Nach drei Studio-Alben und einer ausverkauften Headliner-Tour zum letzten Album “Wir waren nie hier”, haben Emma6 Ende Januar eine neue 4-Songs-EP mit dem Titel “Möglichkeiten” veröffentlicht. Darauf klingt das Trio abgespeckt, mehr nach Akustikgitarre und doch erkennt man den unverwechselbaren Emma6-Sound wieder. Nach vierzehn Bandjahren und drei Alben hat die Band offensichtlich Lust in kleineren Sinneinheiten zu fühlen und zu denken. So gibt es passend zur EP auch noch eine Video-Tetralogie. Grund genug für Musicheadquarter-Redakteurin Hannah Kröll bei Emma6-Schlagzeuger Henrik Trevisan nachzufragen.
Ihr habt euch für das Schreiben eurer neuen Songs in eine Hütte im Schwarzwald eingeschlossen. Klingt sehr idyllisch! Wie seid ihr auf diese Idee gekommen und warum ausgerechnet der Schwarzwald?
Henrik Trevisan: Das hat sowohl pragmatische als auch romantische Gründe. Wir leben mittlerweile alle am Rhein zwischen Köln und Karlsruhe. Dadurch gibt es nicht mehr zwangsläufig einen einzelnen naheliegenden Ort, an dem wir uns treffen. Hinzu kommt, dass der Schwarzwald eine wirklich schöne Gegend ist und man dort Plätze findet, die sehr abgelegen sind, was sehr inspirierend ist.
Wieso habt ihr euch denn dazu entschieden die Songs über einen längeren Zeitraum einzeln zu veröffentlichen und nicht, wie sonst ja oft üblich, alle auf einen Schlag in einer EP?
Henrik Trevisan: Wir haben festgestellt, dass die Zeiträume zwischen zwei Alben bei uns immer recht lang sind. Es gibt Songs, die sehr früh in dieser kreativen Phase zwischen den Veröffentlichungen entstehen, und andere, die erst spät dazukommen. Wir wollten den Zeitpunkt zwischen Entstehung und Veröffentlichung gerne verkürzen, daher die Entscheidung zur EP. Zusätzlich hatten wir die Idee eines Kurzfilms, der die Songs begleitet und zunächst nur Stück für Stück veröffentlicht wird. Das fanden wir sehr passend.
Bei “Möglichkeiten” beschreibt ihr nach meiner Lesart den Konflikt zwischen den tausenden Möglichkeiten, die sich auftun und der damit zusammenhängenden Überforderungsproblematik. Hattet ihr beim Schreiben von “Möglichkeiten” ein bestimmtes Dilemma im Kopf oder geht es bei dem Song mehr um etwas Generelles?
Henrik Trevisan: Deine Lesart trifft die Idee des Songs. Es geht einerseits um die großen Möglichkeiten im Leben, also Fragen wie: Wo möchte ich leben? Wie möchte ich leben? Was ist mir eigentlich wichtig, was nicht? Andererseits sind aber auch die Kleinigkeiten gemeint, bei denen man jeden Tag die Wahl hat und auch dort nicht immer klar ist welche Auswirkungen diese kleinen Entscheidungen haben. Daher kann es durchaus sinnvoll sein sich Gedanken darüber zu machen, was man wählt. Denkt man aber zu viel nach, kann es wiederum sein, dass man Dinge versäumt.
Bei “Nirgendwo” hat mich der Teil “Nichts passiert hier im Nirgendwo, wo du warst ist es seltsam leer. Nichts passiert, das war schon immer so, aber mit dir weniger schwer” sehr an “Seit du weg bist, ist hier nichts mehr wie es war. Nur ich bin noch da” aus “Köln – Wien” von eurem Album “Passen” erinnert. Hängen die Songs irgendwie zusammen?
Henrik Trevisan: Das Grundgefühl der beiden Songs ist ähnlich, es gibt auf jeden Fall gewisse Parallelen. Bei “Nirgendwo” geht es aber um eine Freundschaft, während “Köln – Wien” eine Fernbeziehung thematisiert.
In Bezug auf “Nirgendwo” würde ich natürlich auch gern noch wissen, ob mein Tipp aus dem Review (hier zum Nachlesen) stimmt und ihr euch mit der Line “Doch irgendwer Schlaues hat einmal gesagt ‚Irgendwann ist auch nur ein anderes Wort für nie!‘” wirklich auf Kettcars “Benzin und Kartoffelchips” bezieht oder ob ich mir diese Verbindung nur einbilde?
Henrik Trevisan: Diese Verbindung bildest du dir definitiv nicht nur ein. Große Schreiber wie Kettcar darf und sollte man auch mal zitieren. Vor allem, wenn einem selbst keine bessere Zeile einfällt (grinst).
Die neue Emma6-EP “Möglichkeiten” wurde am 24.01.2020 beim Label Ferryhouse Productions veröffentlicht.
Hattet ihr beim Schreiben von “Meine Wege deinetwegen” eine bestimmte Person im Kopf und wenn ja, war es dann bei euch allen drei dieselbe?
Henrik Trevisan: Der Text ist von Peter (Trevisan, Sänger von Emma6, d.Red.). Er ist letztes Jahr Vater geworden und der Song war das Geschenk an seine Frau zur Geburt.
“Überwintern” ist für mich ein ganz spezieller Song, weil der Text und die Musik sehr aufmunternd wirken und fast schon fröhlich, eigentlich ist das Thema des Songs ja aber auch etwas Trauriges, nämlich Niedergeschlagen-Sein und eben das Fehlen des Gedankens, dass es besser wird, zumindest bei denjenigen, die ihr ansprecht. Warum habt ihr euch für einen solchen “Kontrast” entschieden? Oder würdest du es gar nicht als einen solchen Kontrast ansehen?
Henrik Trevisan: Wir haben das Gefühl, dass gute Zeiten nur deshalb so gut sind, weil es auch weniger gute gibt. Wenn ich nur mein Umfeld betrachte, dann stelle ich fest, dass viele Menschen unzufrieden sind, obwohl sie objektiv betrachtet wohl alles haben, was sie brauchen und damit meine ich nicht nur materielle Dinge. Ganz persönlich gibt es unsere Band nun schon wirklich sehr lange und jeder von uns hat in dieser Zeit Gutes und weniger Gutes erlebt. Oft waren die schwierigsten Zeiten die, in denen wir uns am besten kennengelernt und etwas für die guten Zeiten mitgenommen haben.
Eure Songs wirken so persönlich, aber ich konnte sowohl bei “Möglichkeiten” als auch bei “Überwintern” auch Zusammenhänge zu großen Themen gesellschaftlichen Zusammenlebens erkennen. Wie viel gesellschaftliche Kritik steckt denn in den neuen Liedern?
Henrik Trevisan: Wir sind wie alle anderen auch Teil einer Gesellschaft. Ich denke persönliche und gesellschaftliche Dinge bedingen sich daher gegenseitig. In den allermeisten persönlichen Songs gibt es daher auch eine gesellschaftlichen Komponente.
Woher kam eigentlich die Idee eine Video-Tetralogie zu den Songs aufzunehmen?
Henrik Trevisan: Das Format der EP, also einer Veröffentlichung mit in unserem Fall nur vier Songs, war für uns neu. Zwar haben wir am Anfang der Bandgeschichte schon selber Songs aufgenommen und diese dann auf CDs gebrannt, die vier bis fünf Songs enthielten, aber das liegt schon länger zurück. Nun hatten wir das Gefühl, dass die Songs, die als Paket entstanden sind, auch visuell als Paket präsentiert werden sollten. Damit war die Idee geboren, dass wir in den Videos eine zusammenhängende Geschichte erzählen wollen. Das Drehbuch hat schließlich Dominik (Republik, spielt Bass bei Emma6, d.Red.) geschrieben.
Und zu guter Letzt noch die Frage, die uns wohl allen unter den Nägeln brennt: Wird die EP der Anstoß für eine erneute Tour sein?
Henrik Trevisan: Wir werden Ende des Jahres einige Konzerte spielen. In welchen Städten wir einen Stopp machen werden, kann ich leider noch nicht sagen, aber es wird Konzerte geben. Wir freuen uns jetzt schon und machen uns bereits Gedanken wie wir die neuen Songs live präsentieren möchten.
Das ist doch ein schönes Schlusswort. Wir bedanken uns vielmals für deine Zeit und freuen uns auch schon darauf euch wieder live sehen zu können.
Ein Dankeschön geht ebenfalls an Jenny Gottstein von ferryhouse productions für die nette Vermittlung des Interviews!
Hamburger, Liedermacher, Kind der 80er – DEVE hat viele Gesichter. Tourte der Musiker damals noch mit Bandanhang durch die Clubs in Deutschland, hat er sich nun quasi selbständig. Mit „Du.Alles“ bringt DEVE nun seine erste EP heraus. Die kann sich durchaus hören lassen. Im Interview erzählt er MHQ-Redakteur Marc Brüser, wie es zur Entstehungsgeschichte kam und warum er dankbar für Artikel 13 ist.
Du machst ja schon seit einigen Jahren Musik. Wie kam es zur Idee deines neuesten Projekts? Und wie war der Entstehungsprozess zu deiner EP
DEVE: Ich mach den musikalischen Teil zusammen mit meinem Produzenten aus Wiesbaden, Niklas Kleber, nun seit anderthalb Jahren. Das war halt alles sehr sessionbasiert. Für mich ist diese Kollaboration eine Art Neustart, davor war ich viele Jahre als Singer/Songwriter aktiv.
Wie lange hast du das gemacht?
DEVE: Seit 2005. Das ging mit Anfang 20 los in verschiedensten Projekten: Mal solo, mal mit Band. Aber so richtig umsatzstark war das nie, deshalb konnte man das nie so richtig weiterführen, wie man es gerne gehabt hätte. Daher habe ich dann 2015 für mich entschieden einen Neustart zu machen. Der ist dann schließlich in diesem Projekt gemündet.
Ich habe bereits deine Single „Jedesmal“ gehört, wo wirklich unzählige Anspieler an das Jahrzehnt versteckt waren. Allen voran das Cover mit dem DeLorean vorne drauf.
DEVE: Nicht nur vorne drauf. Im Musikvideo auch mitten drin.
Welchen Einfluss hatten die 80er auf dich?
DEVE: Insgesamt war es einfach ein sehr prägendes Jahrzehnt, schließlich bin ich auch Anfang der 80er geboren. Hinsichtlich der Künstler könnte ich Michael Jackson oder Prince jetzt nennen. Dazu sind wahnsinnig viele Genres entstanden. Natürlich war auch viel Schrott mit dabei, aber die Innovation war wirklich durchweg präsent, gerade auch in der deutschen Musik. Den Sound hörst du auf jeden Fall auf der EP heraus.
Ist für die EP bereits eine Tour geplant?
DEVE: Eine Tour haben wir noch nicht geplant. Wir wollen die Reaktionen erst einmal abwarten und danach kann man immer noch weiter schauen.
Welchen Song würdest du denn einer Person empfehlen, die dich noch nie gehört hat?
DEVE: Puh,..schwierige Frage. Es kommt wohl sehr auf die Person an. Dir würde ich zum Beispiel „Wenn es regnet“ empfehlen. Der Sound ist halt klassischer Elektro Pop, obwohl ich es selbst nicht so gerne hab in Schubladen zu denken. Der Sound ist stark geprägt von Niklas, aber die Texte kommen von mir. Es ist eine Symbiose von uns beiden.
Du bist ursprünglich aus Hamburg. Hat dich die Stadt bei der Produktion der vier Songs auch mit beeinflusst?
DEVE: Es ist richtig, dass ich aus dem Großraum Altona komme und die Stadt mch schon sehr geprägt hat. Bei der Produktion von der EP muss ich aber sagen hatte Hamburg eher eine sekundäre Rolle. Ich war dafür ja schließlich bei Niklas in Hessen. Wenn ich aber über das allgemeine Künstlerdasein spreche, ist Hamburg selbstverständlich eine der wichtigsten Musikstädte in Deutschland. Hier hast du einige größere, aber auch viele kleinere Möglichkeiten zu spielen. Einen meiner ersten Gigs hatte ich zum Beispiel im Knust, sehr empfehlenswerter Laden. Mein größtes Konzert war auf dem Heiligen Geist Feld auf St. Pauli, wo ich auf einer Demo mit meiner Band gespielt. Das war mega. Da standen locker 10.000 Leute vor unserer Bühne. Aber das DEVE Projekt ist nicht so durch Hamburg geprägt. Chima, den du auf dem Song „Wir können alles sein“ hörst ist Frankfurter, auch ich habe hessische Wurzeln. Branchentechnisch ist es hier natürlich interessant für Künstler, obwohl Berlin da noch etwas größer ist.
Wie habt ihr denn die Vermarktung vorangetrieben? Seid ihr gesignt bei einem Label?
DEVE: Klar, das Label nennt sich „das Kombinat“ und ist ansässig in Hamburg. Ich bin immer noch davon überzeugt, dass es gut ist ein Label im Rücken zu haben. Heutzutage ist es ja auch nicht unwichtig deine Produktionskosten im Hinterkopf zu behalten. Zum Beispiel ob man wirklich 2000 CDs produzieren will oder über Vinyl überhaupt nachdenken sollte?
Wenn du jetzt zum Beispiel Influencer siehst, die teilweise eine Pizza backen und dadurch mehr Aufrufe bekommen als manches Musikvideo. Meinst du, dass man dann umdenken müsste?
DEVE: Hinsichtlich der Plattformen habe ich mir bereits alles eingerichtet, inklusive Instagram Seite. Obwohl ich da immer etwas hin und hergerissen. Man will eigentlich nur seine Musik teilen und trotzdem sich gleichzeitig auch präsentieren. Da trenne ich Privates von Beruflichem/Musikalischem. Das Absurde ist, dass ich das immer mehr das Gefühl bekomme, dass die Leute eher wissen wollen, wie’s bei dir zuhause aussieht. Nicht umsonst sind Klatschseiten voll mit privaten Urlaubsbildern. Ich bin der Meinung, dass das bei der Musik vollkommen egal ist. Aber klar, wenn du ein Influencer bist, kannst du die Leute auch mit an die Kasse mitnehmen. Bernhard Hoecker hat das einmal hervorragend bei „Zimmer frei“ begründet, warum er zum Beispiel bei Social Media sehr bewusst nur sich zeigt. Er will einfach seine Familie außen vorhalten, da sie nicht in der Öffentlichkeit stehen und dementsprechend auch nicht in Szene gesetzt werden sollen.
Der Umgang mit sozialen Medien unterscheidet sich natürlich sehr stark auch noch einmal im jeweiligen Land. Deutsche sind was den Datenschutz generell angeht sehr vorsichtig habe ich das Gefühl. Wie stehst du eigentlich persönlich zu Artikel 13?
DEVE: Ich bin persönlich sehr dankbar für die Entscheidung und sehe Uploadfilter hierbei weniger problematisch. Das Urheberrecht eines Künstlers muss geschützt werden. Wenn man die ganze Sache genauer betrachtet, geht es vielmehr darum, dass große Konzerne wie Google und Facebook mit der Musik von anderen einen riesen Umsatz machen und nichts davon abgeben. Meiner Meinung nach waren die Demos reine Panikmache. Die Leute haben da tatsächlich für große Konzerne demonstriert. Dabei sollen diese Unternehmen auch eine Verantwortung übernehmen und Künstler entsprechend entschädigen. Die momentane Situation ist auf jeden Fall verbesserungswürdig.
Vielen Dank für das Interview!
DEVEs nächster Gig findet am 14.04.2019 Mojo Jazzcafé, Hamburg.
Ein großer Dank geht auch an Jascha Farhangi, der das Interview ermöglicht hat!
Zum 60. Geburtstag von Pop-Idol Michael Jackson feiert das brandneue Musical „BEAT IT!“ am 29. August 2018 Weltpremiere im Theater am Potsdamer Platz in Berlin und geht ab November 2018 erstmals auf große Tournee durch Deutschland, Österreich und die Schweiz. Dabei gibt es auch zwei Stationen im Südwesten: Am 9.2.2019 gastiert die Show in der Arena Trier, am 18.4.2019 in der Saarlandhalle Saarbrücken. Events, die Freunde des King of Pop nicht verpassen sollten!
Deutschlands bekanntester TV-Juror, Fitnesscoach und Choreograph Detlef Soost verstärkt das Kreativteam des neuen Musicals. Er hat eine magische Ausstrahlung und das außergewöhnliche Talent, Menschen zu begeistern und anzutreiben. Seit über 25 Jahren ist er als Juror, Choreograph, Moderator und Fitnessexperte im TV präsent. Für „BEAT IT!“ choreographiert Soost gleich mehrere Jackson-Songs, darunter den Titelsong. Im Interview steht er uns Rede und Antwort zur großen Produktion.
Foto: Andreas Friese
MHQ: Welchen Einfluss hatten Michael Jacksons Musik und womöglich auch seine Choreographien in den Musikvideos auf deine Karriere?
Detlef Soost: Ja, man muss ja ganz klar sagen, dass Michael Jackson, ohne dass er es je wusste, in gewisser Art und Weise mein Mentor und Richtungsgeber war, schon als Kind. Ich hatte ihn irgendwann im ZDF um 00:01 gesehen mit „Thriller“ und wusste ab dem Augenblick: Ich will Tänzer werden und ich will so tanzen können wie Michael Jackson! Angefangen bei „Thriller“, womit er ja ein komplett neues audiovisuelles Erlebnis geschaffen hat, weil du plötzlich auf Extra-Sounds, die auf die Schritte kombiniert wurden, Choreographien gesehen hast! Genau das gleiche dann auch bei „Beat It“, was auch so ein Quantensprung war, weitergehend mit „Bad“ bis hin – und das ist bis heute eines der krassesten Videos überhaupt, für mich, in meiner Welt – zu „Smooth Criminal“, wo er sich nochmal komplett neu erfunden hat, nicht nur in seinem eigenen Solo-Tanz, sondern auch in der Choreographie. Das heißt, Michael Jackson war immer in dem, was er getan hat, choreographisch „first mover“ für mich. Er hat immer vorgegeben, wie getanzt wird, welche Effekte genutzt werden, was gerade im Trend ist. Und wenn man sich anschaut, wie viele andere Stars – Usher, Justin Timberlake bis heute zu Justin Bieber oder die ganzen Boybands, die es damals gab – sich all das mit angenommen und sich daran orientiert haben, dann zeigt das umso mehr, wie fett sein choreographisches und musikalisches Vermächtnis ist.
MHQ: Wie wichtig war Michael für die Tanz-Szene? Gab es zu der Zeit einen Boom, weil alle lernen wollten, so zu tanzen?
Detlef Soost: Also, das Krasse ist wirklich: In der Vorbereitung auf meine Choreos, die ich aus meinem eigenen kreativen Content entwickelt habe für „BEAT IT!“, habe ich mir natürlich die ganzen Videos von Michael nochmal angeguckt. Und auch, wenn man ihn heute zum ersten Mal sehen würde, mit „Thriller“, mit „Beat It“, „Bad“ oder „Smooth Criminal“, würden die Leute ausrasten! Auch nach heutigem Stand von Choreographie und Show, weil es nach wie vor absolut unvergleichlich ist. Aus meiner Sicht wurden ganz viele Generationen von Musikern und Performern durch die Art und Weise, wie Michael Jackson es verstanden hat, Musik und visuelle Performance zu verbinden, beeinflusst – und das noch bis heute! Das heißt, wir können gar nicht sagen „Gab es damals einen Boom, als er noch lebte?“. Ich weiß nicht, wie viele kleine, große und mittlere Michael Jackson-Doubles in der Welt auch heute noch rumrennen! Meine achtjährige Tochter gehört dazu! Die hat sich zu Weihnachten ein Michael Jackson-Outfit mit Sonnenbrille, Perücke, Hut, Handschuhen und Jacke gewünscht und performt wie eine Verrückte jeden einzelnen Song von Michael. Das ist so unglaublich generationsübergreifend. Auch, wenn es ihn heute gar nicht mehr gibt, ist seine Musik und das, was er visuell auf die Bühne gebracht hat, nach wie vor megamodern.
MHQ: Man kann sagen, es ist zeitlos, nicht wahr?
Detlef Soost: Zeitlos trifft’s genau auf den Punkt. Guck mal, du kannst dir „Smooth Criminal“ problemlos heute noch anhören, du kannst dir „Beat It“ anhören, also fast alle seine Songs… mir fällt kaum ein Song ein, wo ich sage: Ach nee, den muss ich jetzt nicht noch mal hören.
MHQ: Ist das auch sein größtes Vermächtnis? Diese zeitlose Kunst?
Detlef Soost: Das wundert dich jetzt vielleicht, dass ich was komplett anderes sage, aber: Es ist die Kraft, Emotion hörbar und sichtbar zu machen. Das Verständnis, das Können und das Talent. Egal, ob es wie möglicherweise bei „Beat It“ oder „Bad“ Aggressivität ist, oder ob es wie bei „The Way You Make Me Feel“ sexy Emotion ist oder bei den ganzen Balladen nachdenkliche oder auch traurige Emotionen… Niemand hat es je geschafft, Emotionen so hörbar und sichtbar zu machen, und das authentisch, wie Michael Jackson. Alleine wenn ich jetzt darüber rede und mir das vorstelle, werde ich selbst schon wieder total emotionalisiert, weil mich das so berührt. Weil es so unglaublich ist, was dieser Mensch auf die Bühne gebracht hat und wie er Menschen damit berührt hat.
MHQ: Kannst du dich vielleicht auch ein bisschen mit ihm identifizieren? Mit diesem Kampf nach oben?
Detlef Soost: Natürlich, absolut. Weißt du, ich hatte gar keine Eltern, Michael Jackson hatte zumindest in Form seines Vaters Eltern, die ihm vielleicht, zumindest als Kind, nicht wirklich gutgetan haben. Auch, wenn sie seine Karriere durch den harten Drill vielleicht beeinflusst haben. Wir tragen ja das, was wir aus der Kindheit an Wunden haben, auch als Erwachsene mit uns rum, und da hatten wir beide schwere Zeiten. Das hat uns sicherlich da hingebracht, dass wir sehr „driven“ waren, wie man im Englischen gerne sagt. Dass wir immer vorwärts wollten, immer neue Meilensteine erreichen wollten, dass uns auch nie der eine Erfolg von gestern morgen noch genug war. Sondern wir haben gesagt „Okay, geschafft, was ist das nächste auf dem Weg?“. Im Deutschen sagt man „getrieben sein“, das hört sich aber so negativ an, finde ich. Deshalb gefällt mir „driven“ einfach besser. Wir hatten schon beide, er natürlich auf einem ganz anderen Niveau als ich, ähnliche Antriebe, vorwärts zu kommen.
