Musicheadquarter.de – Internet Musikmagazin

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Warner Classics

nussknacker

Ein Klassiker in Neuauflage

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Das Märchenballett „Der Nussknacker“ gehört zu den Klassikern der Weihnachtszeit. Das Stück in zwei Akten wurde von Pjotr Iljitsch Tschaikowski komponiert und basiert auf der Erzählung „Nussknacker und Mausekönig“ von E.T.A. Hoffmann. Die Uraufführung fand am 18. Dezember 1892 im Mariinski-Theater in Sankt Petersburg statt.

Das Ballett wird traditionell in der Weihnachtszeit aufgeführt, weil die Handlung an Heiligabend spielt und von kindlicher Fantasie, Magie und festlicher Atmosphäre geprägt ist. Kinderspielzeug wird in der Weihnachtsnacht lebendig, ein Nussknacker in Soldatenuniform schlägt eine Schlacht gegen den Mäusekönig – anmutige Tänze der Zuckerfee, der Blumen oder der Rohrflöten begleiten das fantasievolle Geschehen mit den berühmtesten Melodien.

„Der Nussknacker“ erzählt die Geschichte von Klara die am Weihnachtsabend von ihrem Patenonkel Drosselmeier einen Nussknacker geschenkt bekommt. In der Nacht träumt Klara, dass der Nussknacker lebendig wird und gegen den bösen Mäusekönig kämpft. Nachdem der Nussknacker den Mäusekönig besiegt hat, verwandelt er sich in einen schönen Prinzen. Der Prinz nimmt Klara mit ins Reich der Süßigkeiten, wo sie von der Zuckerfee empfangen und ein großes Fest zu ihren Ehren gegeben wird.

Das alles ist herrlich und schwungvoll umgesetzt. Melodien wie der „Blumenwalzer“ und der „Tanz der Zuckerfee“ gehen jedem Hörer direkt ins Ohr. Die vorliegende Aufführung stammt von den Berliner Philharmonikern mit Sir Simon Rattle am Taktstock. Ein Dirigent, der jedes Orchester zu Höchstleistungen bringt – und auch hier ist die Klangfülle erstaunlich.

Die Edition als Doppel-CD bestückt jeden Silberling mit einem Akt des Balletts, jeweils knapp 44 bzw. knapp 43 Minuten. Das Cover ist märchenhaft schön gestaltet und im Booklet gibt es jeweils zwei Seiten mit Infos zum Stück in englischer, deutscher und französischer Sprache. Immer wieder ein gelungenes Weihnachtsgeschenk!

BOLERO

Das Mysterium Ravel

Das Orchesterstück „Boléro“, komponiert von Maurice Ravel im Jahr 1928, hat seit jeher die Welt in seinen Bann gezogen. Nun ist es Namensgeber für einen Film, der vom Leben Ravels inspiriert ist. Beleuchtet werden in dem Biopic von Anne Fontaine und Claire Barrédas sowohl das Leben des Komponisten als auch die Uraufführung des Werks im Jahr 1928.

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Auf dem Soundtrack „Boléro – Le mystère Ravel“ sind namhafte Künstler von heute und gestern zu hören, darunter Koryphäen der Gegenwart wie Alexandre Tharaud, Aurélien Pontier, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon und Frank Braley. Außerdem Legenden der Vergangenheit wie Samson François, Dinu Lipatti und André Cluytens.

Das Stück „Boléro“ selbst wurde speziell für den Film von den Brüsseler Philharmonikern unter der Leitung von Dirk Brossé aufgenommen. Alexandre Tharaud steuert zwei neu aufgenommene Titel zum Album bei und hat als Musikkritiker Pierre Lalo einen Gastauftritt im Film, ebenso wie seine Hände, die Raphaël Personnaz‘ Darstellung von Ravel mit pianistischer Virtuosität ergänzen.

Der Soundtrack wird mit dem viertelstündigen Titelstück eröffnet und dann um eine grandiose Tracklist passender Musikstücke von oben genannten Künstlern ergänzt. Das Booklet enthält Filmfotos, interessante Infos in englischer und französischer Sprache – inklusive eines Interviews mit Anne Fontaine.

Callas_Divina_Cover

Eine Göttin ist unsterblich

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Maria Callas war eine der einflussreichsten Opernsängerinnen des 20. Jahrhunderts und gilt als eine der größten Sopranistinnen aller Zeiten. Ihr Leben und Wirken haben die Welt der Oper nachhaltig geprägt und ihre Leidenschaft für die Kunst hat unzählige Menschen inspiriert. „La Divina“ (die Göttliche) wurde sie gerne genannt – und so übertitelt Warner Classics auch die umfangreiche Box, die jetzt zu ihrem 100. Geburtstag erscheint.

Maria wurde am 2. Dezember 1923 in New York City als Maria Anna Sofia Cecilia Kalogeropoulos geboren. Ihr außergewöhnliches Talent und ihre unverwechselbare Stimme machten sie zu einer der bedeutendsten Interpretinnen des Belcanto-Gesangs. Dramatischer Gestus und musikalische Authentizität sind die unverwechselbaren Wesensmerkmale ihrer Interpretationen. Ebenso einzigartig ist der außergewöhnliche Tonumfang ihrer Stimme, ihr Timbre magisch. All dies verbindet sich zu einer Aura, mit der Maria Callas die Heldinnen der Oper verkörpert und sie zum Inbegriff der Primadonna macht.

Maria Callas gilt nicht nur als größte Sopranistin aller Zeiten – sie war zu Lebzeiten die berühmteste Frau der Welt. Der frühe Ruhm der Callas, ihr Temperament, ihre Ehe mit dem Industriellen Meneghini und ihre Affäre mit dem griechischen Reeder Onassis haben jahrelang die Schlagzeilen der Presse weltweit beherrscht. Sie ist dabei selbst zu einer der tragisch-romantischen Heldinnen geworden, die sie auf der Bühne unnachahmlich verkörperte. Für Millionen Fans, die Maria Callas weltweit heute noch verehren, gilt: es kann nur eine geben! Maria Callas ist ein Mythos, der bereits zu ihren Lebzeiten entstand, und eine Ausnahmeerscheinung, die heute immer noch genauso präsent ist wie damals.

„LA DIVINA – Maria Callas in all ihren Rollen“ ist die umfangreichste Box mit Callas-Aufnahmen, die jemals veröffentlicht wurde. Sie präsentiert die Sängerin in allen 74 Rollen, für die Tondokumente existieren. Die Deluxe-Box enthält ihre kompletten Studioaufnahmen, eine umfangreiche Sammlung ihrer Live-Aufnahmen, die Meisterklassen, die sie an der Juilliard School gab, Videos und eine Bonus-CD mit Weltpremieren: alternative Takes und Arbeitssitzungen von Studioaufnahmen aus den 1960er Jahren. Wer diese wundervolle Zusammenstellung sein eigen nennen will, muss allerdings tief in die Tasche greifen: bis zu 350 Euro werden dafür momentan aufgerufen.

