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Indigo

Pascow Cover

Über sieben Brücken musst du geh’n

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Ein Gemeinschaftsprojekt aus Rheinland-Pfalz und dem Saarland, das über 25 Jahre hält – das gibt es nicht oft. Manche Politiker könnten sich ein Beispiel daran nehmen und die Fusion endlich vollziehen. Die Band PASCOW – benannt nach einer Figur aus Stephen Kings „Friedhof der Kuscheltiere“ – wurde 1998 von Sänger Alex und Schlagzeuger Ollo in der Nähe von Birkenfeld gegründet. Die beiden Brüder sind bis heute die feste Konstante der Band und dieser Tage erschien Album Nummer Sieben, das auch ebenso heißt.

Fotocredit: Simon Engelbert

PASCOW beschreiben den Entstehungsprozess und die Motivation für diesen wie auch frühere Longplayer folgendermaßen: „Uns ist es bei jeder Produktion wichtig, dass wir uns nicht zu stark auf die vorherigen Platten im Sinne einer Wiederholung beziehen. Klar, wir haben unseren Stil und erfinden das PASCOW Rad nicht jedes Mal neu, versuchen aber dennoch, uns bei der Arbeit an neuen Stücken jeweils von den früheren Alben zu lösen.“

Das Ergebnis ist eine starke Mischung geradliniger Tracks. Punkrock mit Metalriffs, ganz ohne Experimente. Es geht von Anfang an in die Gerade und man muss an keiner Stelle abbremsen. 12 Songs, ein Instrumental und ein Rausschmeißer in 36 Minuten. Es wird nicht lange gefackelt. Alex haut seine Vocals mit viel Energie und bisweilen hysterischen Aussetzern raus. Unterstützt wird die Band von drei weiblichen Gästen: Apokalypse Vega von Acht Eimer Hühnerherzen, Nadine Nevermore von NTÄ und der Trierer Sängerin Hanna Landwehr. Die Punkrock-Wurzeln beherrschen das komplette Album. Und auch textlich geht es deutlich zur Sache.

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Der Opener „Himmelhunde“ spricht von Aufbruch und Widerstand. Die expliziten Texte wirken von Anfang an: „Ich werd mit dem gehen, den ich liebe. Leckt mich am Arsch mit all dem anderen Mist.“ Zwei Außenseiter spielen in „Königreiche im Winter“ die tragende Rolle. „Mond“ wettert gegen die Gleichmacherei und das grandiose „Gottes Werk und Teufels Beitrag“ klagt die Rattenfängermenschen von der AFD an, was in breiter Gesellschaftskritik gipfelt. „Die Unsichtbaren“ zeichnet ein apokalyptisches Bild von Kriegsherren und Flüchtlingen, während die darauffolgende Hymne „Mailand“ die Utopie einer Welt ohne Grenzen und ohne Politiker beschreibt.

Auch „Daniel & Hermes“, „Tom Blankenship“ sowie „Von unten nichts Neues“ widmen sich den Außenseitern und zeichnen pessimistische Bilder, bevor „Vierzehn Colakracher“ nochmal energisch alle Wut rausbrüllt, wobei auch Growls zum Tragen kommen. Ich bin überzeugt davon, dass alle Songs des neuen Albums ein Livepublikum zum Eskalieren bringen werden – und man kann sich getrost auf die anstehende Tour freuen.

PASCOW werden von Album zu Album besser – und „Sieben“ toppt für mich sogar das ebenfalls schon großartige „Jade“ – vielleicht gerade deshalb, weil man auf Ausgeglichenheit pfeift und keine Atempause anhand ruhiger Songs ermöglicht. „Sieben“ soll aggressiv klingen und tut das durch und durch.

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Das Vinyl kommt in nur einer schwarzen Version und wird exklusiv als Indiepool-Release vertrieben. Dafür kommt diese eine Version in einer besonders hochwertigen Aufmachung:

  • mit Klappcover aus schwerem Karton (350 g/qm)
  • in Inside Out Optik
  • plus 16-seitigem Booklet in LP-Größe aus schwerem Offsetpapier und Downloadcode
  • nur in der Erstauflage mit einem zusätzlichen Schuber

Die CD erscheint als sechsseitiges Digipack mit einem plastikfreien Tray aus Korn, das somit komplett recycelbar ist. Sie ist in Gänze plastikfrei und auch sie hat ein 16-seitiges Booklet. Die Erstauflage kommt ebenfalls exklusiv mit einem zusätzlichen Schuber.

Sieben – Tour 2023
01.02.23 Marburg, KFZ – The Bloodstrings
02.02.23 Jena, Kassablanca – The Bloodstrings
03.02.23 Erlangen, E-Werk – The Bloodstrings
04.02.23 Saarbrücken, Garage – N.T.Ä. & Überraschungsgäste *
15.02.23 Reutlingen, Franz K – Wonk Unit *
16.02.23 Leipzig, Conne Island – Wonk Unit *
17.02.23 Hannover, Faust – Wonk Unit *
18.02.23 Hamburg, Markthalle – Wonk Unit *
19.02.23 Hamburg, Markthalle – duesenjaeger selber +
25.02.23 Saarbrücken, Garage – Bubonix +
30.03.23 Bremen, Schlachthof – Mobina Galore
31.03.23 Düsseldorf, Zakk – Mobina Galore *
01.04.23 München, Technikum – Mobina Galore
02.04.23 CH-Zürich, Dynamo – Mobina Galore
04.04.23 Karlsruhe, Substage – Mobina Galore
05.04.23 Köln, Gloria – Mobina Galore *
06.04.23 Dresden, Tante Ju – Maffai *
08.04.23 Berlin, SO 36 – Maffai +
09.04.23 Berlin, SO 36 – WAUMIAU *

* = ausverkauft
+ = Zusatztermin
Tickets bekommt ihr bei Tante Guerilla.

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Der „Koran der Weltmusik“ wird 40!

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Seit Jahrzehnten ist die sogenannte Weltmusik in aller Munde, doch wie hat es angefangen? Die Dissidenten um Uve Müllrich und Michael Wehmeyer kamen aus dem Krautrock, wurden dann aber für ihre Zusammenarbeit mit Künstlern aus dem Mittleren Osten, Nordafrika und Indien bekannt. Das in Marokko aufgenommene „Sahara Elektrik“ gilt vielen ans Urknall des Ethno Beat und markiert die Geburtsstunde des Genres. Kurz vor dem 40jährigen Jubiläum des Albums wird es beim Label Exil als remasterte Vinyl neu aufgelegt.

Sechs Stücke in gut 42 Minuten waren schon damals eine Hausnummer und man muss sich nur „Fata Morgana“ anhören, um die Faszination nachzuvollziehen. Damit konnte man in Diskotheken weltweit punkten, während die Band in Deutschland noch ein Geheimtipp war. Der Opener „Inshallah“ eröffnete das Album mit starken Rhythmen und mitreißender Energie. „El Mounadi“ gab mit fernöstlichen Instrumenten dem Wüstenleben eine Stimme.

Fotocredit: Erin Lindbergh

Der spanische Journalist Jose Miguel Lopez wird auf den Innenseiten des aufklappbaren Vinyl-Releases zitiert. Er bezeichnet das Werk als „Koran der Weltmusik“: „Dieses Album entstand aus dem gleichberechtigten Treffen zwischen den Dissidenten und Lem Chaheb, die im nordafrikanischen Maghreb bereits zu den musikalischen Vorreitern ihrer Zeit zählten. Sahara Elektrik beeinflusste den Kurs der zeitgenössischen Popmusik im Westen wie im Orient. Cheb Khaled liess sich durch dieses Album inspirieren, der ägyptische Superstar Mohamed Mounir produzierte Coverversionen der Songs und sang später auf Konzerttoureen mit den Dissidenten, die bis heute in Nordafrika Zehntausende zu ihren Konzerten locken.“

Der Titelsong kommt auf der Vinyl-B-Seite sehr melodisch und gefällig an und führt dann zum orientalischen „Casablanca“. Auch nach vier Jahrzehnten hat das Album enormen Drive. Es beflügelt die Phantasie und lässt uns musikalisch das nördliche Afrika entdecken. Kultig auch das digital verfeinerte Cover, welches eine Karawane zeigt, die in der Wüste ein digital anmutendes Männlein entdeckt, das doppelt den Stinkefinger gibt.

