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Hannah Kröll

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Interview mit Henrik Trevisan von Emma6: „Es wird Konzerte geben“

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Nach drei Studio-Alben und einer ausverkauften Headliner-Tour zum letzten Album „Wir waren nie hier“, haben Emma6 Ende Januar eine neue 4-Songs-EP mit dem Titel „Möglichkeiten“ veröffentlicht. Darauf klingt das Trio abgespeckt, mehr nach Akustikgitarre und doch erkennt man den unverwechselbaren Emma6-Sound wieder. Nach vierzehn Bandjahren und drei Alben hat die Band offensichtlich Lust in kleineren Sinneinheiten zu fühlen und zu denken. So gibt es passend zur EP auch noch eine Video-Tetralogie. Grund genug für Musicheadquarter-Redakteurin Hannah Kröll bei Emma6-Schlagzeuger Henrik Trevisan nachzufragen.

Ihr habt euch für das Schreiben eurer neuen Songs in eine Hütte im Schwarzwald eingeschlossen. Klingt sehr idyllisch! Wie seid ihr auf diese Idee gekommen und warum ausgerechnet der Schwarzwald?

Henrik Trevisan: Das hat sowohl pragmatische als auch romantische Gründe. Wir leben mittlerweile alle am Rhein zwischen Köln und Karlsruhe. Dadurch gibt es nicht mehr zwangsläufig einen einzelnen naheliegenden Ort, an dem wir uns treffen. Hinzu kommt, dass der Schwarzwald eine wirklich schöne Gegend ist und man dort Plätze findet, die sehr abgelegen sind, was sehr inspirierend ist.

Wieso habt ihr euch denn dazu entschieden die Songs über einen längeren Zeitraum einzeln zu veröffentlichen und nicht, wie sonst ja oft üblich, alle auf einen Schlag in einer EP?

Henrik Trevisan: Wir haben festgestellt, dass die Zeiträume zwischen zwei Alben bei uns immer recht lang sind. Es gibt Songs, die sehr früh in dieser kreativen Phase zwischen den Veröffentlichungen entstehen, und andere, die erst spät dazukommen. Wir wollten den Zeitpunkt zwischen Entstehung und Veröffentlichung gerne verkürzen, daher die Entscheidung zur EP. Zusätzlich hatten wir die Idee eines Kurzfilms, der die Songs begleitet und zunächst nur Stück für Stück veröffentlicht wird. Das fanden wir sehr passend.

Bei „Möglichkeiten“ beschreibt ihr nach meiner Lesart den Konflikt zwischen den tausenden Möglichkeiten, die sich auftun und der damit zusammenhängenden Überforderungsproblematik. Hattet ihr beim Schreiben von „Möglichkeiten“ ein bestimmtes Dilemma im Kopf oder geht es bei dem Song mehr um etwas Generelles?

Henrik Trevisan: Deine Lesart trifft die Idee des Songs. Es geht einerseits um die großen Möglichkeiten im Leben, also Fragen wie: Wo möchte ich leben? Wie möchte ich leben? Was ist mir eigentlich wichtig, was nicht? Andererseits sind aber auch die Kleinigkeiten gemeint, bei denen man jeden Tag die Wahl hat und auch dort nicht immer klar ist welche Auswirkungen diese kleinen Entscheidungen haben. Daher kann es durchaus sinnvoll sein sich Gedanken darüber zu machen, was man wählt. Denkt man aber zu viel nach, kann es wiederum sein, dass man Dinge versäumt.

Bei „Nirgendwo“ hat mich der Teil „Nichts passiert hier im Nirgendwo, wo du warst ist es seltsam leer. Nichts passiert, das war schon immer so, aber mit dir weniger schwer“ sehr an „Seit du weg bist, ist hier nichts mehr wie es war. Nur ich bin noch da“ aus „Köln – Wien“ von eurem Album „Passen“ erinnert. Hängen die Songs irgendwie zusammen?

Henrik Trevisan: Das Grundgefühl der beiden Songs ist ähnlich, es gibt auf jeden Fall gewisse Parallelen. Bei „Nirgendwo“ geht es aber um eine Freundschaft, während „Köln – Wien“ eine Fernbeziehung thematisiert.

In Bezug auf „Nirgendwo“ würde ich natürlich auch gern noch wissen, ob mein Tipp aus dem Review (hier zum Nachlesen) stimmt und ihr euch mit der Line „Doch irgendwer Schlaues hat einmal gesagt ‚Irgendwann ist auch nur ein anderes Wort für nie!‘“ wirklich auf Kettcars „Benzin und Kartoffelchips“ bezieht oder ob ich mir diese Verbindung nur einbilde?

Henrik Trevisan: Diese Verbindung bildest du dir definitiv nicht nur ein. Große Schreiber wie Kettcar darf und sollte man auch mal zitieren. Vor allem, wenn einem selbst keine bessere Zeile einfällt (grinst).


Die neue Emma6-EP „Möglichkeiten“ wurde am 24.01.2020 beim Label Ferryhouse Productions veröffentlicht.

Hattet ihr beim Schreiben von „Meine Wege deinetwegen“ eine bestimmte Person im Kopf und wenn ja, war es dann bei euch allen drei dieselbe?

Henrik Trevisan: Der Text ist von Peter (Trevisan, Sänger von Emma6, d.Red.). Er ist letztes Jahr Vater geworden und der Song war das Geschenk an seine Frau zur Geburt.

„Überwintern“ ist für mich ein ganz spezieller Song, weil der Text und die Musik sehr aufmunternd wirken und fast schon fröhlich, eigentlich ist das Thema des Songs ja aber auch etwas Trauriges, nämlich Niedergeschlagen-Sein und eben das Fehlen des Gedankens, dass es besser wird, zumindest bei denjenigen, die ihr ansprecht. Warum habt ihr euch für einen solchen „Kontrast“ entschieden? Oder würdest du es gar nicht als einen solchen Kontrast ansehen?

Henrik Trevisan: Wir haben das Gefühl, dass gute Zeiten nur deshalb so gut sind, weil es auch weniger gute gibt. Wenn ich nur mein Umfeld betrachte, dann stelle ich fest, dass viele Menschen unzufrieden sind, obwohl sie objektiv betrachtet wohl alles haben, was sie brauchen und damit meine ich nicht nur materielle Dinge. Ganz persönlich gibt es unsere Band nun schon wirklich sehr lange und jeder von uns hat in dieser Zeit Gutes und weniger Gutes erlebt. Oft waren die schwierigsten Zeiten die, in denen wir uns am besten kennengelernt und etwas für die guten Zeiten mitgenommen haben.

Eure Songs wirken so persönlich, aber ich konnte sowohl bei „Möglichkeiten“ als auch bei „Überwintern“ auch Zusammenhänge zu großen Themen gesellschaftlichen Zusammenlebens erkennen. Wie viel gesellschaftliche Kritik steckt denn in den neuen Liedern?

Henrik Trevisan: Wir sind wie alle anderen auch Teil einer Gesellschaft. Ich denke persönliche und gesellschaftliche Dinge bedingen sich daher gegenseitig. In den allermeisten persönlichen Songs gibt es daher auch eine gesellschaftlichen Komponente.

Woher kam eigentlich die Idee eine Video-Tetralogie zu den Songs aufzunehmen?

Henrik Trevisan: Das Format der EP, also einer Veröffentlichung mit in unserem Fall nur vier Songs, war für uns neu. Zwar haben wir am Anfang der Bandgeschichte schon selber Songs aufgenommen und diese dann auf CDs gebrannt, die vier bis fünf Songs enthielten, aber das liegt schon länger zurück. Nun hatten wir das Gefühl, dass die Songs, die als Paket entstanden sind, auch visuell als Paket präsentiert werden sollten. Damit war die Idee geboren, dass wir in den Videos eine zusammenhängende Geschichte erzählen wollen. Das Drehbuch hat schließlich Dominik (Republik, spielt Bass bei Emma6, d.Red.) geschrieben.

Und zu guter Letzt noch die Frage, die uns wohl allen unter den Nägeln brennt: Wird die EP der Anstoß für eine erneute Tour sein?

Henrik Trevisan: Wir werden Ende des Jahres einige Konzerte spielen. In welchen Städten wir einen Stopp machen werden, kann ich leider noch nicht sagen, aber es wird Konzerte geben. Wir freuen uns jetzt schon und machen uns bereits Gedanken wie wir die neuen Songs live präsentieren möchten.

Das ist doch ein schönes Schlusswort. Wir bedanken uns vielmals für deine Zeit und freuen uns auch schon darauf euch wieder live sehen zu können.

Ein Dankeschön geht ebenfalls an Jenny Gottstein von ferryhouse productions für die nette Vermittlung des Interviews!

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Links-politisches Singen und Tanzen mit Kettcar im Düsseldorfer Stahlwerk

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Ich habe mich vor dem Konzert riesig gefreut, Kettcar noch einmal live sehen zu können, bevor die Band sich in eine angekündigte Pause auf unbestimmte Zeit verabschiedet. Die Freude stieg und stieg aber von Song zu Song noch mehr an, denn so eine tolle Setlist hätte ich mir in meinen kühnsten Träumen nicht vorstellen können.

Schon vom Start in den Abend an ist alles super! Freundliche Sicherheitsleute, nette Begrüßung von allen Seiten und an der Gästeliste eine Spende für Sea Watch – herrlich! Das Düsseldorfer Stahlwerk erinnert mich vom Aussehen her sehr an den Lokschuppen in Bielefeld, wo ich kürzlich Thees Uhlmann gesehen habe. Nur der Außenbereich unterscheidet sich wie Tag und Nacht: Während der Lokschuppen in einem Industriegebiet liegt, kommt man auf dem Weg zum Eingang des Stahlwerks durch eine Beachbar, im Sommer ist es bestimmt richtig schön hier.

