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Felix Lobrecht war mit StandUp 44 beim Arena Open Air in Trier

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Gleich zwei Tage in Folge war Felix Lobrecht mit seinem Comedy Label StandUp 44 in Trier. Beide Male ausverkauft! Das verwundert nicht, füllt der Instagram Star mit fast 1 Mio. Followern doch inzwischen die größten Arenen. Sein Podcast “Gemischtes Hack”, den er zusammen mit Tommi Schmit betreibt, gehört zu den meist gehörten in Deutschland. An diesen Erfolgsquoten muss man sich heutzutage messen lassen.

Wenn Lobrecht dann die Bühne betritt, versteht man, woran es liegen kann: Locker und flockig zieht er das recht junge Publikum in seinen Bann und fängt zunächst mit dem beliebten Bashing des Auftrittsortes an, das viele Stand-up-Comedians so gern betreiben. Sollte man damit werben, die älteste Stadt Deutschlands zu sein? Hm. Erinnert die Location vor der Arena mit Blick auf Baumarkt und Parkdeck an eine Formel 1-Boxengasse? Sicherlich. Aber das ist nun einmal der Pandemie geschuldet und es zeugt nicht gerade von Wertschätzung für die Veranstalter, die ihr Bestes tun, um seiner Komikertruppe Auftritte zu ermöglichen. Dass er dann noch den Sponsor (Volksbank Trier) niedermacht – geschenkt. Das war dann auch egal.

Credit: Simon Engelbert / Photogroove

Auf jeden Fall nahm Felix gut Fahrt auf, lästerte über die Frau, die mit einem Schild den Tour-de-France-Unfall verursacht hat und kam schließlich zum aktuellen Lieblingsthema Corona: Zuschauer Maxi musste als Paradebeispiel herhalten, weil er zugegeben hatte, eine Infektion überstanden zu haben, als Student noch bei seiner Mutter zu leben und überhaupt viel Privates (mehr oder weniger gewollt) preisgab.

Warm-up beendet. Der erste Comedian war dran. Im Prinzip sind die StandUp 44-Shows auch nicht mehr als jeder Comedy Slam im kleinen Club. Neben dem Gastgeber treten drei weitere Künstler an. Jeder hat ca. 20-25 Minuten Zeit für seinen Auftritt. Es gibt am Ende keine Abstimmung und der Eintritt ist höher. Das sind schon die größten Unterschiede.

Als erster Gast auf der “Happy Summer Sunshine Tour 2021” war Daniel Wolfson am Start. Der Philosophiestudent betreibt mit Kawus Kalantar den Podcast “Chips und Kaviar”. Mit viel Charme erzählte er aus seinem Alltag, berichtete von den WhatsApp-Abenteuern seines Vaters, den Möglichkeiten der Anmache im Club und gab Anekdoten eines Besuchs beim Urologen zum Besten. Deftig, aber durchaus amüsant.

Weiter ging es mit Kawus Kalantar. Der Sohn iranischer Einwanderer – aufgewachsen in Bremen (Neue Vahr Süd) – ist für viele Fans ein alter Bekannter, war er doch Support auf der letzten Lobrecht-Tour. Er berichtete aus der Zeit “als Merkel noch hässlich war”, freute sich über seine erste Freundin und erklärte, ob und wie Sex im Hochbett funktioniert.

Damit war die erste Hälfte der Show durch, aber es gab keine Pause. In Pandemie-Zeiten verzichtet man auf solche Gewohnheiten. Kinan Al bezeichnet sich selbst als “Araber aus Neukölln”. Kein Wunder, dass er viel zu berichten hat – über das Zusammenleben in der Parallelwelt, wo jeder den besseren Hummus anbietet, und über sein Touren in Deutschland (“Cottbus ist hässlicher als Syrien nach dem Krieg”). Es geht um Impfstoffe – “Biontec rules” – und emotionale Intelligenz (das politisch korrekte Wort für “Dummheit”). Einen Moment der Stille gab es, als er vom Tod seines Vaters erzählte, der am COVID-Virus verstorben ist. Es war spürbar, wie sehr Kinan seinen Vater vermisste und wie wichtig es war, die Erinnerung mit dem Publikum zu teilen.

Als Letztes hatte Felix Lobrecht seinen eigenen Slot und startete den redseligen Rundumschlag ohne Punkt und Komma aber mit viel Inhalt. Wie perfekt man entspannen kann, wenn man sich nachts Hitler-Dokus anschaut. Wie Freunde reagieren, wenn er seine Haustür bei deren Weggehen zweimal abschließt. Wie seine Oma besoffen tanzt und wie Sprüche-Ingos jede Unterhaltung zur Comedyshow machen können. Und da liegt Felix’ größte Stärke: Er kann jede Banalität genussvoll ausschlachten. Und seine Mimik und das bisweilen spitzbübische Grinsen machen auch den Zuschauern große Freude.

Nach gut 100 Minuten war schon Schluss. Das ist jetzt nicht imposant, aber gut genug für einen kurzweiligen Abend. Auf jeden Fall ist die Erkenntnis gewachsen: Jedem dieser fantastischen Vier würde man auch ein komplettes Abendprogramm lang zuhören wollen.

Eine Fotoerlaubnis gab es nur für Felix himself, daher fällt die Galerie etwas kleiner aus als gewohnt (alle Fotos: Simon Engelbert):

 

ARENA OPEN AIR SOMMER 2021: pandemiegerechte Open Air Shows auf dem Vorplatz der Arena, Trier

Folgende Acts dürft ihr noch erwarten:

  • 24.7.21 TRIER POP FESTIVAL mit Graustufe West, Schatzi & Straws
  • 25.7.21 Long Distance Calling
  • 29.7.21 Antilopen Gang
  • 31.7.21 Funny van Dannen
  • 1.8.21 Thomas Kiessling & Frank Rohles
  • 5.8.21 Till Reiners
  • 6.8.21 SONDASCHULE
  • 8.8.21 Wolfgang Niedecken liest und singt Bob Dylan
  • 10.8.21 CAMPINO Lesung “Hope Street”
  • 12.8.21 Fatoni & Edgar Wasser
  • 13.8.21 VERSENGOLD
  • 14.8.21 “Girls To The Front” mit Hoboken Division (FR), Francis of Delirium (LUX) und Hanna Landwehr (TR)
  • 15.8.21 Elmar Frank (DE HOFNARREN) liest „Eine spannende Geschichte von Fridolin“
  • 18.8.21 Johann König
  • 19.8.21 Olli Schulz & Band
  • 20.8.21 TOCOTRONIC
  • 21.8.21 NIGHT FEVER, die BEE GEES Show
  • 22.8.21 Thees Uhlmann & Band

Weitere Infos & Ticketlink unter www.poppconcerts.de 

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Metamorphosis: Ein starkes, atmosphärisches Album mit kleinen Schwächen

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Die Schweiz ist jetzt nicht wirklich das Land, das eine Vielzahl an progressiven Bands zu bieten hat. Zu nennen wären Cosmos, Clepsydra und nicht zuletzt Metamorphosis. Das Bandprojekt um Jean-Pierre Schenk veröffentlicht nun zum ersten Mal ein Album, ihr sechstes, über das Label Progressive Promotion Records.