Das Remastering des Albums führt zu einer beachtlichen Klangfülle. Das legendäre Album erfährt auf Vinyl eine ungeahnte Wiedergeburt und vermittelt hautnah den musikalischen Aufbruch jener Jahre.

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Seven Holy Nights

FIDDLERS GREEN veröffentlichen Speedfolk -Weihnachtsalbum

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Der Duft der im Ofen brutzelnden Weihnachtsgans zieht verlockend und schwer durch das Haus. Draußen tanzen die Schneeflocken und verwandeln die Natur in ein Winterwunderland. Der Inhalt des Plätzchentellers ist schon längst im eigenen Magen gelandet und verursacht eine bleierne Sättigung… Das beste was man in dieser Situation machen kann ist entweder der Gang ins nächste Irish Pub um mit viel Stout und Whiskey Bauch und Hirn in Einklang zu bringen – oder aber das neue Fiddler’s Green Album einzulegen und sich auf die akustische Reise ins wohlig-rauhe weihnachtliche Irland zu begeben.

Auf „Seven Holy Nights“ finden sich nahezu alle Klassiker der Englischsprachigen Weihnachtssongs. Von „White Christmas“ über „Rudolph The Red Nosed Reindeer“ bis hin zu “12 Days Of Christmas” ist eine Whiskey-geschwängerte Weihnachtsstimmung garantiert! Auch Songs wie „Danny Boy“ oder „Mull Of Kintyre“ passen sich perfekt in die musikalische Glühweinflucht ein.

Dass Fiddler’s Green aber auch durchaus selbst in der Lage sind, Weihnachtslieder mit Klassikerqualitäten zu schreiben zeigen sie mit „7 Holy Nights“, dem Titelsong aus eigener Feder. Augenzwinkernd wird hier die sehr ausschweifende Weihnachtsfeier im Hause Fiddler’s Green geschildert – kann man meinen.

Fotocredit: Alexander Schlesier

Für alle die Ihren Heiligen Abend lieber im Pub als mit Tante Erna oder Onkel Willi unterm ewig gestrigen Weihnachtsbaum verbringen wollen ist dieses Meisterwerk ein absolutes Muss!

Tracklisting:

1.Merry Christmas Everyone
2. Merry Christmas Everybody
3. Mull Of Kintyre
4. I Saw Three Ships
5. Twelve Days Of Christmas
6. God Rest Ye Merry, Gentlemen
7. Lord Of The Dance
8. White Christmas
9. Danny Boy
10. Stop The Cavalry
11. Jingle Bells
12. Rudolph, The Red-Nosed Reindeer
13. Seven Holy Nights

Die Band wird auch dieses Jahr noch ihren Speedfolk in deutsche Hallen und Clubs verbreiten. Ab Oktober werden auf der Herbsttour nicht nur die letzten Jubiläumsshows in Bremen, Nürnberg und München nachgeholt, sondern FIDDLERS GREEN kommen für einige ausgewählte Konzerte auch in die Städte, in denen sie 2020/21 aufgrund der bekannten Umstände leider nicht auftreten konnten.

FIDDLERS GREEN – 3 CHEERS FOR ALMOST 33 YEARS

  • 28.10.2022 WILHELMSHAVEN – Pumpwerk
  • 29.10.2022 COESFELD – Fabrik
  • 11.11.2022 JENA – F-Haus
  • 12.11.2022 AFFALTER – Linde
  • 18.11.2022 KAISERSLAUTERN – Kammgarn
  • 19.11.2022 DORTMUND – PLWM
  • 25.11.2022 VACHA – Vachwerk
  • 26.11.2022 BURGLENGENFELD – VAZ
  • 02.12.2022 AT- WIEN – Szene
  • 03.12.2022 AT- WÖRGL – Komma
  • 08.12.2022 MÜNCHEN – Backstage Werk
  • 09.12.2022 NÜRNBERG – Hirsch
  • 10.12.2022 NEUMÜNSTER – Walhalla Festival

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Fairytale Winter Tales

Fairytale entführen mit „Winter Tales“ in eine eigene magische Welt

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Die deutsche Mystic-Folk-Band Fairytale hat sich seit ihrer Gründung im Jahre 2014 den Wurzeln der Folkmusik verschrieben und vereint alte keltische Mythen mit moderner Fantasy. Dabei bewegen sie sich mit ihren Alben im Rhythmus der Jahreszeiten: Nach „Forest of Summer“ und „Autumn’s Crown“ erscheint nun ihr dritter Longplayer „Winter Tales“, der die Hörer mit 13 neuen Songs in die imaginären Elfenlande des hohen Nordens entführt.

Diese Welt ist zwar von magischen Wesen bevölkert, hat aber nichts mit einem verspielten Disney-Märchenland zu tun. Das wird schon im Opener „Dark Moon“ deutlich, der mit einem düsteren Rufen beginnt und die Verzweiflung einer einsamen Seele im frostigen Winter schildert. „It’s Winter“ erzählt von dem kalten Fluch, der über den Elfenlanden liegt, aber auch von der Hoffnung auf sein Ende. Und im mitreißenden „Faunus Deum“ wird diese Hoffnung auf das Erwachen des Frühlings dann zu einem Versprechen.

Manche Titel verführen zum Träumen, wie „Wintertale“ oder „Dreams“, andere wie „Cradle of Fae“ und „Vor den Toren“ zeigen die bedrohliche Seit der Natur und ihrer magischen Bewohner. Beindruckend sind auch die Instrumentalstücke „Istyanon“ und „Reina’s Tears“, mit denen die Atmosphäre einer prächtigen Handelsstadt und die Trauer einer Feenkönigin illustriert werden.

Gesanglich werden die Songs sehr eindrücklich interpretiert von Laura Isabel Biastoch, die mit ihrer wandelbaren Stimme sowohl wild und kraftvoll als auch elfenhaft zart klingen kann. Daneben sorgen Oliver Oppermann an der Gitarre, Yasmine Rehmert an der Geige, Sakia Schrank am Cello und Christiane Bunk an der Harfe für stimmige und abwechslungsreiche Arrangements. Diese bewegen sich hauptsächlich im Folk, wandern aber auch mal in Richtung Rock wie beim kraftvollen „The Blizzard“, wo dann auch Oliver Opperman den Leadgesang übernimmt. Alle Stücke sind von verschiedenen Mitgliedern der Band selbst geschrieben, abgesehen von „Both Sides Now“, einem Song von Joni Mitchell, der hier in einer wunderbaren Coverversion zu hören ist.

Die ganz eigene Welt, die Fairytale hier erschaffen, offenbart sich auch im Booklet – mit atmosphärischen Bildern, die die Bandmitglieder in fantasievollen Kostümen vor dunklen und magischen Winterlandschaften zeigen. Neben einer allgemeinen Einführung zu den „Winter Tales“ gibt es zu jedem Song eine kleine Geschichte, übrigens immer auf Englisch und Deutsch. Zielgruppe ist also durchaus auch ein internationales Publikum – was dann vielleicht die Tatsache erklärt, dass das Album leider nur zwei deutschsprachige Songs enthält.

Insgesamt ist „Winter Tales“ ein sehr überzeugendes und stimmiges Album, das Folk- und Fantasy-Fans gleichermaßen begeistern dürfte und das man in den nächsten Monaten auch noch live erleben kann. Wir dürfen gespannt sein, ob Fairytale ihre Reise durch die Jahreszeiten fortsetzen und uns irgendwann auch mit in den Frühling nehmen!