MHQ: Musik und Tanz – beides kann verbinden und die Welt vereinen. Michael hatte diese Botschaft unter anderem ja auch thematisiert mit „Black Or White“. Wie siehst du das, gerade auch als Coach?
Detlef Soost: Ich habe gerade letztens das wieder festgestellt, in einem Gespräch, in dem es auch darum ging – um die AfD und die Migrationsproblematik… Im Tanzen und im Gesang gibt es keine Rassen, gibt es keine Religion! Es gibt keine unterschiedlichen Farben, es gibt keine unterschiedlichen Größen – das gibt es alles nicht. Es gibt nur die gleiche Leidenschaft. Die Leidenschaft zum Tanzen, die Leidenschaft zum Gesang und zum Musikmachen. Das ist das, was die Menschen verbindet. Wenn die Leidenschaft gleich ist, sind auch die Menschen miteinander verbunden. Das ist die einzige Religion – die Leidenschaft.
MHQ: Du arbeitest an der neuen Show „BEAT IT!“ maßgeblich mit – wird sie Michael Jackson gerecht?
Detlef Soost: Oh, das ist so ein großer Schuh… Und es ist so ein fantastisches Kreativ-Team, und ich muss ehrlich sagen, ein noch fantastischerer Cast. Mit diesen Menschen zu arbeiten, treibt mir – und da kannst du die Uhr danach stellen – ständig die Tränen in die Augen. Sie sind mit so viel Leidenschaft, mit so viel Commitment dabei, dem Vermächtnis von Michael Jackson, IHM gerecht werden zu wollen, das ist unglaublich. Und trotzdem sind’s große Schuhe, die wir uns anziehen. Und auch, wenn wir alle mehr als hundert Prozent an Leidenschaft, an Kraft und an Commitment und Kompetenz einbringen, wird erst der Zuschauer uns sagen können, ob wir dem Vermächtnis von Michael gerecht werden. Wir können uns zum jetzigen Zeitpunkt nicht erlauben zu sagen „Ja, wir werden seinem Vermächtnis gerecht“ – das muss der Zuschauer entscheiden.
MHQ: Was ist das Wichtigste, was diese Show den Zuschauern vermitteln soll? Was meinst du? Sind es die Emotionen?
Detlef Soost: Das ist für mich der wichtigste Punkt. Deshalb ist es für mich vielleicht nicht die schwierigste Challenge. Genau das, die Emotionen sichtbar zu machen. Wenn die Gangs auf die Bühne kommen bei „Beat It“ – da wird nicht mit Wattebällchen geworfen oder Sonnenblumen verteilt, sondern es ist eine aggressive Emotion, die sichtbar gemacht wird. Genauso ist es bei „The Way You Make Me Feel“ eine sexy, aber reine Emotion. Und bei „Black Or White“ geht’s darum zu zeigen „Hey, wir sind im Endeffekt alle gleich!“. Es geht also um Happiness und um Verbindung. Durch meine jahrelange Erfahrung und dadurch, dass ich mich durch Michael Jackson immer darauf konzentriert habe, die Emotionen auf die Bühne zu bringen, konnte ich bei „BEAT IT!“ sehr viel einbringen. Das ist vielleicht das, was ich neben meinen eigenen Choreos am meisten mitgeben konnte in dieses Paket. Wie gesagt, der Zuschauer ist Laie, und ich bin froh, dass der Zuschauer ein Laie ist. Denn dann ist die Emotion purer, die er spürt, weil er es sich manchmal nicht erklären kann. Der Zuschauer sitzt da und überlegt sich: „Warum catcht mich das gerade so? – bei der Bewegung, bei dem Move, bei dem Sound. Warum kommen mir da plötzlich die Tränen, oder ich hab einen Kloß im Hals?“ Vielleicht kennst du das auch: Es gibt manchmal so Situationen im Leben, die passieren und von einer Sekunde auf die andere, man rechnet nicht damit, hat man plötzlich so `nen Kloß im Hals, oder man merkt, dass die Augen wässrig werden. Das sind die Sachen, wenn einen die Emotionen übermannen. Und das ist es, was ich versuche, sichtbar zu machen.
MHQ: Vielen Dank, Detlef.
Wir danken Detlef Soost für seine aufschlussreichen Worte und freuen uns auf zwei starke Events in Trier und in Saarbrücken! Ein Dank geht auch an Popp Concerts, die diese Produktion in den Südwesten holen.
Rise Against haben sich mit ihrem mittlerweile siebten Album „Wolves“ mehr auf ihre Ursprünge in der Melodic Hardcoreszene bezogen. Die Chicagoer denken nicht daran auf die Bremse zu treten. Monotonie? Fehlanzeige. Dafür sorgen abwechslungsreiche Konzerte mit unterschiedlichen Setlisten und genügend Pausen, welche man mit der Familie oder Freunden verbringt. MHQ-Redakteur Marc Brüser hatte die Möglichkeit mit Bassist Joe Principe kurz vor ihrem Auftritt bei “Rock am Ring 2018” ein Interview zu führen.
Erst einmal danke, dass du dir so kurz vor deinem Konzert noch die Zeit genommen hast mit uns zu quatschen. Wie geht’s soweit?
Joe: Sehr gut, danke! Noch machen alle Knochen mit, wir sind ja erst am Anfang unserer Tour und haben bisher erst den Gig bei „Rock im Park“ hinter uns. Wir spielen unter anderem noch in Budapest, Prag und auf dem Hellfest in Frankreich.
Gibt es großartige Unterschiede zwischen den Fans, wenn es um den Ländervergleich geht?
Joe: Nicht wirklich. Alle Fans von uns sind, was den Charakter angeht, ziemlich ähnlich gestrickt: Offene und tolerante Menschen, die sich für die Probleme der Welt interessieren. Gleichzeitig haben sie auch ähnliche Vorlieben, was die Alben angeht. Für viele sind The Sufferer & The Witness und Appeal To Reason, die Alben, welche Rise Against ausmachen.
Das sieht man ja auch in eurer Setlist, dort finden sich immer wieder Songs beider Alben wieder, die keine Singles sind.
Joe: Stimmt. Survive ist einer dieser Songs, von denen wir uns live nicht trennen wollen. Für mich persönlich sind es aber auch Chamber The Cartridge und Collapse. Die Lieder bringen immer einen unglaublichen Spaß beim Spielen mit.
Ich hätte jetzt persönlich gedacht, du würdest noch Like The Angel sagen wegen dem markanten Bass-Intro.
Joe: Wir spielen den Song sogar heute.
Um zurück auf die Festivals zu kommen: Man kann also schon sagen, dass die Stimmung überall gleich gut ist und es wenig Unterschiede gibt.
Joe: Die meisten ähneln sich schon sehr. Ein paar Unterschiede gibt es natürlich im Hinblick auf die Landschaft. Das Greenfield Festival in der Schweiz ist mir da sehr gut in Erinnerung geblieben. Du blickst von der Bühne auf diese wunderschönen Berge, das ist einfach der Wahnsinn. Aber wir haben natürlich eine Menge Spaß auf den ganzen Festivals, vor wenn wir auf befreundete Bands treffen.
Ich tippe mal, dass ihr schon Bad Religion „Hallo“ gesagt haben, die bereits heute auf der Bühne gestanden haben.
Joe: Genau. Da sind einfach so viele Freundschaften über die Jahre entstanden, die ich niemals eintauschen wollen würde.
Ich habe euch das letzte Mal vor einem Jahr im SO36 in Berlin gesehen. Das war eine der intensivsten Shows von euch, die ich bisher zu Gesicht bekommen habe.
Joe: Das ging nicht nur dir so. Wir waren nach drei Songs alle klatschnass.
Wenn du zurückblickst an die Zeit, wo ihr durchgehend in diesen Venues gespielt habt, kommen bei dir da bestimmte Erinnerungen hoch? Vielleicht sogar noch aus der Zeit, wo euch niemand außerhalb von Chicago kannte?
Joe: Also erst einmal muss ich sagen, dass ich es immer geliebt habe in diesen Clubs zu spielen. Rise Against kommen ja schließlich aus der Hardcore Szene und es waren schon damals immer sehr intensive Shows. Du hattest das Publikum keine zehn Zentimeter entfernt von dir. Ich habe diese ganze Energie jedes Mal aufgesaugt und sie beim Spielen wieder herausgelassen. Wir versuchen diese Nähe bei Festivals ebenfalls aufleben zu lassen, aber es ist halt schwer diese Energie auf 60.000 Leute zu übertragen. Das ging damals in Chicago natürlich ein wenig leichter.
Welche Bands waren eure Vorbilder in Chicago bzw. hatten die größten Einflüsse auf euch?
Joe: Mir fallen spontan zwei: Pegboy und Naked Raygun. Vor allem Letztere hatten einen enormen Einfluss auf mich und auf die anderen. Ich könnte dir keine Band nennen, die ansatzweise wie sie klingen. Sie spielen sogar immer noch, der Sänger hat Parkinson was das Ganze etwas schwieriger für sie gestaltet. Nichtsdestotrotz, live sind sie immer noch sehr gut. Pennywise, Bad Religion und NoFX könnte ich dir jetzt noch als Einflüsse nennen, die außerhalb von Chicago sind und uns auch zu dem gemacht haben, die wir heute sind.
Mit den Jahren kann es bestimmt hart sein, die Motivation aufrecht zu erhalten. Wie verhält es sich wenn ihr mal nicht auf Tour seid?
Joe: Ich halte mich vor allem zu Hause fit, spiele fast täglich in meinem Keller Gitarre. Klar, kann es sein, dass der Tourstress dich ein wenig übermannt. Aber sobald du einige Wochen zu Hause warst, juckt es jedem von uns in den Fingern und wir bekommen alle das Verlangen wieder zu spielen.
Ein großer Dank geht auch an Jördis Lüdke von Universal, die uns dieses Interview ermöglicht hat!
“D’ANGEROUS: das ist laute, ausschweifende Gitarrenmusik – gefährlich genug um mit einem Minimum an Klischees und Reminiszenzen an die Dinosaurier der letzten Dekaden auszukommen.” – so wurde uns Berlins neuer Geheimtipp in Sachen Rock ‘n’ Roll angepriesen. Grund genug für uns ein Interview mit Sänger Carl O’Sullivan und Bassist Jens Freudenberg anzufragen!
I know that this is an awful opening question, but how would you describe D’Angerous in your own words?
Carl: D’Angerous are four killer musicians that are looking to confirm that guitar music is well and truly alive! Huge bass, solid beats and kick arse melodies!!
I had a first listen to your upcoming first single “Rule The World” that has been released on June 1st. The song reminded me of 80’s Glam Rock bands like Skid Row and Mötley Crüe. Do you think that Hair Metal is about to have a revival in 2018?
Carl: Not really. “Rule the world” came about in a haze at the practice space. Freude/Ollie wrote the song, i sprinkled it with love and then recorded a demo to show the boys. The high pitch “glam vocal” was definitely what the song needed to give it a pop. Now it’s ready for everyone’s heads and ears to shake!!! What song would you recommend to a person that has never heard you before?
Freude: RULE THE WORLD! That’s why it’s the first release and our massive hello to the world. You were formed in Berlin, but you’re singer has got his roots in New Zealand. Are there certain differences between shows in Germany and New Zealand?
Carl: Not to many differences come to mind. One massive thing is that being from NZ we didn’t have international acts coming through very often. If anything I would say the NZ audiences are more animated than their german counterparts basically because when a band is crazy enough to go down to NZ and play the Fans wanted to show them it was worth it! What was the most important reason for your singer to move to Europe and why did it have to be Berlin?
Carl: I moved here with a band from New Zealand. I certainly needed to get out of New Zealand and there were a number of options on the table whether it be New York, London, Tokyo or Berlin. Although there were positives and negatives to all these places I got out voted and came here. Best decision that was made for me ever. Are there any bands or certain people that helped you along during your career (e.g. taking you with them on tour)?
Freude: Sure, especially our manager Lars and our producer Chriz! These guys believed in us when nobody in Berlin would touch a rock band with a bargepole. And for a wonder they still do! Hopefully there will be a lot to follow, bands that take us on tour around this planet! Which one of you can handle the most amount of booze during and after a show?
Carl: That’s a competition that may have to be had at some point. Let’s see if a winner can be found. I certainly have my favorites and I don’t think I’m top of the list.
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Isaac Gracie hat sich mit seinem Debütalbum und Ohrwürmern wie „Last Words“ und „Terrified“ in die Gehörgänge der Indierock und -pop Fans gespielt. Sein erstes Album erhielt rundum gute Kritiken und seine Shows in England, Schottland und Irland waren mehr als gut besucht. Nun ist der 23-jährige Musiker zum ersten Mal in Deutschland unterwegs. MHQ-Redakteur Marc Brüser hatte die Möglichkeit mit ihm vor seinem Auftritt in Berlin zu sprechen.
Isaac, vielen Dank, dass du dir die Zeit genommen hast für dieses Interview. Du bist ja momentan ziemlich gut unterwegs. Kaum hast du deine Tour in Großbritannien beendet, musstest du in den Flieger nach Deutschland.
Isaac: Kein Problem, es ist ja noch ein wenig hin bis zur Show. Da kann ich so die Zeit gut überbrücken.
Du bist gerade in Berlin, spielst deine erste Headliner Show in der Stadt. Wie waren die bisherigen Gigs in Köln und München bis jetzt?
Isaac: Was mir als erstes aufgefallen ist, ist die Warmherzigkeit der Menschen hier. Ich wurde wirklich nett empfangen. Man hat auch gemerkt, dass die Leute alle mein Album gehört haben, so wie sie mitgesungen haben.
Gibt es besondere Unterschiede zwischen deutschen und britischen Fans?
Isaac: Nicht wirklich. Beide Fans sind bei den Shows bis jetzt gut mitgegangen.
Als gebürtiger Londoner hat dich bestimmt die Stadt und ihre vielen Musikszenen in deinen Songs beeinflusst. Kannst du mir dazu irgendetwas genaueres sagen?
Isaac: Also die Stadt hat mich in Dingen wie Songwriting gar nicht beeinflusst, muss ich sagen. Da ich in Ealing lebe, was im äußersten Westen liegt, war ich auch nicht wirklich in den „Szenevierteln“ unterwegs. Meine Songs haben andere Einflüsse.
Aber du hattest schon deinen ersten Auftritt in London oder?
Isaac: Doch. Der war in Shoreditch.
Wie hieß die Location?
Isaac: Zigfrid van Underbelly. Um ehrlich zu sein, der Auftritt war nicht sonderlich gut von mir. Ein paar Freunde und meine Familie waren da. Aber ich glaube am Ende war es noch ganz lustig, auch wenn ich mich nicht mehr wirklich dran erinnern kann. Ich war ziemlich betrunken. Der Erfolg kam aber nicht durch die Konzerte. Mich kannte ja keiner. Das war auch bei den Konzerten danach so.
Wenn die Stadt und die dortige Szene keinen sonderlichen Einfluss auf dich hatten und du auch nicht mit deinen Konzerten sehr erfolgreich warst, wie wurdest du dann entdeckt?
Isaac: Das war alles zufällig. Ich habe einen Song von mir auf SoundCloud hochgeladen und die Leute mochten ihn anscheinend. Ansonsten wäre ich ja nicht hier.
Welcher Song war das?
Isaac: „Last Words”. Der Song wurde halt hochgeladen und irgendwann kam wer auf mich zu. Das wars eigentlich.
Was deine Songs betrifft habe ich immer das Gefühl, dass du in einer Schwebe zwischen Glückseligkeit und verschiedenen Grautönen bist: Auf der einen Seite sind deine Songs eher leicht verpackt, viel Akustisches ist mit dabei. Auf der anderen Seite handeln deine Texte von Depression, Angstzuständen und vergangenen Beziehungen. Wie viel davon ist aus persönlicher Erfahrung entnommen und wie viel ist Fiktion bzw. einfaches Storytelling?
Isaac: Also ich muss sagen, dass es immer eine Art Mischung ist. Du schreibst schließlich als Musiker über deine persönlichen Erfahrungen und gerade, wenn es um Beziehungsenden geht, sind das nicht immer die schönsten Erinnerungen. Man muss sich dazu das Album als Ganzes anhören um eine wirkliche Vorstellung von mir zu bekommen.
Also würdest du keinen Song herausheben?
Isaac: Hm,…vielleicht „Silhouettes“. Oder „Last Words“. Oder nein, warte….ich kann mich echt nicht entscheiden. Aber ich bin einfach froh, dass meine Musik so einen Weg eingeschlagen hat. Und ich kann nur hoffen, dass es genau so weitergehen wird.
Vielen Dank fürs Interview!
Ein besonderer Dank geht auch an Jördis Lübke von Universal, die uns dieses Interview ermöglicht hat.
Das Marriott Hotel Berlin am Potsdamer Platz – Der Raum “Zürich Drei” im ersten Stockwerk des Hotels ist hergerichtet: Eine Kaffeemaschine steht für Journalisten bereit, Obst und Gemüse finden sich auf einer Schale an der Seite des großen Konferenzraumes wider. Mittendrin stehen sich schwarze, gemütliche Ledersessel gegenüber, die nur durch einen Designer-Glastisch voneinander getrennt werden. Die Atmosphäre wirkt so steril, so als wolle man jede Art von Unrat in diesem Etablissement vermeiden. Zach Blair, Gitarrist der Chicagoer Band Rise Against, stört das herzlich wenig.
Entspannt nippt er an seinem Starbucks-Kaffeebecher und blickt durch seine farblose Brille einem freundlich entgegen. Jeanshemd und -hose lassen ihn wie den CEO einer namhaften Werbeagentur wirken und nicht wie den Gitarristen einer Melodic Hardcore Band. Die Hater würden im ersten Moment “Sellout” schreien, aber die waren auch gestern nicht bei der Promo-Show im SO36 dabei, wo man dem Publikum in 90 Minuten keine Atempause gelassen hat. Die Männer aus Chicago liefern immer ab und sind eine willkommene Abwechslung in der ach so true-gehaltenen Punk-Community.
Wann war das letzte Mal, dass ihr so eine intime Show gespielt habt?
Zach: In Deutschland ist das echt lange her. Hier sind wir ja schließlich schon seit Jahren sehr erfolgreich unterwegs. Trotzdem habe ich es gestern geliebt und es erinnert einen immer daran, woher man kommt. Schließlich habe ich mehr kleine Shows gespielt, als solche Arenen-Dinger. Ich habe ja nichts anderes mit meinem Leben anfangen können, außer auf der Bühne zu stehen und Gitarre zu spielen. Aber gestern war es echt krass, vor allem wegen der stickigen Luft. Wusstest du, dass die Luft in europäischen Clubs anders ist, als zum Beispiel in den U.S.A.?
Nein, wusste ich nicht.
Zach: Die letzten Shows, an die ich mich erinnern kann, wo wir vor genau so viel Leuten gespielt haben waren in Polen und Tschechien. Genau so stickig, genau so heiß. Und gestern rann uns der Schweiß nur so von der Stirn, es hat gar nicht mehr aufgehört. Als ich zu Tim geschaut habe, sah es aus als ob er gerade eine Dusche genommen hätte. Normalerweise springe ich auch viel mehr auf der Bühne herum, aber das war gestern einfach nicht möglich.
Aber es ist auch euer Fehler, wenn ihr mit “Give It All” in den Abend startet.
Zach: Ich weiß, das war auch ein Fehler. Aber wir wollten eine ausbalancierte Setlist haben. Bald sind wir auf Tour mit den Deftones in Amerika und das werden dann wieder größere Shows, wo wir dann nicht die unbekannten Stücke wie “Everchanging” spielen können.
Sind deutsche Shows, auch hinsichtlich der Festivals, anders als in den Staaten?
Zach: Ja, teilweise. Gerade was die Liedauswahl angeht habe ich gemerkt, dass Leute schnell angepisst sind, wenn dieser und jene Song nicht gespielt wird….
Was spielst du momentan am liebsten live?
Zach: Momentan sind das die neuen Stücke aus unserem aktuellen Album “Wolves”. Es gibt halt teilweise Lieder, die wir in der Vergangenheit unfassbar oft gespielt haben, deshalb mag ich es, wenn wir auch mal ein bis zwei Songs austauschen.
Ihr habt zum Beispiel gestern nicht “Ready to Fall” gespielt.
Zach: Ja genau. Das ist halt einer dieser Songs, den wir rauf und runter gespielt haben. Wir haben zum Beispiel mal wieder “Architects” ausgepackt und uns auch bewusst dafür entschieden mindestens einen Song von jedem Album zu spielen. Normalerweise spielen wir von “The Unraveling” ausschließlich “Alive and Well” und es war cool einfach mal wieder etwas neues auszuprobieren. Das sind halt so Songs, die dann mehr für uns sind, als für den Großteil des Publikums. Da gibt es dann immer Kids, die uns angucken mit Gesichtern, die sagen: Was zur Hölle spielt ihr da eigentlich?
“Deutschland ist für manche Bands wichtiger als die USA”
Gestern durfte man auch drei Songs von eurem neuen Album hören. “The Violence”, “Welcome to the Breakdown” und “House On Fire”, die alle sehr melodisch klangen, aber zum Teil die Härte von früheren Alben vermissen ließen. Können diese drei Lieder repräsentativ für das neue Album genannt werden?
Zach: Ja, teilweise. Die Sache ist die, wir wollen die Leute nicht komplett nur neuen Kram präsentieren, deshalb werden wir wahrscheinlich bei drei Songs für den Anfang bleiben. Eventuell auch, wenn wir nach Deutschland zurückkommen. Wir integrieren unsere neuen Lieder immer erst langsam in unsere Shows ein. Ich hasse es selbst, wenn ich mir eine Band angucke und nur neue Lieder gespielt werden.