Musikalisch bietet das Album ein starkes, atmosphärisches Fundament mit viel Pathos, wie man es von anderen Protagonisten der Neoprog-Schublade, zum Beispiel Arena oder Pendragon gewohnt ist. Viel Neues gibt es für die Genrekenner nicht zu entdecken. Der größte Schwachpunkt des Albums ist die wenig aussagekräftige und recht emotionslose Stimme von Jean-Pierre Schenk.

Gründer und Mastermind Jean-Pierre Schenk war das einzige feste Mitglied in der 20-jährigen Geschichte, die 2002 mit dem Debüt „After All These Years“ begann. Stark beeinflusst vom bombastischen und symphonischen Pink Floyd Sound veröffentlichten sie kurz hintereinander zwei weitere Alben „Nobody Cares“ (2003) und „Then All Was Silent“ (2005) bevor sie für die nächsten beiden Alben „Dark“ (2009) und „The Turning Point“ (2016) eine längere Pause einlegten, der zum Artrock-Sound von Porcupine Tree wechselt. „Mir wurde klar, wie sehr Musik vom Privatleben abhängt“, sagt Jean-Pierre. „Wenn es hart auf hart kommt, wird deine Musik härter, komplizierter“.

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Eyesberg: Die progressive Vertonung von van Goghs Leben

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Man kann guten Gewissens sagen, dass es sich bei der Band Eyesberg um eine deutsch-britische Prog-Institution handelt, denn ihre Gründung liegt in den späten 1970ern. Nach ihrer Auflösung in 1987 und der Reunion Anfang der 2000er fanden sie bei Progressive Promotion Records eine neue Heimat zur Veröffentlichung neuen Materials, das nun mit der progressiven Vertonung von van Goghs Leben eine Fortsetzung findet.

Das Album zeigt das Leben von Van Gogh von einer verstörten, ungeliebten Kindheit und Jugend bis hin zu einem unruhigen, von Angst geplagten Erwachsenenalter bis hin zu seinem daraus resultierenden Wahnsinn und unweigerlichen Selbstmord.

Musikalisch spielt sich das Konzeptalbum irgendwo zwischen den üblichen Verdächtigen des Neo-Prog (Arena, Pendragon, Marillion) und Retro-Prog (Spock’s Beard, Transatlantic). Bezeichnend hierfür ist auch das Schlagzeugspiel des Ex-Spock’s Beard und Pattern Seeking Animals Drummer Jimmy Keegan, sowie das stark an Steven Rothery angelehnten Gitarrenspiel. Malcolm Shuttleworth’ Stimme, die in großen Teilen an Fish und Peter Gabriel erinnert, tut ihr Übriges dazu.

Eine Neuerfindung des Rades ist das Album nicht, aber es ist eine kurzweilige und genretypische Veröffentlichung, die den Anhängern der genannten Spielarten des Progs ins Ohr gehen dürfte.

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CIRCA – Live From Here There & Everywhere: Das Live Album einer Progressive Rock Supergroup

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Immer mal wieder gibt es Bands im Progressive Rock, die die guten alten Zeiten aufleben lassen wollen. Sogenannte Supergroups sind hier wirklich inflationär. Dazu gehört auch Circa, eine Rockband die 2007 von Billy Sherwood und Tony Kaye gegründet wurde. Beide waren früher bei YES. Zum Original Lineup von Circa gehörten zudem YES Drummer Alan White und Gitarrist Jimmy Haun. Das aktuelle Lineup besteht neben Sherwood und Kaye aus Rick Tierney am Bass und Scott Connor an den Drums, nachdem Alan White die Band wieder verlassen hat, um sich gänzlich wieder YES zu widmen.

Die Truppe ist recht aktiv und hat seitdem vier Alben heraus gebracht. Nun schließt sich das erste Livealbum mit dem Titel “Live From Here There & Everywhere” an. Aus dem Booklet geht ebenso wie aus dem Titel nicht hervor, wo und wann der Mitschnitt entstand. Das ist aber auch obsolet. Die Musik zählt – und die hat es in sich. Kenner schauen auf die Total Running Time: über 73 Minuten. Und das mit acht Songtiteln, die mehrfach die Zehnminutenmarke knacken. Prog-Herzen schlagen höher!

Musikalisch finden sich Anleihen beim Prog der 70er Jahre und beim Neoprog der 80er. Das Beste aus zwei Welten sozusagen. Die Keyboards nehmen breiten Raum ein. So sind wir das auch von YES gewohnt, die hier wohl als große Vorbilder gelten müssen. Doch kundige Hörer werden an vielen Stellen auch an Marillion erinnert, beispielsweise bei “True Progress”, dessen Instrumentalpassagen zeitweise wie eine Hommage an “Misplaced Childhood” klingen.

Sänger Billy Sherwood kann mit einer langen ereignisreichen Geschichte im Progressive Rock Universum aufwarten. Seine stimmlichen Fähigkeiten kommen zwischen den ausschweifenden Soli gut zur Geltung. Und es bleibt bei weitem nicht alles elektronisch und sphärisch. Freunde härterer Klänge dürfen sich auch auf eine gehörige Portion Rockmusik freuen. Allerdings übernimmt Tony Kaye immer wieder das Ruder. Er ist Original-Keyboarder von YES (1968-1971, dann ab 1985) und hat Bestseller-Alben wie “90125”, “Big Generator” und “Talk” seinen stilistischen Stempel aufgedrückt. Klanglich beherrscht er auch die Circa-Stücke.

Das Album ist für Freunde der guten alten Prog-Zeiten gut anzuhören. Wem bei Yes, IQ, Marillion und Arena das Wasser im Munde zusammen läuft, der sollte auch Circa ein Ohr gönnen. Das ausschweifende Livealbum ist die beste Gelegenheit dazu.

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Chris de Burgh eröffnete seine aktuelle Tour in der Arena Trier

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Chris de Burgh – in diesem Jahr wird er 65 Jahre alt. Denken Musiker da ans Rentnerdasein? Wohl kaum. Was das Schreiben neuer Musik angeht, ist es allerdings ruhig geworden um den Iren, der sich in Deutschland unveränderter Beliebtheit erfreut. Im Prinzip betrieb er eine Form von Vergangenheitsbewältigung und lieferte in den beiden “Footsteps”-Alben vor allem Coverversionen bekannter Songs, die ihn während seiner Karriere beeinflusst haben. Hinzu kam vor zwei Jahren das Werk “Moonfleet”, das dann aber mehr musikalisch unterlegte Erzählung als ein echtes neues Album war. Auch der letzte Longplayer “Home” hatte nichts Neues zu bieten. Es ist eine Retrospektive älterer Titel, die akustisch gehalten ist und die er selbst produziert und im heimischen Studio aufgenommen hat.