Jan Plewka_Rio live_Cover

Vor 25 Jahren starb Rio Reiser – Jan Plewka feiert sein Lebenswerk

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Jan Plewka ist der Sänger der Deutschrock-Band SELIG. Zeitweise auf Eis gelegt, kürzlich neu erstanden. Bei seinen Soloshows hat er nie ein Geheimnis daraus gemacht, wie sehr er den für viele Fans größten deutschen Songwriter Rio Reiser verehrt. Bereits im Jahr 2006 erschien ein Mitschnitt des Hommage-Konzerts „Jan Plewka singt Rio Reiser – Eine Reminiszenz an den König von Deutschland“. Was für ein Gänsehaut-Erlebnis, als ich die DVD zum ersten Mal im Player hatte. Plewkas Stimme, sein Charisma, die Show. Er hat eine vorsichtige und fast schon ehrfurchtsvolle Art, mit der er sich den tiefgehende Texten hingibt.

Bei der ersten Show waren es noch vor allem Rios Balladen (solo oder mit den Scherben), die im Mittelpunkt standen: „Halt dich an deiner Liebe fest“, „Lass uns ein Wunder sein“, „Zauberland“ und „Junimond“. Ein Hitreigen, der den Einfluss Rios auf die vermeintlich neue Szene der Deutschpoeten deutlich machte. Und auch in diesen Shows gab es natürlich die großen politischen und gesellschaftskritischen Songs wie „Mein Name ist Mensch“, „Keine Macht für Niemand“ und „Irrenanstalt“. Viele hatten sich eine Fortsetzung gewünscht – endlich ist es soweit.

Der neue Release trägt (passend zu den aktuellen Soloshows) den Titel „Jan Plewka singt Rio Reiser II“. Aufgenommen für den CD/DVD Release wurden die Konzerte am 16. und 17. November 2019 im Hamburger Kampnagel. Als Band fungiert die Schwarz-Rote Heilsarmee.

Textlich geht es diesmal direkt ans Eingemachte. Die Show startet mit „Menschenfresser“ und sehr früh im Set erscheint schon „Macht kaputt was euch kaputt macht“ mit sehr aktuellen und neu getexteten Bezügen zur gegenwärtigen politischen Situation. Da hat Plewka den altbekannten Hit der linken Szene ganz im Sinne von Rio Reiser und Ton Steine Scherben in die Gegenwart geführt. Überhaupt interpretiert er die zeitlos starken Texte absolut fantastisch und schlägt den Bogen gekonnt bis zum Abschluss mit „Wir müssen hier raus“ und „Mein Name ist Mensch“.

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Das „Hamburger Abendblatt“ schrieb: „Wer vor Glück heulen möchte, muß sich diesen Abend anschauen.“

Die DVD zeigt die ganze Energie, die Plewka und Band in die Show legen. Hier wird nichts runtergespielt, sondern man will eine echte Hommage abliefern – und das gelingt bis ins kleinste Detail. „Mein Name ist Mensch“ und „Shit-Hit“ erklingen hier gar in a cappella Versionen, was die Setlist enorm bereichert.

„Mit 14 Jahren habe ich Ton Steine Scherben zum ersten Mal gehört. Seitdem bin ich ein glühender Verehrer von Rio Reiser, von seiner Musik, seiner Poesie, seinen Utopien. Seit über 15 Jahren bin ich mit diesem Programm nun schon auf Tour. Das ist die eine Konstante in meinem Leben.” – Jan Plewka.

Natürlich kann man zum 25. Todestag des Meisters die alten Platten auflegen und in Nostalgie schwelgen. Man kann sich aber auch diese Show mit Jan Plewka und der Band um Gitarrist Marco Schmedtje geben. Auf CD, DVD oder live wie am 13.11.2021 in der Stadthalle Saarburg. Die Setlist voller politischer Songs ist stimmig und bietet echtes Rio-Livefeeling. Danke Jan!

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Klaus_Septemberherz

Klaus Hoffmann: Septemberherz, Oktobermond, Novembermorgen

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Eine Ode an den Herbst hat Klaus Hoffmann da mit „Septemberherz“ verfasst. Und mit Schrecken muss man feststellen, dass auch der ewig junge Berliner langsam aber sicher auf die 70 zugeht und wie seine großen Liedermacher-Kollegen in den Herbst des Lebens eintritt.

Und was ist es für ein schönes, berührendes, melancholisches Album, das uns der Chansonier da beschert. Berlin, Charlottenburg, Westend – hier entstanden die ersten Lieder, liegen des Sängers Wurzeln, hierher kommt er oft und kehrt nun sogar mit neuen Liedern zurück. In der Wilmersdorfer Straße in Holger Schwarks A-Trane Studio nahm er 15 wunderbare Chansons mit den Musikern Hawo Bleich (Keyboard, Klavier und Streicherarrangement), Micha Brandt und Jo Gehlmann (Gitarren), Stephan Genze (Drums) auf. Aus der Schweiz spielte Peter Keiser seinen Bass dazu, die Bläser kamen von den Kick Horns aus London. Erstmalig arrangierte Conrad Oleak die Streicher einiger Lieder.

Auch das neue Album bietet eine eigene musikalische Mixtur aus Pop, Jazz und akustischem Folk. Nachzuhören in dem jazzig-relaxten Titelsong, einem Lied, das ganz wundervoll die musikalische Stimmung von Hoffmanns deutscher Version des Michel Legrand Klassikers „Windmills of your Mind“ (aus dem Film „The Thomas Crown Affair“) aufnimmt: „Wie sich Flügel dreh’n im Wind“.

Seine Haltung hat der Sänger seit seinem ersten Album nach außen getragen. Daher ist es nicht außergewöhnlich, wenn Hoffmanns Werben für Menschlichkeit und gegen Ausgrenzung sich auch auf dem aktuellen Album wiederfindet und sich in wohltuend, hoffnungsvollen Liedern wie „Ich glaube“, „Was sie trugen“ und „Basta“ widerspiegelt. Gemeinsam mit seiner Tochter singt er das wundervolle Duett „Asi est la vida“.

Die Liebe zu Berlin ist immer ein Thema („Ich kenne dich“) – nicht umsonst erhielt der Liedermacher vor einem Jahr den Verdienstorden des Landes Berlin für sein Engagement für die Stadt. Aber auch der frankophile Einschlag spielt eine große Rolle im Lebenswerk. Ohne Corona wäre Hoffmann zurzeit mit einem Programm aus Songs des Belgiers Jacques Brel unterwegs. Für das tröstlich-melancholische „Und ich weiß nicht, ob’s vorbei ist“ textete Hoffmann die Brel-esquen Zeilen „Ich könnte heute sterben, doch ich liebe noch so sehr. Und im Kopf schneit’s kleine Scherben und das Leben wiegt so schwer“.

„Septemberherz“ ist ein magisches Album voller kleiner und großer Impulse, wehmütig und pathetisch. Gitarre, Piano oder orchestrale Arrangements – Klaus Hoffmann gibt seinen Texten den Raum, den sie brauchen, und erreicht direkt das Herz seiner Hörer, egal ob es im Mai, im September oder im November verhaftet ist.

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Karrie: „Home Thoughts“ – Musik in Zeiten von Corona

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Karrie O’Sullivan Holmes ist eine Singer- Songwriterin aus Killarney, dem Südwesten Irlands. Ihr drittes Album – zusammen mit Jimmy Smyth aufgenommen – enthält elf eigene Interpretationen bekannter Songs ihrer Lieblingsinterpreten.

Karrie und Jimmy Smyth kennen sich bereits lange als musikalische Partner. Jimmy ist ein Grammy nominierter irischer Gitarrist, Produzent und Komponist und arbeitete im Laufe seiner Karriere mit Stars wie Van Morrison, Roger Daltrey, Curtis Stigers, Toni Childs, Chaka Kahan und Bonnie Tyler.

Durch den Ausbruch der Pandemie und dem anschließenden Lockdown, wurde die Arbeit des Duos an einem ersten gemeinsamen Album unterbrochen. In den gemeinsamen Videosessions, räumlich getrennt, entstand eine besondere Atmosphäre, die ursprünglich nur als musikalische Arbeitsgrundlage festgehalten werden sollte. Aber gerade diese unpolierten, rauen, fast puristischen „First Takes“, ohne technische Überarbeitung, stellten eine so kompakte Dichte und Atmosphäre her, die in der Energie, Betonung und Ausstrahlung für sich selbst stehen.