Zur Review liegt mir die 2CD-Zusammenstellung „La Divina“ vor, die man getrost als „Best of“ bezeichnen mag. Die Doppel-CD präsentiert eine große Auswahl der beliebtesten Arien von Maria Callas, die sowohl im Studio (CD1) als auch auf der Bühne (CD2) ihre einzigartige Stimme und ihre herzzerreißende Darstellung tragischer Heldinnen unter Beweis stellen. Darunter finden sich „Casta Diva“ (aus Bellinis „Norma“), „Habanera“ (aus Bizets „Carmen)“, „Un bel di vedremo“ (aus Puccinis „Madama Butterfly“) und „Mi chiamano Mimi“ (aus Puccinis „La Bohème“). Die Aufnahmen sind erstaunlich sauber und kommen ohne Rauschen und Knistern. Man bekommt einen hervorragenden Eindruck von der stimmlichen Fähigkeiten der Meisterin und kann ihr Charisma zumindest in Ansätzen nachvollziehen. Die Liveaufnahmen stammen aus den Jahren 1951 bis 1963 und lassen sie in den größten Opernhäusern der Welt hörbar werden.

Callas inspirierte eine Generation von Sängern und Sängerinnen und prägte die Opernkunst mit ihrer unvergleichlichen Hingabe und Ausdruckskraft. Ihre einzigartige Stimme und ihr dramatisches Talent werden für immer in der Geschichte der Oper verankert bleiben.

KS Cover

The King’s Singers and Friends – 100 Years Of Disney Songs

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100 Jahre Walt Disney Corporation – das sind nicht nur 100 Jahre humorvolle und märchenhafte Unterhaltung, sondern vor allem auch unzählige wunderbare Songs, die einen Großteil des Zaubers der Disney-Filme ausmachen. Die King’s Singers haben sich anlässlich dieses Jubiläums einige der schönsten Disney-Songs ausgesucht und interpretieren sie gemeinsam mit internationalen Musikern und Sängern hier ganz neu.

Von „Someday My Prince Will Come“ aus Snow White and the Seven Dwarfs bis zu „Remember me“ aus Coco finden sich hier Lieder aus den verschiedensten Epochen der berühmten Zeichentrickfilme – darunter Klassiker wie „Supercalifragilisticexpialidocious“ aus Mary Poppins oder „Can You Feel The Love Tonight“ aus The Lions King, aber auch unbekanntere, aber nicht weniger schöne Titel wie „On My Way“ aus Brother Bear oder „Bella Notte“ aus Lady and the Tramp.

Alle Songs wurden für dieses Album neu arrangiert, von namhaften Komponisten wie John Rutter, Toby Young oder Alexander L´Estrange. Vor allem die reinen A-cappella-Stücke überzeugen, wie das schwungvolle „The Bare Necessities“ oder das jazzige „Cruella de Vil“. Aber auch gezielt eingesetzte Instrumente wie etwa das von Edgar Moreau gespielte Cello im titelgebenden „When You Wish Upon A Star“ und in „Let It Go“. Letzeres kommt übrigens ohne Solistin aus, für einige andere Titel haben sich die King’s Singers aber weibliche Unterstützung ins Studio geholt. So strahlt Sopranistin Amina Edris als Arielle in „Part of Your World“ ebenso wie in „Go the Distance“ aus Hercules, und Joyce DiDonato überzeugt in „When We´re Human“, ist mir als Pocahontas in „Colors of the Wind“ aber eine Spur zu klassisch.

Akzente setzen außerdem Lucienne Renaudin Var an der Trompete, Plinio Fernandes an der Gitarre und John Paul Ekins am Piano. In „Once Upon a Dream“ verweben sich gar alle drei Instrumente mit den Stimmen der Sänger zu einem atmosphärischen, aber teilweise auch verwirrenden Klangteppich.

Mit „When You Wish Upon A Star“ rufen die King’s Singers viele schöne Erinnerungen an großartige Filmmomente wach und zeigen gleichzeitig, wie vielseitige und wandelbar diese Disney-Songs sind. Uns auch wenn die meisten von uns eher mit den deutschen Versionen dieser Stücke aufgewachsen sind, so bleiben die Melodien doch unvergessen und können uns auch in den Interpretationen auf diesem Album wieder neu verzaubern.

Riopy_Bliss

Die erweiterte Glückseligkeit

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Der in Frankreich geborene und aufgewachsene Jean-Philippe Rio-Py begann seine internationale Karriere, als er mit 21 Jahren nach London zog. Schon früh wandte er sich der Musik zu, als er sich das Klavierspielen selbst beibrachte. Da er keine Notenblätter hatte, begann RIOPY in jungen Jahren Stücke zu komponieren. Aus der Not wurde eine Tugend, denn heute profitiert der junge Künstler von seiner großen musikalischen Vorstellungskraft und unstillbaren Neugierde. Chris Martin von Coldplay hat ihm zum Karrierestart einen Steinway-Flügel geschenkt. Jetzt ist RIOPY selbst ein weltweit gefeierter Künstler.

Er hat keinen Zweifel, dass die Musik ihn rettete, als es ihm wirklich dreckig ging: “Die Musik befreite mich“, sagt RIOPY und erinnert sich, wie sie während seiner Kindheit ein Zufluchtsort war und ihm half, seine hartnäckigen Zwangsstörungen zu überwinden. „Ich entdeckte einen Platz in meinem Kopf, wo ich komponieren und gestalten konnte. Wenn ich mich auf die Musik konzentrierte, blieb kein Raum für andere Gedanken.“

RIOPY übersetzt das Leben um sich herum in Töne und Akkorde. Nach den Vorgängern “Riopy”, “Tree Of Light” und “Meditation 432” hat der Musiker im Jahr 2021 mit „BLISS“ eine Sammlung von elf Klavierstücken zusammengestellt, mit denen er seine Fans zum Diskurs einlud. Jeden Monat veröffentlichte er einen weiteren Song des Albums, mit denen er den Helden des Alltags auf seinem edlen Fazioli-Piano huldigte. Es war schon ein starker Zug, das Album in diesen schwierigen Corona-Zeiten “Bliss” (Glückseligkeit) zu nennen.

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Jetzt, mehr als ein Jahr später, erscheint das Werk neu in einer „extended version“. Die Neuauflage enthält drei brandneue Singles, inklusive der kürzlich veröffentlichten „The First Waltz“ und „Human Compassion“, die einen Optimismus und eine Hoffnung zum Ausdruck bringen, wie sie nur jemand empfinden kann, der ein erschütterndes Leben hinter sich hat. Der Pianist hat eine schwierige Vergangenheit in seine Musik einfließen lassen. Weltweit dient sie Millionen als Quelle von Zuversicht, Achtsamkeit und Trost.