Und dennoch. Chris de Burgh ist unermüdlich auf den Bühnen zuhause. So war er zum wiederholten Mal in Trier und eröffnete diesmal sogar die Tour 2013/2014 in der Arena. Eine Tatsache, die Fans aus einem weiten Umkreis in die älteste Stadt Deutschlands führte. Zumindest waren die ersten Reihen fest in Fanclub-Hand. Und Chris de Burgh überraschte mit einer Ankündigung und einem neuen Song kurz vor der Pause: Es wird Ende des Jahres ein neues Album geben und er spielte daraus “The Fields Of Agincourt”, einen Song, der ins 15. Jahrhundert zurück geht und den britisch-französischen Krieg unter Heinrich V. behandelt.

Bis zu dieser Stelle war über eine Stunde Konzertlänge verstrichen und ich muss sagen, dass die erste Hälfte mich nicht gerade vom Hocker riss. Auch was die Zuschauer anging, sprang der Funke nicht über und der Applaus war oft nur höflich. Natürlich gab es trotzdem Highlights. Den Opener “Waiting For The Hurricane” zum Beispiel, der sehr zum Spannungsaufbau beitrug. Dann natürlich die Ballade “Missing You” oder der Klassiker “Ship To Shore” – zwei Songs, die einige Zuschauer zum Jubeln brachten.

Chris de Burgh hat viele Seiten. Es finden sich häufig progressive Elemente in den Stücken. Das sind dann allerdings nicht die großen Hits. Seine Band besteht auf der aktuellen Tour ganz klassisch aus der Fünfer-Besetzung mit Gitarre, Bass, Keyboards und Schlagzeug. Also nicht viel Firlefanz. Der Bühnenaufbau ist auch recht schlicht gehalten. Ein paar LCD-Streifen im Hintergrund, die aber nicht oft genutzt werden. Stattdessen versteht sich der Ire aufs Geschichten-Erzählen. Wenn er “The Escape” vom Moonfleet-Album interpretiert, hängen alle gebannt an seinen Lippen.

Auch die zweite Konzerthälfte begann recht ruhig. Es gab eine Acoustic-Session, zu der sich alle Musiker im kleinen Rund versammelten und Songs von “Home” spielten, einem Album mit (wie er selbst sagt) unentdeckten Perlen seiner Karriere, die nicht unbedingt Best-of-Charakter haben. “Living On The Island” war noch der bekannteste dieser Titel.

Sehr stark wurde es im letzten Drittel. Da sah ich den Künstler, wie ich ihn mir gewünscht habe. Mit einer Mischung aus alten Hits und selbstbewusst dargebotenen Songs. “I’m Not Scared Anymore” war hier ein guter Anfang. Dann “Borderline”, das schon bei den ersten Tönen mit heftigem Applaus bedacht wurde und sicher zu den besten und komplexesten Stücken gehört, die Chris de Burgh je geschrieben hat.

Natürlich gab es auch Unvermeidliches wie “The Lady In Red”. Hier überraschte Chris de Burgh mit einem ausgiebigen Bad in der Menge, gab während des Songs Autogramme, ließ sich fotografieren, verteilte Küsschen und Umarmungen. Wahrlich ein Star zum Anfassen und man muss ihm zugestehen, dass er hier keine Allüren zeigte und unverkrampft auf die Menschen zuging. Das erhöhte den Sympathiefaktor sehr.

Eine unausgesprochene Regieanweisung sagt anscheinend, dass ab “Lady In Red” die größten Fans ihre Sitzplätze aufgeben, nach vorne stürmen und vor der Bühne Party feiern. Tatsächlich hatte sich das Konzert nun für viele zum Stehkonzert entwickelt und es gab vor allem Coversongs der Footsteps-Alben, unter anderem “Blue Bayou”, “Let It Be”, “Lady Madonna” und Totos “Africa”. Zum Öffnen des Konzerts in Richtung Rockmusik ganz brauchbar – wenn ich auch der Meinung bin, dass er genug eigene Hits hätte (gerade aus den 80er Jahren) um diesen Block zu füllen.

Immerhin gab es ganz zum Abschluss noch “Don’t Pay The Ferryman” und “High On Emotion” mit hohem Mitsingfaktor und glücklichen Gesichtern allerorten. Dennoch ist mein Fazit durchwachsen. Zeitweise hatte der Auftritt einen Hauch von Rentnerveranstaltung und alles wirkte recht träge. Wenn der Meister dann allerdings aufdreht und seine Stärken – vor allem die Bühnenpräsenz – ausspielt, macht es großen Spaß, ihm zuzusehen. Die Gesamtlänge des Konzerts lag nach Abzug der Pause immerhin deutlich über zwei Stunden. Und damit hat er seine Fans sicher nicht enttäuscht.

Chris de Burgh Fotos aus Trier gibt es hier!

Voca People

Die VOCA PEOPLE schlugen mit ihrem Programm “Life Is Music” in Trier auf und faszinierten das Publikum mit einer lupenreinen A-cappella-Show

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Heutzutage muss man schon etwas bieten, um sich im A-cappella-Bereich von der Vielzahl hervorragender Bands abzuheben, die weltweit die Showbühnen erobern. Die VOCA PEOPLE stammen aus Israel und sind eine Truppe aus fünf Männern und drei Frauen. Ihr Konzept ist eine Mischung aus mehrstimmigem Gesang und Comedy-Show. Das Auftreten als komplett in weiß gekleidete Außerirdische erinnert an die Blue Man Group. Alleinstellungsmerkmal sind aber die hervorragenden stimmlichen Qualitäten und die Einbeziehung des Publikums.

Die Show in Trier begann mit einer musikalischen Einführung und der Hintergrundgeschichte, die uns den ganzen Abend über begleiten sollte: Das Raumschiff der Voca People ist auf der Erde gestrandet und man braucht (musikalische) Energie, um wieder zum Planeten Voca zurückkehren zu können. So wurde zunächst einmal in einem Medley die Musikhistorie der Erde erforscht. In “History Of Music” gab es Auszüge aus “Day O”, “The Lion Sleeps Tonight”, “Ameno” , “Mister Sandman”, “Hit The Road Jack”, “Take A Chance On Me”, “Celebration”, “Sweet Dreams”, “Cotton Eye Joe”, “I Like To Move It” und vielen weiteren Hits.

Kommen wir gleich mal zum größten Kritikpunkt: Ein Medley mit starken Hits ist schön und gut. Wenn aber fast das ganze Programm aus Medleys besteht, die Dutzende Songs nur mit 2-3 Textzeilen anspielen, dann wird das auf Dauer ziemlich nervig. Vielseitigkeit, ja. Aber man will doch mal ein Stück komplett hören, wenn man sich darauf eingelassen hat. Das ständige Springen von Song zu Song hat mir definitiv nicht gefallen.

