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David Bowie

Nile Rodgers

Nile Rodgers & Chic geben sich im Kölner Tanzbrunnen die Ehre

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Wenn man alle Hits aufschreiben möchte an denen Gitarrist, Songwriter und Produzent Nile Rodgers während seiner langen Karriere beteiligt war, würde man sehr viele Blätter damit beschreiben können. Nur so viel: mehr als 500 Millionen Alben und 75 Millionen Singles sind mit Rodgers‘ Beteiligung weltweit verkauft worden, er hat mit namenhaften Künstlern wie David Bowie, Madonna, INXS, Diana Ross und Daft Punk zusammengearbeitet und insgesamt sechs Grammys abgeräumt. Seine musikalische Karriere startete er eins als Mitglied der Studioband der Sesamstraße bevor er 1977 zusammen mit Bassist Bernard Edwards seine Band Chic gründete, von der er selbst als einziger verblieben ist.

“Dance, Dance, Dance”

Seine größten Erfolge präsentiert Nile Rodgers nun im Rahmen einer ausgedehnten Europatour unter anderem auch seinen Fans im Kölner Tanzbrunnen, die vor Konzertbeginn noch einen heftigen Wolkenbruch überstehen müssen. Pünktlich um 20.15 Uhr betritt Nile Rodgers im grünen Jackett und mit schwarzer Sonnenbrille samt Band die Bühne und legt mit „Le Freak“ los, ein Song der sich weltweit rund 7 Millionen Mal verkauft hat und der die Messlatte des heutigen Abends bereits sehr früh sehr hoch legt.

Es folgen weitere Chic Klassiker, „Everybody Dance“, „Dance, Dance, Dance“ und „I Want Your Love“ wobei das Wort „Dance“ die Richtung in den nun folgenden 100 Minuten vorgeben sollte. Egal ob jung oder alt, es bleibt kein Fuß ruhig stehen, die rund 7000 Zuschauer (grob geschätzt) verwandeln den Tanzbrunnen in eine Open Air Disco wo man einfach mitttanzen muss. Zwischen den Songs bedankt sich Nile beim Kölner Publikum und erzählt nebenbei auch die ein oder andere Anekdote über die Zusammenarbeit mit diversen Künstlerinnen  und Künstler der vergangenen Jahre.

Es folgen Songs von Diana Ross und Madonna, wobei hier die beiden Sängerinnen Kimberly Davis und Folami mit ihren einmaligen Stimmen herausstechen. Überhaupt hat sich Nile Rodgers eine Band zusammengestellt die für dieses Genre kaum besser sein kann. Vor allem Bassist Jerry Barnes, der später am Abend noch die ein oder andere Soloeinlage bekommen sollte, sticht hier durch sein extravagantes Spiel hervor.

Grammy für Daft Punks „Random Access Memories“

1977 brachten die Bee Gees „Saturday Night Fever“ raus, das Album gewann später einen Grammy für das beste Album des Jahres, einer Dance Platte war das zuvor noch nie gelungen. Ganze 36 Jahre später sollte sich diese Geschichte wiederholen –  zusammen mit Daft Punk schaffte Nile diesen Coup erneut. Die beiden Singles „Get Lucky“ und „Lose Yourself To Dance“ aus dem Album „Random Access Memories“ werden vom Kölner Publikum frenetisch bejubelt. Mit welcher Leichtigkeit Nile das vier akkordige Gitarrenriff zu „Get Lucky“ aus seiner Stratocaster (The Hitmaker genannt) herauszaubert ist schon bewundernswert.

Wer mit fast 72 Jahren immer noch so erfolgreich ist, der schaut auf eine bewegte Karriere zurück, beim Sister Sledge Hit „Thinking Of You“ laufen im Hintergrund der Bühne auf einer Leinwand diverse Fotoerinnerungen mit allerlei Größen des Rock- und Popbusiness. Mick Jagger, Eric Clapton, Lady Gaga und viele andere bekannte Gesichter sind dort zu bestaunen.