Über „[extended] Bliss“ erzählt er: „Für mich geht alles um Gefühle. Diese Einspielung ist sehr wichtig für mich, denn BLISS (Glückseligkeit) ist das, was ich teilen möchte. Musik kann heilen. Der pure Klang des Klaviers zusammen mit meiner eigenen Stimmung sollen uns in diesen Zustand versetzen. Musik kann nicht alles kurieren, aber bei dem, was gerade ansteht, kann sie sicherlich unseren mentalen Zustand stärken.“

Für RIOPY ist das Album ein akustisches Journal, ein emotionales Tagebuch, in dem er seine Gedanken, Gefühle und Impressionen in einer Zeit voller Herausforderungen festgehalten hat. Er liefert virtuose Klänge und verträumte Melodien. Die neuen Stücke fügen sich dabei wunderschön mit ein – die Tracklist wurde abgeändert, aber es wurde kein Stück gestrichen.

“Bliss” liefert in weiten Teilen pure Melancholie und wunderschöne Läufe über die Tasten. Die Macht der Träume und die Macht der Realität werden gekonnt miteinander verbunden. Wer auf klassisch angehauchte Musik steht und vor einem Jahr noch nicht auf diesen Ausnahmekünstler aufmerksam wurde, hat jetzt eine neue Chance mit dem erweiterten Album. Es lohnt sich!

Fotocredit: Robert Jean-Francois
Nigel_Vivaldi

Nigel Kennedy: Vivaldis Jahreszeiten – Vinyl Neuauflage 2022

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Mit 13 jammte er schon mit der Jazzgeigen-Größe Stéphane Grappelli. Als Meisterschüler von Yehudi Menuhin erspielte er sich Weltgeltung als Brahms-, Elgar- und Beethoven-Interpret. Dass er 1989 im Punker-Outfit mit Vivaldis “Vier Jahreszeiten” das zu diesem Zeitpunkt erfolgreichste Klassik-Album überhaupt herausbrachte, war für ihn ein Ansporn für immer neue Grenzüberschreitungen und Entdeckungen.

Nigel Kennedys Aufnahme wurde am 25. September 1989 veröffentlicht und entwickelte sich mit über drei Millionen verkauften Exemplaren weltweit zu einem Verkaufsschlager. Ursprünglich im November 1986 in der Kirche St. John-at-Hackney in London aufgenommen, war es eine Aufnahme, die eine noch nie dagewesene Aufmerksamkeit in der Öffentlichkeit und den Medien erlangte und den Lauf der Musikgeschichte verändern sollte. Vivaldis Werk, 12 Sätze in kurzen Drei-Minuten-Schüben, war wie geschaffen für das kommerzielle Radio. Es war das erste Mal, dass kommerzielle Pop-Marketingtechniken in der Welt der Klassik eingesetzt wurden, und das erste Mal, dass Nigel als „enfant terrible“ auf die Medien losgelassen wurde.

Größere Bekanntheit erlangte Nigel durch ein Konzert zugunsten des Prince’s Trust im Juli 1989, an dem auch Prinz Charles und Prinzessin Diana teilnahmen. Nigel spielte den letzten Satz von „Summer“ mit dem CBSO unter der Leitung von Sir George Martin, dem einstigen Produzenten der Beatles. Einen Monat später wurde die EMI-Aufnahme der Vier Jahreszeiten auf LP, Kassette und CD veröffentlicht.

Wie im Konzert zeigte sich auch im Fernsehen – vor allem in den Talkshows -, dass Nigel der Charlie Chaplin der Geige war, mit einem Talent, ja sogar einem Genie, mit seiner Geige ein breites Publikum anzusprechen. Nach einer Woche schoss das Album auf Platz 1 der britischen Klassik-Charts. Von größerem kommerziellen Wert war, dass es die Top 75 der Pop-Album-Charts durchbrach. Die anschließende Verfilmung von „The Four Seasons“ und die TV-Ausstrahlung in der Weihnachtspause brachten das Album in die Top 30. Nigel und seine „Four Seasons“ waren überall zu hören und zu sehen. Es wurde berichtet, dass jede Minute zwei Exemplare gekauft wurden. Eine ausverkaufte Tournee durch das Vereinigte Königreich bot dem Publikum die erste Gelegenheit, Nigel in Begleitung des English Chamber Orchestra persönlich zu erleben. Dies waren keine gewöhnlichen klassischen Konzerte. Nigel sprach zu einem jüngeren Publikum, bezog es in die Musik ein, und dann schloss er die Augen und spielte.

Nigels Kombination aus Genialität, Frechheit, Neuartigkeit, Energie und Spaß kam zu dieser Zeit gut an und ist bis heute legendär. Hinzu kam, dass er dem Meisterwerk Antonio Vivaldis neue Geltung verschaffte und junge Generationen dafür begeistern konnte. Die Neuauflage der Schallplatte ist ein Must-have für jede Vinyl-Sammlung.

SibeliusFirebird_Cover

Aus dem Archiv der Münchner Philharmoniker

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Mit dem Label MPHIL öffnen die Münchner Philharmoniker ihr umfangreiches Archiv und geben dem Hörer die Möglichkeit, eine der reichhaltigsten Sammlungen von Aufnahmen legendärer Künstler zu genießen. Aufgrund der Ära Celibidache und ihrer Bedeutung für das Wesen des Orchesters hat das Label MPHIL einen besonderen Schwerpunkt auf Archivaufnahmen unter der Leitung von Sergiu Celibidache gelegt. Im Frühjahr 2022 ist es eine Aufnahme mit Sergiu Celibidache der „Sinfonie Nr. Es-Dur op. 82“ von Jean Sibelius aus dem Jahr 1988 sowie Igor Strawinskys „Der Feuervogel“ aus dem Jahr 1982.

In Jean Sibelius‘ 5. Sinfonie schwingt Thor seinen Hammer und der Zuhörer spürt, dass in dieser Musik kosmische Kräfte am Werk sind, worüber Sibelius selbst 1914 schrieb: „Gott öffnet für einen Moment die Tür und sein Orchester spielt die Fünfte Symphonie“. In dieser Aufnahme verzaubert Celibidache die Münchner Philharmoniker mit einer Interpretation von enormer Kraft und Vision.

Igor Strawinskys Feuervogel-Suite hingegen ist ein opulentes Märchen. Was diese Aufnahme zu einem großartigen Hörerlebnis macht, ist Celibidaches außergewöhnliches Verständnis für die rhythmischen Tänze, die in dieser Partitur pulsieren, und für die volkstümlichen Elemente, die spontan gemeistert werden.