Die musikalische Klasse allerdings war beeindruckend. Sechs Stimmgruppen waren vertreten und virtuos besetzt: Sopran, Mezzosopran, Alt, Tenor, Bariton, Bass. Jeder Sänger für sich genommen hervorragend – und auch das Zusammenspiel war sehr harmonisch und übergreifend gut. Hinzu kamen ein Beatboxer und ein Scratcher – also vokale “Schlaginstrumente”. Jeder Ton wurde mit Mund und Körper erzeugt, Mikrofone waren die einzigen Hilfsmittel. Also durchaus etwas für A-cappella-Puristen.

Die Show sah viele choreographische Momente vor. Ständig bewegten sich die Sänger im Publikum, nahmen beispielsweise symbolisch die Gedanken von Zuschauern auf und wandelten diese in Musik um. Es wurde eine junge Frau zum Medley “Boys In Love” auf die Bühne geholt und wir hörten einen Mix aus “Cant’t Take My Eyes Off Of You”, “Got My Mind Set On You”, “As Long As You Love Me” und ähnlichen Schmachtfetzen. Die drei Sängerinnen revanchierten sich und sangen drei smarte Boys zu Stücken wie “Gimme Gimme Gimme”, “Lady Marmelade” und “Fever” an – bis hin zum ganz und gar nicht mehr jugendfreien “Lollipop”.

Weitere Medleys beschäftigten sich mit Filmmusik und klassischer Musik. Da war zwar viel Gesang, doch die Comedy-Elemente nahmen beizeiten zu großen Raum ein. Die Beschäftigung mit dem Publikum gehört klar zur Show, doch die langatmige Ausdehnung konnte manchmal Langeweile erzeugen. Sobald wieder gesungen wurde, war dies zum Glück vergessen. Die stimmliche Brillanz war wirklich einzigartig.

Großes Highlight waren ein Queen-Medley und die Hymne “We Are The World”. Und – oh Wunder – es wurden plötzlich Songs in ganzer Länge gesungen. “Bohemian Rhapsody” ist ein Paradestück für jede Band und im Besonderen für jede A-cappella-Band. Unterbrochen von kurzen Aufblitzern anderer Queen-Songs und dem Abba-Titel “Mamma Mia” wurde die Rhapsody bis zum letzten Ton zelebriert und löste einen Begeisterungssturm beim Publikum aus. Hier zeigte sich, wozu die Voca People fähig sind.

Der Abend endete ziemlich abrupt nach knapp 100 Minuten Konzertlänge. Wenn mein Fazit auch durchwachsen ist, kann ich die Truppe nur jedem Freund des A-cappella-Gesangs ans Herz legen. Die Arrangements waren fantastisch. Die Synchronität war beeindruckend, vor allem was das Können des Scratchers anging, denn dieser war ständig in Aktion und begleitete wie in einem Hörspiel jede Aktion seiner Kollegen und jede Interaktion mit dem Publikum durch Geräusche und stimmliche Passagen. Eine Show “wie von einem anderen Stern”.

Giltrap & Wakeman CD-Cover

Gordon Giltrap und Oliver Wakeman mit ihrem Epos “Ravens & Lullabies”

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Willkommen in der Ratesendung “Ich trage einen großen Namen”. Zu Gast heute ist heute Oliver Wakeman – genau, da war doch was: Der Sohn von Rick Wakeman, dem britischen Prog-Urgestein, Keyboarder von YES, den wir mit wallendem Glitzercape in Erinnerung haben. Dessen Sohn Oliver ist konsequent in die Fußstapfen des Vaters getreten und war gar für zwei Jahre ebenfalls Keyboarder der großen Band, die inzwischen eine Reihe von Umbesetzungen hinter sich hat.

Im Prog hat sich der junge Wakeman inzwischen auch einen Namen gemacht. Legendär ist seine Zusammenarbeit mit Clive Nolan (Pendragon, Arena), der kurioserweise ebenso wie Wakemans Vater die Keyboards malträtiert und mit langem Mantel auftritt. Zusammen haben Nolan und Oliver Wakeman die Konzeptalben  “Jabberwocky” (1999) und “The Hound Of The Baskervilles” geschaffen.

Ein weiteres Beispiel für den Zusammenhalt der großen Prog-Familie ist die Tatsache, dass Benoit David, der umstrittene zwischenzeitliche Frontmann von YES, auf “From The Turn Of A Card” die Vocals übernimmt. Wer jetzt allerdings ein großes sphärisches Album im Stil von YES erwartet, den kann ich direkt enttäuschen. Statt elegischer Keyboards gibt es klar gespielte Piano-Passagen. Und die Ausrichtung der meisten Songs ist durch und durch akustisch.

Zweiter Mastermind im Bunde ist der Gitarrist und Songwriter Gordon Giltrap. Er begann seine Karriere in den 60er Jahren in der Londoner Folk-Szene, im musikalischen Umfeld von Bert Jansch, John Renbourn und dem jungen Mike Oldfield. Mit 18 Jahren erhielt er von Transatlantic Records einen Plattenvertrag. Seinen Durchbruch erzielte er in den 70er Jahren, als er sich auf rein instrumentale Stücke konzentrierte. Später avancierte Giltrap immer mehr zum Singer-Songwriter und tourte ausgiebig mit seiner Gordon Giltrap Band durch UK.

Die Partnerschaft zwischen Giltrap und Wakeman beschert uns nun ein luftiges Album, das in weiten Teilen sicher als proggy gelten kann, dass sich aber dabei vor allem den leisen Tönen widmet, an vielen Stellen wie ein klassisches Klavier-Album klingt und insgesamt erzählenden Charakter hat. Es wirken mit: Jazz/Blues/Rock-Bassist Steve Amadeo, der Blues-Gitarrist Aynsley Lister, der Drummer Johann James (Treshold) und Sänger Paul Manzi (Arena). Produziert wurde die CD vom Threshold-Gitarristen Karl Groom.

Freut euch also auf eine unplugged-Mischung aus rockigen und progressiven Tönen, die immer wieder von kleinen Miniaturen am Klavier unterbrochen werden. Band und Sänger Paul Manzi harmonieren hervorragend. Und Oliver Wakeman schwimmt sich immer weiter vom Schatten des Vaters frei, indem er sich als Virtuose am Piano zeigt, ohne den YES-Stil zu kopieren. Die Gestaltung mit dem verträumten Fantasy-Cover und der Titel “Ravens & Lullabys” geben die stillen, melodischen Motive vor. Eine starke Kooperation mit Musikern vieler Facetten des Prog-Umfelds.