Erfolgreiche Zusammenarbeit mit David Bowie

Dem leider schon verstorbenen Ausnahmekünstler David Bowie bescherte Nile Rodgers vor ziemlich genau 40 Jahren den Hit „Let’s Dance“. Wie genau er aus einer einfachen Akkordfolge die Bowie ihm vorspielte das unverwechselbare Riff kreierte kann man sich auf dem Youtube Kanal von Fender mit Begeisterung anschauen. „Let’s Dance“ ist an diesem Abend einer der absoluten Höhepunkte, zumal Schlagzeuger Ralph Rolle ihn in seiner unnachahmlichen Art und Weise vorträgt. Zum großen Finale bekommt das durchgeschwitzte Publikum dann noch „Good Times“ serviert, bevor ein denkwürdiges Konzert um kurz vor 22.00 Uhr zu Ende geht. Eine Zugabe gibt es auf Grund des Anwohnerschutzes leider nicht, dafür schreibt Nile Rodgers anschließend noch fleißig Autogramme…

Fazit: Nile Rodgers ist ohne Frage ein Ausnahme-Gitarrist und der Godfather der Disco-Ära. Über 50 Jahre bestimmt er jetzt schon das Musikbusiness mit und schreibt weiterhin weltberühmte Songs. Sein freundliches Naturell, seine positive Ausstrahlung aber vor allem sein musikalisches Können überzeugen auf ganzer Linie und lassen jedes Konzert zu einem außergewöhnlichen Erlebnis werden. Eines hat er dem Kölner Publikum noch versprochen: von jetzt an werde er jedes Jahr in Köln ein Konzert spielen… dann bis 2024!

Nile Rodgers Setliste // Tanzbrunnen Köln, 02.08.2023

Le Freak
Everybody Dance
Dance, Dance, Dance (Yowsah, Yowsah, Yowsah)
I Want Your Love
I’m Coming Out
Upside Down
He’s The Greatest Dancer
We Are Family
Like A Virgin
Material Girl
Modern Love
Cuff It
Get Lucky
Lose Yourself To Dance
Spacer
Soup For One
Lady (Hear Me Tonight)
Lost In Music
Notorious
Thinking Of You
My Feet Keep Dancing
Love Like This / Chic Cheer
My Forbidden Lover
Let’s Dance
Good Times / Rapper’s Delight

 Nile Rodgers Equipment

Nile Rodgers spielt eine 1960er Fender Hardtail Stratocaster (mit einem 59er Hals) die er Anfang der 70er Jahre in einem Laden in Miami gekauft hat. Da er selber ein großer Jimmy Hendrix Fan war hat er sie mit weißem Lack besprüht, von dem heute nach all den Jahren der intensiven Nutzung nicht mehr viel übrig ist. Die Gitarre wurde nachträglich von ihm mit Lockingtuners und Speedknobs versehen. Wer einmal selber in den Genuss der Hitmaker Stratocaster kommen möchte kann eine nahezu 1:1 Kopie des Originals von Fender für runde 2800 Euro käuflich erwerben.

Das Pedalboard des Großmeisters gestaltet sich auf seiner Tour sehr übersichtlich, folgende Komponenten sind darauf verbaut:

Eventide Powermax
Pitchblack Tuner
Boss Digital Delay
Ibanez Chorus
Mad Professor Auto Wah
Ibanez Tube Screamer
Jam Pedals “Wahcko” Wah Pedal

An Verstärkern benutzt Nile zwei Fender Hot Rod Deville 410s.

MH_Bad Magic_2023

Immer noch magisch

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Im Jahr 2015 erschien mit „Bad Magic“ das letzte Album von Motörhead, das zugleich ihr erstes Nummer-1-Album in Deutschland war. Es bot ein Dutzend Songs mit purem Rock ’n‘ Roll und zum krönenden Abschluss eine fulminante Coverversion von „Sympathy For The Devil“. Einen besseren Abschluss seiner musikalischen Karriere hätte sich Lemmy nicht wünschen können.