Auf dem Label MPHIL erscheint diese Aufnahme erstmals digital im mSpatial Dolby Atmos Format: mSpatial, entwickelt von den msm-studios (München), verwandelt eine klassische Stereoaufnahme in ein authentisches immersives Hörerlebnis. Das Verfahren virtualisiert die originale Saalakustik des Aufnahmeortes, basierend auf Algorithmen, die auf akustischen Messungen vor Ort beruhen.

Sergiu Celibidache hat Aufnahmen seiner Konzerte nie als echte, gültige Musik akzeptiert. Für ihn gab es Musik nur in dem Moment, in dem sie aufgeführt wurde, und nur für das Publikum, das während des Konzerts im Saal anwesend war. Das Postulat des verstorbenen Maestro von der simultanen Zeit ist für immer verloren. mSpatial bringt den Zuhörer jedoch näher als je zuvor an den zweiten Aspekt seines Credos heran, indem es eine virtuelle, immersive Akustik in der Umgebung des Zuhörers schafft, die dem ursprünglichen akustischen Erlebnis im Konzertsaal, in dem die Aufführung stattfand, entspricht.

Lahav Shani_Cover

Zwei Symphonien aus den turbulenten 1930er Jahren

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Lahav Shani ist ein weltberühmter Pianist und Dirigent aus Israel, geboren im Jahr 1989. Er arbeitete mit vielen renommierten Orchestern zusammen und brachte im Beethoven-Jahr 2020 eine viel beachtete CD mit Ludwig van Beethovens siebter Sinfonie und dem Klavierkonzert Nr. 4 in G-Dur heraus (HIER unsre Review).

Jetzt nahm er sich als Chefdirigent des Rotterdam Philharmonic Orchestra zwei Symphonien aus den turbulenten 1930er Jahren vor, die hier einander gegenüber gestellt werden. Kurt Weills „Symphonie Nr. 2“, die 1933 von Bruno Walter in Amsterdam uraufgeführt wurde, bezeichnet der Dirigent als „eines meiner Lieblingsstücke zum Dirigieren … Es ist tonale Musik, sehr melodisch, sehr theatralisch und wirklich mit nichts anderem vergleichbar.“ Dmitri Schostakowitschs kraftvolle „Sinfonie Nr. 5“ mit ihrem rätselhaften Zusammenspiel von Aufrichtigkeit und Ironie wurde von Shani ausgewählt, um sein Antrittskonzert als Musikdirektor 2018 in Rotterdam abzuschließen.

Kurt Weills Sinfonie lebt von der Trauer, die der Entstehungszeit geschuldet ist. 1933 floh er in Folge der nationalsozialistischen Machtübernahme nach Frankreich. Kein Wunder, dass der langsamen Einleitung ein Trauermarsch folgt und sich dieses Motiv im Rondo des dritten Satzes fortsetzt,

Auch Schostakowitschs fünfte Sinfonie entstand in schwieriger Zeit 1937. Hier waren nicht die Nazis der Hauptgrund, sondern der stalinistische Terror. Seine Schwester war gerade nach Sibirien deportiert worden. Trotzdem liefert der vierte Satz einen triumphalen Marsch, der nach „Linientreue“ gegenüber dem Regime klingt. Es ist zwar umstritten, doch Schostakowitsch soll ihn insgeheim als Todesmarsch komponiert haben, bei dem der Jubel durch Drohungen erzwungen wird.

Wie dem auch sei – die beiden großen Werken geben einen bewegenden Einblick in die Zeit vor dem zweiten Weltkrieg. Es klingt äußerst bedacht, wie Lahav Shani diese Sinfonien einander gegenüber stellt und das Orchester zu Höchstleistungen anspornt. Eine weitere fantastische Aufnahme dieses großen Dirigenten und Künstlers!

Karajan

Eine doppelte Hommage an Herbert von Karajan

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Herbert von Karajan wurde 1908 in Salzburg geboren und ist 1989 ebendort verstorben. Der österreichische Dirigent zählt zu den bekanntesten und bedeutendsten des 20. Jahrhunderts. Karajan arbeitete mit vielen angesehenen Symphonieorchestern, wirkte an bedeutenden Opernhäusern und veröffentlichte zahlreiche Einspielungen klassischer Musik.

Am 6. Mai erschienen beim Label Erato von Warner Classics zwei historisch wertvolle visuelle Veröffentlichungen im DVD- bzw. Blu-ray-Format.

Die Blu-ray „Beethoven Symphonies 5 & 9“ zeigt den Meister mit den Berliner Philharmonikern und dem Chor der Deutschen Oper. Zwischen beiden Mitschnitten liegen zwölf Jahre und sie zeigen unumwunden Karajans Klasse als Dirigent und – so man muss fast schon sagen – als Performer. Ständig ist er in Bewegung und im Austausch mit seinen Musikern. Grandios zelebriert er die großen Emotionen von Beethovens Sinfonien. Im Chor beim Silvesterkonzert der Sinfonie Nr. 9 im Jahr 1977 wirkt unter anderem René Kollo mit. So ist es ein fantastisches Zeitdokument, dass im Bonusbereich einen Exkurs zur „Kunst des Dirigierens“ enthält und den Maestro im Gespräch mit Joachim Kaiser zeigt sowie die Proben begleitet.

Der zweite Release trägt die Einblicke in den Probenbereich bereits im Titel: „In Rehearsal & Performance“ gibt es Schumanns Sinfonie Nummer 4 und erneut Beethovens Fünfte (wobei dieser Mitschnitt der Berliner Aufnahme auf oben genannter Blu-ray entspricht). Die Sinfonie von Robert Schumann wurde im Jahr 1965 mit den Wiener Philharmonikern eingespielt. Auch hier sieht man Karajan ganz in seinem Element und in voller emotionaler Breite. Die Aufnahmen stellen den Dirigenten meistens in den Mittelpunkt. Das mag für heutige Mitschnitte ungewöhnlich sein, aber er war nun mal der Star, der gezeigt werden sollte (und wollte).

Beide Formate sind eine gelungene Hommage an einen außergewöhnlichen Menschen und Musiker. Zudem ist ihm die Tatsache hoch anzurechnen, dass er sich so tief in die Karten blicken lässt. Aufnahmen der Proben berühmter Orchester sind doch eher die Ausnahme.

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Eine Statue für Beethoven – vier Klavierwerke der großen Bewunderer

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Da hat sich der aufstrebende 17jährige Pianist Yoav Levanon ein interessantes Thema für seine CD „A Monument for Beethoven“ ausgesucht. Bei dem Titel sollte man ja davon ausgehen, dass es sich um Klavierstücke des großen Komponisten handelt, für den die Jahre 2020 und 2021 zum 250. Geburtstag als „Beethovenjahr“ ausgerufen wurden.