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Seeed und ihr Reggaeeinsatzkommando in der ausverkauften Arena Trier

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Mal wieder ein deutscher Act, der dafür sorgte, dass die Arena Trier ausverkauft war. Schon nachmittags strömen die Massen in die älteste Stadt Deutschlands, um eine der erfolgreichsten Bands des neuen Jahrtausends zu sehen. Der Aufstieg von Seeed nahm 2001 mit der Single “Dickes B” Fahrt auf und erfuhr den größten Schub vor vier Jahren, als Bandmitglied Peter Fox (im echten Leben Pierre Baigorry und bei Seeed steht sein “e” ursprünglich für den Künstlernamen Enuff) eine Solokarriere startete, mit der er als Konsenskünstler die nationalen Charts über Monate beherrschte. Brav kehrte er allerdings zur Stammband zurück – und deren Reputation steigt seitdem unaufhörlich.

Pünktlich um 20 Uhr ging es los mit Allen Stone als Support. Ein Künstler aus Seattle, dessen Vater Prediger war. Dies merkt man auch dem Sohnemann an. Seine Stimme ist soulig und kraftvoll – vergleichbar mit Mick Hucknall (Simply Red). Seine Lieder erklingen in der Tradition von Marvin Gaye oder Bill Withers – zur Freude der Anwesenden baut er aber auch eine Coverversion von Bob Marley in den Set ein. Ich fand ihn stimmlich sehr stark, vor allem wenn er mit Inbrunst in die hohen Lagen gehen konnte. Und auch das Publikum, das ja nicht unbedingt zu den Anhängern seiner Musikrichtung gehörte, bedachte den 35minütigen Auftritt mit reichlich Applaus.

Dann begann die (kurze) Wartezeit auf Seeed. Knapp nach 21 Uhr lichtete sich der Vorhang und zeigte eine Bühne, die ein Gerüst beherbergte, auf dem die Musiker in unterschiedlichen Höhen positioniert waren, damit das Publikum jeden im Blick hatte. Band, Bläsergruppe – und natürlich die drei Sänger von Seeed: Enuff, Ear und Eased. Letzterer versuchte sich vor Jahren ebenfalls an einer Solokarriere als Dellé, konnte aber bei weitem nicht den Erfolg von Peter Fox erreichen. Über dem Bühnenaufbau war eine runde Projektionsfläche befestigt, die leicht an die Kuppel des Berliner Reichstagsgebäudes erinnerte. Vielleicht eine Hommage an den Herkunftsort der Band?

Musikalisch ging es gleich in die Vollen. Starke, laute Songs – immer mit ordentlichem Reggae-Touch und gleichzeitig im Marching-Sound einer Bigband gehalten. Es funktioniert! Reggae, HipHop, Rock… Das Publikum geht ordentlich mit und ist durchgehend in Bewegung. Vor allem Dellé, der an einem Gymnasium in Trier sein Abitur machte, wurde in den Solopassagen lautstark bejubelt. Er ist ein Reggae-Musiker par excellence und zeigte sich in der alten Heimat von seiner besten Seite. Die Songauswahl mit Stücken wie “Dancehall Caballeros”, “Schwinger”, “Seeeds Haus” und “Dickes B” war umfassend und lieferte einen Mix aus fast 15 Jahren Bandgeschichte. Die Sänger in ihren schwarzen Anzügen boten durchgehend Action auf der Bühne und glänzten auch mit gekonnten Tanzeinlagen.

Natürlich lag ein großes Augenmerk auf Peter Fox. Würde es seine Solostücke geben? Yes – als die Schlagzeugtruppe von Cold Steel die Bühne enterte, gab es kein Halten mehr. “Alles neu” zunächst mit dem Reggae-Start, den Fox schon auf seiner Solotour zelebrierte, und dann im vollen orchestralen Glanz. Ein Paradestück des Abends. Später gab es zudem auch “Schwarz zu blau”, Peter Fox‘ ungewöhnliches Liebeslied an Berlin, und die Bewegungs-Hymne “Schüttel dein Speck” im Zugabenblock. So hält man ein Publikum am Tanzen!

Von den reinen Seeed-Stücken wurden vor allem “Augenbling”, “Molotov” und “Beautiful” abgefeiert. Ein Beleg dafür, dass das neue Album viele Zuhörer findet. Und natürlich gab es “Ding” als Hammer-Zugabe. In der Arena Trier haben sich Seeed von ihrer besten Seite gezeigt und eine energiegeladene Show abgeliefert. Ich bin sicher, nach diesen 100 Minuten voller Power ging jeder zufrieden nach Hause.

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“TAO – Die Kunst des Trommelns” in der Arena Trier

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“TAO – Die Kunst des Trommelns” heißt die Show der japanischen Truppe, die am Donnerstag in der Arena Trier geboten wurde. Man beruft sich dabei auf die Tradition des Wadaiko – eine psychologische Waffe der Samurai, welche die großen Taiko-Trommeln vor dem Angriff spielten, um die Gegner zu zermürben und die eigenen Kämpfer in einen Rausch zu versetzen.

Die Showtruppe TAO hat sich ganz dieser Tradition verschrieben und bietet eine durchdachte Performance, die um einiges vielseitiger ist, als ein zweistündiger Trommel-Marathon vermuten lässt. Das Bühnenbild ist wie ein japanischer Garten mit Felslandschaft und kleinen Wasserfällen aufgebaut und wird je nach Stimmung neu beleuchtet. Mal sanft vor sich hin plätschernd, mal martialisch und schrill.

Vier Frauen und neun Männer bilden die musikalische Truppe. Und es gibt nicht nur Trommeln, sondern auch Flöten und japanische Saiten-Instrumente, die das Trommel-Stakkato bisweilen ergänzen oder unterbrechen. Mit außerordentlicher Präzision, Wucht und Ausdauer schlagen alle auf ihre zum Teil riesigen Trommeln. Nicht nur Rhythmusgefühl, sondern auch ganzer körperlicher Einsatz sind dabei gefordert. Dazu wird getanzt und es gibt gekonnte artistische Darbietungen. Beeindruckend ist vor allem die Synchronität, in der das alles geschieht. Wenn die Trommeln absolut parallel geschlagen werden oder ein Rhythmus sich ohne Unterbrechung durch eine ganze Parade von Trommlern durchzieht.

Vor allem die weiblichen Zuschauer bekommen auch was fürs Auge, da die athletischen Japaner die riesigen Trommeln mit freiem Oberkörper bearbeiten oder gekonnte Tanzeinlagen aufs Parkett legen. Dazwischen sorgen vor allem die Frauen für melodische Elemente oder es gibt eine kleine Comedy-Show, wenn ein Trommel-Ton in Form eines Ping-Pong-Spiels zwischen verschiedenen kleinen Handtrommeln hin und her geschickt wird. Selbst die Kommunikation mit dem Publikum kommt (nach anfänglichen Hemmungen) nicht zu kurz.

Die zweistündige Show nimmt zum Ende hin immer mehr an Fahrt auf und die Begeisterung überträgt sich spürbar auf das Publikum. Schließlich kann niemand mehr Hände und Beine ruhig halten. Die TAO-Trommler haben ihr Ziel erreicht und die Arena Trier in eine klatschende und stampfende Rhythmusgruppe verwandelt, die schließlich die Show mit stehenden Ovationen feiert. In zwei Jahren will man sich wieder in Trier treffen. Sehr gerne!

