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Oktober 2021

Alen Drive_Ghostland

Alien Drive: „Ghostland“ – Alternative Rock aus Berlin im Britpop Gewand

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Die Berliner Alternative Rockband ALIEN DRIVE bietet einen Sound, der sich am Britpop anlehnt und zugleich eine Prise Bitterkeit der Grunge-Ära in sich trägt. Dass das ganz gut zusammenpasst, hat man bereits vor sechs Jahren mit dem Debüt „Are You Enemy?“ bewiesen. Die Band bietet starke Gitarren und melodische Vocals – mal seicht, mal kratzig.

Das neue Album „Ghostland“ handelt von der Suche nach der verlorenen Liebe und dem verlorenen Gott. Der Opener „Victims on the Broadway“ lässt bereits vorausahnen, dass es hier kein Happy End geben wird. So startet das Album mit dem „Goodbye“ einer weiblichen Stimme, die sogleich von einer Gitarrenwand erstickt wird. Es ist die Stimme einer real verlorenen Liebe und eines zu früh beendeten Traumes, die ALIEN DRIVE mit leidenschaftlicher Verzweiflung in der emotionalen Wüste von „Ghostland“ suchen. Eine Suche, die sich auf der Platte in unterschiedlichen Formen präsentiert – mal anklagend, mal energisch, mal hoffnungsvoll und schließlich bitter.

Meist sind es hymnische Songs mit starken Gitarren und einer eindringlichen Stimme, die immer etwas Punk in sich trägt. Die zugrunde liegende Melancholie wird vor allem in Balladen wie „Killerboy“ deutlich und auch der tragische Abschluss „Mind Erased“ ist sehr balladesk angelegt.

„Ghostland“ funktioniert hervorragend als Konzeptalbum einer emotionalen Reise durch das Selbst. Sänger und Leadgitarrist Marco Pirolo führt das Quintett gekonnt durch seine Welt aus Verzweiflung und unerfüllten Hoffnungen. Das Album endet mit der nüchternen Erkenntnis der Kapitulation – wie ein tragischer Film ohne Happy End.

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Dream Ocean_Cover

Dream Ocean: neues Album der türkisch-deutschen Symphonic Wunderkinder

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DREAM OCEAN gründeten sich im Jahr 2010 in Istanbul und sind maßgeblich von Szene-Giganten wie NIGHTWISH, EPICA und EVANESCENCE inspiriert. Das Debütalbum „Lost Love Symphony“ erschien im Jahr 2018 und überzeugte von Beginn an. Ganz weit vorne steht die starke Stimme von Frontfrau Başak Ylva, die zunächst in der Türkei Operngesang studierte, bevor sie nach Deutschland wechselte und ihren Master an der Kölner Hochschule für Musik und Tanz vollendete.

Nach ihrer massiv erfolgreichen Crowdfunding-Kampagne ist die Band mit ihrem zweiten Studioalbum “The Missing Stone” am Start, das am 24. September veröffentlicht wurde. “Composition of the Chaos / pursuing his long lost dreams” schmettern sie auf ihrer bildgewaltigen Videosingle “As I Die”, die parallel zum Album erschienen ist. Es könnte kaum eine bessere Umschreibung für die Bindung zwischen diesem Album und der Band geben, was sich nicht zuletzt auch im Track “Daydreamer / Uyan” widerspiegelt. Der Song ist eine Neuinterpretation einer ihrer ältesten Tracks, eingesungen auf Englisch sowie in der Originalsprache Türkisch. Mit feinsinnigen Harmonien und dem kunstvollen orchestralen Kern ihrer Musik gelingt es DREAM OCEAN auf einzigartige Weise, unbändige Emotionen zu transportieren. Eine Fähigkeit, die Fans und Kolleg*innen gleichermaßen zu schätzen wissen.

Orchestraler Bombast und ein metallisches Riffgewitter beherrschen den Sound. Düstere Growls bieten bisweilen einen scharfen Kontrast zum weiblichen Gesang. Da kommen Erinnerungen an die Zeiten auf, als Tarja Turunen noch den Klang von Nightwish beherrschte. Hier überwiegt eine beeindruckende Vielfalt, seien es die ethnischen Elemente von „Dark Miracles“ oder der mehrstimmige Chor im epischen Titeltrack.

Başak Ylvas Lyrics nehmen die Hörer*innen mit auf eine Reise in das psychologische Labyrinth der Gedankenwelt einer jungen Frau, die sich sowohl in ihrer Umwelt als auch in ihrem eigenen Empfinden als Gefangene sieht. Der Schlüssel für ihr Überleben und Entkommen ist das Finden des sagenumwobenen „Missing Stone“ in einer Welt, die gleichermaßen erbarmungslos real und mysteriös ist. In zehn Songs werden die Fans in eine dunkle, flammende Hölle entführt, in betörende Höhen katapultiert, nur um danach wieder in brodelnde, gefährliche Tiefen hinab gerissen zu werden.

Das Album erzählt eine opernhafte Geschichte, die in ihrem Gesamtkonzept absolut zu überzeugen weiß. Die Mischung aus aggressivem Metal und klaren symphonischen Elementen trägt das Album durch seine gut konzipierte Story, die ganz auf Başaks ausdrucksstarke Mezzosopran-Stimme zugeschnitten ist. Genrefreunde, die eine Mischung aus klassischen, ochestralen Elementen mögen und sich im Symphonic Metal zuhause fühlen, werden ihre helle Freude daran haben.

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Deep Purple_Cover

Deep Purple präsentieren das Video „7 And 7 is“ aus dem neuen Album

Nachdem Deep Purple die weltweite Rock Community mit der Ankündigung ihres neuen Albums „Turning To Crime“ nur 15 Monate nach ihrem letzten Studioalbum „Whoosh!“ überrascht haben, feiern sie gerade die Premiere des offiziellen Videos zu ihrer ersten Single „7 And 7 Is“. Das Video gewährt einen exklusiven Blick hinter die Kulissen bei der Entstehung des neuen Albums. Ein Album, das an getrennten Orten aufgenommen wurde und – zum ersten Mal in ihrer Karriere – ohne, dass Deep Purple im selben Raum zusammen spielen und aufnehmen konnten.

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Produziert von SkyFire76 in Zusammenarbeit mit earMUSIC, ist die 40-minütige Dokumentation „Locked Up: The Making Of Turning To Crime“ als DVD Digipak und Blu-ray erhältlich, jeweils limitiert und nummeriert auf 1.000 Exemplare weltweit. Die DVD ist auch Teil des exklusiven und limitierten 5x12inch Vinyl Box Sets und enthält den brandneuen Song „(I’m A) Roadrunner“. Diese Formate sind exklusiv über den offiziellen Album-Shop der Band erhältlich.

„Turning To Crime“ ist das erste Studioalbum von Deep Purple, das ausschließlich aus Songs besteht, die nicht von der Band selbst geschrieben und zuvor von anderen Künstlern aufgenommen wurden. Es wurde von Bob Ezrin produziert und wird am 26. November 2021 bei earMUSIC erscheinen.

DEEP PURPLEs Studioalbum „Whoosh!“, ein Album, das durch prestigeträchtige Chart-Erfolge gekrönt ( drei aufeinanderfolgende #1 in Deutschland sowie #4 in Großbritannien) und von Kritikern gelobt wurde. Zudem stellte der letzte Teil der „time trilogy“ die kreative Stärke einer Band heraus, die sich mit jeder Veröffentlichung weiterentwickelt.

Die „time trilogy“, bestehend aus „NOW What?!“ (2013), „inFinite“ (2017) und „Whoosh!“ (2020) hat über 1 Million Alben verkauft, 11 Mal die Charts angeführt und mehr als 40 Top-10-Platzierungen weltweit erreicht.

Tracklisting:
01. 7 And 7 Is
02. Rockin‘ Pneumonia And The Boogie Woogie Flu
03. Oh Well
04. Jenny Take A Ride!
05. Watching The River Flow
06. Let The Good Times Roll
07. Dixie Chicken
08. Shapes Of Things
09. The Battle Of New Orleans
10. Lucifer
11. White Room
12. Caught In The Act (Medley)

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Unheilig_Lichterland

Single „Lichtermeer“ aus der neuen UNHEILIG – Best Of „Lichterland“

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Der Unheilig-Song “Lichtermeer” existierte bislang nur in einer Demo-Version. Dieser war bisher regelrecht versteckt und befand sich auf der Bonus-CD des “Hallo Leben” Albums der befreundeten Sängerin Sotiria für deren Debutalbum Der Graf 2015 und 2016 Songs komponiert und geschrieben hatte. Das balladeske Kleinod wurde nun vom Unheilig Produzententeam im typischen Unheilig Soundgewand ausproduziert und erscheint am 15.10. als digitale Single mit dazugehörigem Video.Im Text des Songs geht es für den Protagonisten um Aufbruch (“Ein neuer Tag beginnt” oder „Neuland liegt vor mir“), aber auch um den Respekt vor solch eminenten Schritten (“Bin glücklich, doch hab Angst”).