Elf Tracks von Rockklassikern, wie „Yellow Brick Road / Rocket Man“ (Elton John) oder auch „Promises“ (Eric Clapton) zeigen sich in einer völlig neuen Version. Fast nackt demonstrieren diese Songs in der Interpretation von Karrie mit Jimmy ihre Stärke, eine enorme Intensität und eine musikalische Kraft, die man mit jeder Note spüren kann. Authentizität von betörender Schönheit.

Die Auswahl der Stücke ist ebenso gelungen wie die Umsetzung. Wenn beide im Duett „Here Comes The Sun“ anstimmen, bekommt der Klassiker eine ganz neue Tiefe. Die Begleitung durch Gitarre oder (meist noch besser) Banjo klingt stimmig und niemals überfrachtet. Karrie kann das tiefgehende Bowie-Cover „Life On Mars“ ebenso gefühlvoll singen wie Dire Straits‘ „Romeo And Juliet“. Gerade das Letztere schafft als Abschlussong pure Gänsehaut – einfach wundervoll.

„Home Thoughts“ ist ein brillantes Album, welches gerade in der schnelllebigen Welt den Blick auf das Wesentliche wirft und einen Punkt setzt, der zum Nachdenken und Zuhören zwingt. Eine musikalische Magie, die in der Einfachheit und Betonung liegt, die eigentlich schon vergessen schien. Eine Faszination, wie sie sich in früheren Alben von Joni Mitchell oder Leonard Cohen wiederfindet.

Karrie gilt nicht umsonst bereits in ihrem Heimatland Irland als ganz außergewöhnliches Talent und setzt mit diesem Album einen weiteren Meilenstein. Bestens geeignet für Kaminabende im Herbst – mit dem Wunsch, sie bald auch wieder in Pubs und Clubs erleben zu dürfen.

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Runrig live im Rockpalast – das Beste aus zwei Welten

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Die Geschichte der schottischen Erfolgsband RUNRIG dauerte insgesamt 45 Jahre, von 1973 bis 2018. Sie ist für die Schotten so eine Art Nationalheiligtum. Die Band spielte einerseits Rockmusik mit starken schottischen Einflüssen, andererseits setzte sie historische schottische Liedtexte und Songs in gälischer Sprache ein. Mit ihrem charismatischen Frontmann Donnie Munro begann dann auch der internationale Erfolg. Munro verließ RUNRIG 1996, um für das schottische Parlament zu kandidieren. Nachfolger wurde der Kanadier Bruce Guthro aus Nova Scotia (Neuschottland). Nicht nur in Schottland, sondern auf der ganzen Welt, vor allem in Skandinavien, Benelux und Deutschland, hat die Band eine treue Fangemeinde, die „Riggies“.

Drei Mal waren RUNRIG in ihrer Karriere zu Gast beim „Rockpalast“ des WDR. Zwei dieser Konzerte gibt es jetzt in einem CD/DVD-Boxset: Am 3. Februar 1996 waren sie zu Gast in der Düsseldorfer Philippshalle, 5 Jahre später kurz vor Weihnachten (am 15.12.2001) im Kölner Palladium.

Musikalisch zeigen die Konzerte die Band und den jeweiligen Frontmann von ihrer jeweils besten Seite. Dabei sind die Aufnahmen sehr verschieden. Es liegen zwar nur fünf Jahre dazwischen, aber immerhin ein einschneidender Wechsel des Frontmanns. Der Qualität des Gesangs tut das allerdings keinen Abbruch. Bruce hat die gleiche smarte Stimmfarbe wie sein Vorgänger, aber während Donnie oft sehr klassisch gesungen hat, steigerte sich Bruce in rockige Vocals.

Die Aufnahme von 1996 bietet einen mystischen Start. Hier passt das dunkle Bild der DVD noch, aber es wird leider nicht besser. Der Sound ist okay, doch das Bild ist sehr diffus – verschwommen, verzerrt und oft ohne Kontrast. Schade. Was die Songauswahl angeht, startet das Konzert sehr träge. Mehr als die erste Hälfte klingt sehr getragen. Erst ab „Stepping Down The Glory Road“ nimmt der Set wirklich Fahrt auf. Die Vielzahl an gälischen Songs schafft aber eine ganz besondere Atmosphäre und das Finale mit „Alba“, „Flower Of The West“ sowie „Loch Lomond“ nach über zwei Stunden Konzertlänge ist einfach grandios.

Auch das 2001er Weihnachtskonzert liefert über zwei Stunden starke Musik. Die Bildqualität ist auch hier nicht perfekt, aber um Klassen besser als bei DVD 1. Vor allem ist eine ordentliche Lightshow zu bemerken. Songs wie „Book Of Golden Stories“ und „Protect And Survive“ zeigen schon früh im Set die außerordentlichen Qualitäten von Bruce Guthro. Es war wirklich ein Glücksfall, diesen Sänger in Kanada (!) für eine schottische Band zu finden. Dass er zudem die gälische Sprache beherrschen muss, ist selbstredend. Vor allem der akustische Part mit „Every River“ ist sehr berührend, wobei das anschließende „Beat The Drum“ ohne Schlagzeugeinsatz schon recht gewöhnungsbedürftig klingt. Aber ich schätze Bruce‘ bodenständige und sympathische Art. Wenn dann die Band a cappella „The Summer Walkers“ singt, kann man nur dahin schmelzen. Im Finale gibt es ebenfalls „Loch Lomond“, aber in einer fast schon country-mäßig anmutenden Gitarrenversion. Und zum Abschluss erklingt „Silent Night“, das in ein vollkehliges „Stille Nacht, heilige Nacht“ übergeht.

Die Aufmachung der Box ist sehr wertig und gemeinsam mit dem Infoteil im Booklet bietet sie einen nostalgischen Rückblick auf die wichtigste Phase der Band im Übergang von Donnie zu Bruce.

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Jens Wawrczeck – ein Fragezeichen auf der Reise durch die Filmmusik

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Jens Wawrczeck ist vor allem bekannt als Partner von Oliver Rohrbeck und Andreas Fröhlich. Mit ihnen zusammen spricht er nämlich die kultigen Hörspiele der drei Fragezeichen ein. Die meisten von uns werden also seine Stimme kennen, die er normalerweise dem zweiten Detektiv Peter Shaw leiht – aber ganz sicher nicht in dieser Form.

Dass Wawrczeck so hell und jugendlich klingt, ist sein Erfolgsgeheimnis als Sprecher, der seit über 40 Jahren einen Jugendlichen verkörpert. Und im Gesang klingt seine Stimme ebenso wundervoll, charmant und stets mit einem lieblichen Charakter.

Für seine erste CD „Celluloid“ hat Jens Wawrczeck eine sehr persönliche Auswahl von zwölf Songs aus amerikanischen, französischen und spanischen Filmen zusammengestellt und eingesungen. Im Booklet erzählt er zu jedem Lied eine kurze Geschichte, immer gibt es eine emotionale Verbindung zum Film und zur Musik. „Aus dem unermesslichen Fundus fantastischer Filmsongs eine Auswahl zu treffen, war keine leichte Aufgabe“, sagt Jens Wawrczeck. „Einige der Songs stammen aus Filmen, die mir viel bedeuten, bei anderen liebe ich die Melodie oder den Text“.

Unter den Titeln sind Hits wie „You Only Live Twice“ aus dem gleichnamigen James Bond Film und „Porque te vas“ aus Carlos Sauras „Cria Cuervos“, aber auch Songs aus Filmen wie „At The Crossroads“, „Doctor Doolittle“ und „Wait Until Dark“, der im Thriller mit Audrey Hepburn nach einem nervenzerreissenden Finale für einen versöhnlichen Ausklang sorgt.

In 36 Minuten CD-Länge ist eine abwechslungsreiche Mischung gelungen ist, die zu den Blechbläser-Arrangements passt. Es gibt unterschiedliche Stimmungen, obwohl die meisten Songs aus den 60er Jahren stammen. Die Zusammenstellung in verschiedenen Sprachen klingt sehr harmonisch.