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Prinzessin Lillifee verzauberte die Arena Trier mit einem Musical für die ganze Familie

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Damit meine fünfjährige Tochter mit mir zum Konzert fährt, muss schon etwas ganz Besonderes geboten werden. Bisher waren das die Wise Guys – und kürzlich das Popmusical “Prinzessin Lillifee und die verwunschene Insel”. Also zieht die Kleine ihr Prinzessinnenkostüm an, staffiert sich mit Krone und Zauberstab aus und ab geht’s in die Arena Trier. Glücklicherweise war in letzter Minute ein Verzicht auf die Feenflügel möglich (mit Hinweis auf die beengten Platzverhältnisse in den Stuhlreihen). Zum Ausgleich musste aber noch ein zusätzlicher Zauberstab vom Merchandise her: in Herzform und mit Blinklicht. So ausgestattet konnte die Show beginnen.

Die Geschichte um Prinzessin Lillifee ist ein Familienmusical. Also eine Veranstaltung für Großeltern, Vater, Mutter und Tochter. Nicht für den Sohn – das war deutlich zu spüren. Die Arena füllte sich mit Prinzessinnen und Gefolge. Ich habe mit viel Mühe auch einen bedauernswerten Jungen in der drittletzten Reihe des Innenraums ausmachen können, der vermutlich mangels Babysitter gegen seinen Willen mitgeschleppt wurde.

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Die Geschichte, die erzählt wurde, lässt sich folgendermaßen zusammen fassen: Bei einem Ausflug mit dem Heißluftballon stürzen Prinzessin Lillifee und ihre Freunde ab. Mit Glück landen sie auf einer Insel mitten im Ozean – doch dabei verliert Lillifee ihren Zauberstab. Ohne dessen Kräfte müssen sich die fünf Freunde vom mächtigen Zauber, der auf dem verwunschenen Eiland lastet, befreien. Erst dann können sie die Rückreise in ihre Heimat antreten. Auf dem nebligen Gipfel des Vulkanes findet Lillifee den Herrscher der Insel. Jetzt kommt sie dem Geheimnis des Fluches auf die Spur…

Die Figuren wurden zwar von Erwachsenen gespielt, doch die Darstellung war bunt und kindgerecht, so dass diese Tatsache nicht negativ auffiel. Ich sag mal so: Als Erwachsener muss man sich schon daran gewöhnen, zwei Stunden lang Pupsi das Schwein und Henry den Hasen zu ertragen, deren Rollen zudem recht schrill angelegt sind. Prinzessin Lillifee erinnerte zudem entfernt an Cindy aus Marzahn (was sich in der rosa Ausstattung und den aufgebauschten blonden Haaren manifestiert, nicht etwa in überschüssigen Pfunden).

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Alle Schauspieler zeigten eine ordentliche Leistung – und vor allem  die Fee Bella, die Hexe Alba und den Troll möchte ich da hervor heben. Für Spannung, viele lustige Momente und einige leicht gruselige Szenen war durchgehend gesorgt. Außerdem wurde stilvoll gesungen und getanzt. Das hat den kleinen Zuschauerinnen gut gefallen, die sich bis zum Ende des Stücks zum Teil vor der Bühne versammelten und die Hexe zu der süffisanten Bemerkung “Bei dem Lärm kann ich nicht zaubern” veranlasste.

Das Musical ist für Mädchen zwischen 4 und 10 Jahren empfehlenswert. Die Umsetzung ist sehr gelungen – angefangen mit der Ballonfahrt über die bunte Südsee-Insel bis zu den dunklen Höhlen des Trolls. Kleinere Kinder sollten auf jeden Fall einen Erwachsenen mit dabei haben. Und was mir sehr sauer aufstieß: Manche Eltern verließen schon gut 10 Minuten vor Schluss die Show, vermutlich aus Angst vor dem adventlichen Samstagabend-Stau. So konnten sich die Darsteller kaum ordentlich vor ihren kleinen Fans verbeugen, da sich der Saal rasend schnell leerte. Papa und Tochter fuhren jedenfalls hoch zufrieden nach Hause. Und die gerade erworbene Musical-CD wurde noch am Abend gehört, am nächsten Tag, dann nochmal und nochmal… Lillifee geht halt immer.

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Fotos von Radiohead am 15.10.2012 in der Lanxess Arena, Kšln

Radiohead in der Lanxess Arena, Köln

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Radiohead kommen nach Deutschland! Das wird kräftig gefeiert und die zwei Shows in Berlin waren auch super schnell ausverkauft. Auch ich hatte schon Pläne verfasst, wie ich die Querreise durch das Land bestreiten soll. Flugzeit 1,5 Stunden. Das ist doch zu schaffen. Noch als ich mit mir haderte, wurde ein weiteres Konzert der amerikanischen Band bestätigt. Und zwar direkt vor der Haustür. Die Lanxess Arena in Köln. Okay, Radiohead wir haben heute ein Date.

Als ich gegen 17 Uhr vor der Arena stehe haben sich schon ungefähr 60 Leute in kleinen Schlangen an den Eingängen verteilt. Da ich heute das Konzert auch fotografisch festhalten werde, kann ich getrost noch einen Kaffee trinken gehen. Kurz vor 20 Uhr wird der Abend dann von dem kanadischen Musiker Daniel Victor Snaith, besser bekannt als Caribou, eröffnet. Unterstützt von einer kleinen Band wird das Publikum 45 Minuten lang mit Electronic befeuert. Nach einer kurzen Umbauphase beginnt endlich das, worauf sich alle gefreut haben.

Direkt beim Intro wird klar, auf was die über 10.000 Fans an diesem Abend blicken werden. Eine gut gelaunte Band auf einer Bühne, die so wandelbar ist wie die Musik, der heute gelauscht wird. Direkt beim Opener “Bloom” zeigt sich, dass die komplette Bühne von LEDs gepflastert ist und in allen erdenklichen Farben leuchtet. Ganze 18 Bildschirme, von denen 12 schwebend angebracht sind, zeigen die Band aus etlichen Blickwinkeln auf der Bühne. Die schwebenden Bildschirme werden bei fast jedem Lied anders formiert. Entweder weit oben als Hintergrund oder bis knapp über die Köpfe der Band, was die Bühne direkt intim erscheinen lässt.

