Musicheadquarter.de – Internet Musikmagazin

Menu

Metal

Tenside_Cover

Ein knallhartes Album mit besonderer Dringlichkeit

, , , 0

Schon im Jahr 2005 wurden Tenside in München gegründet und brachten sogleich ihr erstes Demotape heraus. Seitdem ist viel Wasser die Isar runter geflossen und die Band hat sich mit stetigen Veröffentlichungen eine ordentliche Fangemeinde erschlossen. Dabei gab es einige Besetzungswechsel – nur Sänger und Gitarrist Daniel Kuhlemann ist als Konstante von Anfang an mit dabei. Wenn man das Demoalbum mitzählt, ist nun mit „Come Alive Dying“ das neunte Studiowerk erschienen. Die Abstände zwischen den Veröffentlichungen sind länger geworden, doch Qualität statt Quantität hat auch seine positiven Seiten.

Für die Produktion ihres neuen Studioalbums haben sich Frontmann Kuhlemann, Gitarrist Michael Klingenberg, Bassist Jonas Hölscher und Drummer Johannes Jörg eine echte Allstar-Crew ins Boot geholt, die die musikalische Vision des Quartetts in einen ebenso bombastischen wie atmosphärischen Breitwand-Sound umgesetzt hat. Aufgenommen wurde die neue Platte größtenteils im bandeigenen Studio in München in Zusammenarbeit mit Co-Producer Christoph von Freydorf sowie mit Kristian „Kohle“ Kohlmannslehner in seinen Kohlekeller Studios, bevor die Tracks in Los Angeles von Joseph McQueen (As I Lay Dying, Bad Wolves, Bury Tomorrow) gemischt und schließlich in Nashville von Ted Jensen (Gojira, Korn, Bring Me The Horizon) gemastert wurden. Da sind also einige Hochkaräter mit an Bord.

Fotocredit: Severin Schweiger

Das Album startet mit dem Titelsong, der einen knallharten sphärischen Sound zu bieten hat und elektronische Klänge miteinbezieht. Wie gewohnt wechselt der Shouter zwischen melodischem Klargesang und wütenden Growls. Der Kontrast zwischen aggressiver Energie und Emotionen zieht sich durch alle Tracks. Es geht um globale Katastrophen und den Weltuntergang. Bei diesem Szenario macht der Sound mit Endzeit-Klängen absolut Sinn. Hinzu kommen schnelle Riffs und ein krachendes Schlagwerk.

Seit der Pandemie („Glamour & Gloom“ erschien im Jahr 2020) haben sich einige Ideen aufgestaut. Daniels Vater ist verstorben und er hatte eine schwere Zeit. Dies schlug sich klar im Songwriting nieder, das aber keineswegs in Melancholie versinkt. „Come Alive Dying“ ist ein knallhartes Album mit besonderer Dringlichkeit. Erbarmungslos und mit viel Groove. „Shadow To Shine“ führt den furiosen Sound fort, ein Track wie „Pitch & Gold“ zeigt aber, das man auch mit hymnischen Melodien bestehen kann.

Live wird ein Song wie „Impending Doom“ sicher die Massen Richtung Moshpit bewegen. Die Mischung aus Gitarre und Elektronik ist absolut stimmig. „Pretty Lonesome“ klingt da schon erstaunlich eingängig und mit „Vengeance“ schließt sich erzählerisch der Kreis zum Opener. So ist „Come Alive Dying“ ein rundes Album mit einer Botschaft: Man braucht die Dunkelheit, um am Ende wieder ins Licht zu gelangen.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

 

COME ALIVE DYING ist seit dem 19.01.2024 in folgenden Formaten via Ivorytower (edel) erhältlich:

  • Deluxe Box inkl. CD (Digipack), Flagge, Patch, Duftbaum, Pin, Sticker, Signierte Sammelkarte. Streng limitiert auf 500 Einheiten weltweit.
  • 1-LP Gatefold Picture Disc streng limitiert auf 400 Einheiten weltweit
  • 1-LP Gatefold Clear Splatter streng limitiert auf 250 Einheiten weltweit
  • 1-LP Gatefold Gold Splatter streng limitiert auf 250 Einheiten weltweit
  • 1-CD Digipack, inkl. 16 Seiten Booklet
  • Digital Album
  • Come Alive Dying Album Bundles (EMP Exclusive)
  • Come Alive Dying Album Bundles (Kings-Road Merch Exclusive)
Conquer Divide Cover

Fünf Frauen liefern feinsten Metalcore mit sanfter Note

, , , 0

Da soll noch einer sagen, es gäbe nicht genügend Bands mit weiblichen Mitgliedern, um den heiligen Boden von „Rock am Ring“ mit starkem Hardrock und Metal zu füllen. Man muss sich nur mal Conquer Divide anhören. Die Band mit Mitgliedern aus Großbritannien, Kanada und den USA legt mit dem neuen Album „Slow Burn“ ein grandioses Metalbrett vor, das die Qualitäten von Metalcore und Post-Hardcore in sich vereint. Und die Besetzung ist komplett in Frauenhand: Kiarely Castillo (Vocals), Janel Duarte (Bass), Samantha Landa (Drums), Kristen Sturgis und Isabel Johnson (Gitarren) bilden das illustre Quartett.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

Mit Wechsel zum Label Mascot Records ist die Musik ein Stück melodischer geworden, ohne an Härte zu verlieren. Man nehme das starke „welcome2paradise“ mit seinem atmosphärischen Songaufbau, der einen Wechsel aus cleanen Passagen und aggressiven Growls inklusive einem gewaltigen Rap-Part liefert. So viel Crossover gab es lange nicht mehr. Oder „Invisible“ mit eindringlich gesungenen Passagen vor hartem metallischen Background. Eine grandiose Mischung aus schönen Melodien und schmetterndem Industrial. Nine Inch Nails und Ministry lassen grüßen.