“Lichtermeer” ist zugleich Vorbote für die neue Best Of-Kollektion “Lichterland”, die ab 12.11. in verschiedenen Formaten erhältlich sein wird, u.a. auch als limitiertes großformatiges Box Set mit 4 CDs samt unveröffentlichtem “Weihnachtslichter”-Album und den Audio-Aufnahmen vom Kölner Abschiedskonzert in 2016.

Das absolute Highlight ist natürlich das großformatige und auf 6.000 Stück limitierte Box Set. Es beinhaltet neben dem genannten Deluxe-Package auf zwei CDs auch die Audio-Aufnahmen des längst legendären Abschiedskonzertes im Kölner Rheinenergie-Stadion vom 10. September 2016, das bisher nur auf DVD vorlag. Zwei weitere exklusive Items ergänzen diese hochwertige Sammler-Edition. Eine nur in der Box erhältliche Unheilig-Kerze im 3D Logo Design, zum anderen eine 10″ Glow-in-the-Dark-Vinyl mit 4 Tracks des „Weihnachtslichter“-Albums.  Sprich diese Scheibe leuchtet im Dunkeln, genau wie das Artwork des Box Sets selbst übrigens auch.

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James Morrison_c_Parri Thomas

James Morrison veröffentlicht Album mit neuen Versionen der größten Hits

Nach der Ankündigung einer „Greatest Hits“ UK Tour, die im März 2022 startet, freut sich James Morrison Details zu seinem ersten „Greatest Hits“ Album bekannt zu geben, das am 11. Februar 2022 erscheinen wird. Auf dem Album wird es 2 neue Titel geben, die heute erschienene Single „Who’s Gonna Love Me Now?“  sowie mit „Don’t Mess With Love“ einen weiteren neuen Titel der exklusiv auf dem Album zu hören sein wird.

Im Rahmen der Bearbeitung seiner „Greatest Hits“ kehrte James Morrison mit seinem langjährigen Produzenten Mark Taylor ins Studio zurück, um mit seiner regulären Live-Band neue Versionen von dreizehn seiner klassischen Songs aufzunehmen. James greift auf fünfzehn Jahre Erfahrung zurück, um den Liedern neues Leben einzuhauchen. Seine Stimme ist nicht nur reifer geworden – mit einem reicheren, tieferen, gefühlvolleren Timbre -; seine Live-Auftritte haben weitere Schichten enthüllt, die in vielen Fällen andere Elemente als die Originalaufnahmen betonen.

Und so wie die Fans ihre Interpretationen seiner Texte im Laufe der Zeit ändern werden, so tut es auch James. Er war gerade einmal 21 Jahre alt, als er zum ersten Mal ins Rampenlicht trat, und hat in den vergangenen Jahren so viel erlebt: eine langjährige Beziehung, Kinder, den Verlust von Familie und Freunden, große Karrierehöhepunkte und Momente des Zweifels. All diese Dinge haben ihn – manchmal direkt, manchmal unterschwellig – dazu inspiriert, seine Originaltexte neu zu interpretieren, und das Ergebnis ist so gut wie nie zuvor.

James Morrison kommentiert: „Es ist fünfzehn Jahre her, dass ich angefangen habe, Musik zu veröffentlichen, und viele meiner Songs haben im Laufe der Zeit ein neues Eigenleben entwickelt: es entstanden neue Emotionen, neue Bedeutungen und neue Gefühle, sowohl durch die Art, wie ich sie vortrage, als auch durch die Art, wie meine Band sie spielt. Ich bin auch ein besserer Sänger geworden und präsentiere die Songs jetzt auf andere Weise. 

All das wollte ich auf diesem ‚Greatest Hits ‚Album mit überarbeiteten Versionen wiedergeben. Ich liebe alle Originalaufnahmen. Sie haben mich dorthin gebracht, wo ich heute bin, aber ich sehe diese neuen Versionen als ihre älteren Geschwister, und ich liebe sie auch sehr. Ich bin sehr zufrieden damit, was wir hier erreicht haben.“

Die neue Single „Who’s Gonna Love Me Now?“ zeigt, dass sein Songwriting-Talent so stark ist wie immer. Die raue, soulähnliche Stimme von James trifft die Essenz des schmerzhaften Themas des Songs, während die Instrumentierung die Gefühle unterstreicht. Das Lied beginnt wie ein Motown-Song des 21. Jahrhunderts und erwacht dann mit gewaltigen, pochenden Beats zum Leben, die ihn direkt in den gegenwärtigen Tag versetzen, ohne dabei die Wärme zu verlieren, die ein wesentliches Merkmal des Stils dieses Künstlers ist.

Seine Fähigkeit, sich neu zu erfinden, nimmt auf dem Greatest Hits-Album verschiedene Formen an. Die popartige Produktion und durch die Stimme von Nelly Furtado ist „Broken Strings“ eine weitaus düsterere Erfahrung, die eine tiefere emotionale Wirkung entfaltet. Sein Durchbruch „You Give Me Something“ hat einen mit Nuancen gefüllten Live-Charakter, nicht nur innerhalb der Musik, sondern auch durch seinen bluesigen Ton, während „I Won’t Let You Go“ eine gospelartige Energie entwickelt. Und „You Make It Real“ ist ein besonders gutes Beispiel dafür, wie James alle Höhen und Tiefen, die mit Langzeitbeziehungen einhergehen, in ein Liebeslied formt, das direkt aus dem Herzen kommt.

Beide Versionen der Songs existieren ganz natürlich nebeneinander. Die Originale haben immer noch die Frische, die sie am Anfang hatten, aber jetzt sind sie mit einer Fülle von Erinnerungen verbunden. In der Zwischenzeit zeigen die neueren Versionen, dass sich ein großartiger Song im Laufe der Zeit sehr organisch entwickeln kann, vor allem, wenn die Fähigkeiten eines Künstlers mit der Zeit wachsen.

Das „Greatest Hits“-Album erinnert an viele der wichtigsten Momente in James Morrisons Karriere und enthält neue Versionen aller fünf seiner Top-10-Singles. Seine Nr.-1-Alben „Undiscovered“ (5 x Platin für 1,5 Millionen Verkäufe) und „The Awakening“ sind beide stark vertreten, aber auch Ausschnitte aus „Songs For You, Truths For Me“ (#3), „Higher Than Here“ (#7) und „You’re Stronger Than You Know“ (#14).

Nachdem er zu Beginn seiner Karriere den BRIT Award als British Male Solo Artist gewonnen hat, wurde James kürzlich von der legendären Songwriterin Diane Warren eingeladen, auf ihrem aktuellen Album „The Cave Sessions, Vol. 1“ mit Leona Lewis mitzuwirken. Es ist seine zweite große Zusammenarbeit im Jahr 2021 , nachdem der bekannte Songwriter Paul Weller ihn gebeten hatte, im Rahmen seiner Live From The Barbican-Show im Duett mit Jules Buckley und dem BBC Symphony Orchestra „Broken Stones“ zu singen. Ihr Auftritt wurde als Leadsingle aus Wellers kommendem Album „An Orchestrated Songbook“ veröffentlicht, das am 3. Dezember erscheint. Außerdem hat er bereits mit Gary Barlow, Nelly Furtado, OneRepublic und Joss Stone zusammengearbeitet.

Greatest Hits-Tracklist :

  1. ‘Who’s Gonna Love Me Now?’
  2. ‘Don’t Mess With Love’
  3. ‘You Give Me Something’
  4. ‘Broken Strings’
  5. ‘Wonderful World’
  6. ‘I Won’t Let You Go’
  7. ‘You Make It Real’
  8. ‘This Boy’
  9. ‘Precious Love’
  10. ‘Please Don’t Stop The Rain’
  11. ‘Too Late For Lullabies’
  12. ‘My Love Goes On’ (featuring Joss Stone)
  13. ‘So Beautiful’
  14. ‘Up’
  15. ‘The Pieces Don’t Fit Anymore’
TomWalker

Tom Walker macht gemeinsame Sache mit Rapper Masked Wolf

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Tom Walker veröffentlicht erstmals seit zwei Jahren neues Material: „Something Beautiful“ ist eine mitreißende, tief empfundene Kollaboration mit dem griechisch-australischen Rapper Masked Wolf.