1975 gegründet waren Motörhead 40 Jahre lang bis zum Tod von Lemmy Kilmister (am 28.12.2015) das Maß aller Dinge. Punk, Hard Rock, Rock ’n’ Roll sowie Bluesrock vereinten sich hier zu einem unschlagbaren Konglomerat und die Band wurde zum Vorbild für eine Legion von Metalbands. Dazu kamen Lemmys energischer, rauer Gesang sowie dessen E-Bass, der den Musikstil der Band prägte und über lange Zeit zum Alleinstellungsmerkmal machte.

Die Ikonen, die „Godfathers of Heavy Metal“, veröffentlichen ihr 23. Studioalbum von 2015 jetzt noch einmal unter dem Titel „Bad Magic: Seriously Bad Magic“. Die Neuauflage beinhaltet frisches Bonusmaterial und zwei bisher unveröffentlichte Tracks: „Bullet in Your Brain“ und „Greedy Bastards“. Hinzu kommt eine glanzvolle Live Performance von der Bad Magic Tour beim gigantischen Mt Fuji Festival in Japan 2015.

Als „Bad Magic“ vor fast acht Jahren veröffentlicht wurde, tat es einen gewaltigen Schlag und alle, die meinten Motörhead wären zahmer geworden, wurden eines Besseren belehrt. Das Album erreichte in Deutschland auf Anhieb die Top 1 Chart Position mit Songs, wie dem Brechkegel „Thunder & Lightning“ oder „Teach Them How To Bleed“.

Das Album war tough, clean, mean und eines der kompromisslosesten Werke von Motörhead ever – von der gewaltigen Punk Energie bei „Electricity“ bis hin zu Queens Brian May, der einen sprühenden Gastauftritt bei „The Devil“ hat, dazu gewaltige Aggression, Attitüde und exzellentes Songwriting. Phil Campbell hat nicht nur seine besten Gitarrenstücke aufgenommen, er hat die besten Solos in einer Dekade abgeliefert und Mikkey Dees Schlagzeugspiel gab dem Motörhead Sound eine neue Resonanz.

Die Neu-Edition lohnt sich allein wegen des genialen Covers von David Bowies „Heroes“ mit krachenden Gitarren und emotionalen Vocals. „Bullet in Your Brain“ knüppelt sich megastark in die Hirnwindungen und „Greedy Bastards“ überrascht mit seiner gesprochenen Einleitung und einer verlebten Blues-Attitüde.

Der Digipack ist sehr schön aufgemacht und liefert ein Booklet mit allen Lyrics. Die Setlist der Bonus-CD lässt dann kaum Wünsche offen und zeigt Lemmy ein letztes Mal in seinem Element als genialer Fronter einer außergewöhnlichen Band:

1. We Are Motörhead
2. Damage Case
3. Stay Clean
4. Metropolis
5. Over the Top
6. String Theory
7. The Chase is Better Than the Catch
8. Rock It
9. Lost Woman Blues
10. Doctor Rock
11. Just ‚Cos You Got the Power
12. Going to Brazil
13. Ace of Spades
14. Overkill

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Raoul Schoregge_Buchcover

Raoul Schoregge – Regisseur und Manager des Chinesischen Nationalcircus

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Mit der neuen Show „China Girl – Liebe ist stärker als Blut“ macht sich unter der Führung der beiden deutschen Produzenten Hermjo Klein und Raoul Schoregge eine weitere Produktion des Chinesischen Nationalcircus auf den Weg, die Herzen eines weltweiten Publikums zu erobern. Die Welt-Premiere ist für den 17. Dezember 2021 geplant. Das Artistenensemble und Raoul Schoregge arbeiten seit dem Lockdown im März 2020 auf diese Premiere hin und bereiten sich mental wie körperlich auf den lang ersehnten Neustart der Kultur hin.

Analog zum Titel präsentiert sich bei dem innovativen Showkonzept Acrobatical die hohe Kunst der chinesischen Akrobatik auf dem Soundteppich der live performten Highlights aus dem musikalischen Gesamtwerk der legendären Pop Ikone David Bowie. Die Handlung ist eine Übertragung von William Shakespeares Tragödie „Romeo und Julia“ in das New York City der Jahrtausendwende.

