Die Indie-Pop Sängerin und Songwriterin OSKA aus Wien veröffentlicht ihre Interpretation des Winterklassikers “In the Bleak Midwinter”.
Aufgewachsen in einem kleinen Dorf in Niederösterreich, zog OSKA mit 18 Jahren nach Wien, um ihrer ersten Liebe zu folgen: der Musik. Sie fing an, auf den Straßen und Plätzen der Hauptstadt als Straßenmusikerin zu spielen, während sie gleichzeitig Pop- und Jazzgesang studierte. Sie hat intensiv an ihrem Debüt gearbeitet und ihre Stimme perfektioniert, um genau das zu vermitteln, was sie will. Mitte 2020 unterschrieb OSKA ihren ersten Plattenvertrag bei dem kanadischen Label Nettwerk und im Januar 2021 veröffentlichte sie ihre Debüt-EP “Honeymoon Phase”, die von den Kritikern hochgelobt wurde. Mit den fünf Songs sammelte die Österreicherin alleine auf Spotify bereits knapp vier Millionen Streams und gewann den XA Music Export Award beim Waves Vienna Festival 2020.
Ihr langerwartetes Debütalbum “My world, My love, Paris” wird am 25. Februar via Nettwerk erscheinen. OSKA über ihr Debütalbum:
“For so many years making my first album was the biggest thing in the world to me. That‘s probably also why it took me so long to make it. I always wanted it to be special and at times was scared that I wouldn‘t like it five years from now or that I couldn’t identify with the music some time after the release. I‘m realizing more and more that this album does not have to be perfect or everything I‘ve ever dreamed it would be. It’s like a photograph, something to look back on, something that brought me a lot of joy and songs that helped me through a lot of sad times. It’s honest and there’s so much love in it. So much time and work, even tears, hours of watching my producer Alex edit guitars and drums and vocals, hours of singing and waiting for the right moment to record and the right emotion to be caught, hours of writing and doubting my skills, hours of absolute peace and flow and loving that I get to do this. I’m okay with the fact that my music will change with me. I’m okay with letting go off these songs. I’m okay with the album being out there and listened to. I’m very okay with this album being my first album.”
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Etwa 300 Konzerte an ca. 35 Locations – das ist ein Wagnis, das zu Zeiten dieser schon so lange andauernden Pandemie kaum einer anzugehen wagt. Abgesehen von den Machern des Reeperbahn Festivals in Hamburg. Schon im Jahr 2020 waren sie die letzte Bastion im weitgehend konzert- und ansonsten absolut festivalfreien Deutschland. Doch natürlich musste man Abstriche machen (und muss es noch). Wo sich normalerweise um die 50.000 Fans in St. Pauli tummeln, waren es im vergangenen Jahr gerade mal 8.000 – in Clubs und überdachten Freiluftarenen, überall mit Sitzplätzen. HIER unser Bericht vom vergangenen Jahr.
2021 sieht es schon anders aus. Von “heile Welt” will ich aber nicht reden. 20.000 Besucher sind zugelassen. Die Veranstalter hätten sich für die in Hamburg mögliche 2G-Regelung entscheiden und alle Spielstätten wie in alten Zeiten füllen können, doch die Entscheidung des Senats ist mitten in die zu Ende gehenden Planungen reingegrätscht. Da hatte man sich schon längst für das 3G-Konzept entschieden und wollte den Karteninhabern entsprechende Planungssicherheit geben. Heißt im Klartext: Schon bevor man das Festivalbändchen in Empfang nehmen kann, führt der erste Weg zum Covid-Check: Wer geimpft, genesen oder frisch getestet ist, bekommt ein entsprechendes Bändchen als Nachweis. Das war für die folgenden Konzertbesuche die beste Lösung, bedeutete aber auch ein erstes Warten in einer schier endlosen Schlange.
An die Warteschlangen allüberall sollte man sich gewöhnen müssen. Und ich kann nur die Geduld aller Beteiligten loben: Security, Einlasspersonal und vor allem wartende Menschen. Es gab kaum Unmutsäußerungen, auch wenn Besucher berichteten, an drei Clubs angestanden zu haben um letztlich kein Konzert zu sehen. Das wurde vor allem in beliebten Clubs wie dem Gruenspan oder dem Mojo zu harter Realität. Auch wer es rein geschafft hatte, durfte nicht machen, was er wollte. Wo es keine Sitzplätze gab, waren Stehplatz-Punkte auf den Boden geklebt. In stetiger Fleißarbeit bekam jeder vom Personal einen Platz zugewiesen. Maskenpflicht blieb natürlich bestehen – es ist schon Wahnsinn, woran wir uns in den vergangenen 18 Monaten alles gewöhnt haben.