Aber warum plötzlich Gesang – nach Jahrzehnten des Sprechens? „Heimlich war ich immer Sänger“, sagt Jens dazu. „Singen war schon als Kind meine große Leidenschaft. Aber es ist das Persönlichste, was man auf der Bühne machen kann. Beim Singen kann ich mich viel weniger verstecken als hinter einer Theaterfigur oder einem fremden Text. Inzwischen bin ich mutiger geworden und jetzt ist für mich der richtige Zeitpunkt, auch als Sänger in Erscheinung zu treten.“

Mit den Produzenten Leonhard Mahlich und Christopher Noodt fand Jens Wawrczeck die idealen Partner für sein Filmsong-Projekt. Sie verstanden seine Art, in Bildern zu kommunizieren. „Die beiden sind hervorragende Musiker und völlig uneingenommen an das Projekt herangegangen, denn normalerweise machen sie eine ganze andere Art von Musik. Für die Interpretation der Filmsongs habe ich Szenen im Kopf, die entweder aus Filmen stammen oder die Emotionen der einzelnen Titel transportieren. Die beiden haben sofort verstanden, was ich meine.“

Anspieltipps? „Bibbide Bobbedi Boo“ aus „Cinderella“ und der Bond-Titelsong „You Only Live Twice“. Auf jeden Fall ist dieses Album eine große Überraschung – und es funktioniert hervorragend!

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Anna Depenbusch: Album „Echtzeit“ wird Namen in vieler Hinsicht gerecht

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Anna Depenbusch ist eine Liedermacherin, auf gleichzeitig altmodische und zeitlose Weise. Mit ihren poetischen Texten zwischen ironischer Alltagsbeobachtung und philosophischer Melancholie, verpackt in chansonartige Melodien hat sie schon früh ihren ganz eigenen Stil entwickelt. Diesen Weg führt sie mit ihrem neuen Album konsequent fort und eröffnet gleichzeitig eine neue Dimension: Denn auf „Echtzeit“ geht es nicht nur inhaltlich um echte und unmittelbare Erlebnisse, sondern Anna Depenbusch hat das komplette Album als analogen Vinylmitschnitt aufgenommen, also alle Lieder live und ohne Pause am Klavier eingespielt und eingesungen, eben in Echtzeit.

Und so klingt dieses Album noch ein wenig intensiver und leidenschaftlicher, als es Anna Depenbusch ohnehin schon immer tut. Von den ersten Takten des Openers und Titelsongs „Echtzeit“ an zieht die charismatische Künstlerin den Hörer in ihren Bann und verzaubert mit ihren Liedern. Wir leiden mit, wenn sie voller Verzweiflung“ Nimm mich zurück“ fleht,  freuen uns, in „Tim 2.0“ zu erfahren, wie es den Protagonisten aus ihrem tragkomischen Liebesreigen „Tim liebt Tina“ heute ergeht, und wünschen uns, dass mehr Menschen auf dieser Welt ein bisschen mehr „Alte Schule“ wären. Außerdem sind wir doch alle“ Gegen die Schwerkraft“ und für mehr Schwerelosigkeit im Leben.

Foto: Steven Haberland

Neben diesen kleinen Geschichten, die aus Alltag und Herzen eines jeden von uns sprechen könnten, erzählt Anna Depenbusch diesmal auch von historischen Persönlichkeiten. „Eisvogelfrau“ ist der brillanten Mathematikerin Emmy Noether gewidmet, deren Werk und Talent zu ihren Lebzeiten Anfang des 20. Jahrhunderts keine Anerkennung fand. Und das verträumte Instrumentalstück „Schlaflied für Pauli“ am Ende des Albums schrieb Anna für den Physiker Wolfgang Pauli. Das kleine instrumentale Zwischenspiel „Hilbert“ schließlich ist inspiriert von der früheren Heimat ihres alten Salonflügels, dem geheimnisvollen  Hotel Hilbert.

Auf diesem alten Flügel, von Anna liebevoll Frau Rachals genannt, entstehen übrigens auch ihre Lieder. Ins Tonstudio für die analoge Aufnahme konnte ihn die Künstlerin nicht mitnehmen, aber vorab hat sie Echtzeit-Demos  auf ihm aufgenommen, die auf einer seperaten CD in der Bonus-Version von „Echtzeit“ enthalten sind. Auf Vinyl gibt es das Album natürlich auch – und wer „Echtzeit“ dann wirklich in Echtzeit erleben will, hat dazu auf der am 12.03.2020 beginnenden Tour Gelegenheit.

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Tourdaten:
12.03.20 Fulda · Orangerie
13.03.20 Ravensburg · Konzerthaus
14.03.20 Karlsruhe · Tollhaus
20.03.20 Halle · Händel Halle
21.03.20 München · Prinzregententheater
22.03.20 Freiburg · Jazzhaus
24.03.20 Ludwigsburg · Scala
25.03.20 Essen · Lichtburg
26.03.20 Oldenburg · Kulturetage (Zusatzshow)
27.03.20 Oldenburg · Kulturetage
28.03.20 Wolfsburg · Hallenbad (Ausverkauft)
02.04.20 Hannover · Pavillon
03.04.20 Berlin · Admiralspalast
04.04.20 Jena · Volkshaus
05.04.20 Augsburg · Parktheater
06.04.20 Reutlingen · franz.K
07.04.20 Darmstadt · Staatstheater
24.04.20 Hamburg · Laeiszhalle
25.04.20 Lübeck · Kulturwerft Gollan
21.06.20 Kiel · Krusenkoppel
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11.09.20 Dresden · Konzertplatz Weisser Hirsch

Kettcar

Kettcar zeigen uns, wie’s geht – das Livealbum 2019 / die Tour 2020

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„Liebe ist das, was man tut“: Mit solchen Textzeilen und dem Song „Rettung“ starten Marcus Wiebusch und Kettcar ihr neues Livealbum „…und das geht so“. Es war das 2017er Werk „Ich vs. Wir“, das die Band zu den größten Konzerten ihrer Geschichte führte. Und weil man aufhören (oder zumindest Pause machen) soll, wenn es am schönsten ist, veröffentlichen die Hamburger einen Konzertmitschnitt, um die Pause von noch undefinierter Länge einzuläuten. Bleibt zu hoffen, dass es nur eine kurzes Verschnaufen sein wird, denn Kettcar waren in den vergangenen zwei Jahren nicht nur so gut wie immer – sie waren noch besser!

„Ich vs. Wir“ ist schnell zu einem meiner Lieblingsalben der letzten Jahre avanciert. Und (sozusagen als „Spätberufener“) wurde das erste Kettcar-Konzert, das ich erleben dürfte, zu einer Art Erweckungserlebnis. Wenn Wiebusch anfängt, seine in Songs gepackten Anekdoten und Geschichten auf der Bühne auszuleben, führt dies zu magischen Momenten. An „Sommer ’89“, „Benzin und Kartoffelchips“ sowie „Trostbrücke Süd“ kann ich mich gar nicht satt hören. Doch es sind nicht nur die neuen Stücke – die Band um Wiebusch und Reimer Bustorff gibt hier einen karriereumspannenden Überblick. 21 Titel, die sinnbildlich für die Emotionen, die Ideen, die Philosophie und die anklagende Attitüde der Band stehen.

Foto: Andreas Hornoff

„…und das geht so“ zeigt uns, wie’s geht. Der Mitschnitt wird zum unverwechselbaren Liveerlebnis. Mit knappen aber vielsagende Ansagen („Humansimus ist nicht verhandelbar“). Mit starken Arrangements, erweitert um ein kongeniales Bläsertrio, das den Songs neuen Drive verleiht. Die perfekte Setlist enthält auch Wiebuschs Solosong “Der Tag wird kommen” über einen homosexuellen Fußballstar. Der verursacht mir jedes Mal Gänsehaut. Gegen Ende folgt das umjubelte „Landungsbrücken raus“, das Marcus Wiebusch mit den Worten „In Städten mit Häfen haben die Menschen noch Hoffnung“ einläutet. Zu „Deiche“ und dem uralten Kracher „Mein Skateboard kriegt mein Zahnarzt“ kommt ein letztes Mal Feierstimmung auf.