Der Song, dessen Herzschlag akustisch ist und von einem gewaltigen Trap-Beat angetrieben wird, wurde von Tom Walker, Masked Wolf und Steve Mac geschrieben und von Mac produziert: Kurz nachdem Masked Wolf den Anfang gemacht hat, betritt Toms unverkennbare Stimme die Arena in Höchstform und sorgt für einen ganz besonderen Moment dieser aufregenden neuen Veröffentlichung.

„Ich arbeitete schon eine Weile an dem Song, als ich ‚Astronaut In The Ocean‘ hörte und wir Masked Wolf fragten, ob er Lust hat, einen Blick drauf zu werfen“, erzählt Tom. „Nach ein paar Stunden schickte er eine Strophe zurück, die genau das war, was der Song brauchte. Ich hatte schon alles Mögliche mit verschiedenen Strophen ausprobiert, nie war das Richtige dabei – aber sobald wir Masked Wolf mit an Bord hatten, funktionierte der Song einfach!“

Masked Wolf fügt hinzu: „Als ich den Song hörte, dachte ich: ‚Was in Gottes Namen ist das?!‘ Da war so viel Emotion drin, dass ich eine Gänsehaut bekam und mich einfach sofort darauf stürzen musste. Ich hatte das Gefühl, direkt eine Verbindung zu Toms Text zu haben, weil ich es liebe, über Emotionen und Themen zu sprechen, die tatsächlich von Bedeutung sind.“

Masked Wolfs Bekanntheit ist mit der Wiederveröffentlichung seines Tracks „Astronaut in the Ocean“ im vergangenen Jahr exponentiell gewachsen. Der Song verzeichnete über 75 Millionen Streams in weniger als einem Monat und erreichte #4 in Australien sowie Platz 6 in den offiziellen Billboard Hot 100.

Tom Walker, dessen Bilanz weltweit die Marke von zwei Milliarden Streams geknackt hat, war im Jahr 2019 der meistverkaufte in UK gesignte Künstler und arbeitet derzeit an neuem Material. Ein neues Album ist für nächstes Jahr geplant.

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Thorsteinn

Thorsteinn Einarsson veröffentlicht Single mit spektakulärem Video

Nachdem Thorsteinn Einarsson mit seiner im Frühsommer erschienenen Hit-Single „Shackles“ eine Befreiungsschlag-Hymne ablieferte, veröffentlicht er am nun mit seinem neuen Track „Bridges Burn“ quasi eine Fortsetzung. Die eingängige Nummer hält dazu an, sich mit inneren Dämonen auseinander zu setzen, Fesseln zu erkennen, all das Negative in der Vergangenheit zu lassen und nach vorne zu blicken. Musikalisch und stimmlich ist „Bridges Burn“ eine von Thorsteinns anspruchsvollsten Nummern – schnelle Wechsel zur beeindruckenden Kopfstimme und ein powervoller Refrain auf Anschlag unterstreichen einmal mehr die unglaubliche Stimmgewalt des jungen Talents.

Das spektakuläre „Bridges Burn“ Video wurde von TFCITD (The First Cut Is The Deepest) produziert, die auch schon beim „Shackles“ Video mit Thorsteinn zusammenarbeiteten.

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1996 in Island geboren, aufgewachsen in Österreich, kann der Singer/Songwriter Thorsteinn Einarsson schon auf einige Erfolge zurückblicken: Für seine erste Hitsingle „Leya“ räumte er im Jahr 2015 einen Amadeus Austrian Music Award in der Kategorie „Songwriter des Jahres“ ab, sein Anfang 2016 erschienenes Album „1;“ erreichte auf Anhieb Platz #6 der österreichischen Albumcharts.

2019 erschien mit „Ingi“ Thorsteinns zweites Album, das auf Platz #4 der Österreichischen Charts einstieg. Daraus resultierend verzeichnete der junge Künstler weitere Erfolge: ausverkaufte Konzerte, TV-Auftritte und Airplay im In- und Ausland. Dies schlug sich auch auf seine Fanbase nieder, die on- und offline immer weiterwächst und den Künstler tatkräftig unterstützt.

Mit „Shackles“, seiner international bislang erfolgreichsten Single, ging im Juni 2021 die Reise weiter. Neben einigen neuen Tracks ist auch ein Album und eine große Tour bis Mitte 2022 geplant.

Bis heute wurden seine Songs 15 Millionen Mal gestreamt, es fanden 25.000 Einsätze auf österreichischen Radios statt und seine Videos wurden 3,5 Millionen Mal gesehen.

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Roland Kaiser – Der Grandseigneur des deutschen Schlagers war in Trier

Es war eine spannende Frage: Was wird mein erstes Arena-Konzert nach der langen Coronapause sein? Mit Roland Kaiser hätte ich nicht unbedingt gerechnet, doch er hat sich trotz aller Widrigkeiten entschieden, seine Deutschlandtour durchzuziehen und sich den jeweiligen Maßnahmen (die in den einzelnen Bundesländern sehr unterschiedlich ausfallen können) anzupassen. In der Arena Trier hieß das: 3G. War eigentlich recht unkompliziert. Der Einlass dauerte etwas länger, da ein entsprechender Nachweis geprüft wurde. Und auch am Platz herrschte Maskenpflicht. Ungewohnt – aber es verhinderte nicht das aufkommende Konzertfeeling in einer fulminanten dreistündigen Show.

Roland Kaiser ist mit 69 Jahren in Topform. Gerade erscheinen seine CD „Weihnachtszeit“ und die Biografie „Sonnenseite“. Dass der gebürtige West-Berliner ein bewegtes Leben hinter sich hat, ist unbestritten. Und daraus machte er auch in den Ansagen zu seinen Songs kein Geheimnis.

Los ging es pünktlich um 20 Uhr mit „Alles oder Dich“ vom aktuellen Album. Roland Kaiser erschien im eleganten Anzug mit Fliege zwischen der Band und den Streicherinnen, die für schöne Arrangements zu den Songs sorgten. Diese lieferten ein fast schon James-Bond-mäßiges Intro, das ganz zu Kaisers Auftreten passte. Kein Wunder, dass das Publikum schon zu den ersten Klängen aufstand und den Künstler mit Ovationen feierte.

Roland Kaiser hat es über Jahrzehnte geschafft, seine Würde zu bewahren und sich nicht in Ballermann-Hits und auf Oktoberfesten zu verlieren. Das sollte man im Zugabenblock merken, wenn keiner auch nur auf die Idee kam, ein „du geile Sau“ im Refrain von „Joana“ zu schmettern. Kaiser ist der Grandseigneur des deutschen Schlagers und klettert damit locker in die Fußstapfen von Udo Jürgens. Das heißt aber nicht, dass nicht gefeiert wurde. Schon der zweite Song „Dich zu lieben“ ließ die Party starten. Mit grandioser visueller Show auf den riesigen LCD-Wänden und einem trotz Maske sangesfreudigen Publikum.

Kaisers sonore Stimme ist einzigartig gut. Er trifft nicht jeden Ton perfekt, aber das tut der Show keinen Abbruch. Vielmehr zeigt es deutlich, dass er ohne Playback singt und mit fast 70 noch starke und charismatische Vocals liefert. Wenn man dabei bedenkt, dass seine Karriere vor elf Jahren nach einer Lungentransplantation beinahe zu Ende gewesen wäre, ist das mehr als beachtlich.

Musikalisch wurde alles geboten vom Disco-Schlagerbeat über filigrane Streicher und E-Gitarren bis hin zum rockigen Sound einer formidablen Liveband, die einige Überraschungen zu bieten hatte. Vom Saxofon-Solo bis zu Atmosphäre einer Aloha-Gitarre in „Santa Maria“.

Die Ordner hatten alle Hände voll zu tun, die begeisterten Zuschauer auf die Maskenpflicht hinzuweisen. Eine Sisyphus-Arbeit, die nicht immer von Erfolg gekrönt war. Im Zuschauerraum wurde getanzt und gefeiert. Zum letzten Song vor der Pause („Alles was du willst“) fanden sich gar einige Bewegungsfreudige zum klassischen Paartanz ein.

