – Mezz
  • Thursday 14th  – The Netherlands  – Zwolle – Hedon
  • Saturday 16th – France – Paris – Petit Bain
  • Sunday 17th  – UK – London Hackney – EartH theatre

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Gavin Cover

Re-Release des Solo Debüts zum 25jährigen

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Ich habe selten ein mir ansprechendes Solo-Album eines Schlagzeugers gehört. Dazu gehört auch nicht das Debütalbum von Gavin Harrison, „Sanity & Gravity“, das am 4. Februar als 25-Jahres-Edition wiederveröffentlicht wird.

Die fast durchgängig instrumentalen Stücke plätschern so dahin. Ich hätte mich besser vorher informiert, dass Harrison ursprünglich aus dem Jazz kommt, einem Musikstil, mit dem ich wenig anfangen kann. Ich kenne ihn hauptsächlich von Porcupine Tree, King Crimson oder zuletzt The Pineapple Thief und habe mich von deren Musik auf den Holzweg führen lassen.

Man hört fernöstliche Klänge, bei „Darest Blood“ erklingt auch eine Sängerin in chinesischer oder japanischer Sprache, es klingt teilweise wie zwischen Geisha und Thai Buffet, insgesamt gefällt mir dieser Stil aber von Ryuichi Sakamoto besser. „Sonata in H“ und „Witness (Reprise)“ sind so kurz, dass es sich wie Soundschnipsel aus einer unbekannten Filmmusik oder irgendwelchen Outtakes anfühlt.

Ich habe beim ersten Hören das Album nur im Hintergrund angehört, da dauerte es gefühlt noch nicht einmal eine halbe Stunde. Tatsächlich laufen die zehn Titel 49 Minuten. Beim zweiten, diesmal konzentrierten Hören, dauerte es dann gefühlt anderthalb Stunden. Die Musik zieht sich spannungslos dahin ohne Höhepunkte.

Das Album ist allenfalls etwas für echte Harrison-Fans oder Hörer, die Jazzmusik gegenüber geneigter sind als ich. Mich spricht das Album überhaupt nicht an. Mehr als 2 von 9 Punkten sind von mir nicht drin.

Anchoress c Isabella Charlesworth

The Anchoress: „The Art Of Losing“ (Expanded Edition) ab 4. März

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Nach einem phänomenalen Erfolgsjahr für die walisische Produzentin, Multiinstrumentalistin und Songwriterin The Anchoress (alias Catherine Anne Davies), erscheint ihr von der Kritik gefeiertes zweites Album „The Art of Losing“ jetzt auch offiziell in Deutschland (am 04. März über Kscope/Edel) und zwar als erweiterte Edition mit 19 Titeln und 5 zusätzlichen brandneuen akustischen Tracks.

„The Art of Losing“ wurde von Kritikern gelobt und im Radio gespielt und erreichte in Großbritannien eine Top 40  Albumcharts-Platzierung und wurde von Elton John als „eine meiner Lieblingsplatten des Jahres“ bezeichnet. Es wurde zum Album des Jahres von Prog Magazine gekrönt und als eines der „Besten Alben des Jahres 2021“ von The Sunday Times, The Times, Record Collector, Line of Best Fit, Classic Rock, und Mail on Sunday gewählt.  Die Juroren des Welsh Music Prize schlossen sich kürzlich den Lobeshymnen an und wählten das  selbstproduzierte Album in die engere Wahl für den renommierten Preis, während die Schriftstellerin und Frauenrechtsikone Caitlin Moran das Album als „unbeabsichtigten, schönen und wahrheitsgetreuen Soundtrack zu diesem Moment“ lobte, da es Themen wie toxische Männlichkeit und #MeToo aufgreift.

Produziert und geschrieben von Davies, entstand „The Art of Losing“ nach mehreren Jahren großer persönlicher Verluste, nach dem frühen Tod ihres Vaters, der Behandlung wegen Gebärmutterhalskrebs und mehreren Fehlgeburten. Die daraus resultierende Platte begegnet der Trauer mit einem trotzigen Optimismus, der wie man inmitten des Verlustes einen Sinn finden kann: „Hatte es einen Sinn, meinen Verstand zu verlieren?“ 

Es ist ein klanglich ehrgeiziges Album, das von Davies als alleinige Produzentin geleitet wird – ein Schritt, der nach ihren Worten und notwendig war, nachdem sie in den letzten Jahren nebenbei als Engineer und Produzentin für andere Bands tätig war. „Es sollte keine Seltenheit sein, Frauen hinter einem Mischpult zu sehen.“

„The Art of Losing“ folgt auf ihr von der Kritik hochgelobtes Debütalbum „Confessions of A Romance Novelist“, das von den Kritikern des Guardian zu einem der Alben des Jahres gekürt wurde, den HMV-Preis für das walisische Album des Jahres erhielt, Best Newcomer bei den PROG Awards und eine Nominierung für den Welsh Music Prize.