Wie soll man das alles zusammenfassen? „…und das geht so“ ist für mich die perfekte Liveplatte zum Immer-wieder-hören. Sie weckt Erinnerungen an ein wundervolles Konzerterlebnis, kann aber auch für sich stehen. Wichtige Songs, keine Lückenfüller, eine Atmosphäre, wie sie nur Meister ihres Fachs schaffen können. Man kann Anfang 2020 die Band noch auf wenigen Konzerten live erleben. Bleibt zu hoffen, dass die angekündigte Pause nicht zu lange dauert.

Kettcar – „… und das geht so“ – Live 2020

25.01. Braunschweig, Staatstheater
26.01. Düsseldorf, Stahlwerk*
27.01. Nürnberg, Z-Bau*
28.01. München, Muffathalle*
29.01. Mannheim, Capitol*
30.01. Dresden, Schlachthof*
31.01. Bremen, Pier**
01.02. Lübeck, MuK**

* Support: Schrottgrenze
** Support: Niels Frevert

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KlausHoffmann_live_Cover

Klaus Hoffmann live in der Berliner Philharmonie

Konzerte von Klaus Hoffmann sind immer besonders. Zum einen ist er der charmante Chansonnier, zum anderen der ironische Erzähler. Und gerade wenn er in seiner Heimat Berlin ist, bekommen die Anekdoten einen ausgedehnten Charakter.

Hoffmann ist seit einem Jahr mit dem Album „Aquamarin“ unterwegs, das nach „Sehnsucht“ und „Leisen Zeichen“ eine melancholische Trilogie abschließt. Das Konzert, das am 15. November 2018 in der Berliner Philharmonie mitgeschnitten wurde, enthielt aber auch Klassiker wie „Melancholia“, „Für det bisschen Zärtlichkeit“, „Der König der Kinder“ oder „Hanna“.

Selbst wenn man am heimischen CD-Player sitzt, spürt man, wie das Publikum an seinen Lippen hing. Es ist schon enorm, mit welcher Leichtigkeit er hier eine Verbindung knüpft und wie er die Menschen auf seine Seite zieht – die Seite des 68jährigen Liedermachers, Schauspielers und Autors, der fast sein ganzes Leben in Berlin verbracht hat und eigentlich gern verschweigen würde, dass er mit Zweitnamen „Dieter“ heißt, es dann aber doch nicht tut.

Der Redefluss ist nicht zu stoppen und man könnte ihm stundenlang zuhören. Wenn er sich verhaspelt, vermeintliche Geheimnisse ausplaudert, der Berliner Schnauze freien Lauf lässt. Und dazwischen gibt es wundervolle Lieder und Chansons. Aus Jim Webbs „The Moon Is A Harsh Mistress“ wird „Die Mondin ist ein kalter Stein“. Als Hommage an Charles Aznavour gibt es „Du siehst aus wie Papa“. Und dann bringt er wieder alle zum Lachen, während er zuvor übers Älterwerden lamentiert hat: „Ich hatte mir die Nacht mit dir ganz anders vorgestellt.“

An Flügel und Keyboard ist wie (fast) immer der kongeniale Hawo Bleich mit dabei. Und auch das gehört einfach dazu, denn so stellt man sich eine Nacht oder einen Abend mit Klaus Hoffmann vor. Die ausverkaufte Philharmonie war an diesem Abend ein verzauberter Ort, und wir dürfen mit räumlichem und zeitlichem Abstand daran teilnehmen.

An Ruhestand denkt Klaus Hoffmann noch nicht: 2020 geht es weiter mit einer Konzertreihe zu Jacques Brel – natürlich mit Hawo am Flügel.

 

Jazzkantine_Cover

Mit Pauken und Trompeten – 25 Jahre JAZZKANTINE

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Kaum zu glauben: 25 Jahre hat die Combo aus Braunschweig jetzt schon auf dem Buckel. Gegründet als Trio ging es von Beginn an darum, Jazz, Funk und Rap miteinander zu verschmelzen. Diesem Prinzip ist sich die auf neun Mitglieder angewachsene Band bis heute treu. Zum 25jährigen also eine „Best of“ gefällig? Mitnichten! Es gibt neues Material vom Feinsten. Und die Songs stammen aus eigener Feder.

Trotzdem gibt es natürlich eine Hommage ans Vierteljahrhundert: „Eine Ehre“ erzählt in vierminütiger Kurzform die Geschichte der Band. Mit dem Posaunisten Nils Wogram, Shooting Star Simon Oslender an der Hammond, „De-Phazz“-Front Lady Pat Appleton, RnB-Sänger Albert N´Sanda sowie Johnny Strange von Culcha Candela gibt es, wie in der Kantine üblich, eine Reihe von exzellenten Gastmusikern, die spannende Akzente in den 15 Tracks setzen.

Mit „Jordu“ und „Die wollen nur spielen“ finden sich kraftvolle Instrumentals, aber auch Statements zu Entschleunigungs-Themen in „Augenblick“ oder „Ich zieh den Stecker“. Gefühlvolle Balladen („Bitte lass mich“ und „Wichtig“) stehen gegenüber Dancefloor-Jazz-Tunes wie „Tanz, Baby“ oder „Adrenalin“. Und wenn eine Band inzwischen ein Dutzend Kinder hervorgebracht hat. hat sie auch eine rockige Meinung zu Helikopter-Eltern („Lass sie doch“).

Freunde intelligenten Deutschraps kommen hier voll auf ihre Kosten. Wer Culcha Candela und die Fanta 4 mag, wird auch mit den neuen Songs von Jazzkantine klarkommen. Hinzu kommen ihr treibender Groove und spannende, sehr entspannte Swing-Momente, die zwischen Easy Listening und filigranen Jazz-Arrangements schwanken. Zum nebenbei hören mag „Mit Pauken und Trompeten“ zu vielschichtig und verspielt sein. Als modernes Jazzalbum allerdings funktioniert es einwandfrei.

DianeWeigmann_Cover

Diane Weigmann – Singersongwriterin mit Tiefgang

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Diane Weigmann hat in musikalischer Hinsicht schon einiges hinter sich. Nachdem sie in den 90ern mit ihrer Girlband Lemonbabies erfolgreich unterwegs war, hat sie als deutsch singende Solokünstlerin nun ihr viertes Album am Start. Allerdings sind seit dem letzten Werk „Kein unbeschriebenes Blatt“ ganze sechs Jahre ins Land gezogen. Fur Schnellschüsse ist die Sängerin nicht gerade bekannt.

Diane ist eine Singer-Songwriterin im besten Sinne des Genres. Ihre Texte sind authentisch und voller Poesie, verpackt in wunderbare Melodien und vielseitige akustische Arrangements und vorgetragen mit einer unspektakulären, aber Gänsehaut erzeugenden Stimme. Stilistisch mischt sie den typischen Songwriter-Sound mit intelligentem Pop und Folk-Elementen. Dabei geht sie herrlich unverkrampft mit der deutschen Sprache um.

Der Titelsong handelt vom über sich Hinauswachsen – von Dingen, die man sich anfangs weniger zutraut und die oft, wenn es dann drauf ankommt, dann doch besser laufen als man denkt. Und darum, solchen Momenten mutiger und entspannter entgegenzutreten.

Ein rundum überzeugendes Album also und eine dringende Empfehlung für alle Fans von handgemachter und ehrlicher deutschsprachiger Musik!

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Fjarill

Fjarill verbreiten mit „Midsommar“ den Zauber schwedischer Sommernächte

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Das Duo Fjarill entstand 2004 in Hamburg, wo sich die schwedische Pianistin Aino Löwenmark und die südafrikanische Violinistin Hanmari Spiegel begegneten und beschlossen, gemeinsam Musik zu machen. Seither begeistern sie mit ihrem ganz eigenen poetischen Sound zwischen Folk, Jazz und Klassik eine zunehmend Zahl von Fans in Europa und darüber hinaus. Mit „Midsommar“ veröffentlichen sie bereits ihr achtes Studioalbum und entführen den Hörer mit Eigenkompositionen und neu arrangierten schwedischen Volksliedern in die besondere Atmosphäre von Ainos schwedischer Heimat.