Raoul Schoregge ist als Manager des Chinesischen Nationalcircus nicht nur ein disziplinierter Organisator und sachlicher Zahlenmensch. Von Hause aus ist er ausgebildeter Clown, trat unter anderem im Circus Krone auf, hat seine eigene Show im Repertoire und steht auch in „China Girl“ mit auf der Bühne. In seiner Autobiografie „Die Leiter am Fuße des Lächelns“ blickt er auf sein bewegtes Leben zurück: Wie kam es zum Beispiel dazu, dass er zur besten Sendezeit im Ersten Deutschen Fernsehen live mit einer Torte die Treppe herunterflog? Oder wie schaffte er es, Oleg Popov, den größten Clown der Neuzeit, zum ersten und einzigen Mal nach China zu bringen?

Das Buch beschreibt in den Worten des Weltenbummlers seine Geschichte und die großen Wagnisse eines ganz besonderen Abenteuers. Die fesselnde Biografie führt von Europa nach Asien und um den ganzen Planeten. Das Buch ist gespickt mit Anekdoten und chinesischen Weisheiten – dadurch wird es zum äußerst kurzweiligen Lesevergnügen und macht Lust auf die Shows des Circus, die (hoffentlich) Ende des Jahres starten.

HIER findet ihr die Termine und Ticketlinks!

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Iggy Pop: Der „Godfather of Punk“ mit Veröffentlichungs-Initiative

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Im März 2010 wurde Iggy Pop in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen – eine Auszeichnung, auf die er vermutlich nie hingearbeitet hat. Zu exzessiv war sein Leben, zu exzentrisch seine Performance. Doch verdient hat er es allemal. Im Jahr 2020 gibt es einen Blick zurück in die Anfangszeit der Karriere: Nach drei Alben mit den Stooges war er Ende der 70er in Berlin und begann sein Soloschaffen im Dunstkreis von David Bowie.

Die 7-CD-Box „The Bowie Years“, die Iggy Pops Alben aus dieser Berlin-Ära enthält, erschien am 29. Mai 2020. Das Box-Set enthält neu remasterte Versionen von „The Idiot“ und „Lust For Lif“, das Live-Album „TV Eye“, drei weitere Konzerte und seltene Outtakes, alternative Mixe sowie ein 40-seitiges Buch.

„Lust For Life“ und „The Idiot“ wurden auch als eigenständige 2CD-Deluxe-Editionen mit Bonus-Live-CDs veröffentlicht. Das Box-Set und die Alben bieten einen faszinierenden Einblick in die einzigartige kreative Phase, die die legendäre Berlin-Ära des Post-Punk definierte. Zur Review liegen mir diese beiden Digipacks vor.

Beginnen wir mit „The Idiot“, das im März 1977 erschienen ist. Iggy stand damals unter den Fittichen von Bowie, der ihn ermutigte und förderte, der das Album produzierte und teilweise auch die Arrangements schrieb. Wichtigster Titel ist natürlich „China Girl“, den Bowie sechs Jahre später in einer seichteren, tanzorientierten Version zum Welthit machte. Die Live-CD wurde am 7. März 1977 im Rainbow Theatre London mitgeschnitten. Eine sehr authentische Aufnahme, die auch klangtechnisch dem Punk alle Ehre macht. Sicher nichts für Sound-Puristen, aber eine kraftvolle und dynamische Performance.

Auch auf „Lust For Life“ ist Bowies Einfluss deutlich spürbar. Es erschien ebenfalls 1977 (nur ein halbes Jahr nach dem Erstling) und ist deutlich aggressiver als der Vorgänger. Mit „The Passenger“ enthält es Iggys bekanntesten Titel, den jeder noch im Ohr haben dürfte. Sein „lalala“-Mitsingteil hat schon Generationen mitgerissen. Ebenso wichtig ist natürlich der Titeltrack, der auf Anhieb an „Trainspotting“ erinnert. Das Livealbum entstand 1977 in Cleveland und ist klanglicher ein Stück besser als oben erwähnte Version. Auch hier sind noch einige Stooges-Titel vertreten.