Lässige Konzerterlebnisse gab es vor allem auf den Open-Air-Bühnen am Spielbudenplatz und am Heiligengeistfeld, wo das Festival Village aufgebaut war. Angesagte Künstler wie Jeremias, Antje Schomaker und Jupiter Jones auf der ARTE Concert Stage – das waren echte Highlights wie zu alten Zeiten. Es wurde gejubelt und gefeiert, allerdings “ohne Tanzen und ausschweifende Bewegungen”, wie die Festivalstimme vom Band am Anfang jedes Gigs vermeldete.
In den kleinen Locations wie dem UWE konnte man neue Acts entdecken und lieb gewinnen. Im Umfeld der Fritz Bühne wurde es immer wieder gemütlich und heimelig, da man von überall einen guten Blick auf die hohe zweistöckige Bühne hatte und zu guter und lebhafter Musik chillen konnte. Und dann waren da natürlich die wirklich ungewöhnlichen Konzertstätten: Das Imperial Theater, wo die Bands in der Kulisse eines Edgar-Wallace-Stücks auftraten, die St. Michaelis-Kirche mit ihrem wundervollen Ambiente und natürlich die Elbphilharmonie, die endlich wieder mit im Programm vertreten war.
Man konnte sich bestimmte Konzerte als Priorität setzen, pünktlich am Einlass stehen und mit etwas Glück einen Platz bekommen, oder aber man ließ sich treiben und stromerte dahin, wo gerade nicht so viel los war, wo spannende Musik zu hören war, wo das Publikum gerade lauthals jubelte. Hamburg wurde mit musikalischem Leben erfüllt – und es war fast wie früher.
Konzerthighlights
Herausheben möchte ich für den ersten Tag die spielfreudige Kölner Indie-Pop-Band Fortuna Ehrenfeld. Im GRUENSPAN heizten Martin Bechler, Jenny Thiele und Jannis Knüpfer dem Publikum ordentlich ein und sorgten für ausgelassene Stimmung. Was für ein Start ins Festival! Sehr soulig wurde es dann mit Joy Denalane im STAGE Operettenhaus. Bei einem umjubelten Auftritt präsentierte sie vor allem ihre aktuellen Songs im Motown-Sound und wurde dabei von einer kraftvollen Band mit zwei Background-Sängerinnen unterstützt. Ein grandioses Konzert voller stimmlicher Eleganz.
Am Donnerstag konnte ich Annie Chops bei einem Solo-Showcase ihrer Plattenfirma bewundern. Eigentlich gehörte sie gar nicht zum Festival-LineUp, doch da sie als Gitarristin von Antje Schomaker mit am Start war, nutzte sie die Gelegenheit für einen Auftritt vor dem Maa’ Deyo und zeigte, wie sie ganz allein mit ihrem R’n’B, Hip Hop und Pop bestehen kann. Hilfreich war dabei eine Loop Station, garniert von einer unverschämt souligen Stimme, deren rauer Charme direkt unter die Haut ging.
Danach ging es zu OSKA in den Nochtspeicher. Sie war nominiert für den ANCHOR Award als Nachwuchstalent und trat hier vor der Jury auf (die mit Namen wie Emeli Sandé, Tom Odell und Yvonne Catterfeld aufwartete. Etwas nervös am Anfang führte sie das Publikum durch ein melancholisches Set voller ruhiger Songs. Mit traumhafter Stimme und verklärt-verspielten Ansagen. Tags darauf hat sie uns vom Auftritt berichtet – das Interview könnt ihr HIER nachlesen. Wenig später gab es JEREMIAS auf der ARTE Concert Stage. Die Indie-Pop-Band aus Hannover brachte das Publikum trotz aller Auflagen zum Tanzen und verwandelte das Heiligengeistfeld in einen atmosphärischen, bisweilen mystischen Ort. Pures Konzertfeeling wie in alten Zeiten!