Fotocredit: Jim Louvau

Inhaltlich geht es um Themen wie psychische Erkrankung und Depressionen, wie im Song „Paralyzed“, der den immerwährenden Kampf mit sich und der Umwelt beschreibt. „NEWHEAVEN“ spielt mit religiösen Metaphern und liefert im dazugehörigen Video und im Text ein Feuerwerk aus Bildern, die sich in aggressive Chöre steigern.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

„Slow Burn“ läutet eine neue Ära für Conquer Divide ein – eine Ära, die sich durch atemberaubende klangliche Raffinesse, sehr persönliche lyrische Erzählungen und eine nahtlose Balance zwischen knallhartem Modern Metal und unwiderstehlichen Melodien auszeichnet. “Slow Burn“ ist vollgepackt mit bekenntnishaften Äußerungen von Verletzlichkeit, Frustration und letztendlich Hoffnung. Jeder Song des Albums beschwört ganz neue Ebenen der Katharsis herauf. Und aus dem Feuer kann man gereinigt hervorgehen, wie das Cover in fantasy-hafter Schönheit zeigt.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

MOLLLUST Cover

Metal und Klassik führen durchs Universum

, , , , ,

Die Mischung ist absolut ungewöhnlich, das muss ich gleich vorab feststellen. Natürlich gab es schon Versuche, Metal und Klassik miteinander zu verbinden, man denke nur an die Cello-Instrumentalisten von Apocalyptica oder Metallicas überzeugende S&M-Alben. Doch kaum einer hat die Idee bisher so konsequent umgesetzt wie die Gothic Metal Band MOLLLUST aus Leipzig. Die achtköpfige Gruppe besteht aus waschechten Metallern, großartigen Stimmen und einem Streicherensemble. Für ihren „Opera Metal“ sind sie seit Bandgründung im Jahr 2010 bekannt und konnten schon das Wacken Open Air sowie andere renommierte Festivals begeistern.

Das neue Album „Mother Universe“ entführt die Hörer auf eine knapp 75minütige Reise durch unser Sonnensystem. Das Album startet mit einer „Cosmic Ouverture“, erst zart, dann ganz bombastisch. Als Ausgangspunkt der Reise nimmt man die Sonne, doch dann geht es nicht etwa von den inneren zu den äußeren Planeten, sondern kunterbunt über Saturn, Venus, Erde bis hin zu Uranus und Neptun. Nicht nur jeder der acht Planeten bekommt seinen Track, auch unser Mond und der Zwergplanet Pluto.

Fotocredit: Frank Helbig

So vielschichtig diese Himmelskörper sind, so unterschiedlich sind auch die Songs. Detailverliebt wurden unterschiedliche Klangwelten geschaffen: “Mars – The game is over” kommt brachial mit großem Orchesterklang, Blechbläsern, Pauken und epischen Chören daher, “Venus – Poems of love” mit lieblich verspielten Streicherdialogen und Harfenklängen, während “Saturn – Human clockwork” roh und geradezu maschinenhaft stampft.

Die Musik wird mit Bombast und Pathos vorgetragen. Mal dominiert die Metalband, dann wieder das Orchester. Opernhafte Vocals bahnen sich ihren Weg wie Arien. Die Dynamik ist absolut vielfältig mit leisen und lauten Elementen. Zwischen den Hauptsongs gibt es kleine instrumentale Zwischenspiele, welche die Elemente des Sonnensystems miteinander verbinden.

Althergebrachte Songstrukturen sucht man vergebens. Es dominieren sinfonische Elemente. Ehrlich gesagt werden mir die divenhaften Vocals an manchen Stellen zu viel. Da hätte ich mir bisweilen mehr Abwechslung gewünscht so wie bei den klaren Klängen der „Venus“. Alles in allem bietet „Mother Universe“ aber ein starkes Stück Musik, vorgetragen von großartigen Sänger*innen und Instrumentalist*innen.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

ToM

Der „Temple of Metal“ steht im luxemburgischen Esch/Alzette

, , , , ,

Im Herbst 2022 wird die Rockhal in Esch/Alzette (Luxemburg) definitiv zum Mekka für Metalfans. „Temple of Metal“ hat man die Veranstaltungsreihe überschrieben, bei der sich Acts wie Helloween, Cradle of Filth, Machine Head, Sepultura, Volbeat und Evanescence die Klinke in die Hand geben.

Am Dienstag, 13. September, ging es schon los mit While She Sleeps und Parkway Drive, die noch gar nicht zu dieser illustren Eventreihe gehörten. Hier gab es Metalcore vom Feinsten im Doppelpack mit einer enthusiastischen Menge und dem fulminanten Dreiklang aus Circle Pit, Wall of Death und mutigem Stagediving. While She Sleeps aus Sheffield heizten der Menge ordentlich ein und der nimmermüde Winston McCall von den australischen Parkway Drive gab ihr schließlich den Rest. Es war ein gigantischer Abend!

Tags drauf konnte man es im Vergleich etwas ruhiger angehen – und man musste sich zwischen zwei Klassikern entscheiden, die parallel in der Rockhal spielten. Die Altmeister von Uriah Heep waren auf Jubiläumstour (50 Jahre) und präsentierten sich standesgemäß einem sitzenden Publikum im Club. Zeitgleich gaben sich Hammerfall und Helloween in der Main Hall die Ehre. Keine einfache Entscheidung – und ich konnte es mir nicht verkneifen, zwischen den Acts hin und her zu switchen, was aufgrund langer Pausen ganz gut möglich war.

Aber starten wir mal mit URIAH HEEP. Die Briten hatten bereits 2020 ihr Jubiläum, konnten dies aber aus bekannten Gründen nicht feiern. Jetzt sind sie mit zwei Jahren Verspätung auf Mammut Tour. Dazu hatten sie sogar ein kleines Museum aus Devotionalen aufgebaut, die fünf Jahrzehnte einer großen Karriere darstellten.

Den Anfang machte ein Acoustic Set, bei dem sich die Band analog zum Publikum sitzend auf der ganzen Länge der Bühne breit machte. Durch den Vorhang im Hintergrund schimmerte die große „50“ schon durch, doch zunächst gab es einen beschaulichen Set, zu dem bisweilen viel erzählt wurde. Songs wie „Tales“, „Come Away Melinda“ und „The Wizard“ passten hier perfekt, aber man machte auch vor den großen Tracks nicht Halt und brachte zwei fantastische reduzierte Versionen von „Free Me“ und „Lady in Black“. Da war schon vor der Umbaupause alles auf den Beinen.