Das Konzert war perfekt gegliedert in zwei einstündige Teile von jeweils einer guten Stunde Länge, dazwischen eine 25minütige Pause und am Ende ein 25minütiger Zugabenblock. Ganze 32 Songs wurden geboten, darunter wenige Coverversionen. Eine davon war „Extreme“ im Original von Toto Cutugno. Die zweite kam nach der Pause mit „In the ghetto“. Roland Kaiser lud damit auf eine Zeitreise ins Jahr 1973 ein, als er zum ersten Mal im Tonstudio vor dem Mikro stand, diesen Song zum Besten gab und gleich einen 3-Jahres-Plattenvertrag einheimste. Den Grund konnte man direkt erkennen. Rolands tiefe und herzerwärmende Stimme interpretierte den Titel auch 48 Jahre später in der Arena Trier mit unglaublicher Stärke. Wer da zunächst ein böses „Blasphemie“ auf den Lippen hatte, wurde schnell eines Besseren belehrt.

Es gab keinen Unterschied zwischen den altbekannten Hits und neuen Schlagern wie „Liebe kann uns retten“, das Peter Plate (Rosenstolz) geschrieben hat. Kaiser muss nicht die Evergreens abnudeln. Er kann auch mit den neuen Stücken jederzeit überzeugen. Und wenn dann zu „Im 5. Element“ ein E-Cello erklingt, sind auch musikalisch keine (Genre-)Grenzen gesetzt.

Roland Kaiser erzählte gern aus seinem Leben. „Das schwierige Thema: Frauen“, sagte er zur Freude des Publikums, das durchaus gemischt war und keineswegs nur aus Frauen bestand. Auch der Altersunterschied war enorm groß und viele Generationen vertreten. Passend zur Ansage gab es zunächst „Ich bereue nichts“, bis Gitarrist Billy King mit dem Willie Nelson-Song „To All the Girls I’ve Loved Before“ einsetzte und ihn im Duett mit Roland beendete. Das waren wahrhaft große Momente.

Vor dem Zugabenblock wurde in der ganzen Arena gefeiert und viele Zuschauer hatten sich im Vorbereich der Bühne versammelt. Es gab ein wenig Gewusel, aber noch überschaubar genug, um vom Sicherheitspersonal geforderte Abstände einzuhalten. Direkt als erste Zugabe brachte Kaiser mit „Warum hast du nicht nein gesagt“ den Beweis, dass er auch im neuen Jahrtausend noch große Hits liefern kann. Den Part von Maite Kelly meisterte eine Backgroundsängerin mit Bravour.

Einige Klassiker fehlten noch. „Joana“ wurde begeistert aufgenommen und „Ich glaub es geht schon wieder los“. Die Band, die Backgroundsängerinnen und die Streicherinnen konnten nochmal alles aufbieten, doch dann wurde es ruhig und Roland kleidete seine Abschiedsworte an das Publikum in den Song „Bis zum nächsten Mal“.

Auch wer kein Schlagerfan ist, konnte hier ein einzigartiges Konzerterlebnis haben. Kaiser ist seinem Metier zwar immer treu geblieben, er lässt sich aber nicht in eine Schublade pressen. Die musikalische Vielfalt und die großen Showeffekte ließen ein begeistertes Publikum zurück, das die dreistündige Show sichtbar genossen hatte. Das Phänomen Roland Kaiser wird uns weiter begleiten – hoffentlich mit vielen Konzerten zum 70. Geburtstag in 2022.

Setlist – Roland Kaiser, Arena Trier, 15.10.2021

Alles oder Dich
Dich zu lieben
Wohin gehst Du
Kein Grund zu bleiben
Santa Maria
Lieb mich ein letztes Mal
Gegen die Zeit
Das Fenster zum Hof
Manchmal
Stark
Lebenslänglich Du
Engel brauchen Liebe
Was für ein Gefühl?
Extreme (Toto Cutugno)
Alles was du willst

PAUSE

Der Mann den du verdienst
In the Ghetto (Elvis Presley)
Lang nicht mehr gemacht
Schach matt
Liebe kann uns retten
Im 5. Element
Ich bereue nichts
To All the Girls I’ve Loved Before (Willie Nelson)
Kurios
Es kann der Frömmste nicht in Frieden leben
Amore mio
Manchmal möchte ich schon mit dir
Sag ihm, dass ich Dich liebe

ZUGABEN

Warum hast du nicht nein gesagt
Joana
Ich glaub es geht schon wieder los
Bis zum nächsten Mal

SANTANA_cover

Santana: Ein magisches Album voller Kollaborationen

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Wenn Gitarrenlegende Carlos Santana ein neues Album veröffentlicht, stellt sich stets die spannende Frage, wohin die Reise diesmal wohl geht. Es steht aber außer Frage, dass Qualität geboten wird. So auch beim neuen Werk „Blessings And Miracles“. Das Album „IV“ (2016) war eine Reise in die eigene Vergangenheit, „Africa Speaks“ (2019) ließ sich von der Musik des afrikanischen Kontinents inspirieren und auf dem aktuellen Album hat sich das who is who der Musikbranche ein illustres Stell-Dich-ein gegeben.

Nach dem kurzen mystischen Intro „Ghost Of Future Pull / New Light“ und dem fetzigen „Santana Celebration“ geht es in „Rumbalero“ sehr elektronisch zu. Da wird es schon sehr bunt zwischen Latin-Pop und Weltmusik. Doch damit hat Santana sein Pulver noch lange nicht verschossen. Der Albumtitel verspricht Segen und Wunder, damit gibt der Künstler viel Persönliches preis: „Der Titel dieses Albums spiegelt meine Überzeugung wider, dass wir alle mit himmlischen Kräften geboren werden, die es uns erlauben, Segen zu bringen und Wunder zu schaffen“, erklärt Santana. „Die Welt trimmt uns darauf zu glauben, dass wir dieser Gaben nicht würdig sind, aber wir müssen uns das Licht, den Geist und die Seele zunutze machen – sie sind unzerstörbar und nicht beeinflussbar. Und das sind auch die drei Hauptelemente auf diesem Album.“

Ein erstes Highlight ist der optimistische Poptitel „Joy“ mit Chris Stapleton. „Move“ mit Rob Thomas & American Authors verbreitet  beschwingte Energie und das Cover von „Whiter Shade Of Pale“ featuring Steve Winwood ist einfach wundervoll.

Daneben kollaboriert Santana mit einer Vielzahl von brillanten und ganz unterschiedlichen Künstlern, Autoren und Produzenten wie G-Eazy, Diane Warren, Chick Corea, Rick Rubin, Corey Glover, Kirk Hammett, Ally Brooke, Narada Michael Walden und vielen weiteren, um genreübergreifend arbeiten und einfach das Beste aus der Musik herausholen zu können. Darüber hinaus enthält das Album auch Gastauftritte von Santanas Tourband-Mitgliedern (darunter Schlagzeugerin Cindy Blackman Santana und Sänger Tommy Anthony), Keyboarder Salvador Santana, dem Sohn des Gitarristen, der beeindruckende Vocals beisteuert, als auch von seiner Tochter Stella Santana, die ebenfalls mit ihrer großartigen Stimme zu überzeugen weiß.

„Es ist schon erstaunlich, wie wir heutzutage miteinander arbeiten und aufnehmen können, ohne im selben Studio zu sein“, sagt der Gitarrenmeister dazu. „Ich schließe einfach meine Augen und bin im selben Raum mit demjenigen, mit dem ich spiele, auch wenn er eigentlich gar nicht da ist. Aber wir teilen die Frequenzen miteinander.“

Sentimentale Vocals liefert Ally Brooks zu „Break“ und „She’s Fire“ überrascht mit den starken Rap-Passagen von G-Eazy. Danach dominiert in „Peace Power“ wieder der Hippie-Flair und „America For Sale“ hat entsprechend gesellschaftskritische Lyrics zu bieten.

Zum Ende hin lässt Santana das Album mit sphärischen Stücken wie der romantischen Ballade „Breathing Underwater“, der schwärmerischen Gitarre von „Song for Cindy“ und den von Chick Corea veredelten floydesken Klängen von „Angel Choir/All Together“ ausklingen, bevor mit „Ghost Of Future Pull II“ der Kreis geschlossen wird.

Carlos Santana ist auch mit 74 Jahren noch innovativ und voller neuer Ideen. Sein Gitarrensound ist gesetzt, doch die Vielfalt, die er drumherum webt und weben lässt, ist einzigartig.

MATHEA

Mathea mit zweiter Single innerhalb einer Woche

Nachdem Mathea nach einer kleinen musikalischen Pause ihren sehr persönlichen Song „Wieder ich“ veröffentlichte, geht es direkt weiter mit „Paris“.