Freitags gab es neben einigen kleineren Konzerten den gefeierten Auftritt von JUPITER JONES auf der ARTE Concert Stage. Ein erzählfreudiger Nicholas Müller mit teils launischen Ansagen, die perfekt zu seiner schnoddrigen Art passten – inklusive Mittelfinger für Hetzer und Populisten. So kennt man den Eifeler Sänger – schön, dass er wieder zurück ist. Und als dann sein Hit “Still” erklang (wie immer der verstorbenen Mutter gewidmet), hatte die Gänsehaut alle ergriffen.
Auf der Spielbude XL wurde Tim Freitag zum Überraschungshit! Der Indie-Rocker aus Zürich kämpfte sich durch alle Tonlagen, sprang vom Boxenturm und stand am Ende selig und halbnackt im Schein der beeindruckenden Lightshow. Mit seiner Bühnenpräsenz war er sicher eine Entdeckung des Festivals! Skurril dann auch der Auftritt von Katy J Pearson im Imperial Theater, da die Band dort in der Kulisse eines Edgar Wallace Theaterstücks auftrat. Die Sängerin mit prägnanter Stimme und fantastischen Instrumentalisten konnte das Wohnzimmer jedenfalls problemlos mit ihrer Musik füllen.
Der Samstag führte nach einigen kleineren Shows auf der FRITZ Bühne wieder zur ARTE Concert Stage, wo Antje Schomaker in ihrer Heimatstadt vielleicht den Auftritt ihres Lebens hinlegte. Übersprudelnd vor Freude haute sie einen Deutschrock-Hit nach dem anderen raus und fütterte das Publikum mit Lebensweisheiten aus ihrem Alltag (“Wenn’s nicht passt, dann trennt euch”). Sie wird einfach von Album zu Album stärker.
Und dann zwei abschließende Highlights zum Schwärmen: In der St. Michaelis Kirche (dem Hamburger Michel) glänzte die Songwriter-Band Die höchste Eisenbahn mit einem Akustikset, der durch alle Phasen der Karriere führte und das Publikum zu stehenden Ovationen brachte. Der Sound war überragend und die Band ließ sich davon tragen. Konnte man das noch toppen? Ja, mit Niklas Paschburg in der Elbphilharmonie. Der Hamburger Elektronik-Künstler füllte die hohe Konzerthalle mit wundervollen Klängen aus Flügel, Keyboard und Akkordeon, die er mit einer Loop-Station live zur atmosphärischen Soundkulisse arrangierte. Der glasklare und warme Sound der Philharmonie tat sein Übriges dazu, dieses Konzert zum Abschluss-Highlight werden zu lassen. Das konnte man nicht mehr steigern!
Fazit
Da will ich zunächst mal Frehn Hawel von der Festivalleitung zu Wort kommen lassen: “Als Superstar Sting erzählte, dass er vor seinem Auftritt bei der Eröffnung des Reeperbahn Festivals nervös gewesen sei, da dies seine erste Liveshow seit 18 Monaten war, brachte er damit die aktuelle Situation für die meisten seiner Kolleg*innen auf den Punkt. Die Freude über das Erleben von unmittelbarer Intensität und direktem Austausch, sowohl zwischen Künstler*innen und Publikum, aber auch branchenintern, gepaart mit dem Wiederaufleben der internationalen Aktivitäten des Musikgeschäfts zeichneten die diesjährige Ausgabe des Reeperbahn Festivals aus. Wie groß die Sehnsucht nach Konzerterlebnissen in Musikclubs ist, zeigte sich leider auch in den teils sehr langen Schlangen vor den Spielstätten, die durch die 3G-Umsetzung des Reeperbahn Festivals auch in diesem Jahr stark eingeschränkte Kapazitäten aufwiesen.”
Die Entscheidungen, die getroffen werden mussten, waren nicht leicht und sorgten durch die geringen Kapazitäten auch zu Unmut (nicht unbedingt vor Ort, aber in Kommentaren bei den sozialen Medien). Trotzdem waren sie richtig – und letztlich konnte sich jeder sein Festival bei Traumwetter selbst gestalten. Wer die langen Schlangen vor den Clubs meiden wollte, hatte vor den großen Open-Air-Bühnen Spielbude XL und ARTE Concert Stage genügend Freiraum. Der Reeperbus sorgte mit 15minütigen Kurzauftritten für große Vielfalt in kürzester Frequenz. Und wer es gemütlich haben wollte, konnte weitläufig um die hoch aufgebaute FRITZ Bühne chillen.