Wer die schwedische Volksmusik kennt, weiß, dass es zwar auch die fröhlichen Midsommar-Tänze gibt, viele Lieder aber von einer gewissen Melancholie und Sehnsucht durchdrungen sind. Und genau diese Melancholie fangen auch Fjarills Arrangements ein. Da weben Piano und Violine einen zarten Kranz aus Klängen und Harmonien, über den sich Ainos klare und leuchtende Stimme legt. Bekannte Melodien wie „Den blomstertid nu kommer“, „Kristallen den fina“ oder „Uti vår hage“ bekommen so einen ganz neuen Zauber.  Besonders eindrücklich wirkt „Den signade dag“ das ganz ohne instrumentale Begleitung vorgetragen wird und das sogar erst in der letzten Strophe mehrstimmig wird.

Neben diesen Volksliedern finden sich auf „Midsommar“ auch einige Eigenkompositionen. Das Duo hat drei Gedichte des schwedischen Literaturnobelpreisträgers Pär Lagerkvist vertont, unter anderem das tragische „Lite efter du är död då ska liljor blomma“, in dem eine Frau einem Mann erst bei dessen Beerdigung ihre Liebe gesteht. Bei „My Pad“ und „Fjarills Midsommar“ stammt dann auch der Text von den beiden Musikerinnen selbst, wobei das tänzerische Titelstück den Brauch des Kranzbindens zur Mittsommernacht als Bild dafür verwendet, die Vielfalt des Lebens mit all seinen Höhen und Tiefen als großes Ganzes zu verstehen.

Mit dem selbst komponierten Instrumentalstück „Trolldans“ entführt uns Fjarill gedanklich in die mystische Welt der schwedischen Trolle und Feen. Zuletzt wird es nochmal traditionell mit der „Värmlandsvisa“, einer wunderbaren Hymne an die westschwedische Provinz Värmland, und dem einfachen kleinen Sommerlied „Limu limu lima“, das hier sehr atmosphärisch arrangiert wurde.

Fjarill erschaffen auf „Midsommar“ ganz eigene Klangwelten, geben ihren Stücken Raum und Zeit zum atmen und so auch dem Hörer die Gelegenheit, sich ganz der Musik hinzugeben. Bestimmt nicht zufällig ist die Ähnlichkeit des Bandnamens zu dem schwedischen Wort „fjäril“ – Schmetterling, denn wie Schmetterlinge scheinen auch die Kompositionen des Duos schwerelos und mal verträumt , mal unbeschwert dahinzuflattern. Wunderschöne Musik, die sich auch in den nicht ganz so hellen deutschen Sommernächten gut hören lässt!

MichyReincke

Michy Reincke mit wundervollen Texten und Melodien

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Dies ist das Album eines Musikers – und zwar eines Einzigen, denn der Hamburger hat es komplett im Alleingang eingespielt. Michy Reincke gehört seit Jahrzehnten zu den unabhängig arbeitenden Künstlern, die es regelmäßig immer wieder schaffen mit ihren Arbeiten – ganz besonders mit den Worten – zu überraschen und zu überzeugen.

Das aktuelle Werk ist nicht nur wie seine zahlreichen Vorgänger in eigener Regie von ihm komponiert, arrangiert, getextet und produziert, sondern dieses Mal auch komplett selbst eingespielt worden. Das kann man durchaus als Statement verstehen gegenüber der allgemeinen Akzeptanz von Streaming-Plattformen. Denn die daraus resultierenden wirtschaftlichen Unwägbarkeiten, für nicht an Unterhaltungs-Konzerne angeschlossene Künstler eine Produktion zu realisieren, machen z.B. eine angemessene Bezahlung von Mit-Musikern nicht möglich.

Wenn die Realisierung allerdings die Fragestellung war, sind die Umsetzung und die Besinnung auf die eigenen Fähigkeiten eine eindrucksvolle Antwort. „? !“ ist prallvoll mit Liedern über Begegnungen und Gesten, über die Liebe und das Leben, Lügen und Befreiungen, Abschied und Sterben. Michy Reincke ist einer der großen Geschichten-Erzähler der deutschen Popmusik. Und seine Texte sind ebenso fragwürdig wie authentisch: „Lola meint, wir sollten uns zukünftig nicht mehr im selben Postleitzahlengebiet aufhalten“. Stärker kann man den Trennungsgedanken nicht ausdrücken.

Nicht nur philosophisch betrachtet ist bei ihm der Beginn die Frage und das Ende die Antwort, auch die Song-Zusammenstellung des Albums ist so konzipiert. Das mit Flamenco-Klatschern startende „Woher hast du diese Frau eigentlich genau?“ eröffnet den 14teiligen Song-Reigen, das Instrumental „Coda!“ schließt es. Dazwischen beschreibt Michy in gehaltvollen Liedern die Orientierungsschwierigkeiten von Menschen, Liebe zu erkennen und zuzulassen, sowie Leben sinnvoll zu gestalten.

Michy Reincke scheint sich dessen bewusst, dass nahezu alle Menschen schon die Frage nicht verstehen und seit Jahrhunderten nach Erklärungen suchen die unter dem Strich nicht viel erklären. Er beschreibt, er urteilt nicht und findet seinen Frieden in einer geistreichen Gelassenheit mit dem Schicksal.

Wolfgang Amadeus Mozart steuert als Einziger musikalisch etwas bei. Der Refrain des Liedes „U-Boot-Mädchen“ ist eine Variation des Themas aus dem Andantino seines Konzerts für Flöte und Harfe in C-Dur, K.299:II.

„? !“ ist eine elegante und gut klingende, deutschsprachige Produktion die auf wohltuende Weise von keinen akustischen Animationsversuchen heimgesucht wird. Es ist die Arbeit eines lebensklugen und erfahrenen Menschen und Musikers mit einem guten Sinn für Humor und die wesentlichen Dinge. Sicher ist das Album ungewöhnlich, aber es bietet deutschsprachige Popmusik vom Feinsten – und bald geht der Gute damit auf „Verwandte der Sonne Tour“.

Das „Schmidts Tivoli“ in Hamburg ist an drei Tagen ausverkauft, doch hier findet ihr weitere Tourdaten 2019:

  • 01.03.2019 Bremerhaven, TIF
  • 02.03.2019 Magdeburg, Feuerwache
  • 09.03.2019 Flensburg, C.Ulturgut
  • 16.03.2019 Rostock, Pumpe
  • 28.03.2019 Wilhelmshaven, Pumpwerk
  • 29.03.2019 Uelzen, Jabelmannhalle
  • 30.03.2019 Erfurt, DasDie Brettl
  • 31.03.2019 Dresden, tbc
  • 05.04.2019 Lübeck, Kolosseum
  • 06.04.2019 Buchholz, Empore
  • 25.04.2019 Celle, CD-Kaserne
  • 27.04.2019 Schwerin, Speicher
KlausHoffmann

Klaus Hoffmann schlägt die Brücke von Berlin nach Paris

Für Klaus Hoffmann ist „Aquamarin“ der dritte Teil einer Trilogie. Nach „Sehnsucht“ und „Leisen Zeichen“, wie die letzten beiden Alben hießen, schließt er nun den Kreis zwischen seinen Anfängen, der Zeit des Aufbruchs und der Reise zum heutigen Chansonnier und Entertainer. Fans wird es freuen, ein solch reifes und – trotz seiner deutschen Sprache – so frankophiles Album zu hören. Dabei ist Melancholie Trumpf. Ich muss nur das wunderbare „Sonnenallee“ hören, um Klaus Hoffmanns Liebe zu Berlin zu begreifen. Und dieses Lebensgefühl einer positiven Melancholie zieht sich durch das ganze Album wie ein roter Faden.