Die Digipacks sind schön aufgemacht mit Schwarz-weiß-Fotos auf den Innenseiten und jeweils einem aussagekräftigen Booklet, das sowohl die Lyrics, viele Illustrationen und kurze Interviews mit Weggefährten enthält. Feine Sache – und die Bezeichnung „Deluxe“ ist wirklich angebracht.

SMS XMAS

Alle Jahre wieder: Sing Meinen Song – Das Weihnachtskonzert Vol. 5

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Genau wie wir uns an die jährliche Sause von „Sing meinen Song“ gewöhnt haben, gehört auch das dazu passende „Weihnachtskonzert“ auf CD zur adventlichen Festtagsstimmung. Und wieder ist die Zusammenstellung äußerst spannend. Das Repertoire an klassischen Weihnachtssongs dürfte ohnehin inzwischen erschöpft sein, aber man kann ja immer noch passende Titel finden, die sich hier neu interpretieren lassen.

Von Mark Forster gibt es diesmal nur Aufgewärmtes. „Last Christmas“ und „White Christmas“ waren schon auf der ersten Compilation 2014 vertreten. Auch hier sind sie solide interpretiert, aber Mark hat es diesmal nicht geschafft, seine hymnischen Elemente in die Songs zu packen. Sie bleiben besinnlich, wie wir das gewohnt sind. Auch Johannes Strate hat mit seiner verwingten Version von Zuckowski „Weihnachtsbäckerei“ keinen Glücksgriff gelandet. Da gefällt mir das kindgerechte Original doch um einiges besser.

Aber es gibt andere Highlights – und die haben es in sich: Marian Gold (Sänger von Alphaville) interpretiert David Bowies „Starman“ einfach wundervoll. Dass man diesen Sänger seit seinen Glanzzeiten in den 80er Jahren nicht mehr auf dem Schirm hatte, ist schon eine Schande. Mary Roos kann bei Maria Menas „Home For Christmas“ und dem Pe Werner Hit „Lass es schneien“ ganz eigene Akzente setzen und macht mal wieder deutlich, dass sie als Schlagersängerin stets unterschätzt wurde. Jetzt, im Alter, ohne den Druck der Plattenfirmen hinter sich, zeigt sie große Klasse.

Und dann sind da noch zwei gewaltige Duette: Judith und Johannes schmachten „Baby, It’s Cold Outside“, wobei Judiths piepsige Vocals die Sinatra-Stimme von Johannes fein konterkarieren. Rea und Leslie hingegen machen „Fairytale Of New York“ zur feinsinnigen Pianohymne. Ganz groß!

Es hat also mal wieder funktioniert. Sieben Stars laden zur Hitbescherung und erfreuen alle, die sich neue Songs unterm Tannenbaum wünschen. Und mit Grosch’s Eleven, der Band um Mathias Grosch, sind formidable Musiker dabei, um das Fernsehereignis und die dazugehörige CD zu einem starken Ergebnis zu führen.

Beside Bowie

„Beside Bowie“ – ein Film über den Gitarrenvirtuosen Mick Ronson

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Mick Ronson hat als Produzent und Gitarrist mit Künstlern wie Lou Reed, Morrissey, Ian Hunter und Mott The Hoople, Bob Dylan, John Mellencamp und vielen anderen gearbeitet, aber dieser Film beschäftigt sich hauptsächlich mit seinem unverzichtbaren Beitrag zu der bunten Karriere von David Bowie und einer kompletten musikalischen Ära.

Als Mitglied von Bowies Begleitband 1970 bis 1973 hatte Mick Ronson eine Schlüsselrolle bei der Entstehung von Alben wie „The Man Who Sold The World“ und „The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars“. David Bowie würdigte seinen Sidekick später mit den Worten: „Als Rockduo waren wir genau so gut wie Mick und Keith, oder Axl und Slash. Ziggy und Mick waren die Personifizierung dieses Konzepts eines sich perfekt ergänzenden Duos im Rock ‘n’ Roll.“

Der fast 100minütige dokumentarische Film – leider nur in englischer Sprache erhältlich, aber ganz gut zu verstehen – würdigt die Rolle des Gitarristen und zeigt auf, wie wichtig dieser mit seinen Ideen als Songwriter und Ideengeber war.