Das Experiment ist auch im zweiten Corona-Jahr gelungen und hat die Normalität ein Stück weiter zurück gebracht. Bleibt zu hoffen, dass es im nächsten Jahr mit wieder 50.000 Besuchern und ohne Auflagen weitergeht. Der Termin steht schon: 21. bis 24. September 2022. Early-Bird-Tickets sind ab heute erhältlich!
Das REEPERBAHN FESTIVAL ist neben der “Stadt voller Musik” auch ein Ort netter Begegnungen. So durfte unser Redakteur Andreas Weist am 24.9.2021 die junge Newcomer-Künstlerin OSKA zum Interview treffen. Aufgewachsen in einem kleinen Dorf in Niederösterreich, zog OSKA – die eigentlich Maria heißt und ihren Künstlernamen nach ihrem älteren Bruder ausgewählt hat – mit 18 Jahren nach Wien, um ihrer ersten Liebe zu folgen: der Musik. In Hamburg trafen wir auf eine sympathische Songwriterin, die sich sehr über die Nominierung zum ANCHOR (International Music Award) freute, einem Nachwuchspreis des Festivals als Prädikat für aufstrebende Musiker*innen. Man brauchte Maria eigentlich keine Fragen zu stellen, man musste nur Ideen geben. Sie sprudelte über vor Erzählfreude und berichtete von ihrer Musik und den Festival-Erlebnissen.
Hallo Maria. Schön dich zu treffen. Magst du uns zuerst etwas zu deiner Person erzählen?
Ich bin aufgewachsen im Waldviertel in Österreich, also ganz ländlich. Ich stamme aus einer sehr musikalischen Familie und bin die Jüngste von fünf Kindern. Alle sind sehr musikalisch, vor allem meine Mama. Sie hat immer Musik gemacht mit mir und den älteren Geschwistern. Sie hat Gitarre gespielt, irische Balladen gesungen – so bin ich zur Musik gekommen, weil es etwas ganz Natürliches war. Ich dachte, das macht jede Familie so. Dann habe ich angefangen Lieder zu schreiben, zunächst auf der Geige mit meinem ältesten Bruder Oskar, der auch namensgebend für den Künstlernamen ist. Schließlich habe ich mit der Geige aufgehört, weil ich sehr, sehr schlecht war, und angefangen Gitarre zu spielen. Die Gitarre wurde zu meinem Instrument. Meine Mama hat mir ein paar Akkorde gezeigt, die Geschwister konnten auch alle spielen – so war das ganz natürlich.
Fotocredit: Leni Burger
Hast du von Anfang an eigene Songs geschrieben?
Ja, das Songschreiben habe ich immer gemacht, weil es einfach etwas Cooles und Schönes war. Eine Zeit lang hatte ich es schwer in der Schule und wollte nur immer heim, um Gitarre zu spielen und Songs zu schreiben. Am Anfang startet man oft mit Covers und Liedern, die man gern hat. Aber das eigene Schreiben war immer da. Schon die ersten Akkorde, die ich spielen konnte, waren auch die ersten Akkorde in einem Lied von mir. Dann habe ich das immer wieder versucht und eigentlich weiß ich gar nicht mehr, wie ich dazu gekommen bin. Wenn man das einmal gemacht hat und dieses Gefühl bekommt: Wow, das geht ja. Das ist kein “Rocket Science” – man kann es einfach machen. Dann will man es immer wieder machen, es ist ganz “weird”.
Jetzt hast du deine ersten Songs in einer Zeit veröffentlicht, in der du keine Konzerte spielen konntest. Wie war das für dich?