Schrottgrenze eröffnen den Abend pünktlich um 20 Uhr und begeistern das Publikum mit Songs wie „Am gleichen Meer“ und „Fotolabor“ vom Album „Château Schrottgrenze“ von 2006 sowie „Lied vom Schnee“, welches von ihrem 2004 erschienenen Album „Das Ende unserer Zeit“ stammt. Dadurch ist auch für Altbekannte etwas dabei, wobei die Band natürlich auch Songs ihres 2019 erschienenen Albums „Alles zerpflücken“ spielt, mit dem sie im letzten Jahr bis auf Platz 53 der deutschen Albumcharts geklettert sind. „Fernglas“ widmet die Band Kettcar, weil sie glauben, das sei Kettcars Lieblingssong von ihnen. So etwas finde ich eine viel schönere Geste als sich mit 10.000 Worten dafür zu bedanken, dass man als Vorgruppe mit auf Tour gehen darf.

Wer nun schon mehrere Reviews von mir gelesen hat, weiß vielleicht, dass ich gesellschaftspolitisch linke Konzerte und Ansagen auf Konzerten sehr schön finde. „Alles zerpflückt“ wird mit den Worten „Dear Ladies and Gentlemen and Anyone Inbetween!“ eingeleitet. Wunderbar! Unter den Voraussetzungen verwundert es vielleicht nicht, dass Schrottgrenze mich vor allem mit „Sterne“ vom 2017er Album „Glitzer auf Beton“ begeistern. Diesen Song spielen sie für die queere Community und all diejenigen, die sich als Alliierte zeigen. Dass ihre Musik die Vielfalt der Geschlechter über das binäre Geschlechtersystem hinaus proklamiert, zeigt sich auch im Text dieses Songs. Mit Herzchen in den Augen vor Begeisterung werfe ich um 20.40 Uhr einen Blick auf meine Uhr, denn da verlassen Schrottgrenze die Bühne.

Kettcar lässt uns haargenau 23 Minuten warten, bevor sie einen ungewöhnlich ruhigen Start mit „Volle Distanz“ vom Album „Du und wieviel von deinen Freunden“ von 2002 hinlegen. Doch dieser ruhigere Beginn tut der Stimmung keinen Abbruch, es wird gejubelt und spätestens beim zweiten Song „Money Left to Burn“ explodiert das Stahlwerk förmlich vor lauter freudiger Tanz-Energie. Diese wird ideal unterstützt von den „Fantastischen Drei“, wie Marcus Wiebusch die drei Blasmusiker, die die Band begleiten, nennt. Doch nicht nur „Money Left to Burn“, sondern auch die anderen Songs klingen durch die Blasmusik viel voller, gigantischer und es macht noch mehr Spaß dazu auf und ab und vor und zurück zu hüpfen.

Nun wird deutlich: Die Düsseldorfer*innen sind an diesem Sonntagabend nicht nur in Tanzlaune, sondern auch sehr textsicher, und zwar so textsicher, dass ich ganz hinten stehend hören kann, wie viele Leute da vorne mitsingen. Hut ab! Die Textsicherheit beschränkt sich allerdings eher auf die älteren Songs wie „Rettung“ oder „Im Taxi weinen“. Doch auch für Kettcar-„Neulinge“ haben die Hamburger etwas dabei: Von der letzten EP „Wir vs. Ich“ spielen sie „Palo Alto“, in dem es um die Probleme des digitalen Kapitalismus geht und von „Ich vs. Wir“ bekommen wir unter anderem „Benzin und Kartoffelchips“, „Sommer ‚89“, „Wagenburg“ und „Ankunftshalle“ zu hören. Bei dem Marcus Wiebusch Song „Nur einmal rächen“ bin ich gefühlt die einzige in meiner Umgebung, die sich die Seele aus dem Leib brüllt, doch das macht gar nichts, denn seit ich den Song vor einigen Jahren zum ersten Mal gehört habe, wünsche ich mir, ihn live erleben zu dürfen. Und ich wusste „Dieser Tag wird kommen“ – das hat Kettcar nämlich auch noch von Marcus Wiebuschs „Konfetti“ gespielt. Stillhalten ist bei diesem Song, der sich mit Homophobie im Männerfußball kritisch auseinandersetzt, praktisch unmöglich, was sich auch hier in Düsseldorf wieder zeigt. Der kaum enden wollende Applaus nach den letzten Tönen dieses Lieds hat mir doch noch Hoffnung gegeben, dass die Welt nicht ganz so verkorkst ist, wie befürchtet.

Immer wieder streut die Band Anekdoten in ihr Set ein, allerdings ohne die Musik durch zu viel Gerede zu überdecken. Sie erzählen von ihrem neuen Proberaum in Hamburg, der unter einem der größten Swinger-Clubs der Stadt liegt. In diesen hat Peter, wie Marcus Wiebusch die gute Seele des Gebäudekomplexes nennt, sie auch schon einmal eingeladen, ein Konzert zu spielen – interessante Vorstellung. Und diese Anekdote war lustigerweise in den „romantischen“ Song-Block des Abends eingelassen, zwischen „48 Stunden“ und „Balu“, wobei Marcus Wiebusch uns bittet den Applaus zu unterlassen, der ertönt, als er sagt, er wolle sich gar nicht vorstellen, wie es wäre „Balu“ dort oben im Swinger-Club zu spielen. Das Ganze bekommen sie aber so hin, ohne sich über Menschen lustig zu machen, die solche Orte legitimerweise besuchen – schön! Auch die Screens, die wir schon von der „Ich vs. Wir“-Tour kennen, kommen wieder zum Einsatz und zeigen Musikvideos zu den Songs, wo es denn welche gibt, ansonsten wird die Band gefilmt. Nur bei „Balu“ übertreiben sie es meiner Meinung nach ein wenig, als ein Sternenhimmel abgebildet wird. Etwas zu „romantisch“ für meinen Geschmack, aber das will ja nichts heißen. Später erzählt Reimer Bustorff eine Geschichte von seiner Tochter, die bei Fridays for Future mit-streikte, obwohl sie erst in der fünften Klasse ist. Er klingt sehr stolz und kündigt den Song „Den Revolver entsichern“ für all diejenigen, die sich engagieren, mit den Worten „Politisiert euch! Macht was!“ an. Also: Wer mal eine Aktivismus-Flaute hat, höre diesen Song. Klassischerweise endet das Main-Set mit „Landungsbrücken raus“, das immer und überall ein Knaller ist. Als Zugabe hören wir noch „Trostbrücke Süd“, „Kein Außen mehr“, „Deiche“ und „Mein Skateboard kriegt mein Zahnarzt“.

Wunderbar, wunderschön und wundervoll war es, dank dieser tollen Vorband Schrottgrenze und Kettcar als grandiosem Main-Act. Schöner hätte es kaum werden können – halt, doch: Liebe Konzertbesucher*innen, Social Media Plattformen sind ja ganz toll und es ist auch schön, wenn man seine Erlebnisse teilt (tue ich ja gerade auch), aber Hand auf‘s Herz: Wer schaut sich denn wirklich euer Drei-Minuten-super-verwackeltes-schief-mitgesungenes-Konzertvideo an? Also lasst eure Handys doch in den Taschen und genießt den Augenblick, denn wie Kettcar nochmal betonen, kommen sie so schnell leider nicht wieder.

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Emma6 und „Möglichkeiten“ – Poesie und die Akustikgitarre

Meine Erwartungen an die neue Emma6 EP waren hoch. Emma6 durfte ich auf einem Konzert als Vorgruppe von Gloria im Kölner Gloria-Theater kennenlernen und habe nach dem Konzert direkt ihre Platte „Wir waren nie hier“ gekauft. Zum ersten Mal in meinem Leben habe ich einen solchen musikalischen Spontankauf getätigt. Das will schon was heißen!

Drei Jahre nach diesem letzten Studioalbum erscheint am 24.01.2020 ihre neue „Möglichkeiten“ EP. Um diese fertig zu stellen, hat sich das Trio in eine kleine Holzhütte im Schwarzwald eingeschlossen, ausgestattet mit ein paar Mikrophonen, Instrumenten, kreativen Ideen und ihrem langjährigen Wegbegleiter Florian Sczesny, der die Band seit 2016 bei Live-Performances an der Gitarre unterstützt. Nach dem durchschlagenden Erfolg der letzten drei Alben und einer ausverkauften Headliner-Tour zu „Wir waren nie hier“ versucht Emma6 sich nun bewusst zu limitieren. Diese Limitierung passt irgendwie auch zur Geschichte der Band: Nach zwei Alben bei einem großen Label und unter anderem einer Tour durch Rumänien 2015 haben sie sich vor ihrem dritten Album bereits wieder mehr auf sich selbst besinnen wollen und ihre Musik wieder mehr in Eigenregie verwirklicht. Der Fokus auf das Wesentliche ist ihnen auch bei der neuen EP gelungen, sie klingen weniger voluminös, man hört mehr Akustikgitarren und kann sich dadurch noch besser auf die wohldurchdachten, poetischen, wunderbaren und ehrlich anmutenden Texte fokussieren. Dabei bauen sie soundtechnisch auf ihr letztes Album auf, sodass sich zusätzlich eine Kontinuität erkennen lässt.

Die EP startet mit dem gleichnamigen Song „Möglichkeiten“. Darin beschreiben Emma6 ein Phänomen, was vielen Menschen im Zeitalter der Individualisierung und des gesellschaftlichen Drucks, immer mehr wollen zu müssen, bekannt sein dürfte. Durch die schier unlimitierten Möglichkeiten scheint es immer noch etwas Besseres zu geben, was vielleicht nur hinter der nächsten Ecke wartet – und das überfordert. Emma6 verarbeiten in diesem Song vielleicht etwas, was uns die ganze Platte mit ihren „nur“ vier Songs auch sagen soll: Nicht „Das geht besser, schneller, höher, weiter!“, sondern Limitierung und sich damit zufrieden geben, was gerade ist. Davon können sich glaube ich viele, inklusive mir, eine dicke Scheibe abschneiden. Meine Lieblingsline dazu: „Jeder sagt, ich sei meines Glückes Schmied, doch jeder, der das sagt, ist ein kleines Stück naiv, denn ich seh Funken, die fliegen, wenn ich immer nur schmiede.“ Sie fasst die Stimmung des Songs perfekt zusammen und zeigt, wie subtil und doch eindeutig Emma6 die im Song thematisierte Problematik ansprechen: Wer zu viele Möglichkeiten bedenken will, reibt sich selbst auf. (Vielen Dank an den Kapitalismus an dieser Stelle!) An den tausenden Möglichkeiten wird sich nicht so schnell etwas ändern, aber an unserer Einstellung dazu vielleicht und vielleicht ja mithilfe dieses Songs.

