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Andreas

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...und hör ich keinen BASS, dann scheiß ich auf die Melodie!

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Brothers In Arms (40th Anniversary) 3CD packshot w_sticker

Brothers In Arms – 40th Anniversary Edition eines Meisterwerks

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Anlässlich des 40. Jahrestages der Originalveröffentlichung (17. Mai 1985) des Dire Straits-Albums „Brothers In Arms“ erscheint am 16. Mai 2025 beim UMC/EMI-Label eine erweiterte Neuauflage dieses bahnbrechenden Longplayers. Bis heute ist dieser Klassiker eines der meistverkauftesten Alben der Geschichte. „Brothers In Arms“ (40th Anniversary Edition) von den Dire Straits wird als Einzel-Vinyl Version, 5LP Deluxe-Box und 3CD Deluxe Edition erhältlich sein.

Die 1977 in London gegründete Band Dire Straits startete 1977 in der Club- und Pub-Szene. Mit ihrem ausgefeilten Roots-Gitarrenrock und den wortgewandten Texten des Singer-Songwriters Mark Knopfler gelang ihnen bereits mit dem nach dem Bandnamen betitelten Debutalbum und dem Hit „Sultans Of Swing“ zuerst in Deutschland und später auch international ein großer Erfolg.

Die Dire Straits veröffentlichten insgesamt sechs Studioalben, die eine Ära prägten: „Dire Straits“ (1978), „Communiqué“ (1979), „Making Movies“ (1980), „Love Over Gold (1982), „Brothers In Arms“ (1985) sowie „On Every Street“ (1991). Zudem spielte die Band weltweit große Tourneen mit einem Millionenpublikum. Nach der Veröffentlichung des letzten Albums löste Mark Knopfler die Band auf und schlug einen neuen Weg als Solokünstler ein. Aufgrund seiner atemberaubenden Fähigkeiten an der Gitarre wird Mark Knopfler oftmals als einer der international herausragendsten Gitarristen gefeiert.

Produziert wurde „Brothers In Arms“ von Neil Dorfsman und Mark Knopfler, aufgenommen zwischen November 1984 und März 1985 in George Martins AIR Studios in Montserrat und der Power Station in New York. Das fünfte Studioalbum der Dire Straits enthält die internationalen Hitsingles „Money For Nothing”, „Walk Of Life”, „Brothers In Arms”, „So Far Away” und „Your Latest Trick”. Mit mehr als 30 Millionen verkauften Exemplaren ist es eines der meistverkauften Alben der Welt. Im Vereinigten Königreich wurde es 14mal mit Platin ausgezeichnet und gewann den Titel des besten britischen Albums bei den Brit Awards. Für den Longplayer erhielt die Band unter anderem auch mehrere Grammys. Im Jahr 2018 wurden die Dire Straits in die Rock’n’Roll Hall Of Fame aufgenommen.

Die Studiobandbesetzung der Dire Straits auf „Brothers In Arms“ bestand aus: Mark Knopfler (Gitarre, Gesang), John Illsley (Bass, Gesang), Alan Clark (Keyboards), Guy Fletcher (Keyboards, Backing Vocals), Omar Hakim/Terry Williams (Schlagzeug).

Die 1LP-Version von „Brothers In Arms“ (40th Anniversary Edition), die in dieser Form zum ersten Mal seit 1985 wiederveröffentlicht wird, ist identisch mit der Originalpressung, wobei die Songs „So Far Away“, „Money For Nothing“, „Your Latest Trick“ und „Why Worry“ gekürzt wurden, um sie an die Audiobeschränkungen des Vinylformats anzupassen.

Die 5LP- und 3CD-Deluxe-Versionen enthalten alle Albumtracks sowie ein bisher unveröffentlichtes Live-Konzert in voller Länge vom Municipal Auditorium in San Antonio, das die Band im Rahmen ihrer „Live In 85“ Tour spielte. Die Tournee führte zu insgesamt 248 Auftritten (einschließlich Live Aid in London) in 117 Städten und wurde von über zweieinhalb Millionen Menschen besucht.

Die Deluxe-Editionen enthalten ein 16-seitiges Booklet mit neuen Linernotes von Paul Sexton und neuen Interviews mit den Bandmitgliedern Mark Knopfler, John Illsley und Guy Fletcher sowie exklusive Kunstkarten.

Credit: Universal Music
SW_The Overview

Eine Frage der Perspektive

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Jedes neue Album von Steven Wilson wird mit Spannung erwartet. Über die Jahre hat er es geschafft, zum Mastermind des Progressive Rock aufzusteigen. Mit Porcupine Tree war er schon an der Spitze des Genres – und auch seine Solowerke strotzen vor Energie und grandiosen Ideen. Zudem greift man gerne auf sein Talent beim Remastern von Klassikern zurück, was fast schon inflationären Charakter hat. Komplettsammler seiner Werke müssen manchmal schier verzweifeln.