Später gab es dann ein großes buntes Bühnenbild und einen echten Rockset mit einer überaus spielfreudigen Band. Das Konzert war schnell zum Steh-Event geworden, denn sowohl die Musiker als auch das Publikum wollten nicht zum alten Eisen gezählt werden. So gab es den fetzigen Rundumschlag von „Traveller In Time“ über „Stealin'“ und „Bird of Prey“ bis hin zu „Easy Livin'“. Die Kultband schenkte sich nichts und wartete am Ende mit fast 30 Songs auf. So funktioniert eine gelungene Vergangenheitsbewältigung.

Meanwhile in the Main Hall: Auch hier ging es um Nostalgie, denn HELLOWEEN hatten alle drei Frontmen aus drei Generationen Powermetal am Start. Zunächst gab es aber einen metallischen Bombast-Set der Schweden von HAMMERFALL. Mit viel Pathos klangen sie wie Manowar ohne Hörspiel-Einlagen und sprachen damit dem Publikum musikalisch ganz aus der Seele. Im Set fanden sich Songs des aktuellen „Hammer Of Dawn“, der sich auch im Bühnenbild fand, und ein illustrer Reigen aus Klassikern.

Auch HELLOWEEN blieben mit langen Tracks wie „Skyfall“ und „Mass Pollution“ zunächst im aktuellen Jahrtausend. Das klang solide, riss die Menge aber kaum mit. Andi Deris und Michael Kiske teilten sich zunächst das Mikro und wechselten danach von Song zu Song ab. Erst mit dem Klassiker „Future World“ (Kiske) und dem Song „Power“ (Deris) konnten sie das Ruder rumreißen und die Menge mitnehmen.

Damit bereiteten sie den perfekten Boden für Kai Hansen, der gleich ein ganzes Medley aus dem Debüt „Walls of Jericho“ zum Besten gab. Jetzt war das Eis gebrochen und am Ende feierte der ganze Laden die Mitsingnummer „Dr. Stein“ und das heiß ersehnte „Keeper of the Seven Keys“ mit.

Obwohl die Rockhal normalerweise für ihre Pünktlichkeit bekannt ist, gab es diesmal schon beim Aufbau für Hammerfall eine Verzögerung und Helloween starteten am Ende gar 30 Minuten später als geplant. Vielleicht war das der Grund, warum der Zugabenblock ziemlich knapp ausfiel und mit „I Want Out“ das Metalpublikum in die Nacht und das atmosphärisch beleuchtete Industriegelände entließ.

Die Rockhal ist absolut perfekt als „Temple of Metal“ und viele werden in den nächsten Wochen sicherlich wiederkommen. Hier die Daten:

  • 02.10.22 CULT OF LUNA
  • 03.10.22 CRADLE OF FILTH
  • 04.10.22 SKÀLD
  • 20.10.22 AMON AMARTH + MACHINE HEAD
  • 09.11.22 PERTUBATOR
  • 14.11.22 SEPULTURA
  • 21.11.22 IN FLAMES
  • 24.11.22 BURY TOMORROW + AUGUST BURNS RED
  • 28.11.22 VOLBEAT
  • 01.12.22 EVANESCENCE + WITHIN TEMPTATION

Jetzt Tickets sichern!

Link zu Ticketmaster.de
Link zu Eventim.de
EdgeofThorns

Und wieder leuchten die Augen der Vinyl-Liebhaber

, , , , , ,

Im Jahr 1979 gründeten die Brüder Jon und Chriss Oliva in Florida die Band Avatar. Zwei Jahre später nannte man sich in Savatage um und schuf schon mit dem Debüt „Sirens“ (1983) einen wahren Klassiker der Metalgeschichte. Savatage sind bekannt für ihre großen Konzeptalben und die Longtracks, mit denen umfangreiche Geschichten erzählt werden. Schon zu Beginn ging es um die griechische Mythologie und den Holocaust. Später behandelten sie Hexen, Drogenmissbrauch und die Apokalypse. Ein Höhepunkt war definitiv die Rockoper „Streets“ um einen Drogendealer in New York, die wie ein rockiges Musical daherkam und sich auch religiösen Themen widmete.

Mitte der 1980er-Jahre traf die Band auf den versierten Produzenten Paul O’Neill und schon bald wurde ihr progressiver Metal-Sound durch eindringliche Orchestrierungen und eine starke melodische Komponente, gepaart mit eingängigen Melodien und komplexen Arrangements, definiert. Savatage erweiterten nicht nur ihre künstlerische Bandbreite von Album zu Album, sondern auch die allgemeinen Grenzen des Heavy-Rock-Genres selbst.

Zur Freude aller Vinyl-Liebhaber startete im August 2021 die umfangreiche Wiederveröffentlichung des gesamten Studioalbum-Backkatalogs in chronologischer Reihenfolge auf hochwertigen 12″-LPs via earMUSIC: „Sirens“, „The Dungeons Are Calling“, „Power Of The Night“, „Fight For The Rock“, „Hall Of The Mountain King“, „Gutter Ballet“ und „Streets – A Rock Opera“ kehrten bereits nach und nach auf feinstem Vinyl zurück in die Plattenläden. Aktuell wird die sorgfältig kuratierte Vinyl-Reissue-Serie mit der gleichzeitigen Veröffentlichung von zwei weiteren starken Alben fortgesetzt: „Edge of Thorns“ (1993) und „Handful of Rain“ (1994).

Dass diese beiden Schicksals-Alben der Band als Double veröffentlicht werden, ist wirklich passend. Im Jahr 1993 hatte man gerade das geniale „Streets“ hinter sich – aber dann musste Mastermind Jon Oliva wegen stimmlicher Probleme auf seinen Platz am Mikro verzichten und sich auf einige Keyboardparts beschränken. Er wurde am Gesang ersetzt durch Zak Stevens, der ebenfalls einen hörbar guten Job machte und dessen Vocals auch mit den Bandklassikern harmonierten. Das Album „Edge of Thorns“ bietet gewohnt bombastische Arrangements mit einer durchweg melodischen Linie. Harte Gitarrenriffs treffen auf feine Soli und kurze Pianostücke. Das Ergebnis ist nicht so orchestral wie manche Vorgänger, hat aber doch die Alleinstellungsmerkmale eines Savatage-Albums. Ganz vorne: Die wundervolle Gitarrenarbeit von Chriss Oliva, der sich charismatisch durch die Songs spielt. Keiner konnte ahnen, dass er ein halbes Jahr später an den Folgen eines Verkehrsunfalls sterben sollte. Und mit ihm der individuelle und einzigartige Sound einer großen Metalband.