Der „Aquamarin“ gilt als Glücksstein fahrender Seeleute und steht für Ankunft und Aufbruch. Davon singt Klaus Hoffmann. Er scheint ganz bei sich angekommen zu sein (jetzt – wo die große 70 in greifbare Nähe rückt) und doch bleibt er ein ewig Suchender. “Es ist wirklich meine Handschrift. Pur, modern, unmodern, mit Kante und großen Balladen. Die Geschichte des Kindes in uns, getragen von zwei Menschen, die sich noch immer lieben”.

Klaus Hoffmann kann wundersame Geschichten erzählen. „Ich denk an dich“ widmet sich einer zerrissenen Liebe, „Du siehst aus wie Papa“ geht tief zu Herzen, „Was mir mein Herz erzählt“ und „Was uns zusammen hält“ liefern philosophische Gedanken, ohne zu abstrakt zu werden. Chansons und Balladen geben sich die Hand – zwischendurch gewürzt mit weltmusikalischen Klängen. Ein durch und durch bezauberndes Album.

Mit Hawo Bleich am Flügel, Micha Brandt an der Gitarre, Peter Keiser am Bass und Stephan Genze am Schlagzeug kommt Klaus Hoffmann 2018  auf seiner Aquamarin Tour wieder in die schönsten Konzerthäuser.

Aktuelle Tourdaten 2018:

  • 03.11. Düsseldorf, Tonhalle, 20 h
  • 07.11. Hannover, Theater am Aegi, 20 h
  • 09.11. Dortmund, Konzerthaus, 20 h
  • 10.11. Bremen, Die Glocke, 20 h
  • 11.11. Hamburg, Laeizhalle, 19 h
  • 13.11. Saarbrücken, Congress-Saal, 20 h
  • 14.11. Köln, Philharmonie, 20 h
  • 15.11. Berlin, Philharmonie, 20 h
Ady Suleiman

Ady Suleiman und sein Debütalbum „Memories“

Ady Suleimans Bekanntheitsgrad wuchs in dem Moment als er bei Gilles Peterson’s Worldwide Awards (BBC) als “Breakthrough Act of the Year” nominiert wurde. Dies führte dann wiederum zu Support-Shows für Künstler wie Michael Kiwanuka, Laura Mvula, Leon Bridges und Lianne Le Havas. Er singt modernen Soul und tut dies auf sehr entspannte Art und Weise – also ohne sich in unnötigen Koloraturen zu verlieren.

Sein Album „Memories“ – das Debüt – ist ein kleines Kunstwerk. Es erscheint bei Pemba, Suleimans eigenem Label. Benannt wurde es nach Pemba Island aus der Sansibar Inselgruppe. Sein Vater wurde dort geboren und wuchs dort auf, Adys kreative und kulturellen Wurzeln haben dort ihren Ursprung.

Man höre sich nur mal die Single “Need Somebody To Love” an. Darin mixt Ady Jazz mit jugendlicher Verliebtheit, gezielten Drums und sparsam eingesetzten choralen Sequenzen. Ein wunderbares Stück Musik, das den Hörer dazu führt, sich zurück zu lehnen und einfach mal zuzuhören.

Ady Suleiman widmet sich keinen einfachen Themen. Es geht oft um Lebenskrisen – Trennungen, Depressionen, Abhängigkeiten, psychische Erkrankungen. Dabei lässt er sich Zeit beim Erzählen. Wie ein guter Therapeut. Seine Medizin lautet Funk, Soul, Reggae, R’n’B und Gospel.

Ady Suleiman schätzte schon immer Musik der verschiedensten Äras und hat ein tiefes Bedürfnis seine Lebenserfahrungen in Geschichten umzuwandeln. Dazu hat er einen zeitlos klassischen aber doch auch frischen Sound entwickelt der gepaart mit seiner sprachlichen Direktheit, bereits Fans wie Chance The Rapper, Joey Bada$$ bis hin zu Labrinth, George the Poet und Michael Kiwanuka für sich gewinnen konnte. Es sollten noch einige dazu kommen. Mit diesem filigranen und virtuos produzierten Album hat er sich eine breite Gefolgschaft verdient.

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Jazzkantine – alte Songs, cooler Stoff

Jazzkantine waren schon immer für eine Überraschung gut. In der Vergangenheit gab es Heavy Metal und Volkslieder im ungewöhnlich groovenden Gewand. Nun macht man eine Zeitreise zu den Anfängen des HipHop.

Die Collage aus Jazz, Funk und Rap passt hervorragend zu der Truppe aus Braunschweig. Wie immer gibt es geniale Bläserarrangements und rhythmische Finessen. Und die Band ist mit DJs und Vorzeige-Rappern wie Cappuccino und Tachiles ordentlich aufgestellt.

Ein gutes Dutzend zeitlose Klassiker finden sich hier, die in ganz neuem Glanz erstrahlen. Und die Band hatte hörbar viel Spaß.  Grandmaster Flash And The Furious Five, Eric B. & Rakim, EPMD, Public Enemy, NWA, Tone-Loc, Afrika Bambaataa und Jungle Brothers werden auf dem Album neu interpretiert, teils nah an den Originalen, dann wieder mit neuen deutschen Texten besetzt.

Das Ergebnis ist fast durchweg gut. Der positive Geist von Swing, Funk und Soul scheint allenthalben durch und die Zusammenstellung überzeugt als Konzept auf ganzer Linie. Zum Abschluss erklingt „I Shot The Sheriff“ – und jetzt fehlt nur noch eins: Die Umsetzung des neuen Konzepts auf den kommenden Livekonzerten.

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Michy Reincke – Wir haben den Richtigen!

„Der Name kommt mir nicht bekannt vor“ hieß das erste Album der Trilogie und auch Teil 2 hatte einen Titel in Überlänge: „Hatte ich dich nicht gebeten im Auto zu warten“. Das abschließende „Sie haben den Falschen“ ist da ja fast schon den Gegebenheiten des heutigen Deutschpop angepasst. Allerdings nur was den Titel angeht. Der Musiker aus Hamburg geht außergewöhnliche Wege. Ob er daran verzweifelt? Das Cover zeigt ihn als Desperado. Die Musik scheint ihm aber weiterhin großen Spaß zu machen.

Das Label Rintintin Musik ist sein Eigenes. Kompromisse sind also nicht von Nöten. So wird man auch nach langer Suche keine Schublade finden, in die der Singer/Songwriter passt. Hat ja manchmal schon was von Schlager, doch dafür sind die Texte zu intelligent, ja geradezu philosophisch. Liebeslieder, Tragödien, Gesellschaftskritik – und eine Form von Humor, die sich oft erst aufs zweite Hören erschließt.

Über Chartplatzierungen müssen wir nicht reden. In den 80ern war das anders – da gehörte Reincke zur kultigen Formation Felix de Luxe. Mittlerweile ist er 56 Jahre alt und macht seit 25 Jahren solo Musik. Diesmal überzeugt Michy Reincke zudem als Produzent eines exquisiten Werkes das in Andalusien entstanden ist. Statt Flamenco geht es allerdings bisweilen sehr funky und auffallend druckvoll zur Sache: Bariton-Saxophone, D6-Clavinet und Wah-Wah-Gitarren kommen zum Einsatz sowie Rhythmus-Elemente mit Prince-Zitaten.

Inhaltlich gibt es viele lebensbejahende Lieder wie „Glücklich glücklich“, „Sie ist genau mein Typ“, „Wir zertanzen die Fundamente“. Solcherlei Freude teilt man gern. Michy vermittelt Stimmungen – mit samtweicher, sonorer Stimme. „Wenn du gehst komm ich mit“ ist zum Dahinschmelzen, „Noah“ als Alkoholiker-Drama absolut bewegend und das orchestrale „Die Frau in der die Welt verschwand“ von lyrischer Eleganz.

„Sie haben den Falschen“ ist ein ungewöhnliches Popalbum voll schöner Melodien. Eine bunte Mischung aus eindringlichen und nachdenklichen Momenten. Wir haben den Richtigen!

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