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Nothing but the Truth

The Pineapple Thief im Lockdown: Nichts als die Wahrheit

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„Versions of Truth“ heißt das aktuelle Album der britischen Progressive Rocker um den genialen Bruce Soord. So ist der Albumtitel „Nothing but the Truth“ ein klares Understatement, denn es werden keineswegs nur Songs des letzten Studio-Longplayers gespielt. Im Gegenteil! Das Livealbum ist ein gelungener Ritt auf zwei Silberscheiben durch die Bandgeschichte.

Die Entstehung ist – wie sollte es anders sein – der Pandemie geschuldet. Das Quintett konnte nicht live auftreten und entschied sich für ein Streaming-Event. Man nutzte die besondere Situation und schuf ein intimes Ambiente mit einer Band, die sich im Kreis aufstellte und von unzähligen Kameras gefilmt wurde. So entstand ein cineastischer Konzertfilm, der jetzt auch auf DVD und Blu-ray erhältlich ist.

Fotocredit: Greg Holland

Hier soll es aber um die 2CD-Version gehen. Und auch die hat es in sich. Seit fünf Jahren ist Schlagzeuger Gavin Harrison mit an Bord und hat inzwischen ebenso großen Einfluss auf den Sound der Band wie Gitarrist und Sänger Bruce Soord. So dürften Kenner der älteren Tracks aufhorchen, wenn sie die neuen Arrangements hören, die einen enormen rhythmischen Drive bekommen.

Soord kommentiert zu „Someone Pull Me Out Of Here“: It felt really special to do this song after so many years, it’s still one of my favourite compositions and with Gavin adding his brand-new drums it feels completely new. From a compositional point of view, it’s quite unique in that, even though on the surface it’s a straightforward rock song, it travels through quite a lot of time signature changes. Although the key for me is that no one is supposed to notice that…”

Die Doppel-CD klingt wie ein Studioalbum, hat aber viel mehr Charme als eine Compilation neuer und älterer Songs im Remix. Der Flow von Track zu Track ist stimmig und führt uns eine spielfreudige Band vor Augen, die das Beste aus der ungewöhnlichen Situation macht. So kombiniert man die Energie eines Livekonzerts gekonnt mit auditiv beeindruckenden Studioaufnahmen.

Seit Jahrzehnten gehören The Pineapple Thief zur Speerspitze des melodischen Artrocks. Sie liefern atmosphärische Musik sowie epische Momente – und ziehen hier alle Register ihres Könnens. Wie immer dominieren ruhige Songs, es kann aber auch mal heftig krachen („Break It All“). Und in „Far Below“ wird die Gitarrenarbeit deutlich ausgebaut.

Es war die erste Liveperformance der neuen Songs – und gleichzeitig haben The Pineapple Thief ein Gesamtkunstwerk abgeliefert. Sie standen auf ihren „kleinen Inseln“ (wie Soord es ausdrückt) und lieferten das vielleicht beste Konzert ihres Lebens ab. Magisch!

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THE PINEAPPLE THIEF – VERSIONS OF THE TRUTH – EUROPEAN TOUR 2022

11.03. Dresden – Tante Ju
12.03. Wien (A) – Szene
16.03. Hamburg – Fabrik
17.03. Berlin – Kesselhaus
09.03. Oberhausen (DE) – Turbinenhalle 2
10.03. Aschaffenburg (DE) – Colos Saal

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Ozric Tentacles

Ozric Tentacles: Musik aus Raum und Zeit

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Nach offizieller Zählung ist „Space for the Earth“ bereits das 15. Studioalbum der rührigen Space Rock-Band aus Sommerset, England. Hinzu kommen unzählige Livealben und Compilations. Ja, sie waren fleißig in den 37 Jahren seit Bandgründung. Da verwundert es tatsächlich, dass zwischen dem letzten Release („Technicians of the Sacred „) und heute ganze fünf Jahre vergangen sind.