Doch das ist keineswegs der Fall. Vielmehr finden sich hier Werke von von Franz Liszt, Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn und Robert Schumann. Die Auswahl versteht der junge israelische Pianist als Referenz vor der Solidarität unter Musikern: Um die Errichtung der Bonner Beethoven-Statue zu ermöglichen, spendeten jene vier berühmten Romantiker einst die Erlöse ihrer Kompositionen.

So entstanden Felix Mendelssohns virtuoses Meisterwerk „Variations sérieuse op. 54“ und Robert Schumanns schwelgerische „Fantasie op. 17“. Beide Werke nehmen auch musikalisch Bezug auf Beethoven und spinnen so sein Erbe lebendig fort. Franz Liszts „Sonate in h-Moll“ wiederum führt spannungsreich Gegensätze zusammen und gilt als eine seiner beeindruckendsten Kompositionen.

Yoav Levanon schätzt die ausgewählten Klavierwerke besonders wegen ihrer „überwältigenden Ansammlung tiefer Gefühle in einem breiten und dynamischen Farbspektrum und mitreißender Virtuosität“. Das Programm führte der junge Pianist bereits in Toulouse und Paris auf.

Auch wenn er noch ganz am Beginn seiner Karriere steht, so ist diese CD doch schon recht beeindruckend. Sehr sanft und gefühlvoll spielt er die schwierigen Stücke und verbindet sie zu einem großen Ganzen – als Hommage an den guten alten Ludwig van. Bemerkenswert!

PAQUES

Ostern in Paris – musikalische Auferstehung einer weltberühmten Kathedrale

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Zwischen Ostereiern und gepflegter Völlerei sollte man auch die Liturgie zum Fest der Auferstehung nicht vergessen. Es war ja schon kaum auszuhalten, als Thomas Gottschalk während der RTL-Version der Passion im Wechsel mit diversen Werbeblocks betonte, dass es bei diesem Event in Essen „keine gefalteten Hände und kein Weihrauchfass“ geben wird. Wie erbärmlich! Damit hat er von Anfang an die im Prinzip gute Idee kaputt gemacht, diese wichtige biblische Geschichte anhand moderner deutscher Popsongs neu zu erzählen. Musikalisch war es nämlich ein wirklich gelungenes Ereignis – und ein objektiver Erzähler ohne pseudokritisches Gelaber hätte diese Umsetzung vermutlich zu einem wirklichen Fernsehereignis gemacht.

Okay. Ich schweife ab. Die vorliegende CD hat nämlich absolut nichts mit RTL und einem gelangweilten TV-Rentner zu tun, sondern sie enthält in geballter Form liturgische Elemente der Osterzeit aus der Kathedrale Notre-Dame de Paris. Natürlich kommt einem bei der Erwähnung dieser Kirche sofort der zerstörerische Großbrand im April 2019 in den Sinn. Und es erscheint besonders festlich, die Musik dieser zurzeit im Neuaufbau befindlichen Stätte per CD neu aufleben zu lassen.

„Pâques à Notre-Dame“ ist ein Album mit österlicher Chormusik, aufgeführt von Mitgliedern der Maîtrise Notre-Dame de Paris, die talentierten Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen Ausbildungs- und Aufführungsmöglichkeiten bietet. Das Album umspannt sechs Jahrhunderte und die Musikkulturen Frankreichs, Italiens und Deutschlands. Und es enthält das letzte mehrstimmige Werk, das in Notre-Dame aufgeführt wurde, bevor die große Kathedrale inmitten der Vorbereitungen für Ostern durch ein Feuer zerstört wurde.

So hören wir Werke von Claudio Monteverdi, Yves Castagnet, Antonio Lotti, Jean-Charles Grandille, Maurice Duruflé, Hans Leo Hassler, Lise Borel, Jehan Revert und César Franck. Die feinen Stimmen sind dem Ereignis angemessen und liturgisch führt die Tracklist von der Anbetung des Kreuzes („Adoramus te“) über die feststehenden Elemente einer „Messe bréve“ bis hin zu den siegreichen Hymnen von „Regina Caeli“ und „Dextera Domini“.

Der Dirigent ist Henri Chalet, Direktor der Maîtrise, und an der Orgel ist Yves Castagnet zu hören, der auch drei der Werke auf dem Programm komponiert hat, die in der Basilika Sainte-Clotilde, einer anderen großen Pariser Kirche, aufgenommen wurden. Wie Henri Chalet sagt: „Wir wissen, dass Notre-Dame wieder auferstehen wird“. Und diese österliche Botschaft passt perfekt zu dem Release.

Stabat Mater

Die schmerzerfüllte Mutter – eine ergreifende Vertonung

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Das mittelalterliche Gedicht „Stabat Mater“ entstand vermutlich im 13. Jahrhundert und es behandelt den Schmerz von Maria über ihren gekreuzigten Sohn Jesu. In Anbetracht vieler Mütter, die um ihre im Krieg gefallenen Söhne weinen, ist es gerade in der heutigen Zeit ein tragisches Zeugnis.

Antonio Vivaldi vertonte die Zeilen vermutlich im Jahr 1727. Seine schmerzvolle Streichermusik erweckt die lateinischen Textzeilen zum Leben und gibt der Idee eines tragischen Solisten viel Raum. In einer Doppelveröffentlichung zu Ostern 2022 spielt der Countertenor Jakub Józef Orliński mit den Instrumentalisten der Capella Cracoviensis und dem Dirigenten Jan Tomasz Adamus Vivaldis „Stabat Mater“ sowohl auf CD als auch auf DVD ein.

Das in neun Strophen aufgeteilte Stück dauert nur knapp 18 Minuten. Man muss sich also auf einen kurzen musikalischen Genuss einstellen. Der ist aber um so intensiver, da Orliński eine wundervolle und beeindruckende Interpretation abliefert. Seine Countertenor-Stimme ist wirklich ein Hochgenuss.

Daneben gibt es eine DVD zur Aufnahme. Das kurze Feature-Video der Arbeit wurde vom preisgekrönten Regisseur Sebastian Pańczyk konzipiert. Durch kraftvolle, gewalttätige und manchmal sehr verstörende Bilder liefert es eine neue und zum Nachdenken anregende Interpretation des „Stabat Mater“.

Während das lateinische Gedicht das Leiden Mariens am Kreuz reflektiert, gehen Orliński und Pańczyk dem Thema Empathie und der gegenseitigen Abhängigkeit von Mensch und Natur nach. Leider sehr passend in der heutigen Zeit.

MJB Cover

Rhapsodien aus Russland und den USA – zum Verständnis der Völker

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Martin James Bartlett ist ein klassischer Pianist aus London. Sein Debütalbum mit Werken von Bach, Liszt, Granados und Prokofieff erschien im Jahr 2019. Bereits als 17jähriger war er im Jahr 2014 zum „BBC Young Artist of the Year“ gekürt worden, als er George Gershwins „Rhapsody in blue“ virtuos zelebrierte. Jetzt geht es zurück zu diesen Wurzeln und die Interpretation dieses Werks mit dem London Philharmonic Orchestra unter Joshua Weilerstein wird zum abschließenden Herzstück des zweiten Werks mit dem einfachen Titel „Rhapsody“.