Wenn wir schon gerade von Shows in Deutschland sprechen: Hast du an irgendwelche Auftritte besondere Erinnerungen?
Zach: Rock am Ring und Rock im Park 2010 werde ich niemals vergessen. Es müssen gefühlt 100.000 Leute da gewesen sein, die gekommen waren um sich vier Typen auf der Bühne anzugucken. Und Rammstein natürlich, vor denen wir gespielt haben. Aber dieser Moment hat mich komplett übermannt. Es war einfach überwältigend in diesem strömenden Regen zu stehen und auf all diese Menschen zu blicken. Wie gesagt, diesen Moment werde ich glaube ich niemals vergessen. Und dann waren da noch diese riesigen Leinwände. Aber um das alles nochmal zusammenzufassen: Deutschland ist so ein unglaublich wichtiger Faktor für amerikanische Band. Teilweise sogar noch wichtiger als in den USA. Weißt du, ich komme aus Austin, Texas und kenne Bands aus meiner Heimat, die hier in Deutschland etwas aufgebaut haben, während sie zuhause immer noch in den verdammten Bars spielen. Die Leute hier haben manchen Bands erst richtige Karrieren ermöglicht.
Kannst du dich an eine deutsche Band erinnern, welche dir während deiner Karriere ausgeholfen hat?
Zach: Ich habe in den 90-ern in einer Band namens Hagfish gespielt. Und – ich spreche den Namen jetzt bestimmt falsch aus – die Arzte? Ärzte! Die haben mich damals mit auf Tour in Deutschland genommen. Die toten Hosen waren auch an uns dran, aber es wurden dann die Ärzte. Uns ist erst später aufgefallen, dass die beiden mit die größten deutschen Bands überhaupt waren und sind. Und wir hatten keine Ahnung von diesen Typen und was das überhaupt für eine riesige Möglichkeit für uns war. Ich habe sie dann vor einigen Jahren auf einem Festival wiedergesehen und sie konnten sich sogar noch an mich erinnern. Das war echt witzig.
Wie bist du eigentlich in Kontakt mit Rise Against getreten? Du bist ja erst 2006 zur Band dazugestoßen.
Zach: Ja genau, ich bin seit der Tour von “Sufferer & the Witness” dabei. Es ist eine langweilige Story eigentlich. Wir haben uns über Fat Wreck Records kennen gelernt. Ich war damals bei einer anderen Band und wir sind mit Rise Against zur damaligen Zeit viel am Touren gewesen. Wir kamen von Anfang an gut miteinander aus, hatten gleiche Interessen im Bereich Musik usw. Und schon dort wurde ich gefragt, ob ich der Band nicht beitreten wollen würde. Doch ich bin bei meiner alten geblieben, auch aus dem Grund weil ich sie nicht sitzen lassen wollte. Verstehe mich nicht falsch, ich habe die Band von Anfang an geliebt. Aber zu der Zeit war es einfach nicht das Richtige. Zum Glück hatte ich dann anderthalb Jahre später noch einmal die Chance und die habe ich dann genutzt.
“Ich würde den Leuten Survive als ersten Song empfehlen.”
Die letzten Anschläge mit terroristischen Hintergrund bei Konzerten haben momentan erhebliche Auswirkungen auf die Festivallandschaft in Deutschland. Rock am Ring hat beispielsweise ihre Regeln verschärft und sowohl Rucksäcke, als auch Tetrapackflaschen auf dem gesamten Festivalgelände verboten. Es wird ja immer davon geredet, man solle den Terror nicht in die Köpfe der Menschen einlassen, aber das sind ja genau Anhaltspunkte, die unsere Freiheit als Musikliebhaber auf Festivals einschränken. Wie denkst du persönlich darüber?
Zach: Bedauerlicherweise sind das notwendige Maßnahmen, die ergriffen werden müssen um die Sicherheit der Menschen vor Ort zu gewährleisten. Wir haben es ja beispielsweise im Bataclan bei den Eagles of Death Metal gesehen. Du hast eine Menge Leute in einem kleinen Areal, daher muss etwas passieren. Es erhöht natürlich die Überwachung und es wird weniger lustig, aber dasselbe hast du ja auch bei Flughäfen. Ich bin klar dafür, da ich niemals die Situation erleben möchte, wo ein Fan deswegen verletzt wird, weil er eines unserer Konzerte besucht hat.
Ist irgendetwas in dieser Art bei euren Shows schon mal passiert?
Zach: Nichts in diesem Ausmaß. Klar, gab es hier und da mal Unfälle. Ich kann mich erinnern, dass wir einmal unsere Show stoppen mussten, weil jemand von den Schultern einer anderen Person nach hinten gefallen ist und sich den Kopf brutal angeschlagen hatte. Solche Unfälle passieren. Das Schlimmste, was ich erlebt habe war ein ein Jugendlicher bei einer Show meiner alten Band in Wilkes-Barre, Pennsylvania. Der Junge stand in der ersten Reihe und hatte einen Anfall und ist gestorben. Das war ein wirklich hartes Erlebnis.
Haben wir noch etwas Zeit? So möchte ich das Interview auf keinen Fall beenden.
Zach: Sicherlich.
Welchen Song würdest du einer Band empfehlen, die dich noch nie gehört hat?
Gute Frage. Hm, ich weiß nicht. Wahrscheinlich wäre es “Survive” von “Sufferer & The Witness”. Der Song und das Album repräsentieren die Band am Besten. Von vielen war es auch der erste Song, den sie je von Rise Against gehört haben.
Von mir war es auch der erste Song. Der war damals auf dem Soundtrack von “Smack Down! vs. Raw” vertreten, glaube ich.
Zach: Ja, das habe ich schon von vielen gehört.
Das ist auf jeden Fall ein besseres Schlusswort. Vielen Dank für das Interview.
Ein großer Dank geht an Jördis Lübke von Universal, die uns dieses Interview ermöglicht hat.
Es riecht nach Kerzen und Lavendel, als man den Rückzugsort von Taylor Momsen, ihres Zeichens ehemalige Schauspielerin in der Teenie-Serie Gossip Girl und Frontfrau der New Yorker Rockband The Pretty Reckless, betritt. Kerzenständer sorgen neben Neonröhren und Notausgangsschildern wenigstens für etwas gemütliche Atmosphäre. Das Einzige, was an Musik erinnert, ist eine alte Gibson-Gitarre, angelehnt an einer kahlen Wand, jedoch stets griffbereit und in Reichweite für jede neue Idee, welche die 23-jährige in ihrem Hirn ausmartert. Mit Sonnenbrille vor den Augen und in einer abgewetzten Lederjacke begrüßt uns eine zierliche, aber doch ziemlich ermattete Sängerin zu einem Interview kurz vor ihrer Show im Gloria, Köln.
Photo Credit: Rainer Keuenhof
Als ich eben draußen gewartet habe, erzählten mir ein paar Jugendliche, dass sie seit dem Frühen Nachmittag bereits da sind. Es ist immer wieder interessant zu sehen, was Fans für ihre Künstler aufnehmen, obwohl in diesem Fall, die Kinder locker später hätten kommen können und es trotzdem in die ersten Reihen geschafft hätten. Wann war das erste Mal, dass du so etwas miterlebt hast?
Taylor: Das war von Anfang an so. Bereits als wir zum ersten Mal in Europa waren, habe ich so etwas mitbekommen. Es ist immer noch eine unvorstellbare Vorstellung für mich und sehe das als keine Selbstverständlichkeit. Das war damals wie heute nicht anders, wo es besser denn je läuft. So gut?
Taylor: Ja, die jetzige Tour ist einfach großartig. Vor allem, dass noch niemand krank geworden ist. Darüber hinaus haben wir endlich genug an Songrepertoire, dass wir die Setlisten unserer Shows variieren können.
Welche Songs spielst du am liebsten aus diesem Repertoire live?
Taylor: Das ist jede Nacht unterschiedlich. Vieles geht da auch über die Fans: Je nachdem, welcher Song wie stark abgefeiert wird, ist auch wichtig für mein Wohlbefinden. Es ist teilweise echt schwierig geworden, sich zwischen den Liedern zu entscheiden. Und die Leute kann man hierbei leider nur äußerst schwer mit entscheiden lassen, weil diese sich einfach dann eben mal alle Lieder wünschen, die wir zur Verfügung haben. Nur leider können wir nicht drei Alben und zwei EPs an einem Abend spielen. Früher war das noch etwas leichter
Hast du besondere Erinnerungen an frühere Shows in Deutschland im Speziellen?
Taylor: Was ich auf keinen Fall vergessen werde, war unser erster Auftritt bei Rock am Ring und Rock im Park. Wir haben dort jetzt schon einige Male gespielt, aber als wir das erste Mal dort waren hat es uns einfach umgehauen,
Wie viele Leute waren da?
Taylor: Keine Ahnung, ehrlich. Aber es war eine ganze Menge. Das eigentlich Krasse daran war, dass wir so eine gigantische Menge an Menschen noch nicht in Europa gewohnt waren. Damit hatten wir nicht gerechnet und deshalb war das auch so etwas Besonderes für mich.
Da du ursprünglich aus dem Schauspiel kommst: Gibt es große Unterschiede hinsichtlich der Präsenz auf der Bühne, wenn du sie mit deiner Anfangszeit vergleichst, als du dich selbst vor der Kamera präsentieren musstest?
Taylor: Oh ja, da gibt es große Unterschiede. Zuerst muss ich dazu nochmal erwähnen, dass ich nicht mehr als Schauspielerin aktiv bin. Die Zeit gehört der Vergangenheit an.
Warum das?
Taylor: Weil Musik meine große Leidenschaft von Anfang an war und ich die Schauspielerei so lange nur machen wollte, bis ich alt genug war, meine eigenen Entscheidungen zu treffen. Alles andere war nur ein Job. Zu deiner Frage: Du redest vor der Kamera mit den Worten eines anderen. Du präsentierst dich als wer anders. Du bist auch jemand anders, nämlich die Rolle, für die du vorgesehen bist. Auf der Bühne, vor der Menge – da sind es meine Worte, es ist meine Musik und mein Leben. Dort präsentiere ich mich selbst und nicht wer anders. Und das ist ein gewaltiger Unterschied. Bei der Musik ist kein Charakter involviert.
Wir bedanken uns bei Dave von Oktober Promotion, der uns dieses Interview ermöglicht hat und bei Ulf Bellmann von Medialuchs für die nette Betreuung vor Ort.
Am 27.03.2016 gaben sich Enter Shikari zusammen mit Modestep und Hacktivist die Ehre im Kölner E-Werk und wir hatten die Möglichkeit Enter Shikaris Sänger Rou Reynolds und Gitarrist Rory Clewlow für ein Interview zu treffen und über ihr Tourleben zu sprechen. Beginnen wir vorne.
Nach einer durchzechten Nacht macht man sich auf in die Bahn um zum Interviewtermin zu fahren, schaltet das Handy ein und wird vom Tourmanager gefragt ob man nicht zwei Stunden später kommen könne. Gesagt, getan. Angekommen wird man freundlich von Tourmanager Keith empfangen und in den Backstage geleitet. Kaffee und Obst gibt es auch für die Presse gratis, man fühlt sich wie im Paradies. Nach weiteren 1 ½ Stunden Wartezeit ist es dann soweit: Man wird ins Produktionsbüro gerufen und wenig später treten Sänger Rou und Gitarrist Rory in den Raum.
Hey. Frohe Ostern zunächst mal. Wie geht es euch?
Rou:“Hey. Danke, gut. Das Catering hier ist wirklich sehr gut.“ (lautes Lachen) Rory:“Hey. Gut, danke.“
Ich habe euch letztes in der Live Music Hall hier gesehen, da war es die Mindsweep Tour. Die ist es immer noch. Seid ihr seitdem ununterbrochen unterwegs?
Rory:“Wir haben seitdem „The Mindsweep“ erschienen ist jede Tour so genannt. Es kommt darauf an wie man eine Tour definiert. Es fühlt sich manchmal so an als wäre unser ganzes Leben eine Tour.“
Wie viele Monate seit ihr im Jahr so auf Tour, kann man das sagen?
Rory:“Ich würde wahrscheinlich sagen… so… über die Hälfte unseres Lebens.“ (Gelächter) Rou:“Über die Hälfte unseres Lebens?!“ (Gelächter wird lauter) Rory:“Nein, so acht bis neun Monate sind es aber oft im Jahr.“
Und gefällt euch dieses Leben immer noch?
Rory:“Ja auf jeden Fall. Immer wenn man mehr als zwei Monate zu Hause ist hat man wirklich das Gefühl „Oh, du bist echt zu Hause und nicht unterwegs, Wow!“. Aber ja, wir lieben es zu touren.“
Wie schafft ihr es bei dem Pensum an Tour noch eure Alben aufzunehmen oder zu proben?
Rory:“Mittlerweile sind die Technologien so gut, dass man unterwegs wirklich gute Demos aufnehmen kann. Für The Mindsweep zum Beispiel haben wir im Studio nur einen Monat gebraucht.“
Also nehmt ihr im Prinzip alles schon im Bus auf und wendet somit wenig Zeit im Studio auf?
Rory:“Wir gehen ins Studio und nehmen die Sachen von der Demo dann eins zu eins auf. Part für Part. Manche Parts lassen wir auch so wie wir sie unterwegs aufgenommen haben. Für „A Flash Flood Of Colour“ zum Beispiel haben wir im Hotel ein Türschlagen und ein Klopfen genommen welches dann zum Percussion auf dem Demo wurde.“
Wie handhabt ihr es mit proben vor der Tour?
Rory:“Normalerweise sind wir nicht oft im Proberaum. Wir nehmen Sachen auf, schicken sie uns per E-Mail und…“
Rou:“…sind normalerweise so eine Woche für die Tour am proben. Heute geht viel elektronisch, sodass wir uns dann auf die Show im Raum konzentrieren können.“
Letzte Woche haben wir uns Hacktivist im Luxor, einem kleinen Club in Köln, angesehen…
Rory:“…zu der Show wäre ich zu gerne auch gegangen!“ (Rou schmunzelt, Rory und wir lachen)
…wie kommt es dass ihr gerade mit Hacktivist und Modestep auf Tour seid? Ihr seid ja schon recht unterschiedlich.
Rory:“Ich bin jetzt seit ein paar Jahren mit Kyle, dem Gitarristen von Modestep, befreundet und ja… ich weiß nicht. Rou…“ (sieht Rou an)
Rou:“…wir haben ein paar Festivals zusammen gespielt und mischen ja auch beide unterschiedliche Musikstile. Deshalb hatten auf Festivals auch oft die gleichen Fangruppen bei unseren Auftritten. Ich denke von der Seite aus hat es dann einfach gut gepasst.“
Ihr wart ja jetzt schon einige Male in Köln. Gibt es besondere Erinnerungen an diese Stadt?
Rory:“Hmmm. Es ist schon schwer für uns sich daran zu erinnern wo wir gestern waren.“ (lautes Lachen)
Oder generell lustige oder merkwürdige Sachen die auf Tour passiert sind?
Rou:“Ehm, merkwürdige Sachen. Hmmm…“
Rory:“Gestern hatte ich gegen 18 Uhr Abendessen und um 21 Uhr haben wir unsere Show gespielt. Komischerweise war es danach absolut nicht mehr möglich etwas zu essen aufzutreiben, ich hatte aber Hunger. Also trank ich stattdessen Bier…“
Gute Idee! (alle lachen)
Rory:“…und heute Morgen bin ich dann mit der Nase zuerst auf dem Boden vom Tourbus aufgewacht. Kein Wunder, ich war hungrig und habe die ganze Zeit getrunken, hatte also auch ziemlich schnell einen im Tee. Ich wachte auf und dachte „OH“. Schlecht fühlte ich mich nicht, ich hatte einen echt tiefen Schlaf.“
Also war es eher lustiger für alle die dabei waren als für dich…
Rory:“Hahaha, ja schon.“
Okay, das war der lustige Abschluss den ich mir erhofft hatte (Rory grinst und nickt). Ich danke euch für das Interview und wünsche euch viel Spaß bei der Show heute Abend und auf der restlichen Tour.
Rou:“Dankeschön. Ich hoffe dir gefällt die Show heute!“
Rory:“Danke. Bis Bald.“
Beim Verlassen des Backstage bietet uns Rory noch einen Kaffee an und bekommt nebenbei von einem Bandmitglied erzählt, dass er bald heiraten wird nachdem er seine Freundin die Woche zuvor in Paris gefragt hatte. Natürlich auch auf Tour.
MHQ-Redakteur hatte die Möglichkeit Chuck Ragan, Folk-Sänger und Frontmann der großartigen Band Hot Water Music, im Rahmen seiner Tour im Münsteraner Skaters Palace zu interviewen.
Hallo Chuck, schön dich wieder zu sehen. Münster ist heute dein drittletzter Stop auf deiner Europatour. Wie war die Atmosphäre bei den bisherigen Konzerten? Frankfurt scheint ja richtig gut gewesen zu sein, was man von deinen Accounts in den sozialen Netzwerken entnehmen kann.
Chuck: Ich sag dir was, alle Shows waren richtig gut. Ich schreibe jetzt nicht über jede Show, aber alle Konzerte waren wirklich einmalig. Es freut mich außerdem zu sehen, dass die Gigs von der Zuschauermenge her deutlich gewachsen sind. Wir sind alle sehr glücklich darüber und genießen jeden Moment auf Tour. Sie geben uns wirklich das Gefühl, dass wir hier zu Hause sind.
Wie wichtig ist der deutsche Musikmarkt für dich geworden? Man hat das Gefühl, dass du mehr in Deutschland als in den U.S.A. unterwegs bist.
Chuck: Das Gefühl täuscht nicht. Es ist tatsächlich so, dass Shows in Deutschland besser besucht sind als die Konzerte in Amerika.
Das hätte ich jetzt nicht erwartet, dass ein Land wie Deutschland mehr Leute zieht als dein Heimatland.
Chuck: Ich mein, es gibt eine Plätze in den U.S.A. die vergleichbar von der Größe sind. Das sind aber wirklich eher die Ausnahmen.
Ich habe auf deiner Setlist gesehen, dass du einen neuen Songs in deinem Repertoire hast. Kannst du ein wenig darüber erzählen?
Chuck: Wir spielen sogar mehr als einen neuen Song live. All diese neuen Lieder gehören zu dem Soundtrack eines Videospiels. Die Instrumentals und Songs gehen mehr in die Richtung von “Covering Ground”.
Gut zu wissen, dass man nicht so lange auf neue Musik von dir warten muss
Chuck: Das Spiel heißt “Flame in the Flood”. Es handelt von einem jungen Mädchen in einem postapokalyptischen Zeitalter. Dort gibt es keine Infrastruktur mehr und sie muss in der Wildnis überleben, Feuer machen und auf einem Floß ihren Weg zurück nach Hause finden. Es wird diesen Sommer veröffentlicht und ist ein wundervolles Projekt. Ich freue mich sehr auf das Release.
Du scheinst in deinem Privatleben ja auch eher ein sehr naturverbundener Typ zu sein. Ich habe von mehreren Seiten gehört, dass du Jagen und Fischen gehst und sogar dein eigenes Gemüse anbaust. Inwiefern ist es für dich wichtig auch einfach mal abzuschalten? Schreibst du überhaupt Songs, während dieser Zeit?
Chuck: Ich schreibe ununterbrochen neue Musikstücke, egal ob ich zu Hause oder auf Tour bin. Heutzutage ist ja alles wesentlich leichter aufzunehmen. Du machst einmal Garage Band an und zack, kannst du deinen eigenen Song mal eben komponieren. Damals habe ich immer noch alles mit einem alten Kassettenrekorder aufgenommen. Es ist aber auch so, dass viele der Songs Fragmente bleiben. Manchmal läuft es aber auch wie in einem Fluss und ich habe innerhalb von einer Stunde ein komplettes Lied komponiert.
Was war der letzte Song, den du aufgenommen hast?
Chuck: Das war eines der Lieder von dem Videospiel. Dieses werden wir auch heute live spielen. Es heißt “Gathering Wood”. Der Song wurde drei Wochen vor Beginn der Tour fertig gestellt.
Ich habe vor ein paar Tagen die “20th Anniversary Collection” von Hot Water Music rezensiert und musste mich fragen, warum ihr diesen Geburtstag nicht größer gefeiert habt. Abgesehen von einer kleinen Tour durch die U.S.A. war nicht viel mehr von euch zu hören. Wie hat deine Solokarriere sich generell mit der Band vereinbaren lassen?
Chuck: Ich kann jetzt nur für mich sprechen: Ich habe selber Musik lange vor der Zeit mit den Jungs gemacht, das hat glaube ich mit 14 Jahren angefangen bei mir. Es war immer ich und meine Gitarre. Als das alles mit Hot Water Music begonnen hat, bekam die Band natürlich mehr Aufmerksamkeit als meine Soloprojekte. Trotzdem blieb ich auch immer Solokünstler. Mit der Zeit wurde es mir mit der Band aber einfach zu monoton, ich habe mich gefühlt wie eine verdammte Maschine.
War es so hart manchmal?
Chuck: Ja, auf jeden Fall. Irgendwann hatte ich genug und ich wollte wieder mich auf meine Wurzeln besinnen und unabhängiger werden. Wenn wir genau so weitergemacht hätten, würde es die Band ohnehin nicht mehr geben.
Wie haben es die anderen Mitglieder aufgenommen?
Chuck: Nicht gut, sie waren nicht glücklich mit meiner Entscheidung. Aber durch so etwas muss man halt durch. Da darf man keine Ausnahmen machen und muss sich auf seine Instinkte verlassen. Es hatte nichts mit ihnen zu tun, aber ich brauchte eine Veränderung.
Das letzte Mal als wir sprachen (Juni 2014), hatte ich dich zu einer neuen Revival Tour gefragt, die ja von vielen Fans sehnsüchtig erwartet wird. Gibt es dazu schon einen neuen Status?
Chuck: Die Revival Tour hat immer einen besonderen Platz in unserem Herzen und ist etwasm was wir absolut lieben. Ich weiß nicht, wann wir das nächste mal eine Revival Tour durch Europa machen, aber es wird bestimmt noch einmal eine geben.