Es war sehr komisch. Ich habe lange Zeit Straßenmusik gemacht und die Livemusik ist extrem wichtig für mich. Nachdem ich mit dem Schreiben von Musik angefangen habe, habe ich das zunächst allein für mich gemacht. Aber irgendwann kommt der Punkt, wo man das unbedingt jemandem vorspielen will – wie ein Drang, dass man das teilt, was man jahrelang in seinem Zimmer alleine gemacht hat. Plötzlich habe ich es dann machen können, als ich nach Wien gekommen bin. Ich habe so viel Straßenmusik gemacht und gelernt, dass es ein wichtiger Teil von mir ist und vom Musizieren. Als es dann plötzlich nicht mehr möglich war, obwohl ich gerade meine eigene Musik raus brachte – das war so komisch und traurig. Ich hätte Support-Shows in den Niederlanden gehabt, auf die ich mich monatelang gefreut habe, und die wurden abgesagt bzw. dreimal verschoben. Dadurch fühlt sich das manchmal nicht so echt an für mich. Dieses ganze Streaming, die Zahlen. Meine Managerin und das Label sagen: Das sieht gut aus und geht in eine gute Richtung. Aber das bedeutet mir dann nicht so viel und ist eher komisch. Wenn ich dann aber richtig spielen kann und die Gesichter sehe, dann ist alles gut. Wenn Leute mir schreiben: “He, ich hör grad deine Musik.” Dieser Austausch bedeutet mir sehr viel, aber er fehlte extrem in diesem und im letzten Jahr. Das ist schade.
Waren das hier in Hamburg deine ersten Konzerte seit langem?
Nein. Ich habe jetzt immer wieder kleine Sachen gespielt. Im August hatte ich eine Akustik-Tour mit Stu Larsen, einem Freund und Kollegen von mir, einem australischen Künstler. Da waren wir auf Tour – auch in Deutschland, auch in Hamburg im KNUST. Das war schön. Alles hat sich wieder normal angefühlt. Trotzdem komplett anders, da ich zum ersten Mal meine eigene Musik spiele und eigentlich zum ersten Mal richtig auf Tour bin.
Magst du uns was zu den Konzerten beim Reeperbahn Festival erzählen?
Gerne. Das war so cool. Zuerst im INDRA. Ich kenne mich nicht so gut aus mit Festivals und bin keine Festival-Gängerin. Zuerst habe ich das gar nicht realisiert, aber irgendwann dachte ich schon: “Okay, das ist ein großes Ding, das REEPERBAHN Festival.” Jeder redet davon und dann wird man doch nervös. Im INDRA sagte alle 15 Minuten jemand: “In dem Club haben schon mal die Beatles gespielt.” Das hat man dann den ganzen Tag im Kopf und ich war so dankbar. Wir sind so privilegiert, dass wir da spielen dürfen. Dass ich mit meinen Freunden im Bus sitze und nach Deutschland fahre. Ich wollte vorrangig diesen Austausch mit dem Publikum, aber ich war schon nervös.
Und gestern hast du dann im NOCHTSPEICHER vor der Jury gespielt. War das nochmal anders?
Ja. Das war schon anders mit der Jury und dem ANCHOR Award. Ich finde es so schwierig, bewertet zu werden oder Musik miteinander zu vergleichen und zu messen. Damit habe ich schon ein Problem. Es ist komisch – aber trotzdem: Ich habe gerade die Chance, vor so coolen Menschen zu spielen. Eigentlich sind in der Jury auch nur Leute, die irgendwann angefangen haben, Musik zu machen, und es dann durchgezogen haben, weil sie es unbedingt wollten. Es sind inspirierende Menschen und ich hatte das Privileg, ihnen meine Musik präsentieren zu dürfen. Der Gedanke hat mir geholfen.
Warst du sehr aufgeregt?
Ja, es war schon ein Druck da und ich bin von der Bühne und sagte: “Das war jetzt nicht gut, oder?” Doch meine Band sagte: “Das war so gut. Das war das beste Konzert, das wir je gespielt haben.” Ganz zum Schluss wollte ich gar nicht aufhören zu reden, weil ich nicht wollte, dass es vorbei ist. Ich hatte das Gefühl: Jetzt komme ich gerade so richtig an. Am Anfang war ich absolut nervös und das hätte ich lieber nicht gehabt. Am liebsten hätte ich es nur genossen. Von Anfang an. Es war schwierig, von der Bühne zu gehen.
Hast du dich wegen der Jury entschieden, deine Ansagen auf Englisch zu machen?
Ich war mir beim REEPERBAHN generell nicht sicher, wie international das Publikum ist. Im INDRA habe ich deutsch gesprochen, im NOCHTSPEICHER englisch. Es wäre ja blöd, wenn die Jury nichts versteht.
Wie wurdest du eigentlich für den ANCHOR Award nominiert?