In „Nirgendwo“ geht es um die Frage, wohin man gehen will und woher man kommt. Die Band kommt ursprünglich aus Heinsberg, was mit seinen knapp 42.000 Einwohner*innen nicht gerade eine Weltstadt ist, vermute ich. Dass sie von Heinsberg singen, kann man anhand der Line „Hier ist nicht mal ein Bahnhof, hier gibt‘s nur Schranken, zu viel Platz zwischen meinen Gedanken“ schlussfolgern, denn erst 2013 wurde Heinsberg nach 33 Jahren wieder an den Schienenpersonennahverkehr angeschlossen. In dem Song verarbeiten die Musiker gleichzeitig auch das Thema Freundschaft, Vergessen und Vermissen, indem sie ein Lyrisches Du (Der Deutschunterricht ist schon lange her, ich weiß nicht, ob das Lyrische Du das Pendant zum Lyrischen Ich ist, aber wir tun mal so.) ansprechen, das den Ort verlassen hat. Dabei geht es um den Konflikt, dass es im Nirgendwo, wie der Heimatort genannt wird, keine Zukunft gibt und zwar noch so ist wie früher, der Umgang damit aber schwerer ist und dass es trotzdem nicht leicht ist, loszulassen. Irgendwann, singen sie, werden sie vielleicht auch gehen. „Doch irgendwer Schlaues hat einmal gesagt ‚Irgendwann ist auch nur ein anderes Wort für nie!‘.“ Ist das etwa ein Rekurs auf Kettcars „Benzin und Kartoffelchips“?

„Meine Wege deinetwegen“ ist vielleicht der persönlichste Song des Albums. Peter Trevisan, Henrik Trevisan, Dominik Republik und Florian Sczesny beschreiben den Song so, dass sie etwas zurückgeben wollten an die Menschen, die einen zum Guten verändern. Sinnbildlich dafür nochmal eine Zeile aus dem Songtext, ich kann nicht umhin, diese poetischen Sätze niederzuschreiben: „Nur weil es dich gegeben hat und auch noch immer gibt, gehen wir unsere Wege unseretwegen, so als wären sie das Ziel.“ Das bedeutet nicht, so kommt es im Song gut durch, dass andere Personen die Arbeit der Persönlichkeitsentwicklung für uns übernehmen, denn das machen wir selbst, jedoch bekommen wir immer wieder Starthilfe von anderen wunderbaren Menschen. Musikalisch ist der Song ruhig wie stilles Wasser und gleichzeitig so tief wie der Ozean. Und wo wir gerade bei Wassermetaphern sind: Es hat mir die Tränen sturzbachartig aus den Augen fließen lassen, so schön ist dieses Lied. Und mir sind direkt Menschen eingefallen, die den Song mit einer dicken Umarmung beim nächsten Treffen vorgespielt bekommen.

Der Song „Überwintern“ bildet den Abschluss der EP, die nach knapp 15 Minuten leider auch schon wieder vorbei ist. „Überwintern“ soll uns Mut machen und uns zeigen, dass auch die kältesten und härtesten Zeiten des Lebens vorüber gehen. Denn die Wege, die zum Guten führen, sind oft die, auf denen uns die meisten Steine im Weg liegen – wie wahr. Das Mut-Machen zeigt sich nicht nur im Text mit Sätzen wie „Das kälteste Davor hat ein Dahinter, du musst nur überwintern!“, sondern auch musikalisch mit einer fröhlichen Gitarre und einem fast schon treibenden Rhythmus. Ich kann ihn mir schon nach den ersten fünf Sekunden live vorstellen: Ich würde meine Augen schließen, passend zu der Gitarre meinen Kopf hin und her wiegen und mit sehr großer Sicherheit lächeln und weil ich so viele Emotionen in meinem kleinen Körper habe, das sicherlich auch wieder mit Tränen in den Augen.

Doch mit den vier Songs haben sich die Musiker dann doch nicht begnügt. Zu jedem Song haben sie eine Video-Einheit aufgenommen, welche sich genauso wie die EP zu einem Gesamtbild zusammenfinden. Der Protagonist, gespielt von Zhenja Isaak, ist bei „Möglichkeiten“ verloren in der Stadt, setzt sich am Ende des Videos in sein Auto und fährt hinaus auf‘s Land in‘s „Nirgendwo“. Am Ende des zweiten Videos schaut er in ein Fenster hinein, bei „Meine Wege deinetwegen“ aus einem hinaus. Er befindet sich in einem weißen Zimmer und ich kann nicht genau benennen wieso, aber das Video sieht aus wie ein Erinnerungsprozess. Am Ende geht er los. Auf das letzte Video warten wir genauso gespannt wie auf die Veröffentlichung der neuen EP. Wer aber gar nicht mehr auf den Release der Songs warten kann, kann sich hier die ersten drei Videos schon einmal anschauen und „Möglichkeiten“-Klängen lauschen!

Maifeld Derby

Weihnachtsfeier mit Industriecharme – Thees Uhlmann live in Bielefeld

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Das heutige Thees Uhlmann Konzert bildet meinen musikalischen Jahresabschluss 2019 und ist somit gewissermaßen meine ganz persönliche Musicheadquarter-Weihnachtsfeier – nur ohne die anderen Mitarbeitenden der Seite. Naja gut, der Vergleich hinkt, doch es sei mir verziehen, schließlich ist Weihnachten! Verziehen wurde uns zum Glück auch unser leichtes Zuspätkommen.

Als wir um 20.30 Uhr an der Location ankommen, läuft das Lied „Komplett im Arsch“ von Feine Sahne Fischfilet. Das passt sehr gut zu unserer Stimmung, denn wir sind etwas abgehetzt, schließlich waren wir vorher noch auf dem völlig überfüllten Bielefelder Weihnachtsmarkt. Umso besser tut uns dann die Atmosphäre, die uns der Lokschuppen bietet; alles wirkt weihnachtlich und besinnlich, Industriecharme trifft auf Backsteinwände und Fischermützenträger*innen auf Menschen mit nicht mehr ganz so vollem Haupthaar und Kinder stehen auf der Tribüne für Menschen mit Mobilitätseinschränkungen, so dass alle den Überblick behalten.

Wenige Sekunden nachdem wir die Halle betreten haben, geht es auch schon los – besser hätte das Timing also nicht sein können. Zunächst erfüllen blaues Licht und elektronische Klänge die Location, die Band betritt die Bühne, verhaltener Applaus. „Fünf Jahre nicht gesungen“ ist der Opener des heutigen Abends. Der Jubel wird immer begeisterter und das Publikum kommt langsam von einer Weihnachtsmarkt- in eine Weihnachtsparty-Stimmung. Weiter geht es mit „Danke für die Angst“ (einen Song, in dem es um Stephen King geht) und „Die Toten auf dem Rücksitz“, welche beide zum Tanzen einladen. Uhlmann erzählt eine Anekdote, dass ein Kind seinen Vater mal gefragt habe, ob Uhlmann Bäcker sei, schließlich habe er einen Song über Torten im Auto geschrieben. Wäre sicherlich auch interessant, was das Songwriting-Talent daraus Feines gebastelt hätte. Bereits nach dem vierten Song „Zugvögel“ hat Uhlmann jede seiner drei Platten einmal angespielt, was auf einen bunt gemischten Abend hoffen lässt. Und den liefert er uns! Weiter geht es mit „Und Jay-Z singt uns ein Lied“, welches mich noch den gesamten Heimweg als Ohrwurm begleitet.

Doch Uhlmann ist nicht nur ein toller Songwriter und Dichter, er hat auch Talent zum Geschichtenerzähler. Immer wieder leitet er von einem zum anderen Song mit Anekdoten über, die alle wahr seien, im Gegensatz zu denen von Pearl Jam, bei denen der Drummer jeden Abend Geburtstag habe. Auch die Überleitung zwischen „Das Mädchen von Kasse zwei“ und „Ich bin der Fahrer, der die Frauen nach HipHop Videodrehs nach Hause fährt“ ist wieder recht lang – und unterhaltsam, durchaus auch mit politischer Dimension. Lange lässt Uhlmann sich darüber aus, wie die „Macker“ auf HipHop-Konzerten sich verhalten, alles dreckig machen und dies dann von unterbezahlten Reinigungskräften sauber gemacht werden muss. Gut, genau so hat er es nicht gesagt, er hat sich wesentlich mehr Kraftausdrücke bedient und wirkte dadurch sehr leidenschaftlich. Es gefällt mir, dass er solche Zustände anprangert und meint, es gehöre sich nicht, Frauen vom Gerüst aus hinterher zu pfeifen – recht so! (Die Anspielung auf die Größe des Penis solcher „Macker“ hätte er sich aber verkneifen müssen, denn genau solche Angriffsstrategien begünstigen ein toxisches Männlichkeitsbild. Viele Grüße an Jack Urwin und sein Meisterwerk „Boys Don‘t Cry“ an dieser Stelle!)