Die Musik von Ozric Tentacles ist eine Kombination aus treibenden Basslinien, Keyboards und komplizierter Gitarrenarbeit mit einem Sound, der stark von Künstlern wie Steve Hillage und Gong beeinflusst ist. Viele ihrer Songs enthalten ungewöhnliche Taktarten und überaus komplexe Arrangements. Da macht auch das aktuelle Werk keine Ausnahme, das zudem mal wieder melodische Ausflüge in östliche Gefilde macht und neben den obligatorischen Keyboards und effektlastigen Synthesizern auch ethnisch anmutende Klänge zu bieten hat. Dabei wird mit chorischen Einsprengseln die instrumentale Ausrichtung des Albums beispielsweise im verspielten „Humboldt Currant“ durchbrochen.

Das explorative und abwechslungsreiche musikalische Abenteuer wurde 2019/20 komplett im Alleingang von Ed Wynne in den Blue Bubble Studios am Meer geschrieben, programmiert, aufgenommen und produziert. Inspiriert von den schottischen Hügeln, Tälern und Stränden rund um sein Studio wandelt das Album zwischen elegischen Soundscapes, Space Grooves und Ambient-Atmosphären, bisweilen durchbrochen von knallharten Gitarrensoli.

Ein großartiges musikalisches Abenteuer für altgediente Hippies und Freunde des psychedelischen Progressive Rock. Wohlige Erinnerungen an das fröhliche Gedaddel alter Computerspiele inklusive.

 

Gazpacho_Fireworker

Gazpacho: Ein Feuerwerk sphärischer und mystischer Musik

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Seit 20 Jahren stehen die Norweger von Gazpacho für atmosphärischen und stilvollen Artrock. Damit treten sie in die Fußstapfen von Marillion und überflügeln diese bisweilen, was hypnotische und psychedelische Passagen angeht, die sie in sanfte Klangcollagen fassen.

Das elfte Studioalbum „Fireworker“ fasst alles zusammen, was Gazpacho bisher abgeliefert haben. Songdienliche Stücke wie in „Night“, das Storytelling von „Tick Tock“ sowie die düstere Stimmung von „Demon“ und „Molok“.

Diesmal geht es nicht um ein echtes Konzept – stattdessen nimmt man den Hörer mit auf eine Reise in die Psyche. So startet die Band zur Freude der Progressive- und Artrock-Fans mit einem epischen 20minüter. „Space Cowboy“ bietet komplexe Songstrukturen, Tempowechsel, Klangmalereien und chorische Passagen. Es geht um den instinktiven Teil jedes Menschen, den Keyboarder Thomas Andersen „Space Cowboy“ oder „Fireworker“ nennt – Freud würde vielleicht „Es“ dazu sagen, aber hier hat dieser innere Geist eine dämonische Struktur.

Nach so viel Mystischem folgen drei kürzere Stücke, die balladesk eine beruhigende Wirkung entfalten. Verträumt und bisweilen verzweifelt singt sich Jan-Henrik Ohme durch die Songs. Erst das Titelstück – mittig in der Tracklist platziert – trägt einen Funken Optimismus in sich.

Zum Schluss bringt „Sapien“ die hypnotische Wirkung der Musik zurück und entfacht ein weiteres Feuerwerk. Psychedelisch und aufwühlend endet die Reise in das innere Selbst.

Sicher – es ist mal wieder ein sehr verkopftes Album. Und es erreicht nicht die erzählerische Klasse von „Tick Tock“. Doch Gazpacho führen ihren Weg unbeirrt fort und es gelingt ihnen immer wieder eine Steigerung. Dass sich manche Passagen dabei wie ein Aufguss älterer Alben anhören – geschenkt. Gazpacho sehen „Fireworker“ als den Überbau, als eine Zusammenfassung der letzten Werke. Das gelingt ihnen musikalisch und thematisch.

Pineapple Thief_Cover

Pineapple Thief: „Versions of Truth“ – Soundtrack zur postfaktischen Welt

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Seit Jahrzehnten gehören The Pineapple Thief zur Speerspitze des melodischen Artrocks. Und in steter Regelmäßigkeit von zwei Jahren veröffentlichen die britischen Progressive Rocker ein Meisterwerk nach dem anderen. Daran ändert auch die Pandemie nichts. Kürzlich erschien ihr neues Album „Versions of Truth“ – im Zeitalter von Fake News und Verschwörungstheorien ein Titel, der den Nerv der Zeit trifft. Es ist ein Album, das das Chaos und den Konflikt des Lebens im 21. Jahrhundert widerspiegelt. Daraus resultiert eine Unschärfe zwischen dem Wirklichen und dem Wahrgenommenen, zwischen Sinn und Absicht. Der Titel sagt alles: Dies ist der Soundtrack für eine postfaktische Welt – eine Welt nach der Wahrheit.