Ach, Paris… Die Stadt der Mode. Die Stadt der Lichter. Und allem voran: Die Stadt der Liebe! Nichts ist vergleichbar mit einem Spaziergang durch die malerischen Gassen von Montmartre, einem kleinen Café in einem Bistro und zum Abschluss noch der Panoramablick über die Stadt vom Eiffelturm aus. Für dieses Gefühl muss man aber manchmal gar nicht weit weg. Manchmal reicht es auch, einen ganzen Tag lang mit einer ganz besonderen Person im Bett liegen zu bleiben und einfach nichts zu tun. „Da wo wir sind, ist Paris“, heißt es in der neuen Single von Mathea. Genauer kann man es wohl auch gar nicht auf den Punkt bringen.

Nach einer kleinen Verschnaufpause meldet sich Mathea mit “Paris” zurück. Vielleicht schon der erste Vorbote auf ein neues Album? Bis es soweit ist, kann man sich aber ganz entspannt zurücklehnen und sich zu einer Bootsfahrt auf die Seine denken – und „Paris“ hören:

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Über Mathea:

Mathea wuchs in Bruck an der Großglocknerstraße auf. Nach ihrem Schulabschluss nahm sie an der 6. Staffel von The Voice of Germany teil, wo sie es bis in die Sing Offs schaffte. Im Anschluss an die Show zog es Mathea nach Wien. Während sie sich ihr Geld als Schuhverkäuferin verdiente, arbeitete sie konstant an eigener Musik.

Im Oktober 2018 veröffentlichte sie ihre Debütsingle 2x. Zunächst hielt sich der Erfolg des Songs in Grenzen. Erst im Jänner 2019 stieg die Single erstmals in die österreichischen Charts ein. Ganze zwei Monate später gelang dann sogar der Sprung auf Platz eins der Ö3 Austria Top 40. Dabei handelte es sich um einen wahren Meilenstein in der österreichischen Musikgeschichte. Es dauerte ganze acht Jahre, ehe wieder eine heimische Musikerin an der Spitze der Charts stand. Zuvor gelang dieses Kunststück der Siegerin der Castingshow Große Chance Cornelia Mooswalder im Februar 2011.

Nur kurze Zeit später erlangte die Single Gold- und schließlich auch Platin-Status. Zeitgleich schaffte 2x auch den Einstieg in die deutschen Singlecharts und hielt sich dort ganze 14 Wochen. In Österreich konnte der Song sogar 39 Wochen in der Hitparade verweilen. Zudem hielt er sich fünf Wochen lang auf Platz eins der Airplay-Charts der Radios fest. Ein Jahr später wurde 2x auch in Deutschland mit Gold geehrt.

(Eine Kontroverse wurde die Verleihung der Amadeus Awards im Jahr 2019. So wurde 2x in der Kategorie Songwriter des Jahres nominiert, ging jedoch leer aus. Nach der Dankesrede von Lemo und EAV-Mitglied Thomas Spitzer, verließ Mathea umgehend das Volkstheater, in dem die Veranstaltung ausgetragen wurde.)

Die Folgesingle Chaos kletterte bis auf Platz sechs der österreichischen Charts und wurde mit Platin ausgezeichnet. Die im Anschluss veröffentlichte EP M1 schaffte ebenfalls den Sprung in die Hitparade, obwohl sie nicht physisch gekauft werden konnte.

Im Frühjahr 2020 releaste Mathea mit Wollt dir nur sagen den Vorboten für ihr Album. Auch diese Single schaffte neuerdings den Sprung in die Charts und wurde mit dem Goldstatus versehen. Das Debütalbum M erreichte in Österreich den vierten Platz, in Deutschland stieg das Album auf Platz 35 ein.

(Zeitnah mit dem Album-Release gründete Mathea ihr eigenes Label 1998 und unterschrieb einen Management-Vertrag bei Ragucci & Boldt und reihte sich damit zwischen Künstlern wie RAF Camora, KC Rebell, Ufo361 und der 187 Straßenbande ein.)

Im Herbst desselben Jahres kam es zu einer kuriosen Szene auf 1Live. Mathea wurde dort als Gast eingeladen, um mit der Nominierung für den Musikpreis 1Live Krone in der Kategorie „Beste Künstlerin“ überrascht zu werden. Sie selbst versuchte dem Radiomoderator zu erklären, dass sie davon ausgehe, dass sie lediglich als „Newcomerin“ nominiert sein könnte. Daraufhin fragte der Host der Show bei gleich mehreren Kollegen nach und rief sogar seinen Chef On Air an, um einen Fehler auszuschließen.

Im Mai 2021 nahm Mathea für Österreich an Stefan Raabs Free European Song Contest teil, bei dem auch Elif, Milow, Amy Macdonals und Rea Garvey mitmachten. Letzterer holte den Sieg für Irland. Mit dem Song Tut mir nicht leid erreichte sie 67 Punkte und belegte damit Platz sieben.

Im August 2021 überraschte sie mit ihrem allerersten Feature. Der Song „Willst du mich“ gemeinsam mit Mark Forster erstand bereits im Frühjahr 2020 im ersten Lockdown. Der Song wurde zeitgleich mit Forsters fünftem Studioalbum Musketiere released.

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Hape Kerkeling_Cover

Hape Kerkeling veröffentlicht persönlichstes Album seines Lebens

Hape Kerkeling ist einer der vielseitigsten und beliebtesten Künstler Deutschlands. Bei all seinen Erfolgen als TV-Entertainer, Schauspieler und in den letzten Jahren vor allem als Bestsellerautor, gilt seine große Liebe der Musik. Am 22. Oktober erscheint sein neues Album „Mal unter uns …“.

In den 14 Songs von „Mal unter uns …“ reflektiert Hape Kerkeling das Leben, die Liebe und Vieles, was nicht nur ihn, sondern auch seine Fans bewegt. In dem persönlichsten Album seines Lebens gewährt er tiefe Einblicke in seine Gefühls- und Gedankenwelt – von hochemotional bis amüsant und lebensfroh.

Das neue Album erscheint am 22. Oktober 2021 als CD sowie in einer exklusiven und limitierten Buch-Edition mit sehr persönlichen Einblicken und bislang unveröffentlichten privaten Fotos.

Hape Kerkeling: „Musik war schon immer meine große Leidenschaft! Dass ich nun ein Album mit meinen persönlichen Lieblingsliedern aufgenommen habe macht mich sehr stolz – das ist das persönlichste Album meines Lebens!“

Christian Geller: „Hape Kerkeling ist ein absoluter Ausnahmekünstler – extrem wandelbar und vielseitig! Ich bin über alle Maßen stolz darauf, ihn nun erstmals auch musikalisch ganz persönlich zu zeigen. Die Studioaufnahmen waren sehr emotional und Hape lässt den Zuhörer sehr nah an sich heran!“

Markus Hartmann, Vice President RCA Ariola: „Hape Kerkeling ist auf vielen Ebenen ein absoluter Ausnahmekünstler und Visionär. Er gehört zu den wenigen Menschen die große Erfolge feiern mit Projekten von denen vorher die meisten sagen „das geht nicht“. Hape und Christian haben ein hochemotionales Album geschaffen das viele Menschen berühren wird, dazu wird Hape in den nächsten Monaten sehr präsent sein im deutschen TV. Wir sind sehr glücklich hier Partner zu sein.“

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Elton John

Elton John veröffentlicht „The Lockdown Sessions“

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Er präsentiert sich mit schillernder, farbenfroher Maske – und so vielen Hochkaräter-Gästen wie nie zuvor: Elton John kündigt in dieser Woche sein neues Studioalbum The Lockdown Sessions an! 16 Songs, aufgenommen unter Pandemiebedingungen mit diversen Größen aus ganz unterschiedlichen Ecken der aktuellen Musiklandschaft: Das neue Album von Elton John erscheint am 22. Oktober bei EMI Records!