Trotz der tiefen Veränderungen im Bandgefüge erschien schon 1994 das Album „Handful of Rain“. Für viele Fans waren es nicht mehr Savatage, da in der Stammband kein Mitglied der Urbesetzung mehr dabei war, aber seien wir ehrlich: Auch „Handful of Rain“ ist noch ein überaus starkes Powermetal-Album, das die klassischen orchestralen Elemente gekonnt mit hervorragender Gitarrenarbeit verbindet. Chriss fehlte – ohne Frage – doch die Band machte einen klasse Job. Zak sang sich wieder die Seele aus dem Leib und Gitarrist Axel Skolnick (Testament) wandelte zielsicher durch Riffs und Melodien. Es gibt fantastische Songs wie den Titeltrack und „Castles Burning“, doch das Herz geht mir vor allem bei den a-cappella-Passagen von „Chance“ auf. Der Achtminüter bietet filigrane Melodien, orchestralen Bombast, leise Piano- sowie Gitarrenakkorde und am Ende einen Chor zum Niederknien. Für mich ist „Handful of Rain“ trotz der traurigen Umstände ein geniales Album.

Bei der Vinyl-Neuauflage wurden die Cover zum Glück nicht angetastet. Vor allem das verträumte Fantasymotiv von „Edge of Thorns“ muss man einfach im LP-Format bewundern. Das Motiv von „Handful of Rain“ ist da eher bodenständig gehalten, versprüht aber viel Energie. Für jeden Release gibt es ein 12seitiges Booklet in LP-Größe. Die informativen Liner Notes stammen von Clay Marshall.

Vypera

Starke Riffs und üppige Leadgitarren

, , , , ,

Wieder eine neue Heavy Metal Band aus Schweden. Ein wenig erinnert sie mich an Europe, wobei der Sänger in einem atemberaubenden Tempo singt, als sei die Viper persönlich hinter ihm her. Songs wie „Slow me down“, „Straight for the Kill“, „Danger“ oder „Cold as Ice“ sowie der Albumtitel „Eat your Heart out“ geben die Richtung vor und erinnern mich vom Sound her dann doch eher an Rainbow oder W.A.S.P.

Die starken Riffs und üppigen Leadgitarren entführen den Hörer in die goldenen Achtziger des Hard Rock. Auf Dauer klingt mir das alles aber doch zu hektisch, wenngleich ich der Band ein ausgeprägtes Gespür für tolle Refrains und starke Riffs mit Durchschlagskraft attestieren kann. Für ein Erstlingswerk sind die elf Songs (48 Min.) beachtlich. Sie klingen retro und müssen den Vergleich mit etablierten Bands nicht scheuen.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

cover Kreator - Hate ueber Alles

Der Mensch ist des Menschen Wolf

, , , ,

Das Album beginnt wie ein italienischer Western mit dem Intro „Sergio Corbucci Is Dead“, doch dann geht es umgehend und fulminant in den Titeltrack über – mit einem ausufernden Schrei von Mille Petrozza, aggressiven Vocals, extrem schnellen Läufen an den Instrumenten und einer Parole als Refrain, die direkt zum Ohrwurm wird. So eröffnet man sein 15. Studioalbum mit einem Paukenschlag und KREATOR machen von Beginn an deutlich, dass sie die Nummer 1 im Metal aus deutschen Landen sind und bleiben wollen. Womit? Mit Recht!

Das Album ist zu gleichen Teilen heiliges High-Energy-Geballer direkt aus dem Herzen der Bestie, wie präzise auf den Punkt getextete Zeitgeistdiagnostik. „Der Mensch ist des Menschen Wolf“ lautet der Sinnspruch des Philosophen Thomas Hobbes. Im neuen Werk der Thrash Metaller dreht sich in diesem Sinne alles um die Selbstzerstörung der Menschheit und die Wut, die man deshalb empfinden muss. So verwundert es nicht, dass ein aggressives Brett das andere jagt. KREATOR sind auf dem Höhepunkt ihrer musikalischen Experimentierfreude.

Okay. Metaller mögen Experimente nicht unbedingt, aber es gibt genügend Material, um der Lieblingsband die Stange zu halten. Die ersten Songs bieten klassischen Thrash wie man ihn zu lieben gelernt hat. Voller Kraft und Spielfreude mit einer inhaltlich starken Ausrichtung. Ausgiebige Soli prägen das Bild, aber es gibt nicht zu viel Firlefanz drumrum. Konzertgänger werden die wichtigsten Refrainzeilen direkt im Ohr haben. Ein gnadenloses Liveerlebnis ist garantiert.

Und dann gibt es „Conquer and Destroy“ als Hymne im Mittelfeld, die zunächst etwas Tempo raus nimmt und später in Richtung Powermetal ausartet. Oder „Midnight Sun“ mit einem Feature der Kieler Songwriterin Sofia Portanet, die eine sehr melodische Ausrichtung in den Refrain bringt. Der Sechsminüter „Dying Planet“ bringt schließlich das Album thematisch zu einem düsteren Ende und hat zugleich starke Progmetal-Anleihen.