Wie auf Bruce Soords letztjährigem Soloalbum bekommen wir atmosphärische Musik und epische Momente zu hören. Die ruhigen Songs dominieren das komplette Album – nur selten wird es mal lauter – und Bruce‘ Stimme schwebt bisweilen durch die Sphären. Die Songs kombinieren weitläufige Klanglandschaften mit nachdenklichen Refrains, vorgetragen von emotionalen Vocals.

Der Titeltrack als Opener klingt sehr nach den Soundeskapaden von Peter Gabriel und auch stimmlich sind Ähnlichkeiten nicht von der Hand zu weisen. „Versions of Truth“ gehört zu den dunkleren Stücken des Albums und wirkt sehr vertrackt. Danach wird es deutlich unaufgeregter. Ein filigraner Rhythmusaufbau zieht sich durch das komplette Album. So sind die meisten Stücke sehr eingängig und gehen für Progressive Rock-Tracks ungewöhnlich schnell ins Ohr. Das ist aber kein Nachteil.

Mit über 7 Minuten ist „Our Mire“ der Song, der den im Prog so beliebten Longtracks noch am nächsten kommt. Alles andere bewegt sich im normalen Rahmen von 3-4 Minuten. So erzählt das Album Geschichten vom Aufleben und Zerbrechen von Beziehungen – voller Melancholie und ohne sich in hektischen Ausbrüchen zu verlieren.

Längst haben The Pineapple Thief es geschafft, einen eigenen Sound aus rockigen Gitarren und spacigen Synthies zu kreieren. Maßgeblich für den Sound ist außerdem die vielseitige Stimme Soords, die ich am liebsten mag, wenn sie die ruhigen Töne anschlägt. „Versions of Truth“ ist ein weiteres Meisterwerk, an dem Freunde von Gazpacho, Blackfield und Anathema ihre Freude haben werden.

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BruceSoord

Bruce Soord und der Lion King: Eines Tages wird das alles dir gehören

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Die Briten The Pineapple Thief lassen seit vielen Jahren die Herzen von Progfans höher schlagen. Mit ihrer atmosphärischen Musik und epischen Momenten führen sie die kunstvolle Rockmusik auf eine neue Ebene. Hohen Anteil daran hat zweifelsohne der Sänger, Gitarrist und Keyboarder Bruce Soord, der dieser Tage sein zweites Soloalbum „All This Will Be Yours“ veröffentlicht hat.

Wer die ruhige und melancholische Seite von The Pineapple Thief liebt, erfährt hier die Vollbedienung. Man möchte ihm bisweilen ein Tachentuch reichen, so tränenrührig sind die gebotenen Stücke. Steve Hogarths „whiny voice“ ist nichts dagegen.

„All This Will Be Yours“ ist ein Album mit akustischen und persönlichen Visionen von Bruce Soord. Es wurde von Soord wie ein Beobachtungsprotokoll beschrieben und ist inspiriert von der Freude, die er bei der Geburt seines dritten Kindes verspürte.

Bruce erklärt: „Emotional gesehen war es eine ziemlich einzigartige und ereignisreiche Zeit. Meine Frau sollte zu dieser Zeit unser drittes Kind bekommen, aber sie schaffte es, nach der Show an diesem Abend das letzte Konzert der Tour im Londoner Shepherd’s Bush Empire zu sehen. Wir kehrten nach Hause zurück und am nächsten Tag kam unser kleines Mädchen an. Wir hatten also dieses neue Leben in unserem Leben und es eröffnete eine ganz andere Perspektive auf die Welt um mich herum. Ich war total begeistert und habe fast sofort angefangen zu schreiben.“

Soord war so beseelt, dass er die Geräusche seiner Heimatstadt aufnahm und auf dem Album verewigt hat. Schreiende Kinder, ein singender alter Mann, jaulende Sirenen. Im Vordergrund aber stehen seine emotionalen Vocals, die er nach eigenen Worten aufnahm, während das Neugeborene im Studio döste. Vermutlich erklärt dies auch den rührseligen Albumtitel mit dem Zitat aus „König der Löwen“. Persönlicher und emotionaler geht’s nicht!