Nach „Was wird aus Hannover?“ kommt der erste Tomte-Song des Abends: „Ich sang die ganze Zeit von dir“.  Schon vor dem ersten Ton des Songs klatscht das Publikum im Takt, Textsicherheit scheint hier ein Standard zu sein. Das zeigt sich auch bei den weiteren Stücken wie „100.000 Songs“ und „17 Worte“. Das anschließende Cover des Toten Hosen Klassikers „Liebeslied“ leitet er mit einer Geschichte zu Neven Subotic (für dessen Verein wir am Eingang die Möglichkeit hatten zu spenden) und einem Treffen mit den Toten Hosen in Liverpool ein. Die Stimmung wird immer ausgelassener und steigert sich über „Junkies und Scientologen“ und „Katy Garyson Perry“ bis zu „Vom Delta bis zur Quelle“, was einer meiner neuen Favoriten wird. Bei „Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf“, dem meistgefilmten Song des Abends, kennt das Sing along kein Halten mehr.

Um 22.15 Uhr ziehen Uhlmann und Band sich mit den Worten „Vielen Dank, ihr Punks!“ zum ersten Mal von der Bühne zurück. Doch so leicht kommen sie nicht davon! Mit „Korn und Sprite“ und „Schrei den Namen meiner Mutter“ werden weitere Tomte-Song ausgepackt. Nach „Avicii“ folgt die zweite Pause, doch auch nun kehren die Musiker*innen noch einmal zurück und spielen „Römer am Ende Roms“, welches einen wunderbaren Gänsehaut-Start und ein opulentes Ende hat. „Die Nacht war kurz und ich stehe früh auf“ scheint der letzte Song des Sets zu sein und der Ausruf „Viel Spaß in der 1. Liga!“ (mit Gruß an Arminia) könnte der perfekte Abschiedsspruch sein, doch wenn man so denkt, kennt man Uhlmann nicht! Ein allerletztes Mal kommt er nochmal auf die Bühne, viele Menschen im Publikum haben schon ihre Jacken angezogen und tanzen dennoch im Gang. Der Tomte-Song „Schönheit der Chance“ rundet den Abend ab, Uhlmann reißt seine Gitarre in die Luft, stellt seine Band unter tosendem Applaus vor, lässt sich zu einem Mic Drop hinreißen und verlässt jubelnd die Bühne. Und wir, wir schwingen uns jubelnd auf die Räder und summen „Und Jay-Z singt uns ein Lied“ vor uns hin.

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H wie… Half Moon Run – live in der Kölner Live Music Hall

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Wer meinen letzten Artikel zum Herrenmagazin-Konzert von diesem Wochenende gelesen hat (ja, er ist lesenswert), weiß, dass dieses Wochenende vom Buchstaben H dominiert ist (Hannah bei Herrenmagazin und Half Moon Run) – deswegen geht es heute weiter mit Teil 2: H wie Half Moon Run. Entspannt und gemütlich wollen wir vom Bonner Hauptbahnhof zur Live Music Hall anreisen. Doch aufgrund einer Neonazi-Demo im nahegelegenen Remagen kommt es zu Turbulenzen: Wir betreten Gleis 1 und werden von einem umfangreichen Polizeiaufgebot begrüßt, weil es eine Massenprügelei zwischen 100 Linken und 20 Rechten gibt. (Die Nazi-Demo findet jedes Jahr statt, falls ihr nächstes Jahr nichts vorhabt, schaut doch mal beim Gegenprotest vorbei.) Ich finde es wirklich wunderschön, dass die Linken in der Überzahl sind und sich den Nazis entgegen stellen, doch Gewalt muss ja nun nicht sein. Und sie passt auch so gar nicht zu unserem weiteren Abendprogramm, denn Half Moon Run spielen alles andere als aggressive Musik. Aufgrund dieser Verzögerungen haben wir Leif Vollebekk als „Warm Up“ leider fast komplett verpasst. Doch die letzten beiden Songs konnten wir noch hören und anhand dieser kleinen Kostprobe kann ich schon sagen, dass seine Musik ideal zu Half Moon Run und daher auch überhaupt nicht zu einer politischen Prügelei passt: ruhig, warm und friedlich. Eine ideale Musik für einen Kaminabend mit einem Kakao.

Als wir nach unserem Zuspätkommen ein Plätzchen nahe der Bar gefunden haben, betrachte ich mir mal das Publikum, das nicht nur älter ist als erwartet, sondern auch zu 95% aus Paaren zu bestehen scheint. Es wird getanzt, es wird gesungen, aber es wird mindestens genauso viel gekuschelt. Ich bin alleine da, doch schlimm ist das nicht, denn meine Begleitungen und ich können auch zu dritt nah zusammenrücken. Half Moon Run lädt einfach dazu ein, sich nah an seine Liebsten anschmiegen zu wollen, die Augen zu schließen und die besondere Stimmung zu genießen.

Als Half Moon Run 40 Minuten nach Vollebekk die Bühne betreten, machen sie es ganz schön spannend: Die Bühne ist erleuchtet, der Rest der Halle dunkel und elektronische Brummgeräusche erfüllen die Live Music Hall bevor Half Moon Run endlich unter tosendem Applaus der nicht-ausverkauften Location die Bühne betreten. Direkt der erste Song begeistert uns: „21 Gun Salute“ vom ersten Album „Dark Eyes“ begrüßt uns in den Abend. Weiter geht es mit „I Can‘t Figure Out What‘s Going On“ des zweiten Albums „Sun Leads Me On“ und die vier Kanadier singen wunderschön gemeinsam im Chor. Langsam kommt mehr Bewegung ins Publikum. Über „Unofferable“ und „Favorite Boy“, als erster Song des kürzlich erschienenen Albums „A Blemish In The Great Light“, geht es mit „Sun Leads Me On“ und „Need It“ weiter. Passend zum Titel erstrahlt die Bühne bei „Sun Leads Me On“ in einem sonnigen Orange. Das erinnert mich an mein „Kennenlernen“ von Half Moon Run, damals (2015) als ich mit zwei Freundinnen in Indonesien war. Urlaubsstimmung pur.

Immer wieder tauschen die Musiker die Instrumente, sodass teilweise während eines Songs zwischen Gitarre, Keyboard und Mundharmonika gewechselt wird. Bei „Call Me In The Afternoon“ spielt Sänger Devon Portielje parallel Schlagzeug, was ihn kein bisschen aus dem Takt bringt und der Qualität seines Gesangs keinen Abbruch tut. Immer wieder experimentiert er mit seiner besonderen Stimme, sodass die Songs zwar klingen wie auf den Alben, aber doch irgendwie besser, weil mehr passiert, weil es spannender ist und man sich auch als eingefleischter Fan doch noch überraschen lassen kann. Nach einer kurzen Pause spielen Half Moon Run als Zugabe „Jello On My Mind“ vom neuen Album, wobei die Lichtshow den Song ideal inszeniert: Die Bühne leuchtet in rosa, passend zur Stimmung des Songs, durch den man sich wie in einem Süßigkeiten-Museum fühlt. „Fire Escape“ und „Full Circle“ schließen das Set ab, nicht ohne noch einmal einen maximal schönen Gänsehaut-Moment bei „Fire Escape“ zu kreieren. Die Musik scheint aus allen Ecken zu kommen. „Full Circle“ schickt uns mit einem Grinsen in die Nacht, allerdings auch mit einem weinenden Auge, denn die Zeit verging viel zu schnell! Nach einer Stunde habe ich das Gefühl, gerade richtig angekommen zu sein, doch nach einer Stunde und zwanzig Minuten ist der Abend mit Half Moon Run auch schon wieder vorbei. Das ist wirklich schade, denn selten findet man auf einem Konzert eine so besondere Stimmung aus Tanzen, Gitarren, Frieden, Lächeln, Augen schließen und Treiben lassen. Davon gerne mehr!

Half Moon Run sind einfach ganz besondere Musiker. Sie scheinen alle unglaublich begabt zu sein, spielen alle mindestens drei Instrumente, jammen gemeinsam auf der Bühne und singen so herrlich im Chor, als würden sie das seit Kindertagen tun. Gegründet wurde die Band aber erst 2010, da kommt das mit dem Kindergarten alterstechnisch nicht so ganz hin… Besonders schön fand ich heute, dass sie nicht einfach ihr neues Album „runtergespielt“ haben, sondern aus allen drei Alben Songs ausgewählt haben, schön durchmischt und dadurch sowohl für Fans der ersten Stunde als auch für neue Half Moon Run-Anhänger*innen ein wirklich schöner Abend. Bei der nächsten Tour wünsche ich mir das auch, nur vielleicht in doppelter Länge!

Herrenmagazin

H wie… Herrenmagazin – live im Kölner Gebäude 9

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Dieses Konzertwochenende, das ganz und gar vom Buchstaben H dominiert wird (Hannah bei Herrenmagazin und Half Moon Run), beginnt mit dem heutigen Herrenmagazin-Konzert im Gebäude 9. Allein der Weg zur Location ist schon ein kleines Abenteuer. Obwohl es noch gar nicht so lange her ist, dass ich zum letzten Mal im Gebäude 9 war, sieht alles gefühlt komplett anders aus – und das hat nicht nur etwas mit meinem schlechten Ortsgedächtnis zu tun. Aufgrund der vielen Baustellen drumherum hat das Gebäude 9 nochmal einen ganz eigenen Charme bekommen: Wir stehen drinnen und hören gemeinsam schunkelnd Diskurspop (ein Begriff, den ich gerade von meinem Freund gelernt habe und hier einmal verwende, weil er klug klingt) und draußen steht eine Gruppe junger Männer in einer Nische im Kreis um ein Smartphone und hört Gangster-Rap. Konträrer könnte es kaum sein.