Mit dem roten Faden von „Hate über alles“ bringt Petrozza tatsächlich vieles auf den Punkt, was aktuell Gesellschaften zu zerfetzen und ein verträgliches Miteinander unmöglich zu machen droht. Das Virus, von dem er in den Lyrics spricht, ist nicht etwa Corona, sondern der Hass in den sozialen Medien, die Verrohung des Diskurses, der Vormarsch totalitärer Ideologien. „Die Leute schreien sich nur noch an und gehen sich
direkt an die Gurgel“, sagt Mille. „So wird Hass zum Druckmittel: Wenn ihr nicht macht, was wir sagen, wählen wir AFD.“

KREATOR packen all diese Themen in ein facettenreiches Album, das mir von Anfang bis Ende gefällt. Stark, voll Abwechslung und auch ein klitzekleines bisschen experimentell.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

Udo My Way

Ein Coveralbum zwischen „Paint It Black“ und „My Way“

, , , , , , , , , , ,

Udo Dirkschneider geizt wahrhaft nicht mit Überraschungen. Im Jahr 2020 gab es ein gemeinsames Album mit dem Musikkorps der Bundeswehr – und das thematische Konzeptalbum zwischen Heavy Metal und orchestralem Sound war wirklich groß! Knapp zwei Jahre später gibt es mit „My Way“ eine Platte voller Coversongs. Und es sind keineswegs nur Hardrock- und Metalkracher, die der Altmeister hier verwurstet hat, sondern durchaus einige spannende Stücke, die man zunächst nicht auf dem Schirm hatte.

Der Musiker aus Wuppertal, bekannt für seine Reibeisenstimme, hat eine wechselvolle Karriere hinter sich. Untrennbar ist er wohl mit der Band ACCEPT verbunden, doch auch mit seinem eigenen Projekt U.D.O. hat er sich weltweite Akzeptanz in der Fangemeinde erspielt.

Das neue Werk beinhaltet 17 Coverversionen jener Songs, die den Musiker und Sänger im Laufe seines Lebens am stärksten beeinflusst haben. Darunter befinden sich alle möglichen Klassiker der Musikgeschichte – auch solche, mit denen man bei Udo möglicherweise nicht gerechnet hätte. Jene Tracks haben jedoch nicht nur eine ganz persönliche Geschichte für ihn, sondern kommen auch mit teilweise überraschenden Arrangements einher, die jedoch stets auch klassisch nach Udos Handschrift klingen.

„Wenn ich den Song höre, erinnere ich mich an die Zeit, als ich als ganz junger Udo abends auf die Piste gegangen bin, an all die Geschichten, die man wohl nur spät nachts in Clubs erlebt“, erzählt der Künstler, wenn er beispielsweise an Alex Harveys „Faith Healer“ von damals zurückdenkt. Dass sich auch ein „Nutbush City Limits“ mit auf dem Album befindet, offenbart ein bislang nie verratenes Geheimnis: „Was bislang wohl kaum jemand weiß: ich war mal großer Fan von Ike und Tina Turner, speziell von Tinas Stimme. Wenn wir uns in den Anfangstagen mit ACCEPT zum Proben trafen, hatten wir immer diesen Song gecovert. Er gehörte Jahre lang zu unserem ACCEPT-Probe-Repertoire. Aufnahmen gibt es davon aber leider keine.“

Natürlich sind auch einige der üblichen Verdächtigen dabei. Und das ist gut so. „Sympathy“ ist ein wundervoller Metalkracher mit starker Dynamik. „Man On The Silver Mountain“ lässt Hardrocker alter Schule ins Schwärmen geraten und „Paint It Black“ liefert einen sehr atmosphärischen Einstieg in den Song. „T.N.T.“ ist ohnehin unkaputtbar, während „We Will Rock You“ durch das begleitende Riffgewitter einen ganz neuen Touch bekommt.

Vor allem aber wissen die Ausreißer zu überzeugen: „They Call It Nutbush“ mit seinem Sound zwischen Country, Bigband und Metal klingt absolut fantastisch. Dass der Deutsche mit Wolfheims „Kein zurück“ erstmals in seiner Muttersprache singt, öffnet eine ganz neue Perspektive. Und der Abschluss mit „My Way“ hört sich nach einem balladesken Abgesang des 70jährigen an, was es aber hoffentlich nicht ist.

Diese wichtige Konstante der deutschen Rock- und Metalszene kann gerne noch ein paar Jährchen weitermachen. Das Potential ist immer noch vorhanden.

Hier das komplette Listing:

01. Faith Healer (Alex Harvey)
02. Fire (Crazy World Of Arthur Brown)
03. Sympathy (Uriah Heep)
04. They Call It Nutbush (Tina Turner)
05. Man On The Silver Mountain (Rainbow)
06. Hell Raiser (The Sweet)
07. No Class (Motörhead)
08. Rock And Roll (Led Zeppelin)
09. The Stroke (Billy Squier)
10. Paint It Black (The Rolling Stones)
11. He’s A Woman, She’s A Man (The Scorpions)
12. T.N.T. (AC/DC)
13. Jealousy (Frankie Miller)
14. Hell Bent For Leather (Judas Priest)
15. We Will Rock You (Queen)
16. Kein Zurück (Wolfsheim)
17. My Way (Frank Sinatra)

Awake_Again_Album _Cover

Gegen die Verzweiflung: Es kommt immer ein neuer Tag

, , , , , ,

Was kommt dabei heraus, wenn der Wahnsinn von System of a Down auf das elektronische Chaos von Enter Shikari trifft, verpackt in der Produktion von Bring Me The Horizon? Man bekommt Awake Again.

Awake Again ist eine vierköpfige Alternative-Metal-Band aus Turku, Finnland, gegründet 2013, die jetzt nach einer Reihe von Single-Releases etwas verspätet ihr Debütalbum veröffentlicht. Musikalisch gibt es eine spannende Mischung aus Metal, Post-Hardcore und Pop.

Bekannt für ihre riesigen und eingängigen Songs und ihre bombastischen Live-Auftritte, haben Awake Again in der finnischen Metal-Szene einen stetigen Aufstieg erlebt. Mit über 100 Shows hat die Band kleinere und größere Bühnen mit ihrer ungezügelten Energie erobert. Vor allem gewannen sie 2018 das Wacken Metal Battle Finnland und konnten ihren Alternative-Metal-Wahnsinn beim internationalen Finale auf dem Wacken Open Air zeigen.

Fotocredit: Kalle Lehto

Das Frühjahr 2022 hat ein neues Kapitel in der Karriere von Awake Again aufgeschlagen, als die Band ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum veröffentlichte. Größer, schwerer und melodischer als je zuvor ist Awake Again bereit, die Herzen von Metalfans auf der ganzen Welt zu erobern.