Blackfield

Blackfield – wie sich Prog und Pop zu Kunst vereinen

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Der eine ist der unumstrittene Tausendsassa des Progressive Rock: Steven Wilson hat mit Porcupine Tree den Prog in neue Sphären gehoben, macht Ambient mit Bass Communion, Artpop mit No-Man, ist inzwischen als umjubelter und von der Kritik gefeierter Solokünstler unterwegs und remastert ein klassisches Album nostalgischer Prog- und Rockkünstler nach dem anderen. Aviv Geffen hingegen ist ein Popstar in Israel. Seine Platten sind fast ausschließlich in seiner Heimat erfolgreich, dort aber ist er ein gefeierter Künstler.

Beide hat das Schicksal im Jahr 2001 trotz ihrer vollen Terminkalender zusammen geführt und mit Blackfield haben sie eine einzigartige Band geschaffen, die dazu führte, dass inzwischen auch Aviv Geffen internationale Erfolge feiern konnte. Die fünf bisherigen Alben, alle bis auf das dritte („Welcome To My DNA“) immer mit römischen Ziffern durchnummeriert, bieten eine Form von Pop, die perfekter nicht sein könnte. Bei der Beteiligung von Wilson als Perfektionist in Person auch nicht weiter verwunderlich.

Der Sound der Songs ist lautmalerisch, harmonisch, bisweilen mit Streichern unterlegt und meist mit Geffens charismatischer Gesangsstimme versehen. Wer sich davon überzeugen will, kann mit „Open Mind“ durch den Backkatalog des Duos schlendern – vom ersten Album aus dem Jahr 2004 bis zum aktuellen Werk, das von keinem Geringeren als Alan Parsons produziert wurde. Steven Wilson hat mit diesen Stücken seine ersten Schritte in klassischer und vor allem kunstvoller Popmusik gemacht, Aviv Geffen konnte über den Tellerrand Israels hinausschauen und sich dort sichtlich wohlfühlen.

Blackfield ist ein äußerst gelungenes Experiment der Prog- und Popgeschichte. An wem dies bisher vorbei gegangen ist, der sollte hier schleunigst zuschlagen.

Anathema

Anathema: Großes Kino für Augen und Ohren

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Allein das Setting ist genial: Anathema in der Liverpool Cathedral. Hier wird schon klar, dass man dieses Ereignis nicht nur auf CD genießen darf, sondern das visuelle Erlebnis braucht. Kein geringerer als Lasse Hoile hat den Konzertfilm geschaffen, der den Titel „A Sort Of Homecoming“ trägt. Der Däne hat bereits mit Steve Wilson, Katatonia sowie Opeth gearbeitet und deren Shows atmosphärisch perfekt eingefangen.

Nun sind Anathema an der Reihe: die ehemaligen Gothic Metaller, die sich aus den düsteren Sphären hin zu regelrechten Alternative Rockern entwickelt haben. Und dann diese Bilder vor dem sitzenden Publikum in der Kathedrale. Schwermütig beleuchtet – da lebt schon das Pathos, bevor der erste Ton erklungen ist. Der 7. März 2015 bescherte vermutlich allen Anwesenden ein einmaliges Erlebnis.

Sänger Vincent Cavanagh ist in seiner Begeisterung kaum zu bremsen: „I’m really happy that this night in particular has been preserved. As anyone from Liverpool will tell you, to be given the chance to play the Anglican Cathedral is monumental and a huge honour. The place is absolutely huge. Just look at the cover, it was like doing a gig in Erebor!“ Im Wechsel mit Sängerin Lee Douglas lässt er vor allem die aktuellen Anathema-Werke hoch leben und badet in einer Lichterflut.

Dass die Band quasi zu Hause spielt, merkt man der Stimmung sofort an. Und die entspannte und gelöste Atmosphäre überträgt sich auf die Zuschauer. Anathema beherrschen eines ganz besonders: große Emotionen verpackt in Jahrhundert-Melodien. Dafür brauchen sie kein Mega-Equipment, sondern es reichen akustische Instrumente, bisweilen eine Loop-Station und zum Teil mehrstimmiger Gesang. So funktionieren die vertrackten Songs auch in reduzierten Versionen. Großes Kino für Augen und Ohren!

Das CD/DVD-Paket bietet 100 Konzertminuten als Livekonzert auf 2 CDs und als Konzertfilm mit einigen „Behind The Scenes“-Extras.

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