Beim Betreten der Location leeren wir wie gewünscht unsere Fremdgetränke genau hinter der betreffenden Absperrung und ernten dafür schon das ein oder andere Grinsen. Fröhlichen Mitmenschen begegnen wir auch im Konzertraum, in dem wir uns die Vorgruppe (sagt man das eigentlich auch, wenn die Vor“gruppe“ nur aus einer Person besteht?) Albrecht Schrader anhören. Schrader war bereits bei der letzten Tour 2016 Vorgruppe. (Ich bleibe jetzt einfach dabei.) Dass er uns auch heute in den Abend begrüßt gefällt mir daher sehr; ein Kreis scheint sich zu schließen. Von Queen-ähnlichen Klängen bei „Leben in der Großstadt“ bis zu einem Beat, der an Michael Jackson gemischt mit Sprechgesang erinnert, ist alles dabei. Ein Weinchen darf auch nicht fehlen, ebenso wenig wie eine soziologisch wahrscheinlich nicht 100% fundierte Theorie darüber, dass das Publikum klar in die vier Gruppen Nichtwähler*innen, sozial isolierte Gamer*innen, male overperformer und Finanzbanker*innen einzuteilen sei. Auf die Frage „Ist Beat für euch ein Thema?“ reagiert das Publikum eher verhalten, doch als Schrader mit „Der Übergang“ erst einmal loslegt, sieht man überall im Saal vor- und zurückzuckende Köpfe, so ähnlich wie bei Hühnern, wenn  sie gehen. Also ja, Beat ist eben doch ein Thema.

Mit dieser Bewegung entlässt Schrader uns in eine halbstündige Pause bevor Herrenmagazin anfangen zu spielen. Dies gibt mir die Gelegenheit, mich einmal im Publikum umzuschauen. Wollen wir doch mal sehen, ob ich die Nichtwähler*innen erkennen und zur Rede stellen kann! T-Shirt-Musikgeschmack-mäßig sind viele der Menschen im Publikum und ich auf einer Wellenlänge: Ich erspähe einen Frank Turner-Pulli, sowie T-Shirts von Kettcar, Muff Potter und Matula und natürlich – was in Köln nicht fehlen darf – den obligatorischen lokalpatriotistischen „Paris, London, Tokyo, Ehrenfeld“-Hoodie. Dem Träger sei verziehen, dass wir nicht in Ehrenfeld sind, denn das klingt einfach hipper als „Paris, London, Tokyo, Deutz oder Mülheim, bin mir nicht sicher“.

Doch nun zu dem Teil, der euch Leser*innen wahrscheinlich eigentlich am meisten interessiert: Um 21.00 Uhr legen Herrenmagazin los! Die vier Musiker betreten die Bühne, schlagen die ersten Klänge auf ihren Gitarrensaiten an und als Sänger Deniz Jaspersen die ersten Töne des Openers singt, geht das Publikum nahtlos vom Quatschen-mit-der-Begleitung in den perfekten Sing-along-Modus über. Der Bass bei diesem Song, „Früher war ich meistens traurig“, lässt den Brustkorb vibrieren – nicht zum letzten Mal an diesem Abend, an dem es zwischendurch so scheint, als würde die Location in ihren Grundmauern erschüttert, so sehr dröhnt der Bass durch Menschen und Wände. Direkt weiter geht es mit „Tausend Städte“, welches ich noch vor ein paar Tagen beim Kochen tanzend in der Küche gehört habe. Der Song gibt mir ein Stück Zuhause in dieser Masse fremder Menschen. Die Band lächelt, es geht weiter. Die wahren Herrenmagazin-Fans haben an dieser Stelle schon bemerkt, dass die Hamburger Musiker ihr komplettes, vor elf Jahren erschienenes, erstes Album „Atzelgift“ von vorne bis hinten durchspielen. Bisher haben die Fans gut mitgesungen, doch nun folgt der ultimative Test: Bevor sie den fünften Song anstimmen, fragt Jaspersen ins Publikum „Was kommt jetzt?“ und prompt die Antwort! Die Zuschauer*innen hier kennen sich wirklich aus.

Um mich herum freuen sich die Menschen: Sei es Jaspersen, der immer wieder grinsend dasteht und seine Bandkollegen anschaut oder die Frau, die vor mir steht und bei jedem einzelnen Song eine unglaubliche Freude darüber ausstrahlt, beim Konzert dabei sein zu können. Ich glaube solche Leute wie sie machen Konzerte so besonders; Menschen, die im Moment sind und sich treiben lassen. Und von ihrer Sorte Mensch gibt es heute Abend vor und auf der Bühne so einige. Jaspersen bedankt sich bei uns, dass wir sie auch in ihren fast auf den Tag genau drei Jahren Tour-Abstinenz nicht vergessen haben. Doch wie könnten wir, schließlich hat man mehr das Gefühl, in einem Raum voller Freund*innen zu sein. Besonders schön ist dabei zu sehen, wie die Band mit dem Publikum interagiert und mit ihm spricht, sie nicht nur anfeuert, sondern Fragen stellt und kritische Bemerkungen (wie Verbesserungen, dass ihr erstes Album vor elf und nicht vor zehn Jahren erschien) mit Witz hinnimmt.

Der bereits erwähnte Kreis schließt sich allerdings nicht nur durch die Anwesenheit von Schrader, sondern auch durch die Tatsache, dass die Band um 21.45 Uhr kurz die Bühne verlässt, um sie mit einem Song, der es als Hidden Track auf „Atzelgift“ geschafft hat, wieder zu betreten. So lange wie auf dem Album selbst muss das Publikum allerdings nicht warten. 14:20 Minuten wären auch wirklich lange gewesen, bieten für Jaspersen aber den Anlass aufgrund des 420-Bezugs die Rückfrage „Kiffst du eigentlich noch, Rasmus?“ an Schlagzeuger Rasmus Engler zu stellen – first things first. Weil der Titel ja nirgendwo steht, ist sich Jaspersen diesbezüglich auch gar nicht mal so sicher, wie er allein auf der Bühne stehend zugibt. Ein Bandkollege aus dem Off hilft aus: „Ein Wind“. Was für ein herrliches Lied! In meinen Notizen zum Konzert steht dazu „VOLL SCHÖN!“, na wenn das nicht eindeutig ist.

Danach sind sie dann fertig damit, das erste Album Revue passieren zu lassen. Weiter geht es mit einem Song, der „aus vielen Gründen nirgendwo zu finden ist“, außer auf der ersten Demo-EP der Band. So schlecht war der Song aber gar nicht… Die restliche Band kommt wieder auf die Bühne und es geht nahtlos weiter mit „In den dunkelsten Stunden“, wobei wir nochmal schön das Tanzbein schwingen können. „Alle sind so“ singt das Publikum fast allein und als Herrenmagazin direkt danach die ersten Töne zu „Frösche“ anstimmen, kann ich es kaum glauben: „Frösche“ ist mein persönlicher erster Herrenmagazin-Song und wann immer es passiert, dass eine Band meinen persönlichen ersten Song spielt, dann ist es fast zu schön, um wahr zu sein!

Um 22.10 Uhr gehen die vier Musiker von der Bühne, kehren allerdings noch für eine Zugabe zurück. „Keine Angst“ wäre für mich der perfekte Schluss-Song gewesen, weil er sich so anfühlt, als würde man in eine Kuscheldecke eingehüllt bei Kerzenschein in einem Sessel sitzen. Die warme, orangefarbene Bühnenbeleuchtung verstärkt dieses Bild nur noch. Doch vielleicht war es gar nicht so schlecht, dass Herrenmagazin nicht mit „Keine Angst“ (das sofort in meine Lieblingsplaylist integriert wird), sondern mit „Pelikan“ und „Krieg“ enden, denn so werden wir nochmal wach für den Heimweg hinaus in die kalte Winterluft, hinaus auf den Weg zwischen Fabrikgebäude und Baustellen, irgendwo in Deutz oder Mülheim, bin mir nicht sicher.

We Were Promised Jetpacks

We Were Promised Jetpacks in Köln: Augen schließen und treiben lassen

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Wenn ein Konzert im Gloria-Theater stattfindet, dann ist eigentlich schon zu 90 Prozent klar, dass es ein schöner Abend wird. 1956 eröffnet, war das Gloria zunächst eines von insgesamt 81 Kinos in Köln, doch ab Mitte der 1970er Jahre profilierte es sich durch ein mehr und mehr pornografisches Programm und wurde anschließend ab den 1990er Jahren zu einer angesagten Location für die lesbisch-schwule Szene in Köln. In den 2000ern avancierte das Gloria dann zu einer der angesagtesten Konzert-Locations Kölns und hat schon viele international gefeierte Künstler*innen unter seinem Dach begrüßen können. All diese Geschichten spürt man, wenn man das Gloria betritt, sei es aufgrund des alten Kinoschalters im Eingangsbereich oder der roten Wände mit „Gloria“-Leuchtschrift. Meiner Meinung nach definitiv die schönste Location Kölns.

Und genau aus dem Grund habe ich mich riesig auf das We Were Promised Jetpacks-Konzert an diesem herrlichen Ort gefreut! Die vier Bandmitglieder aus Schottland spielen dieses Jahr eine #TheseFourWalls10-Tour zur Feier ihres ersten Albums „These Four Walls“, welches im Jahr 2009 erschien. Passend dazu ist bereits die Bühne mit einem Banner, welches sehr stark an das erste Albumcover erinnert, dekoriert. Und das Publikum ist so euphorisch, als wären nicht zehn Jahre seit dem ersten der insgesamt vier Alben der Band vergangen, sondern zehn Jahre, seitdem sie das letzte Mal auf einer Bühne standen.

Pünktlich um 20 Uhr geht es mit der aus den USA stammenden Vorgruppe Weakened Friends los. Vorgruppen haben bei mir generell einen schlechten Stand, da ich von meinem Vater bereits in jungen Jahren eingetrichtert bekommen habe, dass es sich meistens nicht lohnt, Vorgruppen anzuschauen. (Über diese Meinung lässt sich sicherlich streiten!) Der Gesangsstil der Sängerin ist leider nicht mein Fall und das Schlagzeug nicht gut abgemischt. Meiner Begleitung hat es trotzdem gut gefallen. Was mich vor allem begeistert, ist, dass zwei der drei Bandmitglieder Frauen sind – was man in diesem Genre leider nicht allzu häufig sieht. Dabei muss ich an einen Spruch denken, der in meiner Bonner Lieblingskneipe, dem Bla, an der Wand steht: Female Fronted is not a Genre! Dennoch erwähnenswert, dass am heutigen Abend auch talentierte Frauen auf der Bühne stehen.