Nachdem Elton John im März 2020 seine groß angelegte Farewell Yellow Brick Road-Rekordtournee pandemiebedingt unterbrechen musste und die ganze Welt zum Stillstand kam, nutzte der Brite seine weit verzweigten Kontakte auf andere Art: Er arbeitete mit etlichen Künstlerkolleg*innen zusammen, die er größtenteils durch seine eigene „Rocket Hour“-Show (Apple Music) kennengelernt hatte – und legte so den Grundstein für das womöglich facettenreichste Album seiner Karriere: The Lockdown Sessions. Ein Album, mit dem sich für den 74-Jährigen ein Kreis schließt, weil er damit indirekt an seine Anfänge als Session-Musiker anknüpft. Zwangsläufig war der Arbeitsprozess dieses Mal ein vollkommen anderer als sonst – doch gerade diese Herausforderung hat zu umwerfenden Aufnahmen mit ganz unterschiedlichen Schwergewichten der Musikwelt geführt…

Auf die aktuelle, gemeinsam mit Dua Lipa aufgenommene Single „Cold Heart (PNAU Remix)“ lässt Elton John einen stilistischen Rundumschlag folgen, wenn er mit seinen vielen, vielen Hochkaräter-Gästen in immer neue Gefilde aufbricht: Im Verlauf der 16 Tracks, zehn davon brandneue Kompositionen, präsentiert sich der Brite als so wandlungsfähig und vielseitig wie nie zuvor – und zelebriert mit dieser umwerfenden klanglichen Vielfalt vor allem den Zusammenhalt und den zwischenmenschlichen Austausch.

Eine dermaßen lange und bunt gemischte Gästeliste wie diese ist dabei nur auf der Rückseite eines Albums von Sir Elton John denkbar: Mit über 20 Gästen, die allesamt ihren individuellen Sound ins Spiel bringen, transzendiert The Lockdown Sessions jede Art von Grenze – zwischen Genres und Generationen, Styles und Sounds, Kulturen und Kontinenten. Zusammengeschweißt wird die extreme Bandbreite von Eltons einzigartigem Gespür für packendes Songwriting. Fünf der 16 Stücke von The Lockdown Sessions hat Elton dabei mit dem Grammy-gekrönten Produzenten Andrew Watt aufgenommen.

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Judas Priest 50HMMY CD packshot

„Reflections“ – Judas Priest feiern das halbe Jahrhundert

Mit etwas Verspätung widmen sich die 1970 gegründeten Judas Priest ihrem Jubiläum und feiern „50 Heavy Metal Years Of Music“. Echte Fans können ein wirklich geiles Teil erwerben: Die Band veröffentlicht ein monumentales, limitiertes Boxset, das alle offiziellen Live- und Studioalben der Band versammelt und nur über den Fanshop (D2C) erhältlich sein wird. Besonders spannend: Das Boxset bietet 13 Discs mit unveröffentlichten Songs – nie zuvor haben Judas Priest eine derartige Menge von bisher ungehörtem Material aus ihrem riesigen Bandarchiv präsentiert.

Für den kleinen Geldbeutel gibt es immerhin ein Art Highlights-CD, die mit 16 Tracks eine der einflussreichsten Bands ihres Genres feiert und auch einige Raritäten zu bieten hat.

Zuerst geht es darum, in sechs remasterten Studiosongs einen Querschnitt des musikalischen Schaffens zu bieten. Dabei wollen Judas Priest nicht eine weitere „Best of“ abliefern. Man muss sich auch nicht den Smashhit „Turbo Lover“ zum 1000. Mal anhören. Stattdessen gibt es energetische Kracher mit Rob Halfords unvergleichlichen Vocals, die zeigen, dass Judas Priest einfach zeitlos rocken: Songs wie „Fever“, „Eat Me Alive“ und „Never The Heroes“ preschen ordentlich nach vorn.

Im zweiten Teil folgen Liveversionen, die die enorme Bühnenpräsenz der Band gekonnt einfangen. Klassiker wie „Out In The Cold“ und „Running Wild“ machen den Anfang. Besonders interessant für Fans sind sieben bisher unveröffentlichte Titel wie zum Beispiel „Victim Of Changes“ von 1978 aus dem Cleveland Agora Theatre, „The Green Manalishi (With the Two Pronged Crown)“ von der Worldwide Blitz-Tour 1981 live aus dem Londoner Hammersmith Odeon oder “Sinner” aus New Heaven von 1988.

Am 15. August 2021 haben Judas Priest beim „Bloodstock Open Air“ offiziell ihr 50. Bühnenjubiläum gefeiert. Die Veröffentlichung kommt also gerade zur rechten Zeit. Wer sich die große Box nicht leisten kann oder will – oder wer ohnehin schon alle Platten im Regal hat – ist mit dieser CD voller Highlights bestens bedient und kann sich damit auf die Europakonzerte 2022 vorbereiten.

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Vanessa Mai feat. Sido: Song „Happy End“ – OUT NOW

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Gerade erst hat Vanessa Mai mit ihrem Top-3-Album „Mai Tai“ einmal mehr bewiesen, dass sie konsequent ihren eigenen Weg geht und die Erwartungen anderer unbekümmert hinter sich lässt. Stattdessen lebt die 29-Jährige sich mittlerweile in allen erdenklichen Genres und unterschiedlichen musikalischen Richtungen aus. Von Schlager über Pop bis hin zu R&B und darüber hinaus. Mit ihrer neuen Single „Happy End“ zeigt Vanessa Mai einmal mehr ihre Vielseitigkeit – und holt sich kurzerhand Unterstützung von keinem geringeren als Rap-Ikone Sido!

„Happy End“ ist ein Song über das Ende einer Beziehung und die Schwierigkeit, den anderen zu vergessen. Denn alles erinnert einen an diesen einen Menschen, der gerade noch hier war und mit dem man Momente erlebt hat, die zu schön gewesen sind, um wahr zu sein. Fast wie in einem dieser Liebesfilme. Aber jetzt machen die romantischen Streifen es nur noch schlimmer – weil man sich in jeder Szene, jedem Blick und jedem Kuss an den anderen erinnert fühlt und statt schönen Szenen der Zweisamkeit sind da jetzt nur noch schlaflose Nächte und Schmerzen.

Passend dazu rappt Sido sich durch die Filmgeschichte. Von den großen Helden der noch größeren Action-Epen bis hin zu den perfekten Liebhabern aus den rührenden Romcoms und Mr. Big aus „Sex and the City“ oder Harvey Specer aus „Suits“. Aber egal, in welche Rolle Sido auch schlüpft – an ein Happy End ist nicht zu denken. „Beim Schreiben des Songs im Studio mussten wir gleich an Sido denken“, erzählt Vanessa Mai. „Also habe ich ihn sofort angeschrieben, hatte allerdings wenig Hoffnungen, dass er antwortet. Aber genau das hat er dann sofort getan. Für mich ist es eine Ehre, dass er auf mich und meinen Song Bock hat! Ich mag, dass er einfach macht, worauf er Lust hat. Der Moment, als ich ihn zum ersten Mal live auf der Bühne hab performen sehen, war für mich ein prägender.“

„Happy End“ ist ein Pop-Song mit urbanen Einflüssen. Atmosphärische Vocal-Samples treffen auf melancholische Piano-Melodien und Beats und Bässe aus der HipHop-typischen 808. „Als der Song fertig war, meinte Sido zu mir: ‚Ist das überhaupt noch Schlager?‘“, erzählt Vanessa Mai. „Dabei war das gar nicht geplant, es hat sich einfach so ergeben. Ich freue mich, dass die Vision, die mein Team und ich in die Arbeit stecken, jetzt Anerkennung erfährt. Meine Community wächst Tag für Tag, aber auch die Fans, die seit Stunde 0 dabei sind, gehen den Weg mit. Sie erwarten von mir mittlerweile sogar, dass ich mich immer wieder neu ausprobiere und fragen sich, was als Nächstes kommt. Das macht wirklich Spaß. Diese Freiheit in meiner Arbeit und meinem Sein zu haben, sehe ich als Privileg und koste es voll aus!“

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NoaKirel_BadLittleThing_Single_Cover

Israels Superstar Noa Kirel veröffentlicht starke Empowerment-Hymne

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Die weltweite Pop-Sensation Noa Kirel legt mit ihrer neuen Empowerment-Hymne „Bad Little Thing“, die ab sofort via Atlantic Records überall erhältlich, ist den nächsten Hit nach.

„I’m a bad little thing and I ain’t sorry“, singt die israelische Sängerin in ihrer neuen Single „Bad Little Thing“. Dazu gibt’s eine große Dosis Pop-Perfektion. „Ich freue mich sehr, meine zweite globale Single zu veröffentlichen“, so Kirel über den Track. „Der Song ist eine Empowerment-Hymne und ich finde mich darin wirklich wieder, besonders in dieser Phase meines Lebens. Ich hoffe, dass er Menschen inspiriert, stark, furchtlos und unabhängig zu sein!“

Nach „Please Don’t Suck“ ist „Bad Little Thing“ Kirels zweiter englischsprachiger Song. Er wurde von Casey Smith (Olivia Rodrigo, Jonas Brothers), JHart (Jenifer Lopez, Camila Cabello), Nate Merchant (Jason Derulo), Sam Martin (Maroon 5, Ava Max) und Samuel Ahana (Kiana Lede) geschrieben und von Merchant, Swish (Post Malone) und Sam Martin produziert. Das elektrisierende Blockbuster-Video ist unter der Regie von Roy Raz entstanden und kommt mit einer ziemlich coolen Choreographie daher.