Das achte Studioalbum „The Overview“ ist sein bisher wagemutigstes. Das 42-minütige Album besteht aus nur zwei Titeln: „Objects Outlive Us“ und „The Overview“, die beide vom Overview-Effekt inspiriert sind, den Astronauten erleben, wenn sie vom Weltraum aus auf die Erde zurückblicken. Das erste Stück dauert gut 23 Minuten und ist in acht Abschnitte unterteilt, das zweite Stück kommt auf 18 Minuten und sechs Abschnitte. Diese komplexe Form eines Konzeptalbums erinnert an die genialen 70er- und 80er-Werke von Pink Floyd, Genesis oder Marillion.

So kehrt Steven Wilson zur expansiven, progressiven Musik zurück, einem Genre, das er sowohl mit seinen Solo- als auch mit seinen Porcupine-Tree-Veröffentlichungen neu definiert und wieder populär gemacht hat. Die beiden äußerst ambitionierten Titel bestehen jeweils aus unverwechselbaren musikalischen Abschnitten, die ineinander übergehen und sich als einzigartige und fortlaufende Stücke erweisen. Wilsons progressive Musik des 21. Jahrhunderts aktualisiert die klassische „Prog“-Musikpalette, um alles von glitzernder Elektronik bis hin zu Post-Rock und darüber hinaus zu integrieren, was das Genre direkt in das schlagende Herz der aktuellen Musiklandschaft bringt.

Der Start des Albums ist einfach göttlich schön. Mit einem Höhenflug in den Vocals und polyphonen Klänge, die in sphärische Elegien übergehen. Es wird floydesk und rhythmisch vertrackt. Steven kann in den Vocals wieder jederzeit überzeugen und die Arrangements funktionieren wie moderne sinfonische Kunstwerke. Das mag bisweilen etwas nervig wirken, wenn die Synthesizer überhand nehmen, doch er fängt sich immer wieder und überzeugt mit harmonischen Passagen wie vom anderen Stern. Und wenn dann die verschwurbelten Gitarrenriffs einsetzen, wird man schnell aus sanften Träumen geweckt.

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Zu „The Overview“ sagt Wilson: „Es ist eine 42-minütige Reise, die auf dem berichteten ‚Overview-Effekt‘ basiert, bei dem Astronauten, die die Erde vom Weltraum aus sehen, eine transformierende kognitive Veränderung erfahren, wobei sie meistens eine überwältigende Wertschätzung und Wahrnehmung von Schönheit sowie ein verstärktes Gefühl der Verbundenheit mit anderen Menschen und der Erde als Ganzes erleben. Allerdings sind nicht alle Erfahrungen positiv; manche sehen die Erde wirklich als das, was sie ist, unbedeutend und verloren in der Weite des Weltraums, und die Menschheit als problematische Spezies. Als Spiegelbild davon präsentiert das Album Bilder und Geschichten des Lebens auf der Erde, sowohl gute als auch schlechte.“

Obwohl es ursprünglich eine Soloaufnahme war, enthält die fertige Version von „The Overview“ Studiohilfe von den regelmäßigen Kollaborateuren Craig Blundell (Schlagzeug), Adam Holzman (Keyboards) und Randy McStine (Gitarre) sowie eine Reihe von Texten von Andy Partridge von XTC, die dazu beitragen, die Geschichte zu formen, die „Objects Outlive Us“ antreibt.

Das daraus resultierende Album hat einen entschieden einzigartigen Klang und eine einzigartige Vision, die Stücke aus verschiedenen Perioden von Wilsons über dreißigjähriger Karriere enthält. Es gibt Anspielungen auf klassische Porcupine-Tree-Platten sowie auf die weltbildende Erzählweise von „The Raven That Refused To Sing“ und die zukunftsweisende Elektronik von The Future Bites und die räumliche Audiovision, die sich durch The Harmony Codex von 2023 zieht. Im Einklang mit Wilsons Ruf als moderner Produzent par excellence ist das Album auch ein echtes audiophiles Erlebnis, und zu diesem Zweck werden räumliche/Atmos-Audioversionen von „The Overview“ physisch und digital erhältlich sein, und Vinylversionen von „The Overview“ wurden speziell von Miles Showell bei Abbey Road mit halber Geschwindigkeit gemastert.

Wir dürfen gespannt sein, wie Wilson dieses Konzept live umsetzen wird. Die Tourdaten findet ihr hier:
06.05.25 Düsseldorf, Mitsubishi Electric Hall
30.05.25 Stuttgart, Porsche Arena
31.05.25 München, Zenith
02.06.25 Berlin, Friedrichspalast
03.06.25 Hamburg, Sporthalle

Copyright: Kevin Westenberg
Simon McBride_earMUSIC

Der neue Stern am Gitarrenhimmel

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Wenn man über aktuelle  Gitarrengrößen im Blues spricht, taucht neben den gesetzten Joe Bonamassa, Marcus King und John Mayer in den letzten Jahren vermehr ein weiterer Name auf: Simon McBride. Spätestens seit er 2023 bei Deep Purple einstieg und entscheidenden Anteil am Nummer-1-Album „=1“ hatte, ist er in aller Munde. Zuvor war er bereits mit Sweet Savage, Andrew Strong und Snakecharmer unterwegs, doch auch seine grandiosen Soloalben stehen für den quirligen Musiker aus Dublin.