Wir sind gespannt und danken dir für das Interview!
Ein großer Dank geht auch an Mirko von Uncle M, der uns dieses Interview ermöglicht hat!
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Nach dem Konzert im „Kleinen Klub“ am 14.10.2014 in Saarbrücken hat sich Ross Learmonth von Prime Circle spontan Zeit für ein kurzes Interview über das neue Album genommen
Die südafrikanische Band „Prime Circle“ gilt in ihrer Heimat als erfolgreichster Rock-Act in der Geschichte Südafrikas. Passend zum 6. Studioalbum, das am 13.06.14 erschienen ist, sind Prime Circle wieder auf Europa-Tournee um ihre neue CD „Let the night in“ am 14.10.14 in Saarbrücken zu präsentieren. Wir haben Frontsänger Ross Learmonth zum neuen Album befragt.
„Let the night in“ ist nun das sechste Album von euch. Wie lange habt ihr daran gearbeitet?
Ross: An manchen Songs habe ich schon seit vier Jahren gearbeitet. Anfangs war ich etwas verunsichert, den anderen aus der Band die Songs vorzustellen, da sie für mich doch recht persönlich sind. Als ich ihnen im Studio die Lieder präsentiert habe, waren die anderen begeistert und haben ihre Ideen mit einfließen lassen. Da die Endresultate fantastisch geworden sind und wir die Songs sehr mögen, haben wir beschlossen, diese für das Album aufzunehmen.
Welche Bedeutung hat der Name eures Albums „Let the night in“?
Ross: Wir haben 1½ Monate in den „SABC South African Broadcasting Studios“ verbracht , was für uns eine tolle Zeit war, in der wir viel gelacht haben. An den Wänden hingen Bilder von Bruce Lee. Diese Bilder haben uns bei der Namensgebung inspiriert, denn mit einem „Schlag“ kann man zu dem werden, der man wirklich ist. „Let the night in“, bedeutet beispielsweise, dass die Menschen ihre Arbeitskleidung ablegen und danach zu den Menschen werden, die sie wirklich sind und niemandem etwas vorspielen müssen.
Ihr habt mit eurem neuem Album sehr überrascht. Es ist anders, als die letzten Alben. Mir ist beispielsweise der neue „elektronische Sound“ aufgefallen. Was war der Grund etwas Neues in dieser Richtung auszuprobieren?
Ross: Unser Motto ist „immer anders zu sein“, was auch für die Zukunft gilt. So können wir ständig mit etwas Neuem überraschen. Bei uns kann man nie sicher sein, was kommt. Vielleicht werden wir irgendwann auch einmal ein extremes Metal-Album aufnehmen. Auf dem neuen Album gibt es neue Elemente, da wir unseren Keyboarder einmal nach vorne stellen möchten, da er sonst musikalisch meistens im Hintergrund steht. Dieses Mal konnte er viele neue Sounds ausprobieren und seiner Kreativität freien Lauf lassen. Außerdem spielen Gefühle eine große Rolle auf diesem Album.
Du hast gesagt, dass es ein persönliches Album für dich ist. Was sind deine Lieblingslieder und warum?
Ross: Ich liebe das ganze Album, es ist schwierig für mich einen Lieblingssong auszuwählen. Ein wichtiges Lied für mich ist definitiv „My City“. Ich komme aus einem kleinen Dorf und ich bin umgezogen in eine große Stadt – Johannesburg – und da gab es viele unheimliche Plätze. Die Leute sollen dieses Lied als „ihren Song“ verstehen, denn es geht nicht nur um eine Stadt, es könnte sich neben Johannesburg auch um Berlin oder Saarbrücken oder irgendeine andere Stadt handeln – um einen Ort, an dem man lebt, an den man denkt. Passend zu „My City“ ist für mich das Lied „Not alone“. Es geht darin um die Angst vor Einsamkeit, aber diese Angst ist Unsinn, weil man immer irgendwo dazugehört.
Ihr tourt momentan durch Europa und auch durch Südafrika. Was sind eure Pläne danach?
Ross: Erstmal genießen wir es unser Album in Europa vorzustellen und zu sehen, dass immer mehr Leute zu unseren Konzerten kommen. In Berlin und vielen anderen Orten war es ausverkauft. Als wir hier das erste Mal vor zwei Jahren in Saarbrücken gespielt haben, sind nur fünfzehn Leute erschienen. Heute waren über Hundert da. Wir freuen uns darüber, dass wir hier in Europa immer bekannter werden und das ist ein großer Schritt für die Band. Möglicherweise können wir in einem oder zwei Jahren noch mehr Konzerte in Europa geben. Es wird auch ständig an neuen Songs geschrieben, egal wo wir gerade sind. Wir können nicht aufhören an neuen Dingen zu arbeiten. In Zukunft werden wir noch mit vielen verrückten Dingen überraschen, vielleicht bieten wir auch einige „Open house“ Veranstaltungen und mehr Akustik-Versionen an.
Im Backstage-Bereich habe ich Neil Breytenbach und Dirk Bischoff noch eine unmusikalische, aber praktische Frage gestellt.
Ihr seid mit einem Tourbus unterwegs und schlaft dementsprechend auch darin. Wie ist es für euch auf so engem Raum zu leben und auf Tour zu sein?
Neil/Dirk: Es ist in Ordnung. Wir haben damit keine Probleme. Für uns ist es einfach toll auf Tour zu sein, denn Musik ist unsere „Passion“. Wir lieben, was wir tun und das können wir nicht nur in Afrika, sondern nun auch in vielen Städten Europas zeigen!
Warum bin ich von dieser Antwort nicht überrascht?! Vielen Dank für eure Offenheit!
Ihr erstes, 1997 aufgenommenes Album benannten die Beatsteaks noch nach der Hausnummer ihres Proberaums, 48/49. Inzwischen gehört das Quintett aus Berlin zu den prominentesten Punkrockkapellen des Landes. Im August erschien ihr neues und schlicht “Beatsteaks” betiteltes siebtes Werk. Ab November lassen sie es dann auf der “Creep Magnet”-Tour wieder so richtig krachen.
Getreu dem Motto “Nach der Tour ist vor der Tour” ließen sie es sich nicht nehmen, vor der großen Hallentour noch ein paar Clubs zu zerlegen. Am Vortag ihres Auftritts im Kölner Gloria Theater traf sich Musicheadquarter-Chefredakteur Thomas Kröll mit Torsten Scholz zum Interview. Wie immer allerbester Laune und frei Schnauze erzählt der Beatsteaks-Bassist darin ausführlich über 20 Jahre Beatsteaks, seine besondere Beziehung zu Köln, typische Tourtage, den “Rockstar-Rummel”, darüber, welche Frage er sich selbst nicht stellen würde und über’s Wäsche waschen, Klo schrubben und Staubsaugen.
Ihr habt euch 1995 gegründet. Demnach steht im kommenden Jahr euer 20-jähriges Bandjubiläum an. Gibt es schon konkrete Pläne, wie ihr das feiern wollt?
Torsten Scholz: Ja, wir haben Pläne. Und ja, wir wollen es feiern. Glaube ich jedenfalls. Es gibt auch schon Pläne, die relativ konkret werden, nur sind die halt wirklich noch nicht so ausformuliert, dass ich jetzt sagen kann, wir spielen dann und dann und dort und dort. Wir werden auf alle Fälle einige große Sachen spielen, wo der Fokus ganz eindeutig auf diesen zwanzig Jahren ist. Und ich glaube am Ende wird das ganze Jahr so ein bißchen unter dem Deckmantel des 20-jährigen Jubiläums sein. Was man da genau macht, ob man jetzt zum Beispiel mal alle seine Platten spielt, muss man sehen. Ich muss auch gleich, wenn wir hier fertig sind, an meinen Computer, weil ich mit einem Typen noch was wegen einem Poster checken muss.
Euer aktuelles selbstbetiteltes Album schoss im August auf Platz 1 der deutschen Charts. Zur Zeit seid ihr auf “Club Magnet”-Clubtour, unmittelbar danach folgt die große “Creep Magnet” Hallentournee. Viele Konzerte sind bereits jetzt restlos ausverkauft. Hättet ihr euch vor zwanzig Jahren einen solch überwältigenden Erfolg träumen lassen?
Torsten Scholz: Vor zwanzig Jahren wusste ich nicht mal, dass es diese Band gibt. Ich bin ja erst seit 1999 dabei. Selbst als es dann langsam losging und das erste Video kam, wir zum ersten Mal im Radio gespielt wurden, war man natürlich weit weg davon zu überlegen, dass man mal im Palladium oder in der Wuhlheide oder in der Westfalenhalle spielt. Das ist aber auch gut so, finde ich. Das war immer so: Oh geil, wir können im Underground spielen. Underground ist ausverkauft. Wir spielen jetzt im E-Werk oder im Gloria. Dann ging’s sogar los, dass wir überlegt haben: In der Kölnarena? Nee, nee, auf keinen Fall, lieber nicht. Dann lieber zweimal Palladium. Das waren immer so diese kleinen Schritte. Dabei hatte man, wenn man den einen gemacht hat, den nächsten nicht wirklich vor Augen. Da war immer nur der Fokus: Ey, das Underground ist ausverkauft. Wieviel passen da rein? 300? Hammer! War ausverkauft. Das haben wir zweimal gemacht und grandiose Konzerte gespielt. Das ist wichtig gewesen, dass man diese kleinen Dinger immer vor Augen hatte. Es war immer alles überraschend für uns.
Die Kölnarena hat auch eine beschissene Akustik.
Torsten Scholz: Das war mit ein Grund. Und dann ist die auch sehr groß. Und ich finde, man muss es auch nicht übertreiben.
Morgen spielt ihr ja wieder mal hier im Gloria und dann am 18. und 19. November noch zweimal im Palladium. Es scheint fast so, als hättet ihr eine kleine Liebesbeziehung zu Köln entwickelt. Kann das sein?
Torsten Scholz: Ja, mit Köln läuft gut. Also mit Dortmund läuft es gerade nicht so gut, da könnten noch ein paar Leute mehr in die Westfalenhalle kommen. Ich kenne in Köln auch eine Menge Läden. Ein paar davon gibt es glaube ich schon gar nicht mehr. Gebäude 9 oder Live Music Hall zum Beispiel.
Die gibt es auf jeden Fall noch. Die Live Music Hall finde ich persönlich aber kacke.
Torsten Scholz: Also, wir haben bis jetzt in fast jedem Kackladen hier in der Stadt gespielt und danach auch oft noch in Köln gefeiert. Dann war hier teilweise natürlich auch das Musikfernsehen. Hamburg, München, Köln, Berlin… das sind ja die Städte, wo man immer so die ersten Touren macht, wo jede Band anhält und wo die Leute auch sehr verwöhnt sind. Aber obwohl hier irgendwie alle Bands spielen, sind die Leute nicht satt. Die Mentalität ist super. Wir haben hier auch mal eine Platte aufgenommen. Nette Leute halt. Du bist auch Kölner, wa?
Im Herzen definitiv. Meine Freundin wohnt in Köln. Ich wohne nicht in Köln, bin aber natürlich häufig hier. Ich finde die Stadt grossartig.
Torsten Scholz: Ja, die ist toll. Ich mag Köln komischerweise auch mehr als Hamburg. So vom Bauchgefühl. Aber es ist einfach immer gut gelaufen hier. Hier hat man auch ganz einfach den gesunden Weg gemacht. Und das war immer cool.
“Wir sind ja weit davon entfernt berühmt zu sein”
Du hast ja eben schon gesagt, dass du seit 1999 in der Band bist. Das sind ja immerhin auch schon fünfzehn Jahre. Wenn man mit den anderen Jungs über einen so langen Zeitraum zusammen arbeitet, dann geht man sich doch zwischendurch auch sicher mal tierisch auf den Keks, oder?
Torsten Scholz (grinst): Aber hallo! Richtig doll auf den Sack geht man sich sogar. Aber es ist ein bißchen so wie eine Liebesbeziehung, wie eine Ehe. Ich bin quasi mit vier Typen liiert und muss mich da immer mit allen arrangieren. Das Gute ist, dass man halt älter wird. Man wird erwachsen irgendwann. Hat dann selber Kinder zuhause und weiß, dass es halt wichtig ist über die Probleme, die man hat oder mit sich trägt, zu reden. Dann löst sich das alles. Wenn man das nicht macht, so wie früher und ein paar Sachen in sich reinfrisst und sich anblökt, dann war’s doof. Aber jetzt nervt es manchmal auch noch. Wenn zum Beispiel einer nicht weiß, wann Schluß ist. Aber das ist dann meist immer sehr, sehr humorvoll. Und wenn es wirklich ernsthaft mal nervt oder irgendein Furz quersitzt, dann schnappt man sich den Typen, redet und dann ist eigentlich alles wieder gut. Am Ende muss man wirklich sagen: Das scheint ja schon ganz gut zu funktionieren. Wenn da irgendeine Konstellation in irgendeiner Art und Weise nicht klappen würde, dann würde man nicht fünfzehn Jahre lang zusammenhocken. Wir sind ja jetzt auf der Tour die ganze Zeit zusammen. Da muss ja schon chemisch irgendwas da sein, dass man zusammenpasst. Und das ist offensichtlich gegeben.
Du hast es selbst erwähnt. Ihr habt Familie, Kinder und seid erwachsen geworden. Hilft euch das auch ein bißchen bei diesem ganzen “Rockstar-Rummel” auf dem Boden zu bleiben? Werdet ihr dadurch geerdet?
Torsten Scholz: Ich finde ja überhaupt nicht, dass es irgendeinen “Rockstar-Rummel” gibt. Klar ist das hier eine relativ große Suite, aber hier wohnt ja auch unser Tourmanager. Ich hab ein ganz normales Zimmer, was ich mir auch noch mit unserem Soundmann teile (lacht). Wir sind ja so weit davon entfernt Rockstars zu sein. Wir haben uns letztens eine Doku über Aerosmith angeguckt. Weißte, das sind halt Rockstars. Es gibt selbst in unserem Land noch tausende Leute, die richtig berühmt sind. Und wir sind ja weit davon entfernt berühmt zu sein. Deswegen muss ich auch gar nicht groß geerdet werden. Ich empfinde es sogar manchmal als ziemlich anstrengend. Wenn ich jetzt nächste Woche wieder nach Hause komme, bringe ich am Freitag erstmal meine Tochter in die Schule und stehe um 6 auf. Das geht mir eigentlich eher auf den Sack. Ich muss nicht geerdet werden. Ich mache dann meine Wäsche zuhause, ich schrubbe das Klo, ich sauge Staub. Es ist halt toll, dass ich meine Tochter dann wiedersehe, ich fahre mit meinem Renault Kangoo einkaufen und daran ist überhaupt nix Rockstarmäßiges.
Naja, hierzulande seid ihr ja schon eine große Band. In Luxemburg, Österreich und der Schweiz auch. Meine Freundin hat euch sogar schon mal in Budapest gesehen.
Torsten Scholz: Ach echt, ja? In so einem kleinen Club. Ewig her. Das war auch toll da. Europa müssen wir auch mal wieder machen. Gute Idee (lacht)!
Ihr seid ja schon mit einigen geilen Bands getourt. Bad Religion, Die Ärzte, Donots, Die Toten Hosen… gibt es noch eine Band oder einen Künstler, mit dem ihr unbedingt gerne mal zusammen auf der Bühne stehen würdet?
Torsten Scholz: Also mein Traum ist vor ein paar Jahren in Erfüllung gegangen. Wir haben in Lugano in der Schweiz mal mit den Beastie Boys gespielt. Das war grandios. Da muss eigentlich gar nicht mehr viel kommen. Natürlich glaube ich, wenn uns jetzt die Foo Fighters fragen würden, ob wir nicht mit denen durch England touren wollen, dann wäre man schön blöd zu sagen: Nee, machen wir nicht. Oder Queens Of The Stone Age. Ich persönlich höre ja kaum Rockmusik zuhause. Ich hab Rancid halt schon tausendmal live gesehen und finde die live nicht so geil, obwohl die grandiose Platten machen und eine super Punkrockband sind. Mit All haben wir schon gespielt, mit Descendents… da ist auch schon viel passiert in den letzten Jahren. Mein Soll-Haben-Ding ist eigentlich ausgeglichen.
“Helene Fischer findet man einfach kacke”
Wenn du sagst, dass du zuhause keinen Rock hörst, was hörst du dann?
Torsten Scholz: Ich höre eigentlich fast nur Rap. Und da ich immer noch relativ viel auflege in Berlin, ist das oft auch Musik, die im Club läuft. Es gibt auch Rockmusik, die ich gut finde und die mir gefällt, aber ich höre dann lieber Led Zeppelin I, II, III als irgendeine moderne Band. Bei Rock muss dann schon alles stimmen. Beim Rap reicht mir schon, wenn der Beat geil ist. Meine Schwelle zu sagen, das ist gut oder schlecht, ist viel niedriger bei Rapmusik. Deswegen macht das viel mehr Bock für mich und Sinn das zu hören. Es ist wie mit jeder Musik. Ich hocke oft bei einem Freund, der hört nur Black Metal und ich bin total begeistert, wenn ich da bin. Und zuhause höre ich am Ende sowieso nur Bibi Blocksberg (lacht). Mit Rock darfst du meiner Tochter gar nicht kommen. Da bist du gleich raus. Mach mal aus, Papa, das nervt! Mach lieber Cindy Lauper an!
Im Endeffekt ist das ja sowieso alles subjektiv. Entweder Musik gefällt oder eben nicht. Wenn du über Musik schreibst, kannst du ja eigentlich gar nicht sagen, ob das nun gut oder schlecht ist. Es ist letztlich immer nur deine persönliche Wahrnehmung.
Torsten Scholz: Ja, das ist aber eine gute Herangehensweise. Es gibt ja viele, die sich einfach anmaßen zu sagen, das ist schlecht oder das ist gut. Hat man selber ja auch. Helene Fischer findet man einfach kacke. Aber man könnte auch sagen, dass die am Ende ja auch singen kann. Die hat eine Musicalausbildung. Oder eine Band wie Revolverheld. Die gefällt mir jetzt nicht, aber es ist doch durchaus berechtigt, dass jemand sagt: Ja, mir gefallen die. Nur muss ich es ja nicht gut finden.
Stehst du lieber im Studio und feilst an neuen Songs oder auf der Bühne und lässt es krachen? Oder kann man das nicht miteinander vergleichen?
Torsten Scholz: Mir macht ganz eindeutig mehr das Livespielen Spass. Ich finde da wird auch gefeilt. Klar gibt es Konzerte, wo man denkt, mir kann gerade nichts passieren und ist das alles geil. Aber manchmal gibt es Songs, wo ich denke: Ach guck mal, wenn ich den so spiele, dann klingt’s ja so. Da ist dann auch noch sehr viel Musikalität mit drin. Im Studio ist es natürlich manchmal auch ganz schön diese Erlebnisse zu haben. Wenn du mit was kommst und jemand sagt das ist ja geil, dann freust du dich einfach. Grundsätzlich finde ich, ist das Touren und Livespielen das, was die Band am Leben hält.
Plötzlich klingelt es an der Zimmertür…
Torsten Scholz: Ich mache mal kurz auf. Ist ja keine Liveübertragung (lacht).
Die Zimmermädchen möchten das Hotelzimmer reinigen. Torsten Scholz komplimentiert sie auf seine eigene charmante und witzige Art hinaus und vertröstet sie auf später.
Nochmal zurück zur Tour. Wie sieht bei euch ein typischer Tourtag aus?
Torsten Scholz: Das kann ich dir ganz genau sagen. Meistens und je nachdem, wann man ins Bett gekommen ist, ist Aufstehen so gegen 10 oder 11. Wenn du um 11 aufstehst, bist du schon fast der Letzte. Dann gehe ich immer rennen für ne halbe Stunde oder Stunde. Danach mache ich Gymnastik mit Thomas (Götz, dem Beatsteaks-Schlagzeuger, Anmerkung der Redaktion), weil wir beide Rückenprobleme haben. Dann esse ich was, dann duscht man. Dann gibt es meistens so ein, zwei Stunden Ruhe bis zum Soundcheck. Da wird dann entweder mit der Ollen telefoniert oder ein Interview gemacht oder so Sachen. Dann ist Soundcheck um 4, der geht bis um halb 6. Dann ist Essen. Dann habe ich mich jetzt noch ein paarmal in den Bus gelegt und gepennt, weil wenn man um 10 oder 11 aufsteht, aber erst um 5 besoffen ins Bett gefallen ist, ist das meist zu wenig (grinst). Um 8 macht man sich fertig, guckt sich die Vorband ein bißchen an und trinkt das erste Bier. Um 9 geht man auf die Bühne bis um 11. Je nachdem wie das Konzert war, ist danach noch ein bißchen mehr oder weniger ernst diskutieren und unterhalten im Backstage angesagt. Oder es wird danach vor dem Bus rumgecornert. Und dann halt Bierchen, wa?! Leider danach nie wieder Tanz. Ich war auf der Tour jetzt noch nicht einmal tanzen, was ich ganz schlimm finde. Früher war immer Disco danach im Club und deshalb hatte ich mich auch so auf die Clubtour gefreut. Aber nix! Noch nicht einmal war eine scheiß Disco danach. Das sind aber auch ganz oft keine Clubs mehr, sondern so Kulturzentren. Letzter Ton, Bäm, Licht geht an und die Leute werden rausgefegt. Total ungemütlich. Das prangere ich total an. Also ich glaube morgen im Gloria wird’s halt so sein, dass danach nicht unbedingt der Riesentanz ist, aber da ist die Bar noch offen und es läuft noch ein bißchen Mucke. Also ich versacke in Berlin, wenn ich dann mal auf ein Konzert gehe, regelmäßig immer noch irgendwo am Tresen. Weil ich das total blöd finde. Du stehst da mit deinem halbvollen Bier, denkst was für ein geiles Konzert und musst dann direkt umschalten auf Jacke holen, anziehen und nach Hause.