Was den Release so überaus spannend macht, ist die Tatsache, dass Bartlett hier Kompositionen des Russen Sergei Wassiljewitsch Rachmaninow mit denen des Amerikaners vereint und auch dort eine Rhapsodie, nämlich die 24minütige „Rhapsody on a Theme of Paganini, Op.43“ in den Mittelpunkt stellt. Der russische Komponist hatte 1924 der Uraufführung von Gershwins „Rhapsody in blue“ gelauscht und war fasziniert von der Verschmelzung von Jazz und Klassik. Im eigenen Werk auf den Teufelsgeiger spielt Rachmaninoff einfallsreich mit einer Sequenz. Schließlich betont die Kunstform Rhapsodie, dass das Werk weder an eine bestimmte Form noch an einen Stil gebunden ist und sich frei entfalten kann.

Martin James Bartlett versteht genau darin den Reiz der beiden Kompositionen: „Es macht sie zu einer sehr instinktiven Hörerfahrung. Die kontrastierenden Elemente geben der Musik einen vielfältigen Charakter, obwohl ein zentrales Thema fortgeführt wird. Es trägt zur Struktur bei, während das Spiel improvisiert und spontan erscheint.“

Bartletts Interpretation ist ein wahrhaft elektrisierendes Glanzstück. Mit schwindelerregendem Tempo wirbelt er durch die Variationen, um sich im nächsten Moment wahlweise energisch oder gefühlvoll zu entfalten. Seine Ausdrucksmöglichkeiten kennen keine Grenzen und er reißt das Orchester stilvoll mit.

Weitere Kompositionen Gershwins und Rachmaninoffs vervollständigen das Album. Martin James Bartlett spielt sie in Arrangements des legendären US-Pianisten Earl Wild. Das London Philharmonic Orchestra unter Jungdirigent Joshua Weilerstein begleitet den aufstrebenden Stern am Klavierhimmel. Ein faszinierendes Pianoalbum – erfrischend und wundervoll!

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Elsa Dreisig Mozart Cover

Die Faszination von Wolfgang Amadeus Mozart

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Elsa Dreisig ist ein popkulturelles Klassik-Phänomen. Eine Sopranistin, die bei alteingesessenen Fans der Oper ebenso gut ankommt wie bei jungen Menschen, die ihr Auftreten und ihre Attitüde lieben. So ist es kein Wunder, dass sie sich für das neue Soloalbum die großen Opern von Wolfgang Amadeus Mozart aussuchte. Auch der berühmte Salzburger schuf sich in seinem kurzen Leben Popularität bei jung und alt.

Die französisch-dänische Sängerin ist in einer Musikerfamilie aufgewachsen. Sie ist die Tochter der dänischen Opernsängerin Inge Dreisig und des französischen Sängers, Dirigenten und Regisseurs Gilles Ramade. Ihre Karriere war quasi vorgeschrieben, doch keiner konnte ahnen, dass sie mit dreißig Jahren zu den renommiertesten Opern- und Konzertsängerinnen der Welt zählen wird. Während der Pandemie sang und spielte sie eine der Hauptrollen in Mozarts “Così fan tutte” bei den Salzburger Festspielen. Ein Triumph, der von der Presse bejubelt wurde (HIER unsere Review zur DVD).

Fotocredit: Erato

Kein Wunder, dass sie ihr neues Album komplett dem großen Komponisten widmet. „Es ist, als ob Mozarts Musik, die erst so klar und natürlich erscheint, tiefe, tiefe Geheimnisse verberge“, sagt sie. Der Titel „Mozart x 3“ bezieht sich auf die drei berühmten Opern, die der Komponist auf Texte des Librettisten Lorenzo Da Ponte schrieb: „Così fan tutte“, „Le nozze di Figaro“ und „Don Giovanni“.

Alles im Zeichen der Drei: Jede der drei Opern besitzt jeweils drei starke weibliche Hauptrollen – aus jeder der insgesamt neun Partien wählte Elsa Dreisig eine Arie für ihr Album aus. Jede einzelne Partie eine Welt für sich – und für Elsa Dreisig eine Möglichkeit, ihre Interpretationskunst und die Wandlungsfähigkeit ihrer Stimme unter Beweis zu stellen.

Fotocredit: Simon Fowler

Natürlich beginnt das Album mit ihrer ureigenen Paraderolle der Fiordiligi aus „Così fan tutte“. Ein warmer, lyrischer Sopran, der sich durch alle Tonlagen zieht. Meist weich und zart, doch durchaus zu energischen Klängen fähig. Unterstützt wird sie vom Kammerorchester Basel unter Louis Langrée, dem Direktor der gefeierten Pariser Opéra-Comique. Einfühlsam singt Elsa sich durch die Arien und vermeidet alles, was man normalerweise an Opern hasst: Sie singt klar und deutlich, beschränkt Koloraturen auf ein Minimum und man könnte die Texte gut verstehen, wäre man der italienischen Sprache mächtig. Abgerundet wird das Album durch je eine weitere Arie aus den Mozart-Opern „La clemenza di Tito“, „Idomeneo“ und „Lucio Silla“.

Das Label Erato sorgt sehr kundenfreundlich dafür, dass die meisten Hörer dem Geschehen folgen können. Es gibt ein umfangreiches Booklet mit einem Einführungstext von George Hall in englischer, französischer und deutscher Sprache. Außerdem sind die Texte aller Arien in Italienisch und Deutsch enthalten. Der Digipack ist sehr schön aufgemacht mit eindrucksvollen Fotos der Sängerin.

Elsa Dreisig geht ihren Weg als Pop-Klassik-Phänomen unbeeindruckt fort, ohne sich verbiegen zu lassen. Wie leicht könnte sie auf Elektronik und kurze Radiostücke setzen, doch sie bleibt in ihrem Metier und überzeugt alle Fans. Ein weiterer Meilenstein der jungen Künstlerin.

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Maxence Cyrin Cover

Insel der melancholischen Glückseligkeit

Der französische Komponist und Pianist Maxence Cyrin hat sich zu Beginn seiner Karriere gerne in Techno-Kreisen bewegt und seine Karriere als Musikschreiber unter Pseudonymen wie Max Da Fly begonnen. Auch später hat ihn die Verbindung zwischen klassischer und populärer Musik nicht losgelassen. „Novo Piano“ war beispielsweise ein wundervolles Album, mit dem er Songs von Arcade Fire, MGMT und sogar Nirvana in feinsinnige Klavierstücke verwandelte.