Nachdem Weakened Friends um 20.35 Uhr ihr Set beenden, muss das Publikum 25 Minuten auf We Were Promised Jetpacks warten. Doch das tut der Stimmung keinen Abbruch. Kaum betritt die Band die Bühne, entfacht tosender Jubel vonseiten des Publikums, welches übrigens im Durchschnitt älter ist, als ich es erwartet hätte. Sänger Adam Thompson kündigt an, dass das ganze erste Album am heutigen Abend gespielt wird und spricht wohl die höflichste Begrüßung aller Zeiten ins Mikrofon, indem er uns dazu einlädt, mitzusingen, sollten die Songtexte bekannt sein. Und wie sie das sind! Bereits beim Opener „It‘s Thunder and It‘s Lightning“ jubelt das Publikum und mir fliegen trotz Gehörschutz fast die Ohren weg, so laut sind Band und Publikum zusammen – wunderbar. Bei den Lines „Your Body was Black and Blue“ singt das Publikum alleine und Freude überkommt mich. Der Song ist ein idealer Opener, weil es so ruhig und sanft anfängt und am Ende immer lauter und gewaltiger wird, sodass man langsam in den Abend geleitet wird.

Bei den folgenden Songs steigert sich die Stimmung von Wippen über Hüpfen bis es sogar einen kleinen Mosh Pit bei „Quiet Little Voices“ gibt. Auch hier werden die „Oh“-Parts des Songs souverän und ohne jegliche Anleitung mitgesungen. Respekt! Doch auch in dieser überkochenden Stimmung schaffen es We Were Promised Jetpacks mühelos mit „This is my House, This is my Home“ einen Song einzubauen, bei dem man die Augen schließen und sich von der Musik (und von Adam Thompsons wunderbarer Stimme und seinem herrlichen Akzent) treiben lassen will. Bei diesem und vielen weiteren Songs ist die Lichtshow ideal auf die Musik abgestimmt; so werden die Höhepunkte der Songs zum Beispiel durch weiße Lichtblitze untermalt und die Discokugel zaubert bei „Keeping Warm“ ein magisches Lichtspiel an die Wände.

Passend zum Anfang ist auch die Verabschiedung sehr schön; die Band bedankt sich dafür, dass so viele Leute gekommen sind, dass sie in dieser Location spielen können, woraufhin sie donnernden Applaus ernten. Vor dem letzten Song „Pear Tree“, der ein ganz unglaublich toller Abschluss ist, wünscht Adam Thompson uns noch: „Everybody take care and get home safely.“ Vielen Dank dafür und für dieses schöne Konzert! Einziger Wermutstropfen für mich war, dass sie „Hard to Remember“ nicht gespielt haben, doch nach einem so schönen Abend mit solch einer schönen Stimmung sei ihnen auch das verziehen.

Wer es bisher noch nicht auf die These Four Walls-Tour der Schotten geschafft hat, hat im Oktober und Dezember noch die Gelegenheit, sie nah an ihrer Heimat in verschiedenen Städten in UK zu sehen – schnell hin, bevor der Brexit ausdiskutiert ist und die Einreise komplizierter wird, denn ein Konzert dieser Musiker lohnt sich allemal!

Selig, Rolling Stone Weekender 2014, 07.11.2014, Weißenhäuser Strand

Selig spielt Selig in Bonn: „Hey, hey, hey! Komm mit mir…“ ins Jahr 1994

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Selig nehmen uns auf ihrem letzten Konzert diesen Jahres mit auf eine Reise ins Jahr 1994 – dem Jahr, in dem „Selig“, das erste Album der Band, entstanden ist. Dieser Abend markiert aber nicht nur das Ende des 25-jährigen „Selig“-Jubiläums, sondern auch den Abschluss des 2. Rheinbühne-Festivals.

Die von den Veranstalter*innen ausgewählte Location war mir bis dato kein Begriff, doch sie gefällt mir wirklich gut. Die Atmosphäre ist wunderbar familiär, alle sind entspannt und scheinen sich auf einen gemütlichen Abend mit Selig und ihren Freund*innen zu freuen. Die familiäre Atmosphäre wird nochmal über die persönliche Ansprache inklusive Dankesworte von einem der beiden Veranstalter*innen verstärkt. Wie es so oft bei Konzerten ist, steht und fällt alles mit dem Publikum. Ich muss sagen, dass die knapp 600 Zuschauer*innen allesamt wie eingefleischte Selig-Fans erscheinen: So ein textsicheres Publikum habe ich selten erlebt. Wie vorher einstudiert wechseln Jan Plewka und das Publikum sich ab, sodass ein wunderschönes Gesangsgemälde entsteht.

Schon beim Opener „Sie hat geschrien“ wird das Tanzbein geschwungen und lauthals mitgesungen. So macht ein Konzertbeginn besonders Spaß! Jan Plewka lässt die Fans am Schreibprozess von „Das Mädchen auf dem Dach“ teilhaben, welches Anfang der 1990er Jahre auf dem Dach von Christian Neander entstand – mit diesem Wissen hat das Lied gleich eine ganz andere Energie. Vor „Ohne dich“ stellen wir uns gemeinsam vor, unsere imaginäre Schallplatte herumzudrehen und die B-Seite aufzulegen. Bevor das gesamte Publikum mit „lauten und offenen Herzen“, wie Jan Plewka es ausdrückt, jedes einzelne Wort des Songs in den Abend singt, erzählt die Band, dass sie sich über die Titelreihenfolge auf ihrem ersten Album so sehr gestritten haben, dass sie sich fast getrennt hätten. Ich muss sagen, ich bin wirklich froh, dass es dazu nicht gekommen ist! Wie immer hat Selig es auch an diesem Abend mühelos geschafft, das Publikum bei „Wenn ich wollte“ tanzen und bei „Regenbogenleicht“ ganz leise sein zu lassen. Wir sind also nicht nur durch die Zeit, sondern auch durch verschiedene Gefühlszustände gereist.

Bis zu diesem Punkt war die Setlist klar; „Selig“ wurde chronologisch abgearbeitet. Nach unserem musikalischen Ausflug durch ihr erstes Album, beglücken uns Selig mit ein paar neueren Stücken. Meine Tränen bei „Von Ewigkeit zu Ewigkeit“ sind dabei wie immer ein Muss. Und wie schon so oft habe ich auch heute Abend wieder festgestellt, dass „Ist es wichtig“ zu meinen absoluten Live-Favoriten gehört. Das Konzert endet untypischerweise nicht mit „Wir werden uns wiedersehen“, denn das ist der vorletzte Song und der hat das Publikum noch einmal richtig aufgeweckt.

Mit dem Schlusslied „Fadensonnen“ kommen wir auf unserer Zeitreise endgültig im Hier und Jetzt an und schließen gleichzeitig den Kreis, da „Fadensonnen“ auch der letzte Song auf „Selig“ ist. Jan Plewka leitet den Song mit den Worten „Wie kann es sein, dass unsere Kinder auf die Straße gehen müssen? Wo sind wir?“ ein und macht auf den Klimastreik am 20.09.2019 aufmerksam. Die Band spannt ein Transparent auf der Bühne auf und ruft zu einer friedlichen, antitoxischen und grenzenlosen Revolution für das Klima auf. Mein Herz schlägt höher! Wir singen „Fadensonnen“ für unseren Planeten, stellen uns vor, wir wären die letzten, die noch hier sind, während alle anderen schon auf dem Weg zu einem Planeten B sind (wie auch immer sie den gefunden haben…). Mein Lieblingssatz des Abends ist in dem Zusammenhang auf jeden Fall „Lasst euch von diesem Plastikzwang nicht einzwängen.“ Okay, Jan, ich bin dabei: „Lasst uns die Welt retten – jetzt!“

Und weil sie nicht nur wunderschön poetische Musik, sondern auch auf wichtige politische Themen aufmerksam machen, mag ich Selig so. Wie schön, dass sie ewig weitermachen wollen, wie sie heute Abend sagen. Und wir können uns freuen, denn sie werden sich nun (vor ihrer Tour „Selig macht Selig“ ab März 2020) nach Dänemark zurückziehen und ein neues Album aufnehmen – wir bleiben gespannt und wie immer auch ein bisschen selig.

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Cardinal Sessions Festival 2019 – Gartenparty im Carlswerk Victoria

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Am vergangenen Samstag fand das neunte Cardinal Sessions Festival in einer neuen Location in Köln statt. Und neue Location heißt in diesem Fall mehr Künstler*innen und mehr Bühnen! Während die Veranstaltung im Oktober 2018 noch in der wunderschönen Kulturkirche in Köln-Nippes stattfand, zog das Festival dieses Jahr in das Köln-Mülheimer Carlswerk Victoria um. Zwei Indoor-, eine Outdoor-Bühne, alles barrierefrei, zwölf Musiker*innen, Essen, Trinken und Merch, dazu ein überraschend gemischtes Publikum und gutes Wetter – ideale Bedingungen für einen schönen Abend voll schöner Musik.

Die Veranstalter*innen schreiben auf ihrer Homepage „Mehr Bands, mehr Geheimnisse, mehr Kulinarisches, mehr Lichter, mehr Menschen: Und trotzdem wollen wir das persönliche, intime Festival bleiben.“ – und das ist ihnen gelungen. Während die Zuschauer*innen auf dem Boden oder auf den bereitgestellten Stühlen sitzen, tanzen, an ihren Bio-Limos schlürfen und immer wieder von goldenem Lametta, das an alte Fahrradräder gebunden von der Decke hängt, gekitzelt werden, kommt im Außenbereich schon fast eine Gartenpartyatmosphäre auf. Ab 16 Uhr haben die Besucher*innen die Möglichkeit durch die geöffneten Tore der Location zu strömen. Gestartet wird die Veranstaltung von Jeannel, Fabrizio Cammarata und Maní Orrason.