“Die kleinen Brühbirnen hören jetzt mal eine Woche das und danach kommt die nächste Scheiße, die sie konsumieren”
Gab es auf der Clubtour bis jetzt irgendwelche lustigen oder besonderen Erlebnisse, Begegnungen, Ereignisse? Ich sehe dich ja immer auf Facebook, wo du deine Selfies postest mit dem jeweils besten Club der Welt.
Torsten Scholz: Genau. Glücklicherweise sind keine schlimmen Sachen passiert. Gestern im Bus haben wir uns mal wieder gegenseitig tätowiert. Wir machen das jetzt mittlerweile immer beim Fahren (zeigt ein Tattoo an seinem linken Unterarm). Deshalb sieht das auch ein bißchen asozial aus.
Ja, ist ein bißchen verwackelt.
Torsten Scholz: Ja, aber so soll’s auch sein (lacht). Gestern gab es halt mal wieder eine kleine Busparty, als wir von Dortmund nach Köln gefahren sind. Aber das ist alles relativ gesittet. Der Fokus ist immer das Konzert. Und das finde ich eigentlich auch ganz gut. Dass wir uns jetzt heißes Kerzenwachs über den nackten Oberkörper schütten wie vor Jahren… heute ist das alles relativ lahm. Oder normal. Klar wird Bier und auch mal ein Schnaps getrunken, aber das hält sich alles ganz doll im Rahmen. Wir nehmen die Sache glücklicherweise und manchmal auch leider sehr, sehr ernst. Deswegen steckst du da ganz viel Energie und Zeit rein. Party machst du immer nur, wenn dir alles scheißegal ist oder alles total super läuft. Und da gibt es noch genug Sachen, die halt verbesserungswürdig sind. Vom Club, von uns und so. Da ist es wichtiger sich darüber zu unterhalten als feiern zu gehen.
Wenn du zwanzig Termine am Stück spielst und jedesmal feiern gehst, dann bist du ja auch irgendwann durch.
Torsten Scholz: Eben, man muss ja auch die Kirche mal im Dorf lassen. Man ist ja auch keine 19 mehr.
Die Möglichkeiten, die das Internet bietet, haben die Musikszene in den letzten Jahrzehnten stark verändert. Du bist sehr aktiv auf Facebook, dann gibt es Spotify oder iTunes. U2 haben ihr neues Album gerade via iTunes verschenkt. Wird Musik dadurch nicht auch ein Stück weit abgewertet?
Torsten Scholz: Ja und nein. Die U2-Sache finde ich wirklich hochgradig gefährlich. Ungefragt Leuten deine Scheiße unterjubeln, das macht man einfach nicht. Ich finde, das war frech und überheblich. Man regt sich über die NSA auf und dann darf irgendjemand in mein Wohnzimmer gehen, in meinen Plattenschrank eine Platte reinstellen und wieder rausspazieren. Am Ende war es ja so. Und dann noch so ein Gutmenschenidiot wie Bono. Also die sind für mich durch. Mit dem anderen Ding gibt es immer so ein Für und Wider. Ich konsumiere auch Musik aus dem Internet. Ich gehe aber auch los und kaufe mir für 300 oder 400 Euro im Monat Schallplatten. Ich habe auch einen Spotify-Account, den ich aber bisher nur genutzt habe, um mir Beatsteaks-Sachen anzuhören, weil wir auf Tour waren und ich wissen wollte wie der Song geht. Ich finde es toll, dass es das alles gibt. Ich finde das auch gar nicht schlimm, dass es das alles gibt, bei so Leuten wie mir und wahrscheinlich wie dir, weil wir noch ein Bewußtsein dafür haben. Ich sehe Musik immer noch als Ware an, für die ich auch gerne bereit bin Geld zu bezahlen. Das machen bei uns alle. Ich finde es auch okay, wenn die Kids heute mit 13 oder 14 nur noch auf umsonst sind, weil am Ende hat’s die Industrie ja selber vergeigt. Die Leute sind ja bereit für Musik Geld auszugeben. Da ist nur kein Bewußtsein mehr da. Die sind dann teilweise nicht mehr in der Lage das zu abstrahieren. Das ist dann: Wieso? Musik ist umsonst, Alter. Das ist im Netz. Also, ob da die Eltern gepennt haben oder die Industrie oder die Plattenfirmen… da jetzt anzufangen mit dem Holzhammer zu argumentieren oder dem erhobenen Zeigefinger ist schwer. Man muss da bei sich selbst oder seinen Kids wieder so ein Bewußtsein entstehen lassen. Und es funktioniert ja auch, dass Schallplatten wieder so eine Art Revival haben. Wir haben zum Beispiel jetzt für die “Make A Wish”-Single eine Doppel-7″ gemacht. Bißchen Werbung zwischendurch. Haste gemerkt? Profimäßig (lacht). Wir mussten uns echt einen Termin bei dem Plattenpresswerk besorgen. Die Platte kam deshalb auch viel später als geplant, weil das Presswerk ausgebucht ist. Du kriegst keine Termine. Wir haben demnächst was vor, was wir pressen lassen wollen, aber 2014 gibt es keine Termine mehr. Alles voll. Es funktioniert also noch. Leute, die ernsthaft Musik hören und abseits von Helene Fischer und Justin Bieber sind, die gehen auch in den Plattenladen. Klar, warum soll ich mir von so einer Rotze wie Justin Bieber auch eine CD kaufen? Und die kleinen Brühbirnen hören jetzt mal eine Woche das und danach kommt die nächste Scheiße, die sie konsumieren. Meine Tochter ist 6 oder 7 und die hat ein Plattenregal. Da sind halt Märchenplatten drin, aber auch eine Cindy Lauper-Platte, eine Marteria-Platte und eine Peter Fox-Platte. Die hat sie sich selber ausgesucht. Dann kauft die Papa. Und die hat auch noch ihre Kassetten und CDs. Da gibt es halt eine Wahrnehmung. Es gibt Schallplatten im Hause Scholz.
Wenn man sich mal fragt, woran Musiker heutzutage überhaupt noch was verdienen, dann relativiert sich auch vieles finde ich.
Torsten Scholz: Wir haben durch Plattenverkäufe noch nie Geld verdient. Klar, Goldene Schallplatten. 100.000 Schallplatten, das sind am Ende 150.000 Euro, die bei einer Band hängenbleiben. Dann ziehst du die Steuer ab. 40 Prozent Höchststeuersatz. Bleiben am Ende 50.000 Euro. 50.000 Euro durch Fünf sind 10.000 Euro für die letzten zwei Jahre. Dann rechnest du das auf den Monat aus und dann habe ich vielleicht 800 Euro verdient. Von einer Band, die Goldene Schallplatten macht, Platz 1 in den LP-Charts und so weiter und so fort. Da ist doch klar, dass man sagt, die Band geht auf Tour, um Geld zu verdienen. Man verkauft Merch. Ah, der Merch ist cool. Die wollen immer noch 20 Euro für ein T-Shirt haben. Da kauf ich mir dann ein T-Shirt. Und wenn einer sich dann noch eine Konzertkarte gekauft hat und damit 50 Schlappen ausgegeben hat, dann soll er sich von mir aus auch die Platte irgendwo brennen. Kann man nicht verlangen, dass der sich jetzt auch noch die Platte kauft und am besten auch noch die Deluxe. Ist natürlich toll, wenn das jemand macht. Ich mache das auch. Aber wie du schon sagst, da muss man relativieren und gucken, wie weit kann man denn gehen.
Früher sind wir in den Plattenladen gegangen und haben uns eine Platte gekauft, nur weil uns das Cover gefallen hat. Für 15 Mark oder so.
Torsten Scholz: Genau, das hab ich auch gemacht. Dann bist du zum Konzert für 6 Mark und hast ein Bier gekauft für 1 Mark. Das T-Shirt hat 12 Mark gekostet (lacht). Jetzt kostet alles viermal so viel.
“Mich interessiert auch, wie eine Stewardess ihr Kind großzieht oder wenn jemand auf einer Ölbohrplattform arbeitet“
Bist du eigentlich noch nervös, bevor du auf die Bühne gehst?
Torsten Scholz: Total! Egal ob im Gloria oder im Palladium, ich mache mir immer in die Hosen. Ganz schlimm. Das ist bei uns allen so. Dabei haben wir schon mehr als zwanzig Konzerte gespielt (lacht). Wir wollen immer, dass das Konzert, das wir jetzt spielen, das beste Konzert aller Zeiten sein soll. Das klappt natürlich nicht immer. Logo. Und man muss auch einfach mal sagen: Manchmal ist es auch einfach ein Job, den man macht, aber in dem Augenblick, wo wir da stehen, ist der Anspruch so hoch. Es soll toll werden. Und ich weiß, wie toll die Beatsteaks sein können. Für mich, für die anderen vier und für die Leute. Man hofft, dass alle so richtig geil Bock haben. Die Leute zahlen 30 Euro, der Veranstalter hängt da mit Geld drin und mit Zeit, die stehen um 6 auf, die Catering-Dame ist vielleicht um 6 schon am schnibbeln, der Roadie kriegt 8 Euro dafür, dass er die Cases hin und her rollt, alle tun ihren Teil für die ganze Scheiße. Und nun guck mal. Wie wenig Clubs gibt’s noch? Nun ist Köln ja noch ein bißchen verwöhnt, aber am Ende gibt es nur noch diese Kulturzentren. Du hast diese Betonquader, wo so eine Band reingeschoben wird. Vorne werden die Leute reingeschoben, dann dürfen alle kurz zwei Stunden Hallali machen, dann alle wieder raus. Und dann gehen alle wieder in ihren Job, müssen sich mit ihren scheiß Problemen rumschlagen, die jeden Tag mehr werden, mit ihren Geldsorgen und dem ganzen Rotz. Die Verantwortung, die man dann hat, allen mal kurz für zwei Stunden das Gehirn wegzublasen… wir sind halt keine politische Band, sondern den Anspruch den wir haben ist: Wenn man zu einem Beatsteaks-Konzert kommt, dann muss man danach sagen: Ey heute Gloria, morgen Palladium, wann kommen die noch? Wenn Leute nach dem Konzert sagen, es war ganz nett, dann haben wir irgendwas falsch gemacht. Wie jetzt auf der Tour in Freiburg, in Augsburg, in der Schweiz oder in Bremen. Es gab so Konzerte, wo alles rasiert wurde. Deshalb ist die Anspannung auch so groß, weil man es immer besonders, besonders, besonders gut machen will.
Aber der Druck fällt doch nach zehn Minuten oder so auch mal ab, oder?
Torsten Scholz: Ja, wenn ich auf die Bühne gehe ist alles gut. Es gibt zwar noch so Angstsongs wie “I Don’t Care” oder “Gentleman”, weil das dieselben Akkorde sind, nur versetzt. Aber dann läuft irgendwann auch so ein Automatismus ab. Man ist auf Autopilot und dann will man einfach nur noch eine geile Zeit haben. Der Bernd (Kurtzke, Beatsteaks-Gitarrist, Anm.d.Red.) ist genau andersrum. Der ist ganz ruhig und der wird auf der Bühne immer aufgeregter.
Wenn du dich selber interviewen müsstest, welche Frage würdest du dir dann gerne stellen und welche auf keinen Fall?
Torsten Scholz (überlegt): Ich würde mich fragen, warum ich jetzt hier sitze. Warum soll ich dich denn interviewen (lacht)? Weil ich immer denke, was wollen die Leute denn von dem Bassisten von den Beatsteaks wissen? Na, ich finde so ein paar Sachen schon interessant. Mich interessiert schon wie Leute wie ich, die einen Job haben, der nicht ganz so normal ist, das so hinkriegen im normalen Leben. Also mich interessiert auch, wie eine Stewardess ihr Kind großzieht oder wenn jemand auf einer Ölbohrplattform arbeitet. Das würde mich schon interessieren, wie denn so die normalen Sachen abseits der Musik aussehen. Welche Frage auf gar keinen Fall? Mir kannst du eigentlich jede Frage stellen. Außer in sich geschlossene Fragen. Zum Beispiel: Du findest Nazis toll? Warum denn? Die Frage würde ich natürlich nicht beantwortet haben wollen oder gestellt bekommen. Was soll für eine schlimme Frage kommen? Am Ende sitzt du halt hier und Leute interessieren sich für den Scheiß den du machst. Das ist doch schon großartig genug. Warum soll ich denen noch sagen: Nee, bitte die Frage nicht.
Gibt’s aber…
Torsten Scholz: Ja, ganz viel. Klar kann ich verstehen, dass der Sänger von… wie heißt nochmal diese Schmuseband… ah, Coldplay… dass der sich Fragen zu seiner Ex-Freundin verboten hat. Wenn alle nur noch danach fragen, dann kann ich das verstehen. Aber jetzt mal die Kirche im Dorf. Wenn einer sagt: Ich hab dich ja letztens mit deiner Tochter in Friedrichshain gesehen. Dann sage ich: Ja, nun wohne ich da ja nun mal. Vielleicht wenn es zu persönlich wird. Aber da kann man auch geil aus der Nummer rauskommen. Macht man halt einen blöden Witz und wenn man nicht ganz auf den Kopf gefallen ist, muss man keine Angst vor schlechten Fragen haben. Außerdem bin ich ja sowieso der Schlaueste von uns. Merkste, wa (lacht)?
Okay, dann mal die letzte Frage: Wenn du ab morgen für den Rest deines Lebens auf einer einsamen Insel leben müsstest, welche fünf Platten würdest du dann mitnehmen?
Torsten Scholz: Ich würde doch auf eine einsame Insel keine fünf Schallplatten mitnehmen. Totaler Bullshit. Kann ich nicht noch eher ein Taschenmesser mitnehmen oder Streichhölzer (lacht)? Aber okay, du sagst, das ist alles da. Was wichtig ist: Sind da auch Weiber?
Die sind auch da.
Torsten Scholz: Okay! Ich würde auf jeden Fall “Monarchie und Alltag” von den Fehlfarben mitnehmen. Dann würde ich die “Hello Nasty” von den Beastie Boys mitnehmen. “Tha Carter III” von Lil Wayne. Wenn Weiber da sind! Ich würde natürlich gucken, dass ich noch ein ganz, ganz langes Album mitnehme. So ein Triple-Progressive-Album von Rush. Wenn du auf einer einsamen Insel bist und du hast nur fünf Platten, dann kennst du die Lieblingsplatten ja sowieso fast auswendig. Aber so eine Riesenplatte von Pink Floyd oder von Rush würde ich mitnehmen, weil man da viel Zeit für bräuchte. Und ich hätte ja dann alle Zeit der Welt. Jetzt sind wir schon bei vier… Und dann gibt es von “11 Freunde” so ein Hörbuch “Die lustigsten Bundesligaerlebnisse”. Sowas, irgendeine Platte, die nichts mit Musik zu tun hat. Obwohl ist eigentlich auch blöd, weil die kennt man ja auch schnell auswendig. Nee, dann nehme ich lieber noch die “Troublegum” von Therapy? mit. Dann haben wir’s gepackt.
Genau! Vielen Dank für deine Zeit und das schöne Gespräch!
Wir bedanken uns ebenfalls bei Vanessa Seewald von Prime Entertainment für die Vermittlung und bei Torsten Dohm für die Betreuung vor Ort! Verwendung der “Passfotos” von Torsten Scholz mit freundlicher Genehmigung der Beatsteaks.
Er ist wahrscheinlich der letzte große Gentleman unter den Sängern dieser Republik. Tom Gaebel macht eine Musik, die an Zeiten erinnert, als Männer noch richtige Männer waren und mit Anzug und Krawatte vor dem Mikro standen. Frank Sinatra, der nicht ganz zufällig auch Tom Gaebel’s großes Vorbild ist, war so ein Typ. Oder Dean Martin. In der einen Hand den Whiskey, in der anderen die Zigarette. Er selbst raucht zwar nicht, aber auf seinem kommenden Album “So Good To Be Me”, das am 19.09. erscheint, liefert Tom Gaebel einmal mehr den perfekten Soundtrack für eine Zeitreise in die Swinging Sixties.
Musicheadquarter-Chefredakteur Thomas Kröll traf sich mit Tom Gaebel zu einem ausführlichen Interview in Köln. Im schönen und an diesem Tag spätsommerlich warmen belgischen Viertel unterhielten sich die beiden bei einer Tasse Kaffee über die Unterschiede zwischen Rock und Jazz, den Kölner Karneval, die Vorteile des Alters und natürlich auch über das neue Album.
Ich bin normalerweise gar nicht auf der Jazz- und Swing-Schiene unterwegs, sondern im Rock zuhause. Wie würdest du jemandem wie mir deine Musik schmackhaft machen?
Tom Gaebel: Die Verbindung zum Rock ist für mich, dass es im Jazz und Swing auch zur Sache geht. Das was ich mache ist ja kein Kammerjazz. Früher auf der Bühne hatte ich auch immer Spaß, wenn die Verstärker knallten. Jetzt habe ich zumindest die fette Band und die Trompeten. Der gemeinsame Nenner ist also, dass man es gerne ein bißchen lauter macht. Ich habe immer schon alten Rock gehört. Ich war ein riesiger Queen-Fan. Das ist natürlich für jemanden, der mehr diesen erdigen Rock mag, unter Umständen schon wieder etwas zu üppig. Das sind aber schon so ein bißchen meine Wurzeln. Ich habe viel melodiöse Sachen gehört, zum Beispiel die Beatles. Lieber die Beatles als die Rolling Stones. Die Stones fand ich im Vergleich zu den Beatles immer eher langweilig. Bei den Beatles gab es mehr Streicher oder Spezialarrangements, während die Stones überwiegend bluesy waren. Da habe ich schon gemerkt, dass ich diese Richtung eher mag als dieses erdverbundene. Und auf der anderen Seite hatte ich mit meinem Bruder Colin jemanden, der eine Zeitlang in die allerkrasseste Richtung gegangen ist und wo es dann anfing mit Sodom und solchen Sachen. Inzwischen hat er sich allerdings wieder zurückentwickelt. Wir treffen uns jetzt irgendwo in der Mitte mit AC/DC als gemeinsamen Nenner (lacht).
Hörst du privat also auch überwiegend Swing und Jazz?
Tom Gaebel: Eigentlich alles mögliche an Popmusik. Aber eher aus den Fünfziger, Sechziger oder Siebziger Jahren. Ich höre ganz selten mal Achtziger Jahre-Musik. Mit dieser Musik, die ja auch die Musik meiner Jugend war, kann man mich jagen. Es ist witzig, dass die Leute sich immer einbilden, dass die Musik, die sie in ihrer Jugend gehört haben, so ziemlich die Beste war. Ich habe mir zuletzt bei YouTube ein paar Videos aus den Achtzigern angesehen, um festzustellen, ob ich die immer noch so scheiße finde wie früher. Und in den Kommentaren dazu hieß es dann oft: „Die armen jungen Leute von heute. Die müssen mit Lady Gaga leben“. Das ist absurd.
Ich finde, die Achtziger waren musikalisch ein absolut totes Jahrzehnt.
Tom Gaebel: Da fingen alle an, ob im Rock oder anderswo, mit Computern und Sounds zu arbeiten. Und das hat fast niemandem gut getan. Alle Bands, die in den Siebzigern geile Platten gemacht haben, klingen in den Achtzigern plötzlich so, dass du denkst: Alter Schwede, was ist denn da los? (lacht)
Am kommenden Freitag erscheint dein neues Album „So Good To Be Me“. Ist der Titel auch so ein wenig persönliches Programm?
Tom Gaebel: Wie der Titel zum Album gekommen ist, ist ganz einfach. Es gibt einen gleichnamigen Song und ich fand den Titel griffig für das ganze Album. Es sollte etwas positives ausdrücken und nicht die Bedeutung haben „Ich bin der Coolste“. Der Song drückt sowas aus wie „Heute ist einfach ein guter Tag, um Ich zu sein“. Das soll aber auf jeden anderen bezogen sein. Auf der anderen Seite habe ich gerade auch eine gute Zeit. Ich denke oft darüber nach, wie schön es ist, dass ich gerade so coole Sachen machen kann, weil mir der Beruf so viel Spaß macht. Zum Beispiel als wir das neue Video zu „The Cat“ gedreht haben. Das war so wie Film spielen mit Freunden. Wir haben tierisch Spaß dabei gehabt.
Du hast mal gesagt „Ich möchte mich mit jedem neuen Album auch selbst überraschen“. Ist dir das mit „So Good To Be Me“ gelungen?
Tom Gaebel: Es hat ja mit dem neuen Album sehr lange gedauert. Die größte Überraschung war, als es endlich fertig war (lacht). Es ist mein Lieblingsalbum. Das sagt man immer, ich weiß, aber das ist auch oft so, weil man dann gerade voll da drin ist. Bei dem neuen Album habe ich so viel selber gemacht und so viel Einfluss gehabt, was im negativen dazu geführt hat, dass es sich so lange hingezogen hat. Ich konnte halt sagen: Die Streicher nehmen wir nochmal auf oder die Bläser machen wir anders. Man hat quasi die Macht. Ich konnte genau das machen, was ich wollte. Mit der Macht hat man aber auch die Verantwortung. Das habe ich gemerkt. Und dann musst du eine knallharte Disziplin an den Tag legen. Bei den letzten Alben davor hatte ich auch schon ein eigenes Studio. Das habe ich jetzt immer noch. Dazu habe ich mein eigenes Label gegründet. Tomofon heißt das. Deshalb bin ich mit dem Album auch in keinster Weise unsicher. Zumindest ich weiß, dass ich das, was ich erreichen wollte, mit dem Album erreicht habe. Es macht mir selber von vorne bis hinten Spaß.
Wenn man sich mit Musik beschäftigt, dann schmort man ja immer so ein bißchen im eigenen Saft. Als Musiker vielleicht nochmal anders, aber auch wenn man darüber schreibt. Wenn ich mir meine CD-Wand zuhause angucke, dann ziehe ich am Ende doch immer wieder dieselben Dinger raus.
Tom Gaebel: Und das wird nicht besser, je älter man wird (lacht). Angenommen ich hätte die Streicher aus Kostengründen vom Computer genommen und dann würde das jemand erwähnen. Das wäre mir richtig unangenehm. Aber wenn jemand wie du sagt, das ist überhaupt nicht meine Musik, dann mag das für dich so sein und ich bin trotzdem sehr zufrieden damit. Vielleicht hat das auch was mit dem Alter zu tun. Man wird sicherer in dem was man macht. Früher hat man mehr rumprobiert.