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ÜBER NOA KIREL:

Als atemberaubende Sängerin, clevere Texterin, dynamische Tänzerin und die Show stehlende Schauspielerin präsentiert der israelische Pop-Superstar Noa Kirel eine andere Art von Geschichte für Popmusik und Kultur. Von The Hollywood Reporter als „Israels größter Popstar“ bezeichnet, hat sie sich zu einer einflussreichen und inspirierenden Kraft entwickelt. Aufgewachsen in einem Vorort von Tel Aviv, wurde Noa mit einer Niere geboren und entwickelte schon in jungen Jahren einen Willen zum Durchhalten.

Als jüngstes von drei Kindern fühlte sie sich bereits im Alter von drei Jahren zum Tanz hingezogen, nahm Unterricht und studierte die Kunstform. Ganz organisch kam sie so zum Singen und schrieb eigene Musik, inspiriert von Künstlerinnen wie Beyoncé und Jennifer Lopez. Mit 14 Jahren veröffentlichte sie ihre Debütsingle „Medabrim“ („Talking“) und ihre Karriere explodierte in Israel förmlich. Es folgten Hits in hebräischer Sprache wie „Million Dollar, „Pouch“, „BLING BLING“ und mehr. Bei den MTV EMAs gewann sie vier Jahre in Folge in der Kategorie „Bester israelischer Act“. Im Jahr 2018 trat sie als jüngste Jurorin in der weltweiten Geschichte der Show der Jury zu Israel’s Got Talent bei.

Wie die meisten israelischen 18-Jährigen trat Noa 2020 in die israelische Verteidigungsstreitkräfte (IDF) ein und unterschrieb zum Ende des Jahres einen Vertrag mit Atlantic Records sowie für einen von Picturestart produzierten Spielfilm. Gleichzeitig baute sie ihre Marke als Gesicht von Samsung, Fila, Mac und Keff in Israel aus. Mit gerade einmal 20 Jahren erweitert sie ihre Vision noch einmal mit ihren neuesten englischsprachigen Singles und neuer Musik auf dem Weg.

Fotocredit: Eran Levi

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Daryl Hall And John Oates veröffentlichen am 26.11. LIVE AT THE TROUBADOUR

Daryl Hall und John Oates, Rock ´n´ Roll Hall Of Fame-Mitglieder und eines der erfolgreichsten Duos der Musikgeschichte, veröffentlichen am 26. November via BMG das Album „Live At The Troubadour“ erstmals auf Vinyl.

Der Langplayer präsentiert eine Sammlung von Live-Klassikern, darunter Hits wie „You Make My Dreams“, „Maneater“, „Rich Girl“, „I Can´t Go For That (No Can Do)“ „Sara Smile“ und viele mehr. Neben der neuen 3LP-Version wird das Album im 2CD-Set veröffentlicht.

John Oates erklärt: „Im Troubadour in L.A. zu spielen ist für Musiker seit 64 Jahren eine Art `Übergangsritus´. Daryl und ich haben dort 1973 im Vorprogramm des verstorbenen Harry Chapin unser erstes Konzert gespielt. Im Laufe der Jahre habe ich es immer geliebt, dort Shows zu sehen und mit Musikern und Freunden abzuhängen. 2008 wieder dort zu spielen, war für mich ein Moment, in dem sich der Kreis schloss, und die Stimmung war unglaublich.“

„Live At The Troubadour“ wurde 2008 zunächst als CD und DVD veröffentlicht und ist nun zum ersten Mal auch im Vinyl-Format erhältlich. Diese Veröffentlichung ergänzt die umfangreiche und äußerst erfolgreiche Diskografie von Daryl Hall und John Oates.

Mit Blick auf die aufgezeichneten Shows fügt Daryl Hall augenzwinkernd hinzu: „Es ist immer interessant, an den Ort des Verbrechens zurückzukehren.“

Daryl Hall und John Oates sind nach wie vor eine große Inspiration für einige der weltweit erfolgreichsten zeitgenössischen Künstler: von The XX bis Kanye West, die Hits des beeindruckenden Duos gesampelt haben. Als einer der meistgesampelten Künstler der Gegenwart ist der Einfluss von Daryl Hall und John Oates überall zu hören, von Boyband-Harmonien, über Neo-Soul bis hin zu Rap-Rock-Fusion.

2014 wurden Daryl Hall und John Oates in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen – eine Ehrung, die ihre legendäre Diskografie, ihren Superstar-Status und eine Reihe von Hits aus fünf Jahrzehnten bestätigt.

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The Georgia Thunderbolts: Von Soul und Blues geprägter Südstaaten-Rock

The Georgia Thunderbolts wirken mit ihrem Debütalbum wie aus der Zeit gefallen. Sie bieten klassischen, von Soul und Blues geprägten Südstaaten-Rock und läuten damit eine neue Generation handgemachter Musik ein, die sich den guten alten Freunden Southern Rock und Bluesrock widmet.

Die Band stammt aus Rome am Fuße der Appalachen und bietet eine breite Palette an Inspirationen, die von Southern Gospel und Hank Williams bis hin zu Merle Haggard, Neil Young, Little Feat, Ozzy Osbourne und Lynyrd Skynyrd reicht. Entsprechend verspielt und energisch ist auch das erste Album. Der klassische Gitarrensound dominiert und wird von dreckigen Vocals gelenkt.

Das Ergebnis sind dreizehn Songs mit hymnischen Riffs, wilder Mundharmonika und pulsierendem Schlagzeug. Vom bluesigen „So You Wanna Change The World“ bis zum ersten Song, den sie je geschrieben haben, dem dynamischen „Looking For An Old Friend“, lassen The Georgia Thunderbolts eine neue Ära des Rock ’n‘ Roll aufleben, die von ihrer Geschichte in Rome, einer Stadt mit einer tiefen landwirtschaftlichen Vergangenheit, geprägt ist. Wenn sie also „Spirit of A Workin‘ Man“ singen, sollte man wissen, dass sie es ernst meinen. „Der Song ist eine Art Lektion. Man darf den kleinen Mann nicht unterdrücken“, sagt Frontmann TJ Lyle.

So entsteht ein durchgehend wilder Sound, der ihre Liebe zur Heimat besingt, die Freiheit des Rock ’n‘ Roll – und zugleich von den Höhen und Tiefen des Lebens berichtet. Das Ergebnis ist ein aufrüttelndes Bluesrock-Album vom Feinsten. Ohne verklausulierte Frickelorgien, stattdessen aber mit viel Feuer. Eine gelungene Zeitreise in die 70er, die trotzdem sehr modern klingt.

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T:W:O veröffentlichen ihre Debüt-EP „What If“

Die Band T:W:O gründete sich im Jahr 2020 aus den beiden Instrumentalistinnen Claudia Lippmann ( drums & percussion ) & Esther Klever (saxofon & keys ), die sich 2017 bei ihrer Arbeit im Rundfunk-Tanzorchester, Ehrenfeld (ZDF Magazin Royale) kennenlernten und die seither eine tiefe Freundschaft verbindet. Der Wunsch, ein gemeinsames Projekt zu starten entwickelte sich bereits früh, allerdings ließ ihre knapp bemessene Zeit keine konsequente Umsetzung zu, da beide beruflich eingespannt waren.

2020 sorgte Corona überraschend für den nötigen Raum im Kalender und die Band T:W:O wurde geboren. In den darauffolgenden Wochen und Monaten arbeiteten die beiden Frauen an ihrer ersten Single „ALIVE“, die im April 2021 ihr Debut feierte. Die konzeptionelle EP „What If“, die nun am 17. September folgt, beinhaltet nebst der Single noch 4 weitere Titel, welche die persönlichen Hintergründe und Emotionen, der beiden Künstlerinnen widerspiegeln. Jeder Song hat seinen eigenen Vibe und seine eigene Story, aber im Grunde haben alle das Ziel den Fokus auf das positive im Leben zu richten.

Ihre EP „What If“ ist so vielseitig wie die Frage: „Was wäre wenn?“ Die 5 einzigartigen Titel behandeln alle im Kern die Komplexität, die jede Handlung und Entscheidung im Leben auf dessen weitere Entwicklung haben können. Der Sound ist frisch und bewegt von Emotionen.