Die Review zum Album „No Matter How the World Turns“ kommt etwas verspätet. Ich muss nämlich gestehen, dass mir das Album aufgrund des recht unscheinbaren Covers – das irgendwie an das Superman Logo erinnert – zunächst in den falschen Stapel gerutscht ist. Die Musik ist allerdings alles andere als unscheinbar. Was für ein geniales Brett!

Das Album ist voll mit hämmernden Riffs, aggressiven Vocals und großen, eingängigen Refrains. Thematisch dreht es sich um die verschiedenen Aspekte der menschlichen Psyche und Herausforderungen, denen wir in der Welt gegenüberstehen. Auch wenn es textlich oft etwas düster ist, weigern sich Awake Again, in Verzweiflung zu verfallen. Wie der Titel des Albums schon sagt: „No Matter How The World Turns“ – es kommt immer ein neuer Tag.

Es gibt packende Hooks und – ja – auch poppige Avancen. Doch Sänger Matti Österman hat die Lage stets im Griff und schwankt zwischen solidem Klargesang und heftigen Growls. Die Songs stammen zum Teil von Komponisten, die nicht zur Band gehören, doch problematisch ist das nicht. „Es war wirklich ein Privileg, mit diesen großartigen Profis zu arbeiten, und aus diesen Sessions haben wir wirklich viel gelernt und das Selbstvertrauen bekommen, unsere eigenen Ideen weiterzuentwickeln“, sagt Gitarrist Kasper Hellström.

Zehn Tracks in 38 Minuten Albumlänge bieten trotz der jahrelangen Hinwendung zu Single-Releases ein geschlossenes Ganzes. Und ein Gast wie Lena Scissorhands von der Band Infected Rain bietet im Duett mit dem Frontmann im Song „Busy Doing Nothing“ ein eindrucksvolles Erlebnis.

Das Quartett versteht sein Handwerk – da gibt es nichts zu meckern. Die Ausflüge in die Welten von Nu Metal und Pop stehen der Band wirklich gut. Der nächste Topact aus Finnland steht.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

Stengah Cover

Aggressive Songs mit Tiefgang

, , ,

Stengah sind eine Metalband aus Frankreich und legen mit „Soma Sema“ ihr Debütalbum vor. Der Sound ist von extremer Härte gekennzeichnet und vor allem in den Vocals gibt es eine enorme Bandbreite von Growls über hysterische Schreie bis hin zu melodischem Klargesang. Diese Vielfalt dürfte nicht jedem gefallen, macht aber den besonderen Reiz der Band aus.

„In der Musik geht es darum, sich mit sich selbst (wieder) zu verbinden“, sagt Bandgründer und Schlagzeuger Eliott Williame. „Es geht um Menschen, ihre Ängste, ihren Glauben und ihre Philosophien. Wie diese Dinge sie manchmal leiten können, und wie sie sie manchmal blenden können. Ohne Wertung fragen wir mit unserer Musik danach, wie merkwürdig und seltsam die sozialen und emotionalen Verhaltensweisen der Menschen sind. Es geht um die Kraft des Glaubens, der Kreativität und des Bewusstseins.“ Unterstützt wird er bei diesem Unterfangen von Bassist Benoit Creteur, Lead-Gitarrist Maxime Delassus, Rhythmus-Gitarrist Alex Orta und Frontmann Nicolas Queste.

Benannt hat sich die Band nach einem Song der Schweden Meshuggah, die bekannt dafür sind, Einflüsse von Thrash, Deathmetal und Progressive Rock ohne Berührungsängste mit Jazz zu vereinen. Daraus entsteht ein Anspruch, den auch Stengah motiviert verfolgen. Da finden sich keine Strophen-Refrain-Vorgaben, sondern ein ordentliches Riffgewitter – manchmal ohne Grund und Boden.

Mit „Weavering“ gibt es einen düsteren, extrem lauten Opener, bevor „At the Behest of Origins“ die Spannungen aufnimmt und in die Schreie von Niolas Queste überführt. Definitiv nichts für schwache Nerven! Der Sound ist aggressiv und mit vertrackten Rhythmen ausgearbeitet. Auch in der Melancholie von „Swoon“ und „Lumen“ kommt der Hörer kaum zur Ruhe.

Viele Songs haben einen thematischen Bezug.  „He and the Sea“ basiert auf dem französischen Kinderbuch „La Mer et Lui“ von Henri Meunier & Régis Lejonc. Es handelt von der Trauer über eine abgeschlossene Reise und dem Beginn einer neuen. Es ist ein Lied über die Herausforderung, neue Ziele im Leben zu finden, starke Gefühle zu durchleben und unsere wertvollen Erinnerungen zu bewahren. An anderer Stelle geht es um Licht und Dunkelheiten, um den Verlust von Idealen, um Wut, Angst und Liebe.

Die Band existiert seit 2013 und hat sich viel Zeit gelassen für ihr Debüt. Das Ergebnis klingt trotz aller klanglicher und chaotischer Raffinessen ausgereift und durchdacht. „Soma Sema“ ist ein Album für hartgesottene Freunde der Extreme. Wer das aushalten kann, wird mit einem spannenden Konzeptalbum belohnt, das sich an Bands wie Meshuggah und Gojira orientiert.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

Once Human Cover

Ein Angriff auf Herzen und Ohren

, , , , , , , ,

Aggressiv geht’s zur Sache auf „Scar Weaver“, dem neuen Album von Once Human. Seit ihrer Gründung im Jahr 2014 hat die Band bereits mehrfach bewiesen, dass sie eine der unverwechselbarsten und zerstörerischsten Metalbands der heutigen Zeit sind. Die Combo wurde von Gitarrist Logan Mader (ehemals Machine Head) und Sängerin Lauren Hart in Los Angeles gegründet. Von Beginn an arbeiteten sie hart und voller Leidenschaft an ihrer Liveperformance und entwickelten für die Erschaffung und Dokumentation ihrer Hymnen eine akribische Herangehensweise.