Auf seinem neuen Werk „Melancholy Island“ gibt es vor allem Eigenkompositionen zu hören und der melancholische Grundton wird ganz unterschiedlich interpretiert: Quirlig und fließend wie in „Faro Bay“, verträumt und sanft wie in „Soft Skin“ und „Seasons“, mit energischen Akzenten wie in „Dust“.

Die bewegenden Klangwelten schafft er vor allem am Steinway-Flügel. Dezente Synthesizer erscheinen bisweilen als subtile Ergänzung, ohne dass die Elektronik in den Vordergrund rückt. Die bittersüße Melancholie trägt zur Entschleunigung bei. Wem die letzten zwei Jahre mehr Frust als Ruhe gebracht haben, der kann hier Entspannung üben.

Neben den neun schwerelosen Stücken aus eigener Feder gibt es zum Schluss mit „Der Räuber und der Prinz“ (DAF) sowie Brendan Perrys „The Carnival Is Over“ zwei außergewöhnliche Coverversionen. Vor allem der Song der Düsseldorfer Elektro-Punk-Band bekommt in seiner reduzierten Form eine ganz neue Dimension. Und auch das Klavierstück von Perry klingt noch um einiges getragener als das Original. The Carnival Is Over? Ein nachdenkliches Mottostück zur Pandemie.

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Camille and Julie Berthollet

Die Liebe zum Kino und zu Netflix

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Wenn sie zu ihren Instrumenten greifen, kann man sich auf ein wahres Feuerwerk der Virtuosität freuen. Hunderttausende bejubeln die Geschwister Camille und Julie Berthollet, seit Camille vor einigen Jahren als 15-jährige die französische TV Casting-Show „Prodiges“ gewann. Fast fünf Millionen Zuschauer verfolgten ihren Siegeszug auf dem Fernsehsender France 2.

Ihr gemeinsames Debütalbum „Camille & Julie Berthollet“ stürmte die Charts in Frankreich und errang in kürzester Zeit einen Gold-Status dort. Ihre Fans verfolgen sie begeistert im Internet wie eine Girl Group. Neben einer mitreißenden, unbefangenen Ausstrahlung haben die beiden Schwestern etwas ganz Besonderes in petto: Sie beherrschen jeweils zwei Streichinstrumente – und sorgen so in ihren Konzerten für besonderen Farbreichtum. Camille spielt Violine und Violoncello, die zwei Jahre ältere Julie Violine und Viola.

Das vielseitige Repertoire der beiden reicht von Mozart, Beethoven über französische Chansons bis hin zu ihren eigenen Versionen von „Game of Thrones“ und „Forest Gump“. Die Liebe zum Kino ist also vorgegeben. Und der Titel des neuen Albums „Series“ sagt schon aus, welchem Genre man sich nun widmen will: Den großen Soundtracks von Netflix und Co.

Der Start mit „Game of Thrones“ lässt mir schon das Herz aufgehen. Das Thema aus „Mission Impossible“ hat man ebenso im Ohr wie die melancholischen Songs von „La La Land“. So wechseln sich energische, epische Interpretationen mit verträumten Melodien ab. Schottische und italienische Folklore gibt es mit dem „Skye Boat Song“ (aus der Serie „Outlander“), bei dem Julia auch als Sängerin in Erscheinung tritt,  und dem unverwüstlichen Klassiker „Bella Ciao“.

Die Melodien aus „Downtown Abbye“ gehören zum modernen Serienkanon, während Mancinis „The Pink Panther“ zu einer Zeitreise in die 60er und 70er Jahre einlädt. Das Album ist gefüllt mit moderner Popkultur: „Stranger Things“, „House of Cards“, „The Queen’s Gambit“ – es wird fast alles geboten, was das Herz begehrt. Und mit dem Titelsong von „The Simpsons“ schiebt sich dann eine der langlebigsten Serien der Geschichte in orchestraler Form hinterher.

Der unglaubliche Elan und die Leidenschaft, die von den Berthollet-Schwestern ausgeht, zeigt: Hier sind trotz früher Meisterschaft nicht einfach sogenannte Wunderkinder zu erleben, sondern zwei große Musikerinnen, die nicht nur die klassischen Konzertsäle erobern, sondern auch ein junges Publikum mit Musikbegeisterung. Und da passt das Album mit den Soundtracks der Fernseh- und Streaming-Generation einfach perfekt!

Anneleen Lenaerts Vienna Stories

Eine musikalische Reise nach Wien – an der Harfe

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Anneleen Lenaerts wurde 1987 im belgischen Flandern geboren und schloss im Jahr 2008 ihr Master-Studium an der Harfe mit „summa cum laude“ ab. Bereits zwei Jahre später wurde sie als Soloharfenistin bei den Wiener Philharmonikern engagiert. Bei Warner Classics hat sie bereits einige ausgezeichnete Alben mit Harfenkonzerten veröffentlicht. Doch das aktuelle Werk feiert wie kein anderes ihre große Liebe zur Stadt Wien.

„The worlds of opera and symphony merge perfectly in daily life in Vienna, and with this album, I’m hoping to take the listener on a wonderful orchestral journey with my harp“, sagt sie selbst zum Release.

Das Album enthält Stücke von Antonín Dvorák, Bedřich Smetana, Richard Wagner, Franz Liszt, Richard Strauss, Johann Strauss II, Albert Zabel und Ekaterina Walter-Kühne, die Anneleen meist solo an der Harfe vorträgt. Nur für zwei Strauss-Walzer wird sie von einigen Solisten der Philharmonie begleitet: Von Richard Strauss gibt es ein Stück aus dem „Rosenkavalier“ und von Johann Strauss II den Gassenhauer „An der schönen blauen Donau“ in einer sehr eleganten Version.

Die Werkauswahl reflektiert Anneleens Musikerleben bei den Wiener Philharmonikern, einem der weltbesten Orchester überhaupt. So meditiert sie an der Harfe über ihr unvergessliche Aufführungen, zum Beispiel über die sinfonische Dichtung „Les Préludes“ von Franz Liszt unter dem Dirigat von Riccardo Muti und über Smetanas „Die Moldau“ unter Daniel Barenboim.

Bei zwei Stücken namens „Fantasy on La Bohème“ wird Lenaerts selbst als Komponistin tätig und vermittelt eine schöne Hommage an die berühmte Oper von Giacomo Puccini.

Die Harfe ist ein ganz besonderes Instrument und kommt in vielen Orchesterwerken oft zu kurz. Hier spielt sie die Hauptrolle und Anneleen Lenaerts zeigt, dass ihre Musik ein ganzes Album tragen kann. Bekannte Melodien wechseln sich mit spannenden Arrangements von Albert Zabel und Ekaterina Walter-Kühne ab.