“Beside Bowie: The Mick Ronson Story” enthält exklusive Kommentare von David Bowie und exklusive Beiträge von Rick Wakeman, Joe Elliott, Roger Taylor, Ian Hunter, Angie Bowie und vielen weiteren Künstlern. Die Doku feiert einen unkomplizierten Mann der den Gipfel des Erfolgs im Musikbusiness erklommen und sich gleichzeitig mit seinen Produktionen und seiner Virtuosität den Respekt seiner Zeitgenossen verdient hat.

Leider verstarb Ronson schon 1993, bevor er die Anerkennung erfuhr, die er so sehr verdient hätte. Er arbeitete gerade an einem Soloalbum, welches nach seinem Tod von einigen Kollegen fertig gestellt wurde. Mit dieser Dokumentation hat Emperor Media außergewöhnliche Authentizität und einen tiefen Einblick in das Leben eines fantastischen Künstlers erreicht, der eine tragende Säule der Rockmusik war und während eines großen Teils von Bowies glanzvollster Zeit an dessen Seite („Beside Bowie“) stand.

Bowie-NoPlan

David Bowie: „No Plan“ EP – ein weiteres Vermächtnis

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Eigentlich war „Blackstar“ das letzte musikalische Lebenszeichen des großen Künstlers, erschienen ganze zwei Tage vor seinem Todestag. Ein wundervolles Werk, das voll von weltlichen Sehnsüchten und Todesahnungen ist. Mit 69 auf solche Weise von der Bühne abzutreten, ist phänomenal und der letzten Diva unserer Zeit mehr als würdig.

Doch es gibt noch ein weiteres Vermächtnis. „Lazarus“ steht sinnbildlich für den vom Tod Auferweckten. Das Musical aus der Feder von David Bowie und Enda Walsh entfernt sich aber vom biblischen Thema und funktioniert als Adaption des Bowie-Films „Der Mann, der vom Himmel fiel“ aus dem Jahr 1976. Die Uraufführung fand noch Ende 2015 in Anwesenheit Bowies statt. Die Hauptrolle spielte „Dexter“ Michael C. Hall.

Bereits im Oktober erschien der Sampler „Lazarus Cast Album“ mit von den Musical-Darstellern eingesungenen Bowie-Songs des Musicals. Das Album enthält zusätzlich die drei bisher unveröffentlichten Bowie-Studioaufnahmen „No Plan“, „Killing a Little Time“ und „When I Met You“. Diese Stücke gelten als Bowies letzte, kurz vor seinem Tod eingesungene Aufnahmen.

Puristen, die mit dem Musical nichts anfangen können, haben nun die Möglichkeit, eine EP zu erwerben, die alle drei Titel und den Song „Lazarus“ vom „Blackstar“-Album enthält. Letzterer behandelt Bowies Ahnung des nahenden Tode und ist der perfekte Opener, dicht gefolgt vom sanftmütigen „No Plan“, in dem der Meister aussagt, dass er nichts zu bedauern hat. Was für ein Vermächtnis!

Auch das rockige „Killing A Little Time“ und die Liebesballade „When I Met You“ sind sehr schöne Stücke. Alles andere als Lückenfüller. Fast 20 Minuten Bowie pur bieten mehr, als manches Album der Neuzeit in dreifacher Länge aussagt. Diese EP lohnt sich definitiv.

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David Bowie – das Vermächtnis auf 2 CDs

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Nach dem Tod von David Bowie wurde eine Reihe von Werkschauen des Ausnahmekünstlers veröffentlicht. In den über 50 Jahren seines Wirkens war er eine Gallionsfigur an der Spitze zeitgenössischer Musik. Dies manifestierte sich aber nicht unbedingt in seinen Single-Veröffentlichungen, die vor allem schmückendes Beiwerk und ein Zugeständnis ans Radioformat waren. Man muss seine Alben hören, um ihn zu verstehen – und damit ist man dann sehr lange Zeit beschäftigt.