Ich weiß es gar nicht – ehrlich gesagt. Man kann sich dafür bewerben und meine Managerin Annemarie hat das einfach gemacht, ohne mich zu fragen. Sie hat mir nicht einmal davon erzählt. Plötzlich ruft sie mich an und erzählt mir von der Nominierung. Wir hatten nicht damit gerechnet und ich weiß auch gar nicht, wer die Künstler auswählt oder wer das entscheidet. Es ist schon komisch, dass ich dabei bin. Da sind super Leute dabei. Ich habe gestern noch bei Lie Ning ins Konzert geschaut. Der macht so eine coole Show. Morgen werden wir uns alle vor der Verleihung kennen lernen – da freue ich mich sehr drauf.
Konntest du dir andere Konzerte beim Festival anschauen?
Vom Hotel aus sieht man auf eine Bühne. Da habe ich so einiges mitbekommen. Ansonsten habe ich noch nicht viel gesehen, da die letzten zwei Tage extrem stressig waren. Aber heute Abend schaue ich mir Ry X an. Alice Phoebe Lu hätte ich sehr gerne gesehen, aber ich bin zu nichts gekommen. PVA haben wir beim Soundcheck kennen gelernt. Die sind auch sehr nett.
Willst du uns noch etwas zu deinem Debütalbum sagen, das jetzt bald erscheint?
Sehr gerne. Es wird “MY WORLD, MY LOVE, PARIS” heißen und im Februar 2022 erscheinen. Es gibt auch einen Song gleichen Namens. Ich finde es sehr schwierig, ein Album oder eine EP zu benennen und alles irgendwie zusammen zu fassen. Aber es ist für mich das wichtigste Lied und ich weiß, daran werde ich anknüpfen für meine musikalische Zukunft. So passt es.
Werden die aktuellen Singles und deine erste EP mit auf dem Album vertreten sein?
Ich denke, ein Song der EP kommt mit drauf: “Misunderstood”, weil der gut zum Album passt. Aber darüber reden wir noch. Erst hatten wir vor, die komplette EP drauf zu packen, aber jetzt habe ich so viel neues Material.
Am Freitag, den 30. Juli veröffentlichte die österreichische Sängerin & Songwriterin die neue (wunderschöne) Single “Woodstock” zusammen mit einem Video – bittersüß und charmant, wie man das so von OSKA kennt. “Woodstock ist ein Song über mein dummes, altes Auto und darüber, dass ich wahrscheinlich nie im Leben von jemandem sein werde; genauso wie ich nie Teil eines Festivals sein werde, das vor über 50 Jahren stattgefunden hat. Ich wünschte, ich wäre es, aber es ist unmöglich. Und das ist okay” – sagt OSKA über den Song.
Im August kommt OSKA zudem gemeinsam mit ihrem australischen Labelkollegen Stu Larsen für eine Reihe von intimen Acoustic-Shows nach Deutschland! Die beiden haben letztes Jahr eine wunderschöne Kollaboration veröffentlicht und sind während des Entstehungsprozesses gute Freunde geworden. Neben Stus erster Tour mit einer Band, wird man im August auch die gemeinsamen Songs von Stu & OSKA zu hören bekommen.
Aufgewachsen in einem kleinen Dorf in Niederösterreich, zog OSKA mit 18 Jahren nach Wien, um ihrer ersten Liebe zu folgen: der Musik. Sie fing an, auf den Straßen und Plätzen der Hauptstadt als Straßenmusikerin zu spielen, während sie gleichzeitig Pop- und Jazzgesang studierte. Sie hat intensiv an ihrem Debüt gearbeitet und ihre Stimme perfektioniert, um genau das zu vermitteln, was sie will. Mitte 2020 unterschrieb OSKA ihren ersten Plattenvertrag bei dem kanadischen Label Nettwerk und im Januar 2021 veröffentlichte sie ihre Debüt-EP “Honeymoon Phase”, die von den Kritikern hochgelobt wurde.