Unser Besuch startet mit Tomberlin. Die US-amerikanische Singer/Songwriterin hat im August 2018 ihr Debütalbum „At Weddings“ veröffentlicht und kann uns direkt begeistert. Gemeinsam mit einem männlichen Kollegen steht Sarah Beth Tomberlin mit ihrer Akustikgitarre auf der Bühne, eigentlich geht es aber nur um sie. Ihr Outfit erinnert an einen langen Spaziergang über Wiesen und Felder und ihre Stimme an einen tiefen ruhigen See. Ihre sehr emotionalen Texte haben bei mir auf jeden Fall für einige Gänsehautmomente gesorgt – und das ist wunderschön. Tomberlin erzählt uns, dass es ihr erstes Mal in Europa sei und wann immer sie nicht singt, scheint sie wirklich aufgeregt zu sein. Sehr sympathisch! Kaum ist aber der erste Akkord von ihrer Gitarre erklungen, ist sie die Ruhe selbst. Meine Begleitung hat es ganz treffend beschrieben, als er sagt, dass sie sich wirklich in ihren Songs wohlfühlt. Sie ist noch bis Ende Juni auf Tour durch Europa und kommt dabei auch noch einige Male in Deutschland vorbei, zum Beispiel am 03.06.2019 in Münster oder am 15.06.2019 in Mannheim. Ich kann es nur wärmstens empfehlen hinzugehen! Für mich hat sich das Festival also schon zu diesem Zeitpunkt gelohnt, denn mit Tomberlin haben die Veranstalter*innen vermutlich eine meiner neuen Lieblingskünstlerinnen eingeladen. „Seventeen“ läuft bei mir rauf und runter.

Als zweiten Act schauen wir uns Moritz Krämer und Band an. Vielen ist er sicherlich von Die Höchste Eisenbahn bekannt. Auf jeden Fall ist es ein krasser Kontrast zwischen Tomberlin im Club Volta zu Moritz Krämer auf der Mainstage. Das spricht finde ich sehr für das Festival: Es ist abwechslungsreich und überraschend, sodass die Zuschauer*innen immer wieder begeistert werden können. Ich kannte Moritz Krämer vorher nicht und bin etwas skeptisch, als ich seine Stimme zum ersten Mal höre. Bei „Wir können nix dafür“ hat er mich dann aber abgeholt, ein sehr schönes Lied mit einer tollen Stimmung. Toll finden wir es auch, den Keyboarder zu beobachten, denn er fühlt die Musik wirklich und scheint riesigen Spaß daran zu haben, auf der Bühne zu stehen. Bei Moritz Krämer habe ich eher den Eindruck, dass das Publikum nichts an seinem Enthusiasmus ändern kann. Gerade im Vergleich zu Tomberlin, die mit ihrer Aufregung direkt sympathisch war, wirkt Moritz Krämer eher glatt – was aber auch nicht weiter verwunderlich ist, schließlich erschien sein erstes Album vor mittlerweile acht Jahren. „Hinterher“ ist mein Highlight des Konzerts von Moritz Krämer, denn es kommt Bewegung ins Publikum; es wird getanzt, gehopst und geschunkelt, einfach herrlich!

Als dritter Programmpunkt steht Tom Klose auf unserer Liste. Ihn schauen wir uns auf der Outdoor-Stage an. Und auch hier gibt es wieder eine völlig neue Atmosphäre mit einer ganz eigenen Stimmung. Tom Klose sitzt bereits mit Loop Station und Gitarre auf der Bühne, als wir hinauskommen. Der Kommentar meiner Begleitung zu ihm: „Ich finde, er sieht so normal aus.“ Und das stimmt, sobald er aber den Mund aufmacht, ist nichts mehr normal, denn so eine starke Stimme hätte man wohl nicht von ihm erwartet, wenn man ihn das erste Mal sieht. Witzigerweise schließt Tom Klose eine Anekdote, die er mit dem Publikum teilt, mit den Worten „Tja, ich bin halt nicht so fame.“ Und da habe ich mich gefragt: Was sagt das jetzt über mich und meinen Musikgeschmack aus, dass er der einzige Künstler ist, den ich auf dem ganzen Festival kenne? Wir sitzen sehr nah am Eingang zum Club Volta, weswegen wir parallel zu Tom Klose auch immer ein bisschen was von International Music hören, was uns aber nicht allzu sehr stört. Wen es aber vielleicht von Tom Klose abgelenkt hat, die*der hat am 19.11.2019 die Möglichkeit ihn noch einmal in Köln, diesmal im Blue Shell, bei seiner ersten Tour seit drei Jahren mit Band anzuschauen.

Schön finde ich auch, dass sich die Künstler*innen, die bereits gespielt haben, unter das Publikum mischen. Moritz Krämer steht quatschend mit ein paar Leuten vor dem „Hunger“-Stand, Tomberlin sitzt an einem Tisch direkt vor uns. Und das ist möglich, ohne dass direkt 100 Leute auf sie zustürmen – dank der intimen Atmosphäre, die die Veranstalter*innen hier für uns geschaffen haben. Wer nach Dillon – Piano Solo, Tristan Brusch, Findlay und The Slow Show immernoch nicht genug Cardinal Sessions hat, kann ab 23:15 Uhr noch mit DJ Schmusewelt (über den Namen lässt sich sicherlich streiten) durch die Nacht tanzen, um dann verschwitzt und glücklich nach Hause zu wandeln.

Für das Festival nächstes Jahr sollten die Veranstalter*innen vielleicht darüber nachdenken noch mehr Wegweise-Schilder anzubringen, denn wer schonmal auf einem Konzert in der Location war weiß, wie verwirrend es dort ist. Auch innerhalb des kuscheligen Festivalgeländes hätte es mir als Orientierungslegasthenikerin geholfen, wenn über dem Club Volta und dem Victoria mit der Mainstage Schilder gehangen hätten. Doch auch trotz ein paar Minuten Orientierungslosigkeit zu Beginn, haben wir uns sehr wohl gefühlt und würden definitiv empfehlen, nächstes Jahr zum 10-jährigen Jubiläum vorbeizuschauen!

Kettcar_EP2019_Cover

Der süße Duft der Widersprüchlichkeit – Kettcar-Liebe mal anders

Ich nehme es direkt mal vorweg: Ich liebe Kettcar. Die fünf Männer aus Hamburg machen meiner Meinung nach seit ihrer Gründung 2001 bis auf ein paar Ausnahmen wirklich gute Songs mit teils sehr wichtigen Botschaften (wie zum Beispiel in „Mannschaftsaufstellung“ vom letzten Album „Ich vs. Wir“) und einfach ganz viel guter Laune. Nun haben sie am 15.03.2019 ihre EP „Der süße Duft der Widersprüchlichkeit (Wir vs. Ich)“ mit fünf neuen Songs digital veröffentlicht. Die digitale Veröffentlichung ist ja nun schon ein paar Tage her und wir veröffentlichen hier auf Musicheadquarter erst jetzt ein Review dazu. Ich erkläre euch nun, wieso das so ist.

Mit meiner sehr hohen Meinung von Kettcar habe ich mich auf die neue EP gestürzt, sobald ich die Audiodateien in meinem Mailpostfach hatte. Und dann? Dann wusste ich nicht so recht etwas damit anzufangen. Man merkt allein schon am Cover und am Untertitel „Wir vs. Ich“, dass Kettcar der Tradition des Albums „Ich vs. Wir“ von 2017 treu bleiben, aber gleichzeitig das letzte Album kontrastieren möchten. Das hört man auch musikalisch, auch wenn es sich bei den fünf Songs der EP nicht um Überbleibsel des letzten Albums handelt. Es geht weiterhin darum, aktuelle Verhältnisse zu kritisieren, diesmal aber nicht aus der Vogelperspektive, sondern auf die Rolle der einzelnen Person heruntergebrochen. Die Idee ist gut, denn wie auch schon die Frauenbewegung der 1970er Jahre proklamierte: Das Private ist politisch! Und so war ich sehr gespannt darauf, was Kettcar dieses Mal abgeliefert haben.

In dem Song „Palo Alto“ stellen die Musiker unterschiedliche Menschen vor, die sich in einem Waschsalon zufällig treffen: ein Journalist, ein Plattenverkäufer, ein Bankangestellter und eine Pornodarstellerin. Diese sollen wohl die in Zeiten des digitalen Kapitalismus aussterbenden Berufe widerspiegeln, wobei ich es sehr schade finde, dass ausgerechnet die Frau in diesem Fall wieder eine mit Sexualität konnotierte Rolle bekommt. Vielleicht bewegen sich Kettcar hier aber auch auf einer Metaebene und verpacken in diese Rollenzuteilung eine weitere Gesellschaftskritik – wer weiß. Gemeinsam brechen alle zusammen nach Palo Alto, einer Stadt in Kalifornien, auf, wo sich neben der Stanford University auch viele bekannte Computerunternehmen finden lassen. Diese Stadt wollen sie niederbrennen – „Burn, Palo Alto, burn“. Am Ende des dazu veröffentlichten Musikvideos gibt es einen radikalen Stimmungswechsel: Sollen sie wirklich Palo Alto oder doch eher sich selbst zerstören? Trotz der  wichtigen und tiefsinnigen Botschaft des Songs gelingt es Kettcar mit „Palo Alto“ einen neuen Ohrwurm zu kreieren.