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Nigel Kennedy uncensored

Nigel Kennedy: „uncensored“ – ein Best of Release durch die Jahtzehnte

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Das 3-CD-Set „uncensored“ bietet einen Querschnitt mit Höhepunkten aus der Karriere des fast 65jährigen Violinisten aus dem britischen Brighton. Schon mit 13 Jahren jammte Nigel Kennedy mit der Jazzgeigen-Größe Stéphane Grappelli. Als Meisterschüler von Yehudi Menuhin erspielte er sich Weltgeltung als Brahms-, Elgar- und Beethoven-Interpret.

Dass er 1989 im Punker-Outfit mit Vivaldis “Vier Jahreszeiten” das erfolgreichste Klassik-Album überhaupt herausbrachte, war für ihn ein Ansporn für immer neue Grenzüberschreitungen und Entdeckungen. Kennedy hat als „enfant terrible“ die Klassikszene geprägt und den Weg geebnet für Nachfolger*innen wie David Garrett und Vanessa Mae.

Nun hat der britische Geigenvirtuose seine Lieblingsaufnahmen, die er in seiner über mehrere Dekaden reichenden Diskografie eingespielt hat, auf drei CDs zusammengestellt. Die Sammlung ist so bunt und vielseitig wie das Konzertleben des Künstlers: Aufnahmen mit großen Orchestern wie den Berliner Philharmonikern über Jazz-Formationen bis hin zum Duo mit dem Kontrabass, von seiner berühmten Barockeinspielung von Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ über Brahms und Bruchs Violinkonzerte bis hin zu Jazzimprovisationen in den vielseitigsten Besetzungen. Auch sein wundervolles Album „Kennedy Meets Gershwin“ ist vertreten.

Diese Box zeigt einmal mehr die Virtuosität und Kreativität eines der ganz großen Violinisten unserer Zeit. Die Aufnahmen werfen einen Blick zurück auf ein schillerndes Leben und fassen Kennedys Können perfekt zusammen. Das Albumcover zeigt ihn genau so unkonventionell, wie er stets in Erscheinung getreten ist.

Nächstes Jahr soll im Tropen-Verlag eine Autobiografie des Stargeigers erscheinen. Aber keiner Sorge: Er geht noch nicht in Rente. Tourdaten zum Best-of-Album sind raus und er wird weiter auf der Bühne für Furore sorgen.

Mozart Requiem

Mozart: Requiem – Warner Classics legt Harnoncourts Interpretation neu auf

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Als Wolfgang Amadeus Mozart im Alter von 35 Jahren starb, war sein „Requiem“ noch unvollendet. Obwohl es nur zu etwa zwei Dritteln tatsächlich von Mozart stammt, ist es eines seiner beliebtesten und am höchsten geschätzten Werke. Mozart starb während der Komposition im Jahr 1791. Da es sich um ein Auftragswerk handelte, vervollständigten Joseph Eybler und Franz Xaver Süßmayr das Werk, welches als „Requiem in d moll“ (KV 626) in die Musikgeschichte einging.

Das Requiem ist geschrieben für Orchester, Chor und vier Solisten. Eine legendäre Aufnahme entstand 1981 unter dem Dirigat von Nikolaus Harnoncourt, der vor fünf Jahren verstorben ist. Warner Classics legen diesen Klassiker jetzt frisch gemastert neu auf. Damit würdigt man mehrere Jubiläen zugleich: Vor 230 Jahren erklang zum ersten Mal Mozarts Requiem, im selben Jahr, noch vor dessen Vollendung, starb Wolfgang Amadeus Mozart – und vor genau 40 Jahren entstand schließlich die Aufnahme selbst. „Hier kann ich Mozarts eigener Stimme lauschen“, sagte Harnoncourt einst über das Requiem des großen Komponisten.

Damals bereits mit dem Deutschen Schallplattenpreis ausgezeichnet, lebt die Aufzeichnung von der intensiven Emotionalität des Harnoncourtʼschen Musikstils. Und sie gibt Zeugnis für die Anfangszeit der historischen Aufführungspraxis, als noch der Bogen gespannt werden musste zwischen traditioneller Interpretation und neuen Forschungserkenntnissen. Es spielt das vom Dirigenten gegründete Originalklangensemble Concentus Musicus Wien, begleitet von einer Riege erstklassiger Namen jener Zeit: die französische Sopranistin Rachel Yakar, die Altistin Ortrun Wenkel, Oratoriensänger Kurt Equiluz und der mächtige Bass von Robert Holl. Der heimliche Star der Aufnahme ist aber der sensibel agierende Wiener Staatsopernchor.

Der beginnende November mit seinen Gedenktagen wie Allerheiligen, Totensonntag und Volkstrauertag ist der perfekte Monat, um dieses großartige Requiem zu genießen. Die vorliegende Aufnahme ist legendär – und hat durch das Remastering noch an Klarheit und feinem Klang der Stimmen gewonnen.

Murder-Symphony

The Danish National Symphony Orchestra: Murder At The Symphony

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Das Danish National Symphony Orchestra hat uns in letzter Zeit einige spannende Themen-Veröffentlichungen beschert. In der Regel ging es dabei um das ganz große Kino: „The Morricone Duel“ widmete sich dem Westerngenre, „Agents Are Forever“ huldigte James Bond und anderen Helden der Filmgeschichte, „Divas and Diamonds“ stellte die strahlenden weiblichen Stars in den Mittelpunkt. Alles mit hervorragend ausgearbeiteten Arrangements und spielfreudigen Musikern.

Jetzt hat man sich die düstere Film- und Serienwelt vorgenommen. „Murder at the Symphony“ ist der nächste Teil der konzeptionellen Reihe mit einem spannenden Konzert voller Geheimnisse, Nervenkitzel und populärer Filmmusik. Mit Soundtracks aus Filmen und Fernsehserien wie Psycho, Vertigo, Das Schweigen der Lämmer, Twin Peaks und Babylon Berlin von Komponisten wie Leonard Cohen, Hans Zimmer, Bernard Herrmann, Nick Cave, Johnny Greenwood und Nino Rota.

Schon der Start mit „Zu Asche, zu Staub“ aus Babylon Berlin ist megastark, wenn man sich durch das nervig verquietschte Intro durchgekämpft hat. Unter Leitung von Sarah Hicks läuft das Orchester bei jedem Track zur Hochform auf. Und dabei ist es gerade gut, dass man nicht die immergleichen Klassiker zu hören bekommt, die jeder ländliche Musikverein im Repertoire hat, sondern Stücke aus längst vergangenen Zeiten, an die man sich nostalgisch zurück erinnert:

Wer kennt nicht die Duschszene aus Psycho mit dem starken Messermotiv, die unheimliche Suite aus Der Pate und „Laura Palmer’s Theme“ aus der bis zuletzt undurchschaubaren Twin Peaks-Serie. Doch auch Neueres ist im Repertoire dabei, wie Leonard Cohens Beitag zu der großartigen Serie True Detective.

Ein sehr schöner Release zum Abtauchen in die düstere Filmwelt!

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