Geniales Alleinstellungsmerkmal ist definitiv Lauren Hart. Sie schreit und growlt sich die Seele aus dem Leib. Man kann sich kaum vorstellen, dass hier eine weibliche Stimme am Werk ist. Im Duett mit Robb Flynn (Machine Head) zeigt sie aber, dass sie jederzeit im Vergleich mit einem männlichen Altmeister bestehen kann.

Auch musikalisch ist der Modern Metal, den Once Human hier bieten, durch und durch überzeugend. An keiner Stelle wird Tempo rausgenommen. Stets geht es kraftvoll und energisch nach vorne – mit Riffgewittern, die sich gewaschen haben. Thrash und Death Metal wirken ebenso mit wie eine Prise Doom. Die Geschwindigkeit von Tracks wie „Erasure“ ist schwindelerregend, in „Bottom Feeder“ schwebt Lauren rockröhrend in die Höhe, während „We Ride“ absolut brutal um die Ecke kommt, und zum Schluss gibt es mit „Only In Death“ gar einen Ausflug in Richtung progressiver Klänge.

Die Lyrics stammen durchgehend von der Vokalistin, während Gitarrist Max Karon für die Musik verantwortlich zeichnet. Kompromisslos geht es durch zehn Tracks, die uns mit den Ohren schlackern lassen. Hart und gewaltig!

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

 

Saxon_Inspirations

Saxon suchen den Weg zurück zu ihren Wurzeln – zwiespältig aber ehrlich

, , , , , , ,

Das gezeichnete Cover passt so gar nicht zu den düsteren Fantasy-Welten, die SAXON normalerweise auf ihren Alben zeigen. Stattdessen gibt es eine ganz corona-unkonforme Versammlung genialer Musikgrößen wie den Beatles, den Rolling Stones, Motörhead, Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin und Toto. Alles Bands, die das musikalische Wirken von SAXON nachhaltig beeinflusst haben und die deshalb auf dem Coveralbum „Inspirations“ in zum Teil recht ungewöhnlichen neuen Versionen bekannter Songs verewigt werden.

„Inspirations“ wurde aufgenommen in Brockfield Hall, nahe York in England. Für Biff Byford waren die Aufnahmen  in dieser geschichtsträchtigen Umgebung eine wichtige Zutat des Projektes. “Die Wärme und das Gefühl von Inspirations  hat viel mit diesem atemberaubenden Ort zu tun an dem wir alle zusammen waren und auch, dass wir die Aufnahmen im old-school-Stil gemacht haben”, beschreibt er seinen Eindruck. “Genauso haben viele Bands ihre Aufnahmen gemacht, auch einige von denen, die wir auf dem Album gecovert haben – und die Alben waren großartig. Es hat sich einfach klasse angefühlt, die Aufnahmen in einer Umgebung wie  Brockfield Hall zu machen.”

Angefangen mit dem melodischen „Paperback Writer“ von den Beatles – inklusive spannender polyphoner Gesangspassagen – bis hin zu Jimi Hendrix’ „Stone Free“ zeigen Saxon ihre Liebe und Anerkennung mit ihren Tributen, die teils rau sind aber immer loyal zum ursprünglichen Song. „Paint It Black“ beispielsweise enthält die dringend nötigen Gitarrenpassagen, wird aber verfeinert durch ungewöhnliche Shouter-Einlagen, mit denen Byford dem Song seinen Stempel aufdrückt.

“Wir wollten ein Album aufnehmen, dass unsere Einflüsse zeigt, die Songs und Bands, die uns inspiriert haben, genau die Saxon Songs zu schreiben, die wir geschrieben haben und immer noch schreiben. Es war interessant zu erfahren, was meine Stimme noch hergibt, da ich einige dieser Songs noch niemals zuvor gesungen habe”, sagt Biff dazu. So hat er einige neue stimmliche Herausforderungen angenommen. Zum Beispiel wie er Thin Lizzys „The Rocker“ ordnungsgemäß raushaut. Ein anderes Schwergewicht ist „Immigrant Song“ von Led Zeppelin  und dann gleich  noch AC/DCs „Problem Child“ hinterher.

Das Ergebnis ist zwiespältig aber ehrlich. SAXON geben uns einen Einblick in ihre musikalischen Wurzeln. Nicht jeder Song gewinnt durch die Metal-Verarbeitung. „Bomber“ und „Speed King“ können an die Originale bei weitem nicht heranreichen. Aber dann gibt es geniale Überraschungen wie die rifflastige Hardrock-Version von Totos „Hold The Line“. Dafür lohnt sich das Album dann doch.

Der Lockdown macht Alben möglich, mit denen man nicht unbedingt gerechnet hätte. Doch es werden wieder bessere Zeiten kommen – und dann dürfen SAXON zurück zu alter Stärke gelangen.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

Roadwolf

Roadwolf: Der entfesselte Wolf – ein starker Roadtrip in die 80er

, , ,

Roadwolf aus Österreich haben sich bisher vor allem als Liveband einen Namen gemacht. Und da war das Echo äußerst positiv. Die treue Fanbase wartet schon lange auf ein Studioalbum – und endlich ist es soweit. „Unchain The Wolf“ lässt die Bestie von der Leine.

Dabei hören sich Roadwolf so an, als hätte es die Band schon immer gegeben. Zumindest seit den seligen 80er Jahren. So deutlich sind die Anleihen an der NWOBHM und an Bands wie Judas Priest, Saxon oder gar Iron Maiden. Dabei geht es gar nicht darum, die genannten Vorbilder zu kopieren, sondern vielmehr der Metalgemeinde den entsprechenden Wohlfühlfaktor mitzuliefern.

Der Opener „All Hell Is Breaking Loose“ prescht voll Energie nach vorne und gibt das Tempo für ein mitreißendes Metalalbum vor. Furios und kompromisslos eingespielt gibt es zehn Songs mit schmissigen Hooks und einem soliden Riffgewitter. Shouter Franz „Franky“ Bauer ist stimmlich ganz weit vorne. Das wird nicht nur bei den unzähligen Tempo-Nummern deutlich, bei denen er in rockigen Höhen schwelgen kann, sondern auch bei der Bandhymne „Roadwolf“.