Während Gitarrist Ed O´Brien nur gelegentlich ans Keyboard wechselt verlassen Colin Greenwood (Bass) und Phil Selway (Drums) ihre Instrumente gar nicht. Sänger Thom Yorke spielt bei fast allen Songs Gitarre, beim “Pyramid Song” zum Beispiel wechselt er auch mal zum Klavier. Ansonsten springt er die meiste Zeit gekonnt über die Bühne. Eine Power, die bis in die letzte Reihe zu spüren ist. Und viele Zuschauer folgen ihren Reflexen und tanzen wild mit. Jonny Greenwood zeigt sich heute auch wieder einmal von seiner besten Seite und Musikalität. Nur die Gitarre ist für ihn einfach zu wenig. So spielt er vereinzelt auf zusätzlichen Drums, wechselt oft auch mitten im Song zu diversen Keyboards und Synthesizern oder zum E-Piano. Oft muss man ihn auf der Bühne zwischen etlichen Geräte erst einmal suchen.

Mit “Identikit” spielt die Band ihren bisher unveröffentlichten Song wieder einmal auf dieser Tour. Mit “There There”, “Feral” und “Bodysnatchers” verlässt die Band die Bühne, nur um kurze Zeit später mit dem ersten Zugabeblock zurückzukehren. Dieser enthält ganze fünf Lieder, inklusive dem der britischen gleichnamigen Zeitung gewidmeten “The Daily Mail” und dem neusten Song der Band “Ful Stop”. “Paranoid Android” vom 2009er Werk “OK Computer” beschließt die ersten Zugaben. Die zweite Zugabe umfasst zwei Songs und danach muss es einfach noch eine Dritte geben und “Idioteque” beendet den Abend schließlich. Über zwei Stunden Radiohead finden einen gelungenes Ende. Ich verlasse mehr als zufrieden die Arena und Tausenden Anderen wird es genauso ergehen.

Setlist:

  • Bloom
  • Lucky
  • 15 Step
  • Morning Mr. Magpie
  • The National Anthem
  • The Gloaming
  • Separator
  • Reckoner
  • Pyramid Song
  • These Are My Twisted Words
  • Nude
  • Identikit
  • Lotus Flower
  • There There
  • Feral
  • Bodysnatchers
  • ———–
  • Weird Fishes/Arpeggi
  • Ful Stop
  • The Daily Mail
  • Myxomatosis
  • Paranoid Android
  • ———-
  • How To Disappear Completely
  • Everything In It´s Right Place
  • ———-
  • Idoteque
Fotos von den Red Hot Chili Peppers bei Rock im Pott am 25.08.20

Rock Im Pott Festival 2012 mit Kraftklub, The Boss Hoss, Jan Delay & Disko No.1, Placebo, Red Hot Chili Peppers

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Rock im Pott

Wenn man die Schalke Arena als Festival Platz aussucht, müssen große Bands dabei sein. Und genau so sieht das Line up für das erste Rock im Pott Festival auch aus. Kraftklub, The Boss Hoss, Jan Delay & Disko No.1, Placebo und die Red Hot Chilli Peppers. Eine bunte Mischung, die auf dem ersten Blick nicht unbedingt zusammenpassen, aber gemeinsam eine breite Mischung Menschen ansprechen. Mit einer Besucher Zahl von 41.000 kann man davon ausgehen, dass den Veranstaltern genau das gelungen ist. Dass Rock im Pot in der Veltins Arena stattfindet, kommt der Stimmung nur zugute! Mit einer Fußball Atmosphäre ruft Moderator Tobi Schäfer die erste Band Kraftklub auf die Bühne.

Wie gewohnt kommen diese in ihren typischen Streberklamotten, Hosenträger und Polo Hemd, auf die Bühne und eröffnen ihre Show mit dem Lied „Ritalin/Medikinet”. Als wäre das Lied autobiografisch, springt Rapper Felix Kummer über die Bühne und liefert damit einen starken Auftakt. Die mittlerweile halb gefüllte Veltins Arena bewegt sich mit im Takt, die ersten Arme strecken sich gen Himmel und der Sound wird fetter. Nach „Zu jung” wird die Arena erst mal gebührend begrüßt, indem Sänger Felix jede Seite und Tribüne der Arena einzeln anspricht. Mit ihrem gesunden Selbstbewusstsein sorgen die Chemnitzer für gute Laune und vergleichen sich dennoch bescheiden mit einer regionalen Band, die die Ehre hat, vor den großen Bands zu spielen. Zu den Lieder “Liebe” und “Eure Mädchen” fordern sie die Halle auf, mit zu klatschen und die sich füllende Schalke Arena macht mit. Mit dem Schlachtruf “Seid ihr bereit für Randale!?” eröffnen sie “Randale” und bringen das Stadion zum Brüllen und Springen. In Liedern wie “Karl-Marx-Stadt” und “Ich will nicht nach Berlin” spielen sie mit ihrer Heimat und mit Vorurteilen gegen Städte. Damit finden Sie in einem Stadion natürlich genug Brüllstoff. Nach “Wenn du mich küsst” kommen Sie mit “Scheissindiedisko” zu ihrem letzten Lied, bei dem sich sogar ein Circle Pit bildet und damit ein gebührendes Ende der Show bietet. Kraftklub sind seit ihrem fünften Platz beim Bundesvision Song Contest eine der viel versprechensten Deutschen Newcomer und stellen das auch mit diesem 1a Auftritt klar.

The Boss Hoss

Cowboy Hut, Jeans Hose, große Gürtelschnalle und ordentlich Bier in der Hand. Daran erkennt man die Fans von The Boss Hoss schon von weitem. Die Band aus Berlin beginnt ihre Show mit einem Intro vom Band, zu dem Sie wie im Wilden Westen auf die Bühne schreiten. Deutlich lauter als bei Kraftklub spürt man den Bass in den Füßen. Nach ihrem ersten Song begrüßen die Berliner ihre Fans gewohnt auf Englisch und mit viel Cowboy Scharm. Dass eine deutsche Band mit ihren Fans auf Englisch redet, kommt manch einem befremdlich vor, aber bei The Boss Hoss ist das fester Bestandteil des Image und deshalb zu verzeihen. Bei Lied Nummer zwei „Rodeo Radio” nimmt Sänger und Gitarrist Hoss Power Platz auf einem Barhocker und leitet mit einem überzeugend echten Staaten Akzent das Lied “Keep on dancing” ein. Mit den Posaunen, der Mundharmonika und den Westerngitarren kommt man sich vor, wie in eine andere Zeit versetzt. Die sieben Mann große Band bringt die Arena zu einem männlichen Grölen und zieht das Lied so nachdrücklich in die Länge, bis auch der letzte mitsingt.  Auch zum Beatboxen und Rappen sind sich die Cowboys nicht zu schade. In diesem kurzen musikalischen Ausflug, lassen sie die Menge ihren Namen buchstabieren und bereiten die Stimmung für “Don’t gimme that” vor. Nachdem bereits Kraftklub die riesen Menschenmasse auf einem Foto festhalten musste, legen The Boss Hoss noch einen drauf und filmen die Menge, die ihnen zujubelt. Nach erstaunlich schnell vergangenen 45 Minuten beenden die Cowboys ihre Show. Bei diesem vermeintlichen letztem Lied, posieren die posaunen Spieler in ihren ” Lucha Libre, ” Masken in der Mitte der Bühne. Und ernten solange zurückhaltenden, dafür aber langenanhaltenden Applaus, bis Sie wieder auf die Bühne kommen, um eine zehn minütige Western Version von “Word up” zu spielen und eine zufriedene Menge zurück zu lassen.