Mit den fünf Liedern sammelte die Österreicherin alleine auf Spotify bereits knapp vier Millionen Streams und gewann den XA Music Export Award beim Waves Vienna Festival 2020. Die Sängerin und Songwriterin OSKA veröffentlichte letzten Freitag ihre brandneue Slow-Jam-Single “Crooked Teeth” inkl. Live-Video. Die in Wien lebende Künstlerin, die in einer Sänger- und Musikerfamilie aufgewachsen ist, schrieb den Song für ihre vier älteren Geschwister. Über ”Crooked Teeth’’ erzählt sie folgendes:
“They’ve all lost friends in tragic ways, and I’m only realizing now how hard that must have been. So, it’s about losing people and, along with them, the ability to be as carefree as we once were. It’s about wishing they were still here, and that we could still laugh like we used to – carefree laughs with carefree smiles, crooked teeth and all.”
Die neue Single zusammen mit dem bereits veröffentlichten Track ”Lousy T-Shirt’’ ist ein weiterer Vorgeschmack auf das mit Spannung erwartete Debütalbum.
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Ihre Lieder sind leicht abgedunkelt, aber nie völlig finster. Sogar bei dezenter Zimmerlautstärke zieht einen ihr sensibler Singer/Songwriter-Pop vollkommen in ihren Bann. Schwierige Momente sind für OSKA die beste Inspirationsquelle: „Wenn ich mich richtig gut fühle, entstehen meistens keine neuen Songs. Das Schreiben ist für mich eher eine Form von Selbsttherapie.“ Der intime Sound und die Melancholie, die in ihren Stücken mitschwingt, vermitteln aber nur einen Teil ihrer Persönlichkeit. OSKA ist eine ebenso nachdenkliche wie warmherzige Geschichtenerzählerin und privat gar nicht so schwermütig, wie es ihre Lieder vielleicht vermuten lassen. Sie lacht gern und verzaubert andere mit ihrer fröhlichen Art.
Maria, wie OSKA mit bürgerlichem Namen heißt, hatte bereits als Nesthäkchen mit vier älteren Geschwistern eine Passion für Musik. Sie sang und probierte sich an der Geige, am Klavier sowie an der Gitarre aus. Musikerin zu werden war ein stiller Wunsch, aber nichts was sie als Kind für möglich hielt: „Schließlich bin ich in einem kleinen Dorf im niederösterreichischen Waldviertel aufgewachsen. Dort kannte ich lange Zeit niemanden, der ebenfalls Lieder schreibt, oder ausschließlich von der Musik lebt.“
Erst mit 16 schwenkte sie um: Sie beschloss, sich nach der Matura in Wien als Straßenmusikerin durchzuschlagen. Auf Anraten ihrer Mutter studierte Maria eher halbherzig Pop- und Jazzgesang: „Ich habe viel auf der Straße musiziert und nutzte jede Gelegenheit, live zu spielen. Dabei lernte ich mehr als während des Musikstudiums.“
Mitte 2020 unterschrieb OSKA ihren ersten Plattenvertrag bei dem kanadischen Label Nettwerk und im Januar 2021 veröffentlichte sie ihre Debüt-EP “Honeymoon Phase”. Mit den fünf Liedern sammelte die Österreicherin alleine auf Spotify bereits knapp vier Millionen Streams und gewann den XA Music Export Award beim Waves Vienna Festival 2020. Mit drei der Songs landete OSKA in den österreichischen Airplay Charts und ihr erfolgreichster Song „Love You’ve Lost” knackte die Top50. Mit Plays bei Ö1 (Kulturradio), Ö3 (Popradio) und FM4 (Jugendradio) schaffte sie einen Spagat, mit dem in Österreich nur die wenigsten KünstlerInnen belohnt werden. Neben allen großen Publikationen in ihrem Heimatland konnte OSKA – auch dank eines herzerwärmenden Duetts mit dem Australier Stu Larsen – ebenfalls die internationale Presse in Deutschland, Holland, Frankreich, Italien und sogar in den USA von sich und ihrer Musik überzeugen.
Fotocredit: Leni Burger
Über diese aufregende Zeit sagt OSKA: „Meine erste EP zu releasen war einfach schön für mich und es fühlt sich immer noch alles sehr stimmig an. Ich habe lange gebraucht, um den Sound der EP zu finden und mich zu trauen, die Sachen zu veröffentlichen. Aber irgendwann kommt ein Punkt, an dem man es nicht mehr zurückhalten kann und der Wunsch, es endlich los zu lassen, wird sehr groß. So als müsste man ganz dringend pinkeln. Seit die EP draußen ist, geht es mir deswegen um einiges besser. Jetzt kommt das Album. Oje.”