„Scheine in den Graben“ ist der zweite Song der EP. Neben Kettcar wirken viele weitere Künstler*innen an dem Song mit: Schorsch Kamerun, Jen Dender, Bela B, Jörkk Mechenbier, Sookee, Felix Brummer, Marie Curry, Gisbert von Knyphausen, Safi und David Fjørt. Auch hier ist die Message wieder super: Kritisiert werden hier Charity-Events, bei denen es eigentlich nicht um humanitäre Hilfe, sondern um Selbstdarstellung geht. Musikalisch passt der Song meiner Meinung nach aber nicht wirklich zu „Palo Alto“, es ist keine Kontinuität zu erkennen, was mich irritiert.

Auch „Notiz an mich selbst“ klingt wieder ganz anders als die beiden ersten Songs der EP. „Notiz an mich selbst“ ist irgendwie typisch Kettcar und erinnert an ältere Lieder wie „Rettung“ vom Album „Zwischen den Runden“ von 2012 oder „Balkon gegenüber“ vom 2002 erschienenen Album „Du und wieviel von deinen Freunden“. Nur leider ist hier die Message nicht so klar erkennbar, da so viele Stilmittel eingebaut sind, dass ich nicht so richtig durchblicke. Ich mag Musik, über die ich nachdenken muss, aber es scheint für mich irgendwo eine magische Grenze zwischen zu wenig und zu viel Nachdenk-Potential zu geben, wovon abhängt, ob ich einen Song mag oder nicht.

In „Natürlich für alle“ geht es darum, ob es im Kapitalismus überhaupt eine kritische Art von Konsum geben kann. Vielleicht soll der große Teile des Songs über gleichbleibende Takt eine Anspielung auf die Eintönigkeit und das Maschinenartige im Kapitalismus sein, rein aus musikalischer Perspektive macht er den Song leider etwas langweilig.

„Weit draußen“ bildet den Abschluss der EP und lässt sie ruhig ausklingen. Es geht um das Wiedersehen mit einer alten Freundin, die mit ihrem Kind hinaus auf‘s Land gezogen ist, um mitleidigen Blicken in Bezug auf ihr Kind zu entgehen. Thematisiert wird dabei die mit der Situation verbundene Scham und Verzweiflung, aber auch Verlogenheit. Und das mit krassen Sätzen wie: „Ich schwöre, ich liebe mein Kind / Aber ich hasse mein Leben“. Das Gefühl spiegelt sich auch in der Musik wider.

Ich finde es sehr schwer zu fassen, aber irgendwas stört mich an der neuen Kettcar EP. Und aus diesem Grund habe ich mir mit meinem Review auch so viel Zeit gelassen. Die EP birgt viel Irritationspotential, denn irgendwie erkennt man Kettcar wieder, irgendwie aber auch nicht – ich wusste einfach nicht so recht, was ich dazu schreiben soll. Ich glaube es ist der fehlende musikalische rote Faden. Ich mag Alben, bei denen man merkt, dass sie einen tieferen Sinn haben, warum die Songs so angeordnet sind, wie es der Fall ist, weil sie musikalisch zueinander überleiten. Diesen roten Faden habe ich bei „Der süße Duft der Widersprüchlichkeit (Wir vs. Ich)“ irgendwie nicht so recht finden können. Dennoch kann ich es auf jeden Fall empfehlen mal reinzuhören. Ab 17.05.2019 habt ihr dann auch die Chance die EP als Vinyl zu erwerben. Ich würde es tun, denn auch wenn das Album für mich keine wirkliche musikalische Kontinuität erkennen lässt, sind die Botschaften, die Kettcar hier senden, unheimlich wichtig und sollten uns alle zum Nachdenken anregen.

Ich liebe linke, politische Musik! Und Kettcar, falls ich das noch nicht erwähnt hatte.

Nach einer kurzen Tour im Frühjahr spielen Kettcar ab Juni auf zahlreichen Festivals. Nach einigen neuen Bestätigungen sieht der Festivalplan für die Hamburger nun wie folgt aus:

Kettcar – Festivals & Open Airs 2019

  • 13.06. Merkers, Rock Am Berg
  • 15.06. Leipzig, Parkbühne
  • 13.07. Münster, Nah Am Wasser
  • 19.-21.07. Karlsruhe, Das Fest
  • 20.07. Jena, Kulturarena
  • 26.07. Würzburg, Hafensommer
  • 27.07. Schrobenhausen, Noisehausen
  • 09.08. Hannover, Fährmannsfest
  • 10.08. Großefehn, Großefehn Open Air
  • 11.08. Bonn, Kunst!Rasen (mit Muff Potter)
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Wenn man lacht, weint und sich riesig freut… Herman Van Veen in Siegburg

Heute ist Herman zu Besuch in Siegburg. Ich nenne ihn Herman, schließlich kennen wir uns schon seit über 20 Jahren. Naja, also ich kenne ihn schon so lange, er mich glaube ich nicht. In jedem Fall hat er mich heutzutage noch genauso begeistert und gerührt wie vor 20 Jahren, als ich drei Jahre alt war.

Herman van Veen kommt mit seinen vier weiteren Musiker*innen auf die Bühne und der Applaus ebbt kaum ab. In den Gesichtern der Zuschauer*innen sieht man glänzende Augen, die von Vorfreude auf den gemeinsame Abend zeugen. Auf den ersten Blick ist noch nicht zu erkennen, wie viele verschiedene Instrumente eigentlich auf der Bühne stehen – bei der Menge kein Wunder, dass Herman mit einem LKW angereist ist. So wird während des Konzerts zum Beispiel der Hocker an der Harfe zur Cajón und Herman zaubert irgendwann eine Mundharmonika aus seiner Hosentasche. Die Musiker*innen nehmen uns alle zusammen mit auf eine Reise. Und das ist das Schöne daran: Ich habe nicht das Gefühl Herman van Veen plus Band zuzuschauen, sondern einer Gruppe von fünf Menschen, die gemeinsam Musik machen, Spaß haben und denen wir dabei zusehen dürfen. Nicht nur Herman singt, auch Edith Leerkes an der Gitarre bekommt Minuten alleine auf der Bühne und begeistert uns mit ihrem Talent.

Ich glaube, am heutigen Abend ist kaum ein Auge trocken geblieben, sei es vor Rührung oder vor Lachen. Beim Lied „Anne“ jubelt das Publikum schon nach den ersten Tönen und die Stimmung wird auf einmal ganz andächtig. Aber nur Sekunden später schafft Herman es wieder uns alle zum Lachen zu bringen. Besonders schön ist dabei seine Parodie der Oper. Mehrere Minuten lang imitiert er eine Sopranistin, einen Tenor und den Chor in einer Oper – ich habe Tränen gelacht und war dabei sicher nicht die einzige! Doch Herman macht nicht nur allein Quatsch auf der Bühne, immer wieder bezieht er den jungen Bassisten mit ein, dem seine Rolle als Tollpatsch auch zu gefallen scheint. Kaum eine Sekunde lang ist Stille auf der Bühne, denn Herman leitet von einem Song zum nächsten mit kleinen Anekdoten über. So erzählt er zum Beispiel davon, dass seine Tochter mit einer Frau verheiratet ist und dass darauf in manchen Ländern der Welt leider noch die Todesstrafe steht. Auf diese Botschaft hin folgt eines meiner Highlight-Zitate des Abends: „In Holland wurde vor über 100 Jahren die Todesstrafe abgeschafft, jetzt fehlt nur noch der Tod.“ Und wenn ich mir das so anhöre, wünsche ich mir auch, dass dieser großartige Musiker, Clown und Entertainer noch lange auf den Tod warten muss!

Deswegen können die Abende mit Herman meiner Meinung nach auch gar nicht so recht unter dem Begriff „Konzert“ zusammengefasst werden. Vielmehr ist es ein Bühnenabend, bei dem man lacht, weint und sich riesig freut dabei sein zu können. Trotz seines stolzen Alters – er verrät uns, dass er 1945 geboren ist – ist Herman nicht außer Atem zu bringen. Er tanzt und hüpft über die Bühne, als wäre er nicht fast 74, sondern vier Jahre alt, klettert auf einen Stuhl und lässt beim Cover des Songs „Tutti Frutti“ von Little Richard auch sein Talent im Hüftschwung erkennen. Dafür hat er auf jeden Fall meinen Respekt verdient, so viel Energie bei einer so langen Tour an den Tag zu legen, würde mir mit meinen knapp 23 Jahren schon schwer fallen. Doch anstatt nach dem zweieinhalbstündigen Konzert mit nur 25 Minuten Pause müde zu sein und von der Bühne ins Bett zu fallen, erzählt Herman uns bei der gefühlt 27. Zugabe, dass er leider nicht mehr so lange spielen kann, schließlich müssten sie ja heute Nacht noch nach Castrop-Rauxel fahren. Er lässt es sich dennoch nicht nehmen auch nach der Verabschiedung mit den Worten „Fahren Sie vorsichtig, bleiben Sie gesund, dann sehen wir uns hier in zwei oder drei Jahren wieder!“ noch mehrfach wieder auf die Bühne zurück zu kommen und durch das Publikum zu rennen, um dann am Ende doch noch einen Song mit den anderen vier Musiker*innen zu spielen – und das während fast alle Leute schon zum Gehen bereit im Gang stehen und ihre Jacken anhaben.

Gestanden haben viele Leute aber eigentlich das ganze letzte Drittel des Konzerts, denn die Musiker*innen konnten sich über Standing Ovations freuen. Das hat Herman auch direkt ausgenutzt und das Publikum zum Kreischen animiert. Ich muss zugeben, dass die von mir aus rechte Hälfte des Saals mehr drauf hatte als wir auf der linken Seite… Herman kann gar nicht genug Applaus bekommen und scheint sich ehrlich über den gemeinsamen Abend zu freuen. Um 22.45 Uhr verlässt er dann nach zwei Stunden und fünfundvierzig Minuten zufrieden die Bühne. Wir Zuschauer*innen laufen auch langsam hinaus in die Kälte, viele mit einem Lächeln auf den Lippen und froh, dass es so ein schöner Abend war. Danke Herman!

Tickets für alle weiteren Konzerte der „Neue Saiten“-Tour 2019 gibt es hier oder bei