Ebenso bewegend sind die virtuose Gitarrenarbeit von Valentin Strasser und das Rhythmusgerüst, das Christoph Aigner und Emanoel Bruckmüller beisteuern. „M.I.A.“ klingt dabei ebenso fantastisch wie das epische „Straight Out Of Hell“. Lückenfüller sucht man hier ohnehin vergebens.

14 Jahre waren eine lange Vorlaufzeit, doch das Ergebnis hat sich definitiv gelohnt. Inzwischen ist das Quartett souverän genug, um hier ein Debüt abzuliefern, das bestens produziert ist und wie ein Release altehrwürdiger Metaller klingt. Dabei bewahren sich die Österreicher durchaus ihre Eigenständigkeit, was nicht zu letzt an den Texten liegt: mit Songs von Freiheit und Unabhängigkeit schicken sie ihre Fans auf einen Roadtrip von legendärem Format. Daneben werden aber auch mystische Geschichten im Stil eines H.P. Lovecraft erzählt. Das Konzept der Wölfe ist absolut stimmig. Man darf gespannt sein, was da noch kommt.

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

YouTube

Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube.
Mehr erfahren

Video laden

Black Sheriff

Black Sheriff präsentieren »Night Terrors« mit einem Knall

, , ,

Freitag Abend im Kwartier Lateng, das Kölner Veedel, in dem sich die Studenten ihre Lernpausen vertreiben und sich entspannen, lebt von und mit seinen Szeneläden. Dazu gehört auch das Stereo Wonderland, heute Abend Schauplatz der Release-Party von »Night Terrors«, dem drittem Longplayer der kölsch-irischen Band Black Sheriff.

Die irische Thrash Metal Band Warcrux eröffnen den Abend im Stereo Wonderland. Bei einer kleinen Tour von Black Sheriff in der Heimat des Sängers Glen Ravioli lernten sich die Bands kennen und beschlossen, in Deutschland auch gemeinsam auf die Bühne zu gehen. Die Jungs aus Belfast spielen technisch ausgereiften Thrash Metal mit eindeutigen Anleihen aus den glorreichen Jahren dieses Genres. So zitieren sie in ihrem Programm den Megadeth-Klassiker ‘In My Darkest Hour’ und zeigen so ihre musikalischen Wurzeln. Obwohl die vier erst Anfang 20 sind, spielen sie routiniert. Lediglich der Gesang hat wenig Durchsetzungsvermögen, was wahrscheinlich nicht am Sound liegt, Raum für Optimierung.

Black Sheriff eröffnen ihr Set mit ‘Hard Rock Country Rock ‘n’ Roll’ von Ihrem 2008er Debüt »Black Sheriff«. Chronolologisch führt die Setlist weiter duch die Diskografie und die Band präsentiert ‘Snakeskin Pillow’ vom zweiten Album »II«, um dann schließlich die aktuelle Scheibe mit dem Titelsong ‘Night Terrors’ vorzustellen. Mit kurzen Ansagen treibt Glen die Stimmung im Publikum schnell nach oben. Im kleinen Club ist es warm und mit rund 60 Fans gut gefüllt. Nach ‘Need a Drink’ vom aktuellen Album stellt der Mann, der seinen Künstlernamen einer italienischen Nudelspezialität verdankt, die Band vor. Das Publikum ist mittlerweile überzeugt und honoriert jeden Song mit reichlich Applaus! Bei ‘Now That You’re Gone’ greift Rhythmusgitarrist Doc B. Danger zur Bierflasche, zieht diese über die Saiten seiner Gitarre und spielt so ein Solo, wie es dreckiger kaum sein kann. Die Stimmung im Publikum hat mittlerweile ihren Höhepunkt erreicht, was sich in rhythmischen „Hey”-Rufen der Fans ausdrückt. Sänger Glen holt seine Fans direkt ab und leitet sie an, den Chorus zu ‘I Want You’ mitzusingen. Nach kurzer Instruktion wirbelt Drummer Randy de Souza seine Sticks und spielt wie ein Uhrwerk. Die Groove Section, die sich erst kürzlich um Glen Ravioli neu formierte arbeitet sehr präzise und bildet das Fundament für ihren High Energy Rock ‘n’ Roll, den die schwarzen Gesetzeshüter mit ihrem nächtlichen Angstschweiß abliefern.

Damit die Stimmung nicht abflaut, zünden die Jungs zum Klassiker ‘Vietnam’ die Pyros, die an den Gitarren befestigt sind, und liefern so eine nette Showeinlage. Doch wer denkt, dass das schon alles sei, hat nicht mit den akrobatischen Fähigkeiten von Glen gerechnet, der zu ‘Stole My Heart’ auf die Theke des kleinen Ladens klettert und so das Publikum im hinteren Bereich extra anfeuert. Während des Sets bestellte die Band von der Bühne aus regelmäßig Hochprozentiges, so auch zur Ankündigung von ‘Drink and get High’. Mit diesem Stück beschließen die Kölner Sheriffs das normale Set.

Das Publikum gibt sich damit allerdings nicht zufrieden und fordert eine Zugabe. Black Sheriff, selbsternannte Hüter des Punk ‘n’ Roll prüfen beim Blick auf die Uhr, ob sie Gefahr laufen mit der offiziellen Exekutive der Stadt in Konflikt zu geraten und dehnen die Deadline des Clubs für Live-Musik etwas aus, um den Durst des Publikums nach mehr mit ‘Be Your Man’ und ‘Runnin’ On Empty’ zu stillen.

Fazit: High Energy Rock ‘n’ Roll im kleinen Rahmen und eine amtliche Vorstellung des neuen Albums überzeugen das Publikum. Bleibt nur die Frage, wann Bands dieses Formats aus den Clubs der Szene wieder an die Macht im Stadion kommen.

Setlist

  • Hard Rock Country Rock ‘n’ Roll
  • Snakeskin Pillow
  • INRI
  • Night Terrors
  • We’re Comin’ Home
  • Turn Me On
  • Need a Drink
  • Last Night
  • Now That You’re Gone
  • I Want You
  • Vietnam
  • Stole My Heart
  • AC/DC Sunday
  • Drink And Get High
  • ————————
  • Be Your Man
  • Runnin’ On Empty

Load More