Nun soll also das oft heraufbeschworene wegweisende Debütalbum folgen, doch dieser vermeintlich große Druck macht der charmanten Musikerin keine Sorgen. Aus dem Bauch heraus vertont OSKA ihre Empfindungen, so war das schon immer. Ihre erste neue Single „Lousy T-Shirt” entstand innerhalb von ein paar Stunden an einem heißen Sommertag in 2020. Maria sagt: ”Es war das erste Lied, das ich nach meiner Trennung schreiben konnte. Es hat ein bisschen gebraucht, bis ich die richtigen Worte für diese Beziehung und vor allem das Beziehungsende finden konnte. Es geht darum, was nach so einer Erfahrung zurückbleibt und dass einem die Beziehung selbst gar nicht real vorkommt. Wenn man zurückschaut, fühlt es sich eher so an, als würde man einen Film ansehen und nicht, als hätte man es tatsächlich erlebt. Manchmal hat man vielleicht auch das Gefühl, dass der andere alles viel leichter wegsteckt und dass alles was übrig bleibt ein T-Shirt ist – eine Aussage, die von meinem Ex- Freund kam.”
Doch OSKA wäre nicht OSKA wenn sie diesen emotionalen Rückschlag nicht mit etwas Humor zu einem wunderbaren Stück Musik verarbeiten könnte. „Es ist ein sehr persönlicher Song, den ich in einer Phase geschrieben habe, als ich wütend war. Nachdem ich den Song geschrieben habe, war ich es nicht mehr. Das ist das Schöne am Songschreiben – man hat so eine Freude mit dem neuen Lied, dass man alles vergisst. Manchmal ist es auch genau das, was von einer Beziehung übrigbleibt: ein lousy T-Shirt und ein Song.”
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Die Singer/Songwriterin OSKA stammt aus Wien und liefert einen sehr sanften Indie-Pop, der oft in den Folk abgleitet. Erst im Dezember machte sie durch eine Kollaboration mit dem australischen Labelkollegen Stu Larsen von sich reden. Und es war erstaunlich, wie gut diese beiden so unterschiedlichen Stimmen miteinander harmonieren. Das liegt vermutlich in den gemeinsamen Wurzeln als Straßenmusiker. So war Maria – wie OSKA eigentlich heißt – nämlich unterwegs, bevor sie Pop- und Jazzgesang studierte.
Fotocredit: Tim Cavadini
Die EP “Honeymoon Phase ” ist ein erster Appetithappen auf das, was da noch kommen kann. Fröhliche Flitterwochen, bevor es dann so richtig los geht und sie hoffentlich im Musikgeschäft durchstartet. Ihre Vocals klingen sehr jung und harmonisch. Sie hat eine betörende und oft sehr zerbrechlich wirkende Stimme, die neben einer akustischen Gitarren- oder Pianobegleitung stets im Vordergrund steht. Auch sanfte Streicher (“Misunderstood”) oder elektronische Einsprengsel können diesen Eindruck nicht trüben.
OSKA singt von einer Begegnung mit Außerirdischen (“Distant Universe”) und erzählt warmherzig von realen Beziehungen. Wenn dann das rhythmische “Love You’ve Lost” zum Abschluss erklungen ist, hat man definitiv Lust auf mehr. Ich freue mich auf den ersten Longplayer dieser außergewöhnlichen jungen Künstlerin.
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Die österreichische Indie-Pop-Künstlerin OSKA, deren Debüt-EP “Honeymoon Phase” am 8. Januar 2021 erscheint, und ihr australischer Labelkollege Stu Larsen haben sich für eine wunderschöne Kollaboration zusammengetan: Gemeinsam schufen sie Duettversionen ihrer Songs “Honeymoon Phas” (OSKA) und “Wide Awake & Dreaming” (Stu Larsen).
Zur Zusammenarbeit sagt OSKA: „In einem Tag kann viel passieren! Stu und ich nahmen uns vor, einen Song aufzunehmen und daraus wurden zwei Songs, die zu einem großen Ganzen zusammengefügt werden können – klassische Streber eben.” Stu fügt hinzu: „Ich bin sehr dankbar für den Tag in Wien. OSKA ist außergewöhnlich und ich freue mich, dass ich die Chance hatte, sie kennenzulernen und mit ihr gemeinsam musizieren zu können. Die zwei Songs fühlen sich zusammen einfach richtig an.”
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