Für Gelegenheitshörer und Nostalgiker machen die Compilations also durchaus Sinn. Da gab es zum Beispiel schon „Nothing Has Changed“, ebenfalls bei Parlophone / Warner erschienen und dem neuen Release „Legacy“ gar nicht so unähnlich. Die Reihenfolge ist anders, der ein oder andere Song wurde ausgetauscht. Das war’s dann auch.

Der Hitreigen geht von den ersten großen Erfolgen „Space Oddity“, „Life On Mars“ und „Heroes“ hin zu den 80er-Jahre-Singles „Under Pressure“ (zusammen mit Queen), „Let’s Dance“ und „China Girl“. Auch die weltbekannten Kollaborationen mit der Pat Metheny Group („This Is Not America“), Mick Jagger („Dancing In The Street“) und den Pet Shop Boys („Hello Spaceboy“) sind vertreten. Damit ist vor allem CD 2 sehr 80s-lastig. Den Abschluss bilden aber die Singles vom letzten Album „Lazarus“.

Die Musik ist zeitlos schön. Trotzdem: Wer nicht auf die neu gemischte Version einer bisher unveröffentlichten Aufnahme von „Life On Mars“ angewiesen ist, wird die CD nicht unbedingt brauchen, da er die Titel schon in verschiedenen Ausstaffierungen im Regal hat.

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David Bowie und sein phänomenales letztes Album

Ich muss zugeben, dass ich mich einige Tage vor dieser Review gedrückt habe, obwohl das Album meinen Player in der ganzen Zeit kaum verlassen hat. Ist halt doch ein bewegendes Thema. Aber man kommt nicht drum herum. Gestern war ich auf einer Einführungsveranstaltung zu Puccinis Oper „Tosca“ im Theater Trier. Die Operndirektorin gab der Figur Tosca gleich zu Beginn den Beinamen „Diva“ und schlug den Bogen zu der letzten großen Diva der Musikwelt, die kürzlich von uns gegangen ist: David Bowie.

Wie recht sie damit hat. Dieser Mensch, der uns musikalisch so nah war und gleichzeitig immer wirkte, als käme er von einem anderen Stern. Wie Michael Jackson oder Freddie Mercury. Gesamtkunstwerke! Selbst Bowies Abschied wirkt wie eine finale Selbstinszenierung. Zum 69. Geburtstag legt er ein Album vor, das seinen Tod thematisiert und quasi voraussagt, hat vielleicht noch zwei Tage Zeit, um erste Reaktionen einzufangen, und verabschiedet sich dann von dieser Welt. So geht Größe.

„Blackstar“ ist ein typisches Bowie-Album – und damit alles andere als vorhersehbar. Keine eingängigen Popsongs, aber damit hat auch keiner gerechnet. Stattdessen viele überraschende Elemente. Jazzige Einflüsse – filigrane Bläser, vertrackte Melodiefolgen. Bowies Stimme schwebt so schwermütig, prägnant und zugleich selbstbewusst über der Musik, dass ich mehrfach schlucken muss. Stücke wie „Lazarus“ sind so eindringlich, dass man es kaum aushalten kann. „Look up here, I’m in heaven. I’ve got scars that can’t be seen.“ Und dann der Titelsong „Blackstar“: Hier fasst Bowie nochmal alles zusammen, was seine Musik ausmacht – ohne sich dabei in Kunstfiguren flüchten zu müssen. Fast zehn Minuten des puren Bowie, der nichts an Kreativität eingebüßt hat.

Der Zugang zum Album ist nicht immer einfach. Man sollte es auch nicht auseinander pflücken, sondern am Stück hören und die letzte Botschaft eines großen Künstlers genießen. Der Meister hat zum Abschied nicht gekleckert. Er hat uns ein wunderbares letztes Werk vorgelegt – voll von weltlichen Sehnsüchten und Todesahnungen. Mit 69 auf solche Weise von der Bühne abzutreten, ist phänomenal und der letzten Diva unserer Zeit mehr als würdig.