Du bist ja was deine Karriere betrifft sowieso eher ein Spätstarter. Als 2004 das „Tom Gaebel & Band spielen Frank Sinatra“-Album erschien warst du fast 30. Hilft dir dein Alter heute auch dabei gelassener mit dem ganzen „Star-Rummel“ umzugehen?
Tom Gaebel: In dem was ich mache gibt es diesen Star-Rummel ja eigentlich nicht. Es gibt ja keine Aufläufe oder Leute, die unangenehm sind und dir ungefragt auf die Schulter klopfen. Das liegt aber natürlich auch an der Musik. Ich habe halt keine kreischenden 15-jährigen Fans. Ich glaube, die Musik, die ich mache hat den Vorteil, dass ich damit auch alt werden kann. Ich weiß, dass ich in fünf oder zehn oder fünfzehn Jahren noch solche Musik machen kann, ohne dass die Leute mich auslachen. Wenn man in einer Boyband ist, dann muss man sich schon überlegen, was man macht, wenn man mal 30 ist. Entweder es knallt richtig und man hat richtigen Erfolg und segelt dann gemütlich in den Ruhestand. Aber macht das Spaß? Was machen denn so Leute wie Take That? Die machen ein Comeback. Alle zwar ein bißchen gealtert, aber es funktioniert irgendwie. Ich habe das Gefühl, bei mir kommen noch ein paar schöne Sachen. Ich muss nicht immer von der Vergangenheit zehren.
“So Good To Be Me”, das neue Album von Tom Gaebel erscheint am 19.09. bei Tomofon Records / Tonpool
Du hast bereits einige Jazz Awards abgesahnt. Was bedeuten dir solche Auszeichnungen?
Tom Gaebel: Leider eigentlich nichts. Manchmal wünsche ich mir, dass ich mehr Spaß an sowas hätte. Ich habe auch die Neigung, dass wenn zwei Leute heiraten, ich schon immer denke: Mal gucken, wie lange das dauert. Meine Mutter findet diese Awards immer ganz toll. Bei mir geht das leider relativ schnell vorbei. Auf der anderen Seite hat diese Geisteshaltung auch ihre Vorteile. Man erlebt nicht so schnell eine Enttäuschung. Natürlich kann ich mir vorstellen, dass man sich freut, wenn man einen Oscar bekommt. Aber wer richtig gut ist, der weiß im Grunde seines Herzens auch, dass da viel Glück dabei ist.
Ich habe gelesen, dass du ein Multiinstrumentalist bist. Wieviele Instrumente spielst du genau?
Tom Gaebel: Also, ich habe Schlagzeug und Posaune studiert und spiele auch noch leidlich Klavier. Damit komponiere ich auch. Und ich habe immerhin zwölf Jahre Geigenunterricht gehabt. Das konnte ich also auch mal halbwegs. Davon ist im Laufe der Jahre aber leider sehr viel verloren gegangen. Seit meinem Abitur bis jetzt habe ich die Geige vielleicht noch fünfmal in der Hand gehabt für insgesamt anderthalb Stunden. In zwanzig Jahren ist das sehr sehr wenig. Multiinstrumentalist liest sich immer gut, die Wahrheit ist dann aber doch nicht ganz so prickelnd (lacht).
Du bist in Gelsenkirchen geboren, aber in Ibbenbüren aufgewachsen. Am 31. Januar trittst du im dortigen Bürgerhaus auf. Sind Konzerte in deiner „Heimatstadt“ nochmal etwas besonderes für dich? Gibt es noch Kontakte dorthin?
Tom Gaebel: Ja, es gibt immer noch Kontakte. Es ist ja auch nicht so weit weg, dass ich da nicht immer mal wieder wäre. Also ist es nicht so, als ob der verlorene Sohn nach Hause kommt. Wir geben fast einmal im Jahr ein Konzert in Ibbenbüren. Das macht natürlich schon besonderen Spaß, weil man immer wieder alte Bekannte trifft. Früher war mir das eher unangenehm, da hatte ich immer Angst, dass die Leute denken: Ach guck mal der Gaebel, das ist aber nicht gut. Die Befürchtung habe ich mittlerweile nicht mehr.
Du wohnst hier in Köln. Sieht man dich da auch im Karneval oder ergreifst du da eher die Flucht?
Tom Gaebel: Früher habe ich eher die Flucht ergriffen oder es sagte mir überhaupt nichts. Mittlerweile kann ich aber schon richtig mitfeiern und habe Spaß. Es ist ja bizarr. Nachdem man drei Stunden irgendwo angestanden hat, ist man plötzlich in so einem Biotop der guten Laune. Wenn man genug Kölsch getrunken hat, dann funktioniert das irgendwie. Aber auf den organisierten Karneval gucke ich trotzdem manchmal noch wie auf Außerirdische. Wieviel Bürokratie dabei ist und wieviel Geschäft. Es ist so eine von oben verordnete Fröhlichkeit. Ich fand es immer schon witzig mich zu verkleiden. Nur mit diesen Leuten, die meinen sie könnten sich jetzt mal so richtig gehen lassen, nur weil Karneval ist, mit denen kann ich gar nichts anfangen.
Rein optisch würde ich dich jetzt mal in die Kategorie „Schwiegermutter-Schwarm“ einordnen. Gibt es auch Situationen, in denen du richtig unangenehm werden kannst?
Tom Gaebel: Das höre ich nicht zum ersten Mal, deshalb kann ich damit umgehen (lacht). Ich glaube eher nicht, weil ich mich tendenziell für einen gut gelaunten Menschen halte, der einigermaßen höflich und gut erzogen ist. Ich glaube, dass ich mich in meinem Leben kein einziges Mal geprügelt habe. Ich bin also niemand, der von irgendwelchen schlimmen Aggressionen heimgesucht wird. Das einzige was wohl manchmal unangenehm ist, ist dass ich in Diskussionen immer alles geklärt haben möchte. Das wurde mir jedenfalls verschiedentlich schon von Frauen vorgeworfen. Wenn man sich schon mal angefangen hat zu streiten, dann will ich es auch wissen (lacht). Das ist vielleicht etwas pedantisch.
Gut, das würde ich jetzt aber trotzdem nicht als unangenehm bezeichnen.
Tom Gaebel (lacht): Du weißt nicht, wie schlimm das werden kann.
Wenn du ab morgen den Rest deines Lebens auf einer einsamen Insel verbringen müsstest, welche fünf Alben würdest du dann mitnehmen?
Tom Gaebel: Ich würde mindestens zwei oder drei Platten von Frank Sinatra mitnehmen. Da wüsste ich auch relativ genau welche. Zum Beispiel „Only The Lonely“. Meiner Meinung nach ist das eine der besten Popmusikplatten überhaupt. Dann würde ich eine Queen-Platte nehmen, wahrscheinlich „Night At The Opera“. Auch so ein Klassiker. Mit Sicherheit was von den Beatles. Da wüsste ich jetzt nicht genau welches Album, aber schon eins von den späteren. Reichen drei nicht erstmal?
Von mir aus können zwei fehlen. Du musst ja für den Rest deines Lebens auf der einsamen Insel bleiben und nicht ich.
Tom Gaebel: Ja, das stimmt natürlich. Ich muss noch eine Big Band-Scheibe haben (überlegt). Etwas von der Clarke Boland Band. Die kommen auch hier aus Köln. Ein Album das „Three Latin Adventures“ heißt. Und noch eine Aufnahme mit klassischen Arien von… (überlegt) … Beniamino Gigli. Das wäre übrigens mein großer Traum, wenn ich nicht das machen würde, was ich mache. Dann wäre ich gerne klassischer Tenor. Und zwar so einer von dem man weiß, wenn er auf die Bühne geht, dann brechen die Leute gleich heulend zusammen, weil er wieder das hohe C hingekriegt hat. Mein Vater war ein riesiger Opernfan. Wir Kinder haben trotzdem nicht so eine richtige Verbindung dazu gehabt. Das kommt aber langsam. Mein jüngerer Bruder geht jetzt ständig in die Oper. Ich habe irgendwann angefangen mich für klassischen Gesang zu interessieren. Das finde ich einfach Wahnsinn. Ich würde mich gerne mal neben Pavarotti stellen und hören, wie laut das eigentlich klingt. Was ist das für ein Organ?
Atmet man dabei nicht schon ganz anders?
Tom Gaebel: Ja man atmet anders. Es ist eine Art optimiertes Singen. Wenn man zum Beispiel Joe Cocker hört, dann weiß man ganz genau, dass der einiges mit seiner Stimme gemacht hat. Komischerweise wird er aber nicht schlechter. Sinatra hatte als junger Mann eine wunderbar klare Stimme und eine super Technik. Im Alter merkte man dann aber, wie die Stimme immer mehr so opamäßig wurde. Dafür dass man denkt, Joe Cocker ist gleich komplett heiser, hält sich seine Stimme erstaunlicherweise noch immer. Es gibt halt Leute, die kriegen das hin. Anders ist das, wenn ich Metal-Gesang imitiere (macht ein grunzendes Geräusch). Da weiß ich mit Sicherheit, dass ich nach einer Minute stockheiser bin.
Dann probieren wir das jetzt lieber nicht aus. Stattdessen danke ich dir für das ausführliche Interview.
Wir bedanken uns ebenfalls bei Kai Manke von networking Media für die freundliche Vermittlung!
„GENTLEMEN! COME IN!“ So eine freundliche und laute Einladung einzutreten, lässt man sich nicht zwei Mal sagen. Chuck Ragan ist ja dafür bekannt, „the nicest guy in punk rock music“ und Ziehvater vieler Folk-Newcomer und Songwriter zu sein, doch mit so einem herzlichen Empfang, trotz einer Verspätung (verflucht seiest du, Orkan) hätte man doch nicht gerechnet.
Chuck, danke, dass du für das Interview Zeit gefunden hast. Der Terminplan ist ja relativ voll, du hast heute bereits ein erstes Konzert in einem Café in Köln gespielt.
Das Konzert im Café Bo war eine coole Sache. Wir haben das Konzert für die Leute gespielt, welche es heute leider nicht geschafft haben zur eigentlichen Show zu kommen. Das war ein richtiges Familienkonzert, sehr viele Kinder waren auch da.
Auf jeden Fall eine interessante Mischung für ein Konzert.
Definitiv.
Auf Internetplattformen kann man Konzerte von dir zum Beispiel in Jugendzentren anschauen. Was sind die größten Unterschiede bei solch kleinen Locations im Vergleich zu größeren Hallen, wie der Live Music Hall mit 1.500 Leuten, in der du heute spielst?
Natürlich sind die Konzerte weitaus intimer, aber auch weniger professionell gestaltet. Das ist aber überhaupt nicht schlimm. Solche Shows machen von Zeit zu Zeit einfach sehr, sehr viel Spaß, weil das Publikum sehr nahe an einem ist.
Du bist sehr oft in Deutschland unterwegs. Ich persönlich habe dich das letzte Mal bei der Revival Tour 2012 in Köln live erlebt. Bleibt da eigentlich Zeit sich auch einmal die Städte und ihre Kultur mitzuerleben oder bleibt dies auf der Strecke?
Klar, man hat ab und an ein wenig Zeit sich diese wunderschönen und aufregenden Städte genauer anzuschauen. Wir haben morgen zum Beispiel einen Off-Day. Da sind wir aber leider die ganze Zeit unterwegs. Es ist meistens so, dass man sich ohnehin nur nahe der Location aufhalten kann. Die Sache ist die: Wenn ich mich zwischen Sightseeing und einem Konzert im Café Bo entscheiden müsste, dann würde ich selbstverständlich das Café Bo wählen. Dafür sind wir ja schließlich auch nach Europa gekommen. Wir möchten Konzerte vor euch spielen. Abgesehen davon kostet die Tour einen Haufen Geld. (lacht)Wir bezahlen jeden Tag Geld für den Nightliner, für den Bus, für alle Leute, die diese Tour möglich machen. Das darf man einfach nicht vergessen.
Um noch einmal auf die Revival Tour zurückzukommen: Ich hatte das Glück im vergangenen Jahr Frank Turner zu interviewen. Wir haben über seine größten Supporter, während seiner Karriere gesprochen. Dein Name fiel da direkt zu Beginn.
Echt? Ooooh, das ist nett von ihm.
Gerade bei der Revival Tour nimmst du eine ganze Reihe von Step-Up Musikern mit nach Europa. In welcher Position siehst du dich selbst, wenn es um das Fördern von jungen Künstlern geht?
Man muss dazu wissen: Ich habe in meinem Leben als Musiker mehr geschafft und erreicht, als ich mir jemals erträumt hätte und ich bin dafür so unendlich dankbar. Und das schon vor 20 Jahren!
Vor 20 Jahren?
Ja! Als ich meine erste 7’ Inch heraus gebracht habe zum Beispiel. Da saßen wir alle zusammen und dachten: Man wäre das super eine 7’ Inch zu veröffentlichen Oder als ich auf meiner ersten Tour mit Hot Water Music war. Das war einfach eine großartige Zeit. Der Punkt, auf den ich hinaus will ist: Wir haben uns immer neue Ziele gesetzt und sie in einer so schnellen Zeit erreicht, damit hätten wir niemals gerechnet. Diese Erlebnisse möchte ich auch anderen bis dato noch unbekannten Musikern ermöglichen.
Wie beispielsweise für Northcote, den man heute im Vorprogramm angucken kann. Er hat auch Dave Hause im letzten Jahr hier in Köln supportet, ich hatte lange Zeit keine so gute Vorgruppe mehr erlebt.
Ja, er ist ein gutes Beispiel dafür. Ich finde seine Musik großartig.
Besteht eigentlich die Möglichkeit, dass dieses Jahr noch eine Revival Tour in Europa stattfinden wird?
Die Möglichkeit besteht, und wie sie besteht! (lacht) Halte deine Ohren und Augen offen, du wirst es schon mitbekommen. Momentan sind wir aber noch am Planen, daher kann ich nicht mehr ins Detail gehen.
Zu etwas anderem: Welche Songs würdest du einer Person empfehlen, die Musik von dir hören will. Wären es deine alten Hot Water Music Stücke oder deine Lieder als Solokünstler?
Wahrscheinlich das, was ich momentan mache. „Till Midnight“ repräsentiert glaube ich am besten meine Musik. Natürlich kommt es auch darauf an, was die Person hören will. Hot Water Music ist eine viel wildere und aggressivere Geschichte als meine Solosachen.
Ich denke gerade auch, dass gerade Hot Water Music immer noch einen enormen Einfluss auf Bands hat. Wenn ich mir „Red City Radio“ oder „Nothington“ anhöre, erkennt man dort deutliche Parallelen. Keine Kopien, aber auf jeden Fall einen großen Einfluss.
Ich mag beide Bands sehr gerne, Kopien würde ich dazu niemals sagen. Jeder hat seine Einflüsse, seine Interpretation. Auch wir haben geklaut und uns von anderen Bands inspirieren lassen. Das gehört einfach dazu. Niemand würde von uns heute hier sein ohne Künstler, wie beispielsweise Woody Guthrie.
Unsere Zeit ist um. Vielen Dank für das Interview!
Ein großer Dank geht auch an Nina Simon von Uncle M, die uns dieses Interview ermöglicht hat!
Lake Street Dive gibt es bereits seit 10 Jahren, dennoch ist die in Boston gegründete Band, eine der vielversprechendsten Newcomer auf dem deutschen Musikmarkt. Nun steht ihre zweite Tour durch die Bundesrepublik an. MHQ-Redakteur Marc Brüser hatte die Möglichkeit ein E-Mail Interview mit Gründer und Gitarrist Mike „McDuck“ Olson durchzuführen:
I know, this an awful opening question, but how would you describe Lake Street Dive in your own words?
We try to mention soul and pop music when we answer this question. It’s definitely what we’re striving for musically with our songs and how we play them, in that we want everything to be super hook-y and dance-y, but with that soul sass. Too often people say they hear jazz or something else crazy, like bluegrass, when they listen to our band, and that’s all well and good I suppose, but those things aren’t necessarily what we’re going for.
What are your expectations about the upcoming tour in Germany?
We had such an excellent time in Germany last year when we toured there for the first time ever, so frankly, there are a lot of very high expectations! The German crowds were very good to us. So we’re hoping to build on what we had going on last year, and ideally, will be playing to bigger audiences. But in the end, we’re also really looking forward to spending time in what for us has been a very fun and inviting country. That, and we’re super stoked to be there when the weather is nicer! It was pretty cloudy and cold last time.
Which record of Lake Street Dive would you recommend to a person that never heard you before?
Bad Self Portraits, of course! It’s our newest release, and the one we are most proud of. It really is an example of our best songwriting and best playing and we’re really pumped about the production, the whole nine yards. We really love it, and we hope everyone else does too.
Are there any bands or certain people that helped you along during your career (e.g. taking you with them on tour)?
Absolutely. A few years ago, we did almost a full year of touring as an opener to larger bands, such as the Infamous Stringdusters and Yonder Mountain String Band, and one of our personal heroes, Josh Ritter. Those experiences were great for us, as not only were the headlining bands that took us with them extremely warm and kind to us, but it gave us a taste of what larger-scale touring was going to be like. We played bigger rooms, larger crowds, sold lots of merch, and really broke us into certain markets we had never played before. Those kinds of tours are exhausting, but in the end very valuable and lots of fun.
How important is the German music market for American bands?
I couldn’t really say, quite frankly. I think it differs from one band to the next. There are a lot of bands who focus only on the North American markets and make whole careers out of playing in the States and Canada, and are totally satisfied. For us, though, it has been very important to expand into European markets, and Germany constitutes nearly a quarter of all the touring we do over here. It’s too easy to get caught up in touring the US, but with the advent of the internet, we have been able to sell our records and reach fans via Facebook or Youtube all over the world, and we want to make sure that we are able to get to those countries when we can, and actually make person to person connections with those people.
Are there any differences between playing a concert in America and Germany?
Well frankly, Germans are much…quieter. But don’t take that the wrong way! We’ve experienced audiences in Germany that are very exited to be at the shows, but are also very respectful and truly there to listen and enjoy the show. Often, American audiences are at a show to be entertained, but also to talk to their friends and drink and hook up, and maybe Germans are looking to do those things too, but Americans tend to do everything just a little louder than everyone else. Maybe you’ve experienced that too…
I’ve seen on your setlist that you used to cover „I Want You Back“ by The Jackson 5 at your shows. Do you have a specific connection to this song?
That song is sort of the reason we’re here in Europe, in a lot of ways! We were very much toiling away in obscurity for years and years and years, and one day, we made a low budget video of that song and put it up online, not really expecting much of it. A few months later, it got a bunch of attention from blogs and music websites, and was shared over and over again, and pretty soon, it had over a million views. It really propelled us into the next phase of our career, and afforded us a much larger audience both online but physically at our shows as well. It’s crazy to think that people all over the world have seen that video. It truly laid serious groundwork for us professionally.
What are your most important plans and hopes for the future in regard of Lake Street Dive?
International stardom!! Just kidding. We have been a band for ten years, so we are very practiced in the “slow and steady wins the race” method of touring and music making. We like to take things as they come. We’re already writing and rehearsing for our next record, which we’re hoping to make early next year, we are planning on hitting the road really hard to continue building our fan base both in the States and abroad, but perhaps most importantly, we focus daily on staying sane and having a healthy friendship with one another. It’s what got us here in the first place, and it’s what will allow us to continue coming to Germany over and over again in the years to come.
Eigentlich ist Wirtz bekannt für seine emotionalen und energiegeladenen Rocksongs. Ein weiteres Markenzeichen seiner bisherigen drei Alben “11 Zeugen”, “Erdling” und “Akustik Voodoo” sind die kompromisslosen und ehrlichen Texte. Nachdem er den zweiten Teil seiner “Akustik Voodoo”-Tour beendet hatte, zog sich der 38-jährige Frankfurter ins Studio zurück und spielte alle Songs komplett neu arrangiert mit Cello, Violine und Klavier ein. Das Ergebnis heißt “Unplugged” und kommt am 21.02. in die Läden.
Man darf sehr gespannt sein wie es klingt, wenn sich Wirtz bis auf die Knochen seziert. Bevor er im März auf eine bereits fast ausverkaufte “Unplugged”-Tour geht, hatten einige glückliche Fans die Möglichkeit, das neue Album vorab exklusiv zu hören. In Kooperation mit Gibson, MyVideo und Joiz TV gab es in drei Städten Pre-Listening-Sessions. Dabei hielt der Gibson Bus auch vor dem Music Store in Köln. Musicheadquarter-Chefredakteur Thomas Kröll nutzte die Gelegenheit um zuzusteigen und sich mit Wirtz über die Zeit von der ersten Idee bis zum fertigen Album, aber auch über die anstehende Tour, das Verhältnis zu seinen Fans (die er nicht so nennen möchte), Justin Bieber oder fehlende Telefonanrufe von Dave Grohl zu unterhalten.
Wir haben uns zuletzt 2008 vor deinem Auftritt im Kölner Luxor unterhalten. Dein Debüt “11 Zeugen” war gerade erschienen. Damals hast du gesagt, dass es spätestens nach dem dritten Album mit der Solokarriere zünden muss. Hast du heute das Gefühl, dass es gezündet hat?
Daniel Wirtz: Ich habe gesagt, mit dem dritten Album sind wir in der Festhalle, oder (lacht)? Sagen wir es mal so: Ich darf mich weiß Gott nicht beklagen. Dafür, dass ich eigentlich immer noch unter dem Radar fliege und viele Leute überhaupt keine Ahnung haben, dass es mich gibt, hatte ich trotzdem das Glück mittlerweile in der Live Music Hall zu spielen. Das ist schön und macht es auch besonders. Die Tour jetzt einfach aus dem Nichts und mit einem Song, den man ins Internet gestellt hat, fast auszuverkaufen, ist das schönste Kompliment das man von seinen Zuhörern bekommen kann. Ich habe immer ein Problem damit Fans zu sagen. Dieses blinde Vertrauen zu wissen: Wenn der in der Stadt ist, dann ist das gesetzt. Ich habe ja auch noch ein paar Jahre, um mich da weiter hochzurackern. Und auf der anderen Seite wäre es ja blöd, wenn es jetzt schon bergab ginge (lacht). So geht es wenigstens, wenn auch langsam, jedes Jahr stetig bergauf. Aber das ist schon ein langer Weg, wenn man mal so zurückdenkt. Mir kommt er gefühlt wesentlich kürzer vor. Dass es mittlerweile das siebte Jahr ist sieht man nur an den Augenringen (lacht).