Elektronische Klänge vermischen sich hier mit feinster instrumentaler Performance. Mal klingen die Stücke clubbig, mal funky und dann wieder klassisch, aber immer optimistisch und energiegeladen. Die beiden Künstlerinnen kehren hier ihr Innerstes nach aussen und beschreiben auf musikalische Weise die Gefühle während der langen Atempause 2020, mit denen sie sich zwangsläufig auseinandersetzten mussten.

Der namensgebende Titel der EP „What if“ ist der einzige Track des ansonsten instrumentalen Werkes, indem die Botschaft der beiden Musikerinnen wörtlich zu verstehen ist. „What if you could live forever? Would your problems still do matter? How much time is still left over? Here or now, is now or never!“

Wären die Beschränkungen, die man sich selbst auferlegt nötig, wenn man alle Zeit der Welt hätte, oder ist es oft die Angst vor Neuem, die einen zurückhält? Sollte man musikalisch immer mit dem Strom schwimmen, um zu gefallen und zu bedienen? Eines ist sicher: T:W:O bedienen vor allem ihren eigenen Drang nach Ausdruck und schaffen mit ihrer Musik eine persönliche Aussage über die Liebe zur Musik und zum Leben. Jetzt oder nie!

Fotocredit: Mansi Manslayer

Über die Künstlerinnen:

Esther Klever ( 37 ) begann bereits im Alter von 4 Jahren mit der klassischen Ausbildung am Klavier. 6 Jahre später besuchte Sie das Landesmusikgymnasium, RLP und lernte dort Alt- & Bariton Saxofon. 2004 begann sie ihr Studium an der Folkwang Hochschule Essen, bevor sie sich 2007 für die ArtEZ Arnheim in den Niederlanden entschied, wo sie 2011 Ihren Abschluß als Bachelor of Music machte. Sie arbeitet seither als freiberufliche Künstlerin im Jazz- und Popbereich und ist seit 2017 festes Mitglied im RTO, Ehrenfeld.

Claudia Lippmann ( 38 ) begann ihre Ausblidung am Schlagzeug mit 14 Jahren, begleitet von diversen Masterclasses für Percussion, u.a. bei Kwashie Safroh. 2008 studierte sie am privaten Drummers Institute in Düsseldorf. Neben ihrer Tätigkeit als Dozentin für Schlagzeug an der Music Academy, Düsseldorf tourt Sie mit der Blues-Rock-Band Jimmy Cornett and the Deadmen seit 2016 durch die Republik. Seit 2017 arbeitet sie zusammen mit Esther als Percussionistin im RTO, Ehrenfeld.

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ASIA BOOTLEG

ASIA: „The Official Live Bootlegs, Volume 1“ bei BMG

Die mehrfach mit Platin ausgezeichnete englische Band ASIA wird am 26. November 2021 über BMG Records das neue 10CD-Boxset „The Official Live Bootlegs, Volume 1“ veröffentlichen. Am selben Tag erscheint auch ein digitales Album (ebenfalls The Official Live Bootlegs Volume 1) mit einer Auswahl von 24 Titeln aus dem kompletten Boxset.

ASIA, Geoff Downes (The Buggles, YES, Keyboards), Steve Howe (YES, Gitarren), Carl Palmer (Emerson, Lake & Palmer, Schlagzeug) und John Wetton (King Crimson, UK, Bass/Gesang), gelang mit ihrem gleichnamigen Debütalbum sofort ein großartiger Erfolg. Die LP avancierte international zum meistverkauften Album des Jahres 1982 und die Single „Heat Of The Moment“ erreichte in zahlreichen Ländern hohe Chartsnotierungen.

„The Official Live Bootlegs, Volume 1“ dokumentiert die enorme Anziehungskraft der Konzerttourneen nach der Veröffentlichung der ersten beiden ASIA-Alben 1982 und 1983. Dieser Erfolg setzte sich nach der Reunion zum 25-jährigen Jubiläum von ASIA im Jahr 2006 und den drei nachfolgenden hochgelobten Studioalben fort. Das neue Boxset  enthält 5 Konzerte auf Doppel-CD von 1982 (Buffalo, NY, USA), 1983 (Worcester, MA, USA), 2007 (São Paulo, Brasilien), 2008 (Tokio, Japan) und 2010 (London, UK).

„Diese historische Sammlung repräsentiert einige unserer besten und prägendsten Live-Momente“, erklärt Geoff Downes, „von der allerersten ASIA-Tournee 1982 und der `Alpha´-Tournee im Jahr darauf bis hin zu drei unserer vielen Reunion-Shows. Es war ein großes Privileg, die Musik von ASIA auf diese verschiedenen Kontinente zu bringen und weltweit die Unterstützung der Fans zu spüren. Wir hoffen, dass dies großartige Erinnerungen wachruft und andere dazu inspiriert, die Musik von ASIA zu schätzen“.

In den Konzerten der 1980er Jahren spielten ASIA nur neue Musik der Band. Bei den „Reunion“-Tourneen interpretierte das Quartett dann auch Songs aus der Vor-ASIA-Arä der einzelnen Bandmitglieder. Interessant war bei den Konzerten 2007 und 2008 auch die Aufnahme der Wetton/Howe-Komposition „Ride Easy“ in die Setliste. Der Song wurde ursprünglich nur als B-Seite des Single-Hits „Heat Of The Moment“ veröffentlicht und später als Dankeschön an die Fans für deren Unterstützung über ein Vierteljahrhundert in das Live-Repertoire aufgenommen.

Dies ist das erste Mal, dass diese Aufnahmen offiziell von ASIA veröffentlicht werden. Die Alben erscheinen in einer schönen Sammledition mit einem Original-Artwork von Roger Dean, der zuvor bereits alle ASIA-Album-Artworks entworfen hat.

ASIA: “The Official Live Bootlegs, Volume 1” wird von BMG Records am 26. November als 10CD-Box und digital veröffentlicht.

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Rolf Zuckowski fördert mit Stiftung den Singbus der Deutschen Chorjugend

Seit ihrer Gründung im Jahr 2004 fördert die Stiftung „Kinder brauchen Musik“ von Rolf und Monika Zuckowski Projekte, bei denen Kinder an das aktive Singen und Musizieren herangeführt werden. Dies ist umso dringlicher angesichts der immer noch bestehenden Einschränkungen durch die Corona-Pandemie.

Rolf Zuckowski: „Kinder sollten früh die Möglichkeit erhalten, die besonderen Kräfte des Singens und Musizierens für sich zu entdecken. Die Musikförderung bei Kindern dient nicht nur ihren musischen Talenten, sie stärkt ihre Persönlichkeit, ihre Kreativität und Ausdruckskraft, ihre Lernfreude und ihre sozialen Fähigkeiten. Somit dient sie in hohem Maße dem Wohl und der Zukunft unserer Gesellschaft.“

In einer Zeit, in der das stiftungseigene Projekt „Klassenreise zur Musik“ aufgrund der Pandemie nicht stattfinden kann, befasst sich die Stiftung vermehrt mit neuen Förderanträgen. Besonders freut sich der Vorstand von „Kinder brauchen Musik“, dass die Stiftung mit ihrer finanziellen Förderung der deutschen Chorjugend im Rahmen des Programms „Kinderchorland – in jedem Ort ein Kinderchor“ bei der Realisierung des „Singbusses“ unterstützen konnte.

Trotz der aktuellen pandemischen Lage macht der Bus bundesweit an vielen Orten Halt, um Menschen bei der Kinderchorgründung und -arbeit zu unterstützen. Im Vordergrund stehen dabei Beratungs- und Fortbildungsangebote für Neugründungen und bereits bestehende Kinderchöre, die Vernetzungs- und Austauschmöglichkeit mit anderen Kinderchoraktiven sowie eine Bühne für Konzerte an belebten Orten, um Kindern eine Auftrittsmöglichkeit zu schaffen und neue Chormitglieder zu gewinnen. Außerdem bietet der Singbus mit seinen mitreisenden Exponaten wie der „Singdusche“, dem „StimmModel“ oder dem „Rhythmus Roulette“ auch interessierten Passanten spielerisch die Möglichkeit, sich mit dem Singen und Musizieren auseinanderzusetzen.

Weitere Informationen zu den Förderprojekten finden Sie auf der Website der Stiftung www.kinderbrauchenmusik.de, die soeben einen Relaunch erhalten hat.

Foto des Vorstands vlnr: Prof. Dr. Tobias Wollermann, Dr. Anuschka Präßl, Rolf Zuckowski

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