Jan Delay & Disko No.1

Als drittes tritt Jan Delay mit seinem Disko Ensemble No. 1 auf. Der Hamburger Rapper, der aus seiner Zeit bei “Absolute Beginner” bekannt ist, zeigt mit dieser Live Band, dass er verschiedene Facetten der Musik beherrscht. Nachdem The Boss Hoss ganze 15 Minuten überzogen haben, beginnt die Show mit Verspätung. Einzeln kommen die Musiker auf die Bühne und mischen ihre Instrumente in das Intro. Passend zu dem positiven Sound sind Anzüge in allen Farben vertreten. Jan Delay selbst kommt in Begleitung seiner Background Sängerinnen auf die Bühne und eröffnet die Show mit dem Lied “Türlich, Türlich”. Noch mit dem Lied im Hintergrund, fordert Jan Delay die Menge auf mit ihm den “Arsch Dreher” zu machen. Jan Delay macht es vor: Im Takt dreht man sich um 180°, was in der vollen Arena erstaunlich gut funktioniert. Bei Songs wie “Large” verbreitet sich in der Arena eine großartige Tanz Atmosphäre, passend zu den Lieder und der Ausstrahlung der Band. Ein kleines Highlight ist das Medley, indem er auf den Song “Everybody” von den Backstreetboys, “Yeah” von Usher, “This is how we do it” und “Jump on it” zurück greift. Zu “Oh, Johnny” schwingen alle ihre Shirts über den Köpfen. Um da noch einen drauf zu setzen, spielt er “Klar”, bei dem Jan Delay selbst zu den Bongos greift. Mit einem Medley von “Let me think about it”, “Krawall und Remmi Demmi” und “Barbra Streisand” verabschieden sich Jan Delay & Disko No.1 von der Bühne und lassen eine begeisterte Menge zurück. Und darunter nicht wenige Leute, sie sichtlich und verständlicherweise beeindruckt sind.

Placebo

Passend zu Placebo wird es langsam dunkel in der Schalke Arena. Noch bevor die Londoner auf die Bühne kommen, wird alles in ein sphärisches blau getaucht. Nach dem elektronischem Intro laufen die Musiker auf die Bühne und eröffnen den Abend mit dem Lied “Kitty Litter”. Als Begrüßung murmelt Sänger Brian Molko “`nabend” und beginnt ohne lange Rede den nächsten Song. Der Band, die seit 1994 existiert, sieht man diese knapp 20 Jahre Erfahrung an. Der Sound ist umwerfend, dass musikalisch alles einwandfrei ist, braucht man bei dieser Band gar nicht erst erwähnen. Nach ihrem zweiten Lied “Battle for the Sun” beweist Sänger Brian noch einmal, dass er sich auf heute Abend vorbereitet hat und stellt die Band in einem fast perfekten Deutsch vor. Das Publikum hat damit also schon eine deutsche Band, die auf Englisch spricht und eine englisch sprachige Band, die extra Deutsch übt, gesehen.

Mit “Special Needs” und “For what it’s worth” beweisen Placebo, dass man keine Party Musik machen muss, um Stimmung zu machen. Allein das Bühnenbild ist etwas Besonderes. Fünf Bildschirme projizieren abwechselnd die Bilder von Kameras, die auf die einzelnen Musiker gerichtet sind. Mittlerweile dominiert die Farbe Rot die Bühne, als zur Akustikgitarre gegriffen wird um “I Know” zu spielen. Highlights des Abends sind natürlich Lieder wie “The bitter end” und “Every you and every me”, welche einige der bekanntesten Lieder von Placebo sind. Aber auch an neuen Stücken wird nicht gegeizt und Sie präsentieren “Be free”. Dass mit Placebo einer der Headliner auf der Bühne steht und es langsam aber sicher auf die Red Hot Chili Peppers zu geht, sieht man an dem Spielfeld der Schalke Arena. Wo man bei den Openern eben noch etwas vom Boden sehen konnte, steht nun alles voll mit Fans, die sich zusammen drängen, um den letzten Song von Placebo zu genießen. Mit “Infra-Red” beenden Sie ihre knapp eineinhalb stündige Show. Unter stehenden Ovationen verlassen Placebo die Bühne. Placebo hat bewiesen das man auf der Bühne keine Witze reißen muss, um eine große Band zu sein. Authentisch und mit musikalischer Höchstleistung haben Sie ein beeindruckendes Konzert geliefert.

Red Hot Chili Peppers

Nach mittlerweile vier Bands kommt es zum Headliner des Abends: Und das haben sich die Red Hot Chili Peppers auch verdient! Nach knapp 30 Jahren sind sie in der Musikgeschichte nicht mehr weg zu denken. Wie es sich für die RHCP gehört, liegt Bassist Flea beim ersten Lied mit dem nackten Oberkörper fast auf dem Boden und Sänger Anthony Kiedis läuft in halb kurzer, halb langer Hose, Cap und Frack über die Bühne. Beim zweiten Lied “Dani California” stehen auch die letzten Sitzmuffel auf. Schön zu sehen ist, dass Gitarrist Josh mit verletztem Fuß nicht minder mitfeiert und mit Flea zusammen eine Bass/Gitarren Show vom feinsten hinlegt. Nach  „Can´t stop” und “Scar tissue” fordert Kiedis die Menge auf, sich ihrer Shirts zu entledigen und geht mit gutem Beispiel vorraus. Das Konzert wird von genialen Bass und Schlagzeug Übergängen geleitet und zeigt, was drei Jahrzehnte Bühnenerfahrung mit sich bringen.

Mit Liedern wie “Under the bridge” und “Higher Ground” bringen sie die Menge zum Mitsingen. Handys werden heraus gesucht und Bilder geschossen, so dass es aussieht, als würden Glühwürmchen herum fliegen. Alles in allem herrscht eine begeisterte Stimmung in der Menge. Klare Highlights sind Songs wie “Californication” und “By the way”. “By the way” soll auch das letzte Lied des heutigen Abends sein. Doch wie erwartet schreit die Menge nach einer Zugabe, bis dies von den Red Hot Chili Peppers erhört wird. Nach gefühlten fünf Minuten Applaus kommen Sie zu einem Drum/Percussion Solo einzeln wieder auf die Bühne und werden von den Fans gefeiert. Nach drei weiteren Songs kommen die Red Hot Chili Peppers mit “Give it Away” zum Ende des Abends und lassen eine zufriedene Menge zurück. Damit geht ein langer und sehr gelungener Festival Tag zu Ende, der bewiesen hat das Festivals auch im Fußball Stadion funktionieren.

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