Ich habe dich als ehrlichen, offenen und sehr lockeren Typen kennengelernt und ich glaube, das bist du bis heute geblieben, obwohl die Verlockung mal gepflegt abzuheben und den Rockstar raushängen zu lassen zwischendurch sicherlich nicht gerade klein war. Wie hast du dir deine Bodenständigkeit bewahrt?
Daniel Wirtz: In meiner ersten Lebenshälfte mit Sub7even habe ich es genau so gemacht. Da war ich Anfang 20. Wir hatten einen Majordeal bei BMG und ich habe gedacht ich bin jetzt Aerosmith. Das Management hat das auch so fokussiert. Und das ist für ein Kind vom Dorf wie mich dann schon so: Wenn die den Rockstar von mir erwarten, wo sind dann die Bitches (lacht)? Die erste Frage war dann, welche Farbe die Ledergarnitur im Nightliner haben soll. Da habe ich mal beige-rot gesagt (lacht). Wie gesagt, das habe ich alles in meiner Kindheit zelebriert und echt gemerkt, dass das total bescheuert ist. Aber es ist ein ganz normaler Werdegang und ich glaube wenn es so nicht gewesen wäre, dann wäre ich vielleicht irgendwann mal durchgedreht. Aber so wird das nie wieder passieren. Der Drops ist gelutscht. Dafür ist es auch viel zu viel Arbeit. Man ist sich der Vergänglichkeit und dass morgen alles wieder vorbei sein kann mittlerweile viel zu bewußt. Es ist wie in jedem Job: Arbeite hart, gib alles, dann hast du Erfolg. Wenn du meinst du müsstest Rockstar sein, geh zu “Superstars”, genieß das Jahr und dann verglühst du wieder.
Nehmen wir mal an es wäre morgen vorbei…
Daniel Wirtz: …dann würde ich glücklich auf vier wunderschöne Soloalben zurückblicken und bestimmt was anderes Schönes finden. So wie Peter Fox im “Haus am See”. Ob es so luxuriös ist und für Orangenbaumblätter reicht weiß ich allerdings nicht. Ich würde wahrscheinlich trotzdem weiterhin Musik machen. Ich trommele ja jetzt schon auf den Knien weil ich hier zwei Tage im Bus sitze und keine Gitarre spiele. Aber man kann sein Leben bestimmt auch noch mit anderen Sachen gestalten.
Im März startet deine Unplugged-Tour unter dem Motto “Wirtz zieht den Stecker”, die bereits zu weiten Teilen ausverkauft ist. Bei unserem Interview damals im Luxor hast du mir schon erzählt, dass du von einer Unplugged-Tour durch Kinosäle träumst.
Daniel Wirtz: Genau und jetzt spiele ich in Kirchen. Der Gedanke ist immer schon da gewesen. Wir haben hier und da ein Unplugged-Set gespielt. Oder wenn man auf der Musikmesse von den Gibson Leuten eingeladen war. Und da sind Menschen teilweise 500 oder 600 Kilometer gefahren, um mir bei drei Songs auf der Akustikgitarre zuzuhören. Das war der Anstoß zu sagen: Wenn der Kunde das will, und der Kunde ist bei mir König, dann lasst uns mal eine Unplugged-Tour machen. Aber jetzt einfach loszufahren wäre auch blöd. Es wäre schöner das irgendwie festzuhalten. Also haben wir angefangen die ersten Songs einzuspielen, die Arrangements runterreduziert auf Akustikgitarre und ein bißchen Percussionzeugs gemacht. Aber am Ende war es immer noch ein Gitarrenriff ohne Eier. Ich habe gesungen und Matthias (Hoffmann, Daniel’s Produzent, Anm.d.Red.) sitzt auf der anderen Seite der Scheibe und ich sehe in seinem Gesicht immer, ob es was ist oder nicht. Wir haben beide gedacht, das ist ja total langweilig. Wer soll denn bitte so eine Platte kaufen? Wer braucht das? Ich brauche es nicht. Das mag auf einem Konzert hintenraus vielleicht als Medley noch funktionieren, wenn die Emotionen sowieso blank sind, aber auf einer Platte ist das total scheiße. Ich hatte keinen Bock das zu singen. Damit war das Thema eigentlich schon geknickt und wir wollten uns lieber auf die vierte Rockplatte konzentrieren. Oder wir finden jetzt irgendeine Möglichkeit, wie wir das so interessant gestalten, dass wir uns erstens künstlerisch nochmal herausgefordert fühlen und zweitens dass es Emotionen in uns weckt. Das ist ja immer das Kriterium ob ein Song gut oder schlecht ist. Okay, also dachten wir, bevor wir das Ding endgültig in die Tonne hauen, gehen wir total frei an die Sache ran. Worum geht es eigentlich? Es geht eigentlich bei Wirtz um Textinhalt. Also lassen wir den mal stehen. Alles andere wurde weggewischt. Scheiß auf Melodieführung, scheiß auf Rhythmus, Beat, Geschwindigkeit. Wie würdest du den Text singen, wenn es nur der Worte wegen wäre? Und die Instrumente nur dazunimmst, um die Worte zu stärken. Also letztlich schon fast Hörbuchcharakter. So sind wir immer weiter von dem Original weggekommen. Zum Beispiel sind wir auf dem Klavier hängengeblieben, was so weit weg war von der Originalversion, dass es genau jetzt funktioniert hat. Als die erste Version dann stand und ich diese Klangwelt auf einmal auf dem Kopfhörer hatte und vor dem Mikro stand, da dachte ich nur: Wow. Das macht natürlich Spass hier reinzusingen. Du kannst den Ton oben auch mal abknicken lassen und es fällt einfach mal in die Kopfstimme rein. Ich hatte Platz zum Singen und Wohlfühlen. Auf beiden Seiten der Fensterscheibe gab es ein extremstes Lächeln (lacht).
Ich muss zugeben, dass ich noch gar nicht in das “Unplugged”-Album reinhören konnte. Ich habe nur das Video zu “Geschichten ohne Sieger” gesehen.
Daniel Wirtz: Ach, du hast die Platte noch gar nicht gehört. Ich habe noch ein zweites Video, das ist heute im Rohschnitt reingekommen. Das würde ich dir nachher gerne zeigen, ob du mir ein Go oder ein No gibst.
Ja, das können wir sehr gerne machen. Das Album erscheint am 21. Februar und enthält insgesamt vierzehn Songs. Nach welchen Kriterien hast du gerade die ausgewählt?
Daniel Wirtz: Alle Songs waren im Pool und wir haben bei allen versucht diese Entfernung zum Original hinzukriegen. Das hat halt nicht bei jedem geklappt. Andere, von denen ich es mir gewünscht hätte waren zu nah dran und haben nicht funktioniert. Teilweise ist es auch am Text gescheitert. “L.M.A.A.” ist zum Beispiel eine Nummer, die hätte ich gerne da drauf gehabt. So eine Punkrocknummer funktioniert aber nicht, wenn man sie mit einer netten Stimme singt. Da selektiert sich alles aus. Und das waren am Ende die Vierzehn, die stehengeblieben sind. Ich habe jetzt das Gefühl, das sind die Originalsongs und ich hab mal Rocksongs draus gemacht (lacht). Selbst dieser Switch andersrum funktioniert. Wenn jetzt jemand zum ersten Mal von mir erfährt und das hört und der hört sich danach den Rocksong an, dann wird er anders überrascht. Menschen, die normalerweise bei einer E-Gitarre schon ausschalten, werden sich dann vielleicht auch in das Original verlieben. Es ist keine Platte für Zwischendurch. Abends, wenn man nix zu tun hat und bevor man ein Buch nimmt, gibt man sich das Ding am besten über Kopfhörer bei einem Glas Wein. Wir haben es natürlich auch sehr geil aufnehmen lassen. Die Streicher aus dem besten Studio in Hamburg mit den besten Streichern die es in Deutschland gibt. Bis hin zu einem Sensationspianisten (Tom Schlüter, Anm.d.Red.), der in einem Raum, der nur für den Flügel gebaut wurde, für uns gespielt hat. Mit Raumbefeuchter. Total nerd. Der Raum ist auch in dem Video zu sehen. Alles was ich bisher gemacht habe hat noch nie so gut geklungen. Es macht Spass das zu hören. Du kannst bis hinten durchhören. Du hörst jede Pedale und wenn der Flügel kurz atmet.
Gerade in den letzten Monaten habe ich nochmal total viel Musik von dir gehört, weil das auch gerade gut zu meiner persönlichen Situation passte. Dabei ist mir aufgefallen, dass es eigentlich keine fröhlichen Songs von dir gibt.
Daniel Wirtz: Da hast du schon Recht. “Hier” ist eigentlich das einzige Liebeslied, das auch ein bißchen optimistisch ist. Ich glaube die Tatsache, dass man nicht alleine ist, ist das einzige optimistische an allen Wirtz-Songs. Wenn man musikalisch die Bestätigung kriegt, da ging es einem genauso und der lebt immer noch. Ich bin nicht alleine. Das Leben geht weiter.
Wenn man “11 Zeugen” mit “Akustik Voodoo” oder auch “Erdling” vergleicht, dann finde ich, dass du deine Texte sprachlich mit der Zeit etwas entschärft hast. Würdest du mir da zustimmen?
Daniel Wirtz: Ich sag mal subtiler beschimpft (lacht). Klar kann man jetzt jedes Mal wieder Arschloch sagen, aber ich finde eine Beleidigung wie “Du bist echt häßlich wenn du schläfst” trifft viel mehr. Vielleicht ist es auch ein bißchen verkopfter geworden. Noch mehr nachgedacht, noch mehr zweite Ebenen eingebaut. “Akustik Voodoo” hat es glaube ich auf die Spitze getrieben. Wenn du über babylonische Türme singst und du fängst an zu googeln. Was war denn der Turmbau zu Babel? Worum ging es denn da? Gottgleich werden und verschiedene Sprachen. Dass du da immer mal wieder so Falltüren hast für den der sich bemüht und diesen Weg erschnuppert. Ich hatte das Gefühl, dass meine Leute auf diese Schnitzeljagd Bock haben und die Birne auch so weit anhaben, um das mitzufilmen. Dann macht das irre viel Spass. Ich warte zwar immer noch auf den Anruf vom Philosophischen Quartett, aber ich wäre bereit (lacht). Für Leute, die gerne mit Sprache arbeiten ist das grandios. Für den anderen, der sagt, ich bin eher der emotionale Typ, haut “11 Zeugen” natürlich wesentlich mehr ins Gesicht. Und den Song, wo ich den einen beleidige, habe ich ja schon. Warum soll ich also noch einen zweiten Song schreiben, um den anderen zu beleidigen? Der kriegt den ersten geschickt. Der passt universell auf jeden. Einfach “Wo ich steh” als Betreff und tschüß.
Heute gibt es hier noch eine Pre-Listening-Session des neuen Albums inklusive Meet & Greet. Der intensive Kontakt zu deinen Fans war dir schon immer sehr wichtig. Ich erinnere mich, dass du nach dem Konzert im Luxor zum Beispiel noch nach vorne gekommen bist, dich mit den Leuten unterhalten, Autogramme gegeben und ein Bier getrunken hast. Inwiefern ist das mit dem steigenden Erfolg schwieriger geworden?
Daniel Wirtz: Man ist ja schon relativ im Wohnzimmer. Wenn man in der Live Music Hall aber jetzt nicht mehr mit jedem ein Bier trinkt, dann ist das glaube ich verständlich. Danach wäre ich ja tot, da könnte ich gleich die Tour absagen. Das ist aber ja das Schöne, auch an einem solchen Meet & Greet. Das sind ja total nette Leute. Mit den Leuten, die etwas mit Wirtz anfangen können, mit denen kann ich mich doch auch super austauschen. Wir haben immer Themen und es sind einfach nette Gespräche. Wenn das jetzt so Dimensionen hätte wie bei Justin Bieber würde ich das nicht einen Tag lang aushalten. Das wäre eher ein Grund, warum ich aufhören würde Musik zu machen. Schmeißt mir bloß keinen Teddy auf die Bühne. Also Achtung da draußen: Ein Teddy und dann ist Schluß (lacht). Nur so Fanatismus, Geschreie und Gequietsche kann man doch nicht ernst nehmen. Wir haben gestern in Hamburg einen Sensationsabend beim Meet & Greet hier in der Lounge gehabt. Der Bus musste fahren und ich habe gesagt: Okay, wer jetzt noch Fragen und Bock hat nach Köln zu fahren… wir fahren sowieso da lang. Und dann sind da noch Drei sitzengeblieben. Die haben sich dann hier Nachts um halb Drei noch einen Mietwagen geholt und sind wieder zurück nach Hamburg gefahren. Aber die haben natürlich alle Fragen beantwortet bekommen und ich meine. Wir haben schön die Minibar geschröpft bis nichts mehr da war und heute morgen war sie wie von Zauberhand wieder voll.
So ist das bei Gibson. Da fehlt es an nichts. Ich überlege übrigens gerade, ob ich dir beim Konzert in der Kulturkirche am 31. März nicht einen Teddy auf die Bühne werfen soll. Ich glaube das mache ich.
Daniel Wirtz(lacht): Ich sehe das. Es ist nämlich bestuhlt. Da werde ich dann ganz klar und deutlich die Flugbahn zurückverfolgen und wenn das dann von dir ist, dann werde ich es sein lassen. Ich ziehe einen BH drunter und den gebe ich dir dann einfach.
“Akustik Voodoo” wurde Ende 2011 veröffentlicht, jetzt kommt das “Unplugged”-Album. Wann gibt es das nächste Rockalbum?
Daniel Wirtz: Also das Cover habe ich schon. Das Artwork steht. Ich denke mal nach der Tour werde ich direkt wieder im Studio eingesperrt. Dann muss es natürlich das kompromissloseste Rockalbum ever werden. Good Morning In The Morning sage ich da nur (lacht). Ich freue mich drauf.
Aber es ist noch kein neues Material da.
Daniel Wirtz: Hier und da ein geiles Riff gibt es schonmal. Es steht und fällt ja eigentlich mit dem Text. Um Musik mache ich mir da keine Sorgen. Das einzig Schwierige ist wieder diese Gefangenschaft des Geistes. Sich mit dem eigenen Geist auseinanderzusetzen. Aber das muss sein.
2008 gab es das Gerücht, dass du als Support für die Foo Fighters spielen würdest. Hat Dave Grohl mittlerweile mal bei dir angerufen?
Daniel Wirtz: Bisher leider immer noch nicht. Aber dafür hätte ich fast mit Bush gespielt. Leider ist mein Gitarrist fünf Meter vor dem Backstage einfach zusammengebrochen und wir mussten ihn kurz ins Krankenhaus bringen. Dann hat der Abend leider ohne uns stattgefunden. Also irgendwie habe ich nicht das Glück mit internationalen Acts die Bühne teilen zu dürfen.
Letzte Frage: Wer wird Fußball-Weltmeister? Bei der Europameisterschaft 2008 hast du auf Brasilien getippt. Die waren aber nicht dabei.
Daniel Wirtz(lacht): Finnland. Ich weiß es nicht. Man will ja die Hoffnung für die eigene Mannschaft nicht aufgeben. Aber die Gruppenphase ist natürlich auch sportlich und mit Portugal hat man direkt ein echtes Kaliber vor der Nase. Ghana kann auch mit dem Ball umgehen wenn sie wollen. Ich sag mal das ist Tagesform. Da kannst du ganz schnell mal 7:0 verlieren. Ich hoffe, dass sie ein paar mehr BVB-Spieler da reinstellen. Ich drücke natürlich Deutschland die Daumen. Gewinnen soll wie immer der Beste.
Ich ersetze BVB durch 1. FC Köln und bedanke mich vielmals für das Interview.
Wir bedanken uns ebenfalls bei Natascha “Nash” Nopper (DefNash Entertainment) für die Vermittlung des Interviews!
Hard Rock lässt die Welt an einem wertvollen Stück Musikgeschichte teilhaben, indem die Entertainmentmarke ihre Memorabilien offenlegt, um ein Interview mit John und Yoko Ono Lennon aus dem Jahr 1968 zu veröffentlichen, das vom damaligen College-Studenten Maurice Hindle geführt wurde. Das zweistündige Interview, das zum ersten Mal in gesamter Länge an die Fans weitergegeben wird, ist ab sofort im Streaming-Format mit Abschriften, Analysen und einer Memorabilia-Galerie auf HardRock.com verfügbar.
Im Dezember 1968 bot sich dem Keele University-Studenten Maurice Hindle die Chance seines Lebens, als ein Brief an das Beatles-Fanmagazin, bei dem er um ein Interview mit John Lennon bat, beantwortet wurde – von Lennon höchstpersönlich. Maurice verbrachte über sechs Stunden in Lennons Haus in Surrey, England und interviewte ihn geschlagene zwei Stunden. Währenddessen gaben John und Yoko einen ehrlichen, faszinierenden Einblick in ihre Leben und Rollen als führende Ikonen der Gegenkultur. “Die Tonbänder des Interviews wurden 1987 von Hard Rock erworben und wir sind stolz darauf, sie in voller Länge kostenlos mit Musikfans weltweit zu teilen”, so Jeff Nolan, Musik- und Memorabilienhistoriker bei Hard Rock International. “Dies ist eine mächtige, denkwürdige Erfahrung, die das Zeitlose an John Lennons Kunst und Philosophie veranschaulicht.”
“Bevor ich John Lennon 1968 dazu interviewt habe, wie er die ‘Revolution’ sieht, war ich bereits eine unabhängig denkende Person”, sagte Maurice Hindle. “Nachdem ich Johns Ideen über den kreativen Wandel hörte, wurde mein Sinn für den unabhängigen kreativen Zweck ungemein vertieft und erweitert und hat mich seitdem angetrieben. Der Gedanke ist aufregend, dass diejenigen, die das zweistündige aufgenommene Interview, das nun von Hard Rock zum 50. Jubiläum des ersten Besuchs der Beatles in den USA, bereitgestellt wird, vielleicht auf ähnliche Weise inspiriert werden.”
Auszüge der Inhalte, die die nie gehörten Ausschnitte umfassen:
Lennons Reaktion auf einen Brief, der in der Oktober 1968-Ausgabe von The Black Dwarf – einer vom Aktivisten Tariq Al herausgegebenen linkspolitischen und kulturellen Zeitung – erschienen ist, in dem Lennon beschuldigt wird, Verrat an der Gründung begangen und behauptet zu haben, dass die Beatles-Musik “ihren Biss verloren hat”.
Einmal während des Interviews spielt Lennon auf eine mögliche Beatles-Tour 1969 an, welche nie verwirklicht wurde: “Vielleicht machen wir als Nächstes ein Live-Album … so im Januar. Und lassen dann einfach jeden, der hinkommt ordnungsgemäß umsonst rein. Einfach so. Und wir werden trotzdem für die gute Sache eine kostenlose Tour durch die Staaten machen.”
Lennons Sichtweise zu seinem persönlichen Erfolg über seine Karriere hinaus, und wie er Musik genutzt hat, um Fans und Zuhörer zu ermutigen an den Wandel zu glauben.
Aus der überschaubaren Eifel in die großen Hallen der Republik. Es war ein langer Weg, doch spätestens seit der Hit-Single „Still” ist die Band Jupiter Jones auch weniger begeisterten Musikhörern bekannt. Bassist Andreas „Becks” Becker und Schlagzeuger Marco „Hont” Hontheimer trafen Musicheadquarter-Redakteur Marc Brüser vor ihrem Konzert in Köln.
Hallo zusammen. Erzählt mal, wie war’s gestern? Eine ausverkaufte Akustik-Show habt ihr ja bereits gestern in Köln gespielt, da bietet es sich ja eigentlich ganz gut an ein paar ältere Balladen mit in die Setlist einzubauen.
Becks: Wir machen uns immer einen Spaß draus gerade nicht immer die Balladen in solche Abende mit einzubauen, sondern die schnelleren Songs in Akustikversionenn umzuwandeln. Das hat gerade bei „Unter uns Darwinfinken” super geklappt. Andere Songs waren dann wiederum „Oh hätt ich dich verloren” oder „Wenn alle es verstehen”. In regulären Sets macht es halt nicht immer so unglaublich viel Sinn solche eher unbekannteren Lieder mit einzubringen.
Hont: Dabei haben wir zur gleichen Zeit auch wieder gemerkt wie viel Spaß es macht Akustiksongs zu spielen. Wir hatten dazu auch noch jede Menge Gastmusiker, darunter einen Cello-Spieler, zwei Bläser und weitere Musiker.
Im letzten Jahr habt ihr in Köln an vier Abenden jeweils eines eurer Alben gespielt. Daraus sollte doch eigentlich eine DVD entstehen. Warum ist bisher daraus nichts geworden?
Becks: Die Antwort ist eigentlich relativ simpel. Wir haben 2013 überhaupt keine Zeit gefunden uns der DVD anzunehmen. Unser Sänger Nico hat sich einige Lieder angeschaut, aber sonst hat bisher keiner das Material gesichtet. Wir haben uns mehr auf unser Album fokussiert.
Wie lange hat die Produktion des Albums gedauert?
Becks: Puh, auf jeden Fall lange (lacht). Wir haben am 1. Januar angefangen und sind im April ins Studio gegangen. Anfang Juli waren wir fertig.
Hont: Wie gesagt, wir hatten einfach nicht die Zeit für die DVD. Vielleicht bringen wir sie dann am 20-jährigen raus.
Das Beste aus 20 Jahren Jupiter Jones und dann einfach die DVD veröffentlichen oder wie?
Becks: Genau! Da kommt eh nichts Besseres mehr.
Auf eurem neuen Album „Das Gegenteil von allem” gibt es einige Lieder mit sehr ausdrucksstarken Texten. Besonders „Hunderttausend Typen wach” und „Denn sie wissen was sie tun” gefallen mir sehr gut. Wie geht ihr an solche Songs heran? Ich habe von vielen Bands unterschiedliche Arten und Weisen gehört wie sie ihre Lieder schreiben. Manche schreiben die Songs im Proberaum, andere fahren für einige Wochen an einen zurückgezogenen Ort…
Hont: Das Problem ist, dass wir alle in verschiedenen Ecken in Deutschland wohnen. Marco wohnt in der Eifel, Nico in Berlin, Sascha und ich wohnen in Hamburg. Da ist es schon schwer sich mal eben zwischendurch zum Proben zu treffen.
Becks: Seit den letzten drei Alben hat es sich eigentlich bei uns so entwickelt, dass Sascha die meisten Songs bereits fertig geschrieben und komponiert hat, bevor wir uns dann zusammensetzen und die Lieder vollenden und ihnen den letzten Schliff geben. Das dauert dann noch mal zwei bis drei Wochen.
Das erklärt dann auch warum es so lange gedauert hat mit dem Album.
Hont: Naja, wir haben ja auch bei Null angefangen. Wir hatten zu diesem Zeitpunkt auch gar kein Material. So etwas hat man ja auch mal nicht eben in der Schublade liegen.
Sind bei den vergangenen Alben keine B-Seiten entstanden?
Hont: Nein, das ist bei uns nie so. Wir haben auch nie eine große Anzahl an Songs mit denen wir ins Studio gehen, um sie aufzunehmen. Wenn wir merken, dass ein Lied nicht hinhaut, dann kicken wir das relativ schnell.
Becks: Es macht ja auch keinen Sinn dann weiter daran rumzuwursteln, bis man einen mittelmäßigen Song fertig gestellt hat
Hont: Mir erschließt sich auch nicht wirklich, warum Bands mit 30 Songs ins Studio gehen und dann die zwölf besten aussuchen. Ich habe dann immer das Gefühl, dass die Bands nicht zugeben wollen, dass auch etwas Grütze dabei ist.
Becks: Wenn wir B-Seiten brauchen, dann überlegen wir uns coole Akustik-Versionen unserer Songs.
Wenn man die Lieder von „Raum um Raum” mit denen des letzten Albums vergleicht, kommt man nicht darum herum zu erkennen, dass ihr doch etwas poppiger geworden seid. Wann war bei euch der Punkt gekommen, wo ihr ein wenig ruhiger treten wolltet mit euren Songs?
Becks: Da gab es glaube ich gar keinen festen Punkt. Das hat sich durch unseren Werdegang entwickelt. Wir haben auch gar kein Problem damit, wenn Leute zu uns kommen und finden, dass das neue Album poppig geworden ist. Aber auch im Pop gibt es Unterschiede. Und ohne jetzt zu selbstverliebt zu klingen, wir gehören eher in die Kategorie, wo der Pop mit Verstand gemacht wird.
Wenn ihr einer Person begegnen würdet, die euch noch nie gehört hätte – soll es geben, kann ich mir persönlich schwer vorstellen – welches Album würdet ihr empfehlen?
Hont: Bäh, fiese Frage
Becks: Die Discogravier, die noch nicht veröffentlicht ist.
(allgemeines Gelächter)
Hont: Nee im Ernst, ich glaube da würde ich immer das letzte sagen, weil es am aktuellsten ist. Es zeigt am Besten, wer die Band Jupiter Jones 2013 bzw. 2014 ist und wie wir klingen. Hoffentlich hört sich die Person dann auch unsere alten Sachen an.
Ein schönes Schlusswort. Vielen Dank für das Interview.
Wer sich etwas besser mit den speziellen Kölner Gepflogenheiten auskennt, der weiß, dass in der Domstadt Traditionen oft schneller geboren werden als anderswo. Findet etwas zweimal hintereinander statt, spricht der Rheinländer bereits von einer Tradition und zu einer solchen ist inzwischen auch das New Model Army-Weihnachtskonzert geworden. In diesem Jahr gastiert die Band bereits zum vierzehnten Mal kurz vor Heiligabend in Köln. Am Nachmittag des Konzertes machen wir uns auf ins Palladium, um Frontmann Justin Sullivan zu treffen. Im Backstagebereich herrscht leichte Hektik, weil man etwas dem Zeitplan des Tages hinterherhinkt, aber schließlich finden wir doch ein ruhiges Plätzchen im Bandraum. Marshall Gill klimpert auf seiner Gitarre herum, während Dean White und Michael Dean angestrengt im Internet surfen. Justin Sullivan macht es sich auf dem Sofa bequem, nimmt einen tiefen Zug aus seiner E-Zigarette und beantwortet entspannt die Fragen unseres Chefredakteurs Thomas Kröll.
Ihr seid jetzt seit Ende September auf Tour. Wie sieht so ein typischer Tourtag bei euch aus?
Justin Sullivan: Das kommt darauf an in welchem Land wir gerade sind. In Deutschland sieht das ungefähr so aus wie hier. Wir sitzen zusammen und reden über alles Mögliche. In der Zeit erledigt die Crew ihre Arbeit. Wenn sie fertig ist machen wir unseren Soundcheck und danach schlafen wir vielleicht noch ein wenig. Dann spielen wir unser Konzert und nach dem Konzert gehen einige von uns noch in die Stadt, um etwas zu trinken und der Rest ins Bett. Am nächsten Tag besteigen wir unseren Bus und fahren zum nächsten Konzert. Wir reden viel miteinander. Andere Bands schauen sich stattdessen Filme an. Das machen wir aber kaum, weil es immer so viele Dinge zu erzählen gibt. Ich glaube der Grund dafür ist, dass jeder in der Band und in der Crew einen anderen Background und eine andere Lebensgeschichte hat. Die Gesprächsthemen gehen so nie aus. Sogar nach drei Monaten auf Tour finden wir immer noch Dinge über die wir sprechen können.
Köln ist heute die vorletzte Station der Tour. Das Weihnachtskonzert hier ist für euch und die Fans inzwischen zu einer Art Tradition geworden. Immerhin seid ihr bereits zum vierzehnten Mal zu Gast. Habt ihr dabei auch eine spezielle Beziehung zur Stadt aufgebaut?
Justin Sullivan: Ich glaube, jeder liebt Köln. Die Leute kommen gerne hierher, weil es eine so liberale Stadt ist. Köln hat eine schöne Atmosphäre, es gibt viele Orte, wo man hingehen kann. Der Dom ist eines der sonderbarsten Wunder dieser Welt. Wie ein außerirdisches Raumschiff vom Planeten Goth, das in einer ansonsten modernen Stadt gelandet ist (lacht). Das ist sehr außergewöhnlich. Dann ist da noch der Rhein… es ist nicht schwer diese Stadt zu mögen.
Als wir uns das letzte Mal unterhalten haben hast du gesagt, dass du gerne mal ein Fußballspiel im Kölner Stadion besuchen würdest. Hast du das mittlerweile geschafft?
Justin Sullivan: Gibt es nicht zwei? Das andere ist doch in Leverkusen. Aber das gehört nicht zu Köln, oder?
Nein, eindeutig nicht. Das ist der falsche Verein.
Justin Sullivan: Oh mein Gott, sorry (lacht). Wir sprechen vom FC Köln. Leverkusen ist woanders. Alles klar! Aber ich war immer noch nicht hier im Stadion. Eines Tages werde ich das aber sicher noch tun. Ein paar andere Stadien in Deutschland habe ich allerdings schon gesehen. Doch keine Sorge, Leverkusen war nicht dabei.
Heute abend habt ihr zwei Special Guests auf der Bühne. Zum ersten Tobias Unterberg am Cello und zum zweiten Ed Alleyne-Johnson, der in der Vergangenheit schon unzählige New Model Army-Konzerte auf seiner Violine begleitet hat.
Justin Sullivan: Das ist richtig. Als wir “Thunder And Consolation” aufnahmen, komponierten wir “Vagabonds” auf dem Keyboard, bis Robert (Heaton, der damalige Schlagzeuger, Anm.d.Red.) sagte: Wir brauchen einen richtigen Violine-Spieler. Damals waren wir in der Nähe von Oxford und fragten alle im Studio, ob sie einen solchen Violine-Spieler kennen, bis jemand sagte: Ja, ich kenne diesen Typen, der Ed heisst. Wir luden ihn also zu den Aufnahmen von “Vagabonds” in unser Studio ein und als er auftauchte, war es von beiden Seiten wie Liebe auf den ersten Blick. Besonders das Intro zu “Vagabonds” spielte er wirklich wundervoll. Da wir gerade auch jemanden brauchten, der Keyboard spielt, nahmen wir ihn mit auf Tour und er spielte vier Jahre lang Keyboard und Violine auf unseren Konzerten. Irgendwann wollte er sich dann wieder mehr um seine Solo-Aktivitäten kümmern. Und wir hatten das Gefühl, dass wir irgendwie festgefahren waren in der Folkrock-Welt. Gerade als diese Welle begann so richtig erfolgreich zu werden beschlossen wir etwas anderes zu machen. Das Ergebnis war “The Love Of Hopeless Causes”, das ein richtig hartes Rockalbum ist. Wir trennten uns in aller Freundschaft, hielten aber immer Kontakt. Vor kurzem haben wir in Manchester gespielt und Ed rief mich an und sagte: Ihr seid in Manchester? Kann ich vorbeikommen und mit euch spielen? Ich sagte: Natürlich kannst du das. Und beim Weihnachtskonzert in Köln hätten wir dich auch gerne dabei. Das einzige Problem heute ist, dass die Fluggesellschaft seine Violine verloren hat. Wir mussten uns eine leihen, aber ich hoffe er kommt damit klar.
Lass uns über euer neues Album “Between Dog And Wolf” sprechen. Welche Intention steckt hinter dem Titel?
Justin Sullivan: Es ist eine Art Neuerfindung. Weisst du, wir haben eine Reihe Folkrockalben gemacht und wir brauchten etwas Neues. Nehmen wir zum Beispiel “Today Is A Good Day”. Du schreibst Songs, du arrangierst sie, du gehst ins Studio und nimmst sie zusammen auf. So haben wir das die letzten beiden Alben getan und diesmal wollten wir es anders machen. Michael (Dean, der aktuelle Schlagzeuger) und ich sprechen schon lange darüber den Drumsound vielschichtiger zu machen. Nelson (eigentlich Peter Nice, Bassist bis 2012) verließ zu dieser Zeit gerade die Band aus familiären Gründen und Ceri (Monger) stieß dazu. Einer der Gründe, warum wir uns für Ceri entschieden, war dass er nicht nur ein guter Bassist, sondern auch ein guter Schlagzeuger ist und für das, was wir vorhatten brauchten wir einen zweiten Schlagzeuger auf der Bühne. Früher haben wir zwar auch Alben mit guten Songs gemacht, aber sie waren meist nicht gut abgemischt. Das Ergebnis war nicht immer befriedigend. Darüber haben wir viel nachgedacht. Wir lieben Tom-Tom-Rhythmen, schwere Schlagzeugsounds, das Gefühl des tiefen Basses und dunkel gestimmte Gitarren. Auf “Between Dog And Wolf” haben wir das Schlagzeug sehr viel mehr in den Vordergrund gestellt und auch ich habe mich beim Gesang zurückgenommen. Wir haben alleine eine Woche in London damit verbracht die Drumparts aufzunehmen. Auf Tape und nicht am Computer. Das macht einen grossen Unterschied in der Qualität aus. Danach nahmen wir den Rest in Angriff und in manchen Fällen schrieben wir die Songs erst nachdem wir das Schlagzeug dazu aufgenommen hatten. Am Ende war der Plan einen absoluten Topmann als Mixer zu verpflichten und wir fanden Joe Barresi, was eine sehr gute Entscheidung war. Du weisst ja was er tut. Er ist einer der Besten.
In den letzten vier Jahren sind viele Dinge passiert. Der Tod von Tommy Tee (langjähriger Manager von New Model Army), der Brand in eurem Studio oder der Diebstahl eures Equipments. Würdest du das Album deshalb auch als eine Art Neuanfang für euch bezeichnen?
Justin Sullivan: Ja, in der Tat. Das ist das Album, das wir schon immer machen wollten. Und diese ganzen Dinge, die passiert sind, haben es nur verzögert. Als wir im Sommer letzten Jahres schließlich damit begannen, ging alles sehr schnell. Wir waren schon im Februar komplett fertig.
Ihr habt eure Sache offensichtlich sehr gut gemacht. Mit “Between Dog And Wolf” gelang euch der höchste Charteinstieg in England und Deutschland seit 1993.
Justin Sullivan: Ja, aber glaube niemals das, was du in den Charts siehst (lacht). Trotzdem ist es natürlich ein schöner Erfolg.
Ich habe mir die Setlisten der bisherigen Tour mal angeschaut und dabei ist mir aufgefallen, dass ihr regelmäßig acht oder neun Songs des neuen Albums live spielt, was eher ungewöhnlich für euch ist. Zeigt das auch den Stolz, den ihr für “Between Dog And Wolf” empfindet?
Justin Sullivan: Oh ja, wir sind definitiv stolz darauf.
Du bist als ein sehr kritisch denkender Mensch bekannt, gerade wenn es um Politik geht. Die Texte auf “Between Dog And Wolf” sind sehr viel weniger politisch als die Texte auf, sagen wir mal, “Today Is A Good Day”. Glaubst du inzwischen, dass die Menschheit nichts mehr aus ihren Fehlern der Vergangenheit lernen wird und dass sich Geschichte sowieso irgendwann wiederholt?
Justin Sullivan: Das habe ich tatsächlich lange Zeit geglaubt. Auf “Today Is A Good Day” ist all das, was wir zum Börsenchrash von 2008 und seinen Folgen sagen wollten. Es erschien mir also nicht nötig, das nochmal zu sagen. Ich sitze ja nicht da und denke ständig darüber nach, in welcher Gesellschaft ich eigentlich lebe. Auf diesem Album gibt es auch einen Song über die Revolution in Ägypten. Meine Schwester lebt in Kairo und ich habe sie dort 2011 besucht. Darüber habe ich dann diesen Song geschrieben. Die meisten Songs handeln aber einfach über Menschen und ihre Beziehungen zueinander. Es ist eine Mischung aus meinen eigenen Erfahrungen und denen anderer Leute. Manchmal werde ich gefragt, was hinter diesem oder jenem Song steckt. Ich möchte dazu dann gar nicht viel sagen, weil ein Song immer von den Erfahrungen besetzt werden soll, die der Hörer selbst damit verbindet. Er soll sich seine eigene Interpretation dazu basteln.
Nächstes Jahr im Januar soll eine Filmdokumentation von Matt Reid über die Bandgeschichte von New Model Army erscheinen. Was können wir davon erwarten?
Justin Sullivan: Es wird wohl nicht im Januar, sondern irgendwann später im Jahr sein. Es ist in erster Linie sein Film und nicht unserer. Er ist auf uns zugekommen und hat gefragt, ob er einen Film über uns machen kann. Und es ist auch keine vollständige Zusammenfassung der Bandgeschichte, denn er kann keine 33 Jahre in einen Film packen. Der Film wird aber interessant sein für Leute, die noch nichts über New Model Army wissen. Es ist kein Film, den wir uns ausgesucht haben zu machen. Es ist seine sehr eigene Sicht der Dinge und spiegelt eine bestimmte Zeit unserer Geschichte wider. “Thunder And Consolation” war das Album seiner Jugend und so handelt der Film vorwiegend von dieser Ära. Ich hasse den Film, weil ich die Vergangenheit hasse (lacht). Aber ich glaube trotzdem, dass es ein interessanter Film wird.
Das hoffe ich auch. Letzte Frage: Feierst du Weihnachten und wenn ja, wie?
Justin Sullivan: Das ist in jedem Jahr anders. Weihnachten ist ja eine deutsche Erfindung. Wusstest du das?
Nein. Eine deutsche Erfindung?
Justin Sullivan: Ja. Wieviele Bäume kommen in der Bibel vor? Früher gab es den Brauch am Jahresende all die Dinge zu essen, die sich nicht aufheben ließen. Man nannte das ein Fest des Lichts, um den kalten Winter und den Wechsel der Jahreszeiten zu feiern. Ab heute werden die Tage übrigens auch wieder länger. Wir nähern uns langsam wieder dem Sommer. Aber dieses ganze grosse Ding mit den Kerzen und dem Weihnachtsbaum ist deutsch. Es kam nach England mit Albert, dem deutschen Mann von Königin Victoria und wurde modern. Als Charles Dickens dann seine berühmte Weihnachtsgeschichte schrieb, wurde damit eine spezielle Version von Weihnachten etabliert und verbreitete sich rund um die Welt. Auch nach Amerika. Aber in Amerika hat Thanksgiving eine viel grössere Bedeutung. Das Weihnachten, das wir kennen, kommt aus Deutschland und von Charles Dickens.
Wieder was gelernt. Vielen Dank dafür und für das Interview!
Ein grosses Dankeschön geht auch an Oliver Bergmann (Oktober Promotion) für seine Unterstützung bei der Vermittlung dieses Interviews!
Einen Bericht über das New Model Army-Weihnachtskonzert im Kölner Palladium findet ihr hier!
Kaum zu glauben, aber wahr. Papa Roach feiern 2013 ihr 20-jähriges Bestehen. Grund genug für eine kleine Unterhaltung mit den Schabenvätern vor ihrem Auftritt in Köln. Gitarrist Jerry Horton gab MHQ-Redakteur Marc Brüser Auskunft über die Entwicklung der Band, Ex-Member Dave Buckner und über einen Menschen, der es nicht verdient hat, an dieser Stelle genannt zu werden.
Jerry, wie geht’s dir? Ihr hattet gerade ein Meet and Greet oder?
Jerry: Ja, ein paar Kids haben mit uns Fotos gemacht, sich mit uns unterhalten. Das Übliche, was man halt so bei Meets & Greets macht.
Ich habe auf deiner Seite gesehen, dass du ein leidenschaftlicher Fotograf bist. Warst du heute schon unterwegs?
Jerry: Nicht heute, aber gestern. Köln bietet ja ein paar ganz schöne Spots zum Fotografieren, wie etwa den Dom. Wir waren ja auch schon sechs oder sieben Mal hier und kennen die Stadt ein wenig. Wir gehen zum Beispiel immer zu einem Thailänder essen. Der Laden heißt „Thai Haus” und ist echt super.
Euer Sound hat sich im Laufe der Jahre mehrfach geändert. „Infest” und „The Connection” kann man meiner Meinung nach schwer bis gar nicht mehr vergleichen. Welches Album würdest du Leuten empfehlen, die vorher noch nie etwas von Papa Roach gehört haben? Sofern es solche Leute überhaupt noch gibt…
Jerry: Puh…gute Frage. Ich würde ihnen glaube ich am ehesten „Getting Away With Murder” nahelegen, weil es in unserer Diskographie jetzt ungefähr in der Mitte liegt. Das Album war auch der erste richtige Stilbruch der Band. „Infest” war ja das Album, was jeder absolut geliebt hat. Es zeigt aber einfach nicht wer wir sind, zumindest jetzt nicht mehr.
Nervt es dich sehr, dass bei jedem Album-Release direkt der Vergleich zu „Infest” gezogen wird?
Jerry: Das machen die Leute halt, da kann man leider auch nichts dran ändern. Wir haben uns damit arrangiert, mehr aber auch nicht.
Wenn wir gerade schon über die Vergangenheit sprechen: Seid ihr immer noch in Kontakt mit eurem ehemaligen Drummer Dave Buckner?
Jerry: Wir hatten einen Auftritt auf einem Festival in Sacramento im August und er hat mit uns dort „Last Resort” gespielt. Ich bin wirklich froh, dass es ihm wieder etwas besser geht. Vor allem hat er ordentlich Gewicht verloren, was wirklich gut für seine Gesundheit ist.
War das auch ein Grund, warum er die Band nach eurem vierten Album „The Paramour Session” verlassen hat?
Jerry: Das war in erster Linie wegen seines starken Drogenproblems. Manche können den Konsum kontrollieren, er war definitiv dazu nicht in der Lage. Dauernd gab es Diskussionen und er war durchgehend beschissen drauf. Die Situation hat die Band gerade in der Zeit sehr belastet. Ich denke, es war für alle Beteiligten das Beste, dass Dave ausgestiegen ist, besonders für ihn.
Du bist ja das beste Beispiel dafür, dass es auch anders gehen kann. Du hast selbst „Straight Edge” (Verzicht auf Drogen jeglicher Art sowie das Essen von Tieren und der Zunahme tierischer Produkte, Anm.d.Red.) als Lebensstil gewählt.
Jerry: Ja, ich behalte das normalerweise auch für mich, aber du hast recht.
Die nächste Frage betrifft Papa Roach eigentlich gar nicht, wenn du keinen Bock hast, musst du hierauf auch nicht antworten. Ian Watkins, Sänger der Band „Lostprophets” gab heute vor Gericht zu, sexuelle Handlungen mit mehreren Minderjährigen gehabt zu haben. Außerdem gestand er ebenfalls, dass er versucht hat ein elf Monate altes Baby zu vergewaltigen. Lostprophets und Papa Roach sind ungefähr zur selben Zeit bekannt geworden, haben auch auf einigen Festivals zusammen gespielt. Kanntest du Ian gut und was für einen Eindruck hat er damals auf dich gemacht?
Jerry: Es ist einfach traurig, so etwas zu hören. Dieser Mensch ist auf jeden Fall nicht richtig im Kopf! Ich werde nie verstehen, wie jemand so etwas Ekelhaftes auch nur versuchen konnte. Wir haben nie eine Tour mit ihnen gespielt, ich habe ihn einmal auf einem Festival getroffen. Die anderen könnten dir bestimmt mehr darüber erzählen. Ehrlich gesagt bin ich auch nicht so der Typ, der mit Leuten nach Shows gerne rumhängt, ich habe dann immer lieber meine Ruhe (lacht).
Als Interview-Partner hast du dich gut geschlagen. Vielen Dank für die Zeit!
Ein weiterer Dank geht an Peter Klapproth von Pirate Smile, der uns dieses Interview ermöglicht hat.