„Recordings 2020–2025“ ist bereits das fünfte Solowerk des gefeierten Gitarristen. Hinzu kommen ein Livealbum und mehrere EPs. Das neue Album zeigt McBrides einzigartigen musikalischen Stil: eine dynamische Mischung aus Blues, Hard Rock und atemberaubendem Gitarrenspiel. Es enthält rohe, intensive Studiosessions und fängt das Wesen von McBrides energiegeladenen Live-Auftritten ein.

Neben eigenem Material gibt es handverlesene Neuinterpretationen wie „Ordinary World“ von Duran Duran, „Uniform of Youth“ (Mr. Mister) und Bryan Adams’ „Kids Wanna Rock“. Jederzeit versteht es Simon, seine persönliche Note auf die bekannten Arrangements draufzusetzen. Er spielt saftigen Bluesrock und ist ein wahrer Meister in Stil sowie Technik. „Grandma’s Hands“, ein Cover von Bill Withers, klingt gnadenlos genial. „Lovesong“ (The Cure) zeigt ihn mit emotionalen Vocals und auch Ryan Adams‘ „Gimme Somethin Good“ sorgt für balladeske Gänsehaut.

Nach den neun Covern gibt es einige eigene Session-Stücke, die Simon in Hamburg aufgenommen hat – immer selbst an Gitarre und Mikro, während ihn Marty McCloskey (Drums) und Dave Marks (Bass) unterstützten. Während moderne Musik-Produktionen oft auf digitale Bearbeitung setzen, verfolgt McBride eine andere Herangehensweise: Seine eigenen Songs wurden mit seiner dreiköpfigen Band in einem Take gemeinsam aufgenommen – roh, direkt und voller Spielfreude. Eine Methode, die in der heutigen Musiklandschaft selten geworden ist, aber genau das ausmacht, was Rock lebendig hält.

„Alle Aufnahmen dieses Albums stammen aus der Zeit kurz bevor ich Gitarrist bei Deep Purple wurde – was sich selbst jetzt noch ein wenig surreal anfühlt“, so McBride. In gut 70 Minuten bringt dieses Album seine Hörer*innen auf den aktuellen Stand, was die Qualitäten von Simon McBride angeht. Großartig in allen Belangen!

Mike + The Mechanics - Living The Years (Cover Art)

Seit 40 Jahren: Mike Rutherford und seine Mechaniker

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Vierzig Jahre schon! Als der Genesis-Bassist und -Gitarrist Mike Rutherford im Jahr 1985 das Projekt Mike and the Mechanics als zweites Standbein gründete, konnte man kaum ahnen, wie erfolgreich und langlebig es sein sollte. Auch im Jahr 2025 ist die Band mal wieder auf Tour – mit dem Kanadier Tim Howar und dem grandiosen Andrew Roachford am Mikro.

Es war von Beginn an klar, dass Rutherford zwar ein genialer Meister an den Saiten ist, aber nicht unbedingt ein guter Sänger. So konzentrierte er sich nach ersten Solo-Versuchen Anfang der 80er Jahre (bei denen er zeitweise selbst die Vocals übernommen hatte) wieder auf seine Instrumente und nahm mit Paul Carrack und Paul Young zwei hervorragende Sänger mit veritabler Pop-Stimme an Bord. Das führte zu ersten Erfolgen mit „Silent Running“ und „All I Need Is A Miracle“, die man in dieser Form wohl kaum erwartet hätte.

Verschmerzen musste man den frühen Tod von Paul Young. Auch Paul Carrack zog sich zurück, nachdem er zunehmend solo erfolgreich wurde. Die beiden neuen Sänger machten aber von Beginn an einen guten Job. Es ist spürbar, wie sich die Truppe mit ihren Gastmusikern zu einer echten Band formiert hat. Eine Single wie „The Best Is Yet To Come“ klingt wie die Simple Minds zu ihren besten Zeiten. Die aktuellen Stücke sind eingängig und verbreiten eine entspannte Pop-Attitüde, ohne dabei aber langweilig zu klingen. Vielmehr sind es gerade die Progressive-Rock-Finessen, die Mike so gerne in seine Arrangements einarbeitet, die seine Musik aus dem Radio-Einheitsbrei heraus heben.

Die Compilation „Looking Back – Living The Years“ hält sich an die chronologische Reihenfolge der Titel, beginnend mit „Silent Running“ und endend mit „Out Of The Blue“ vom 2019er Album gleichen Namens. So kann man die Entwicklung der Band bis in die Gegenwart gut verfolgen und in Erinnerungen schwelgen.

Ein lohnenswertes Best-of-Album als Retrospektive einer Band, die noch lange nicht fertig ist! 2025 werden Mike + The Mechanics unter anderem im April und Mai auch in Deutschland auftreten.

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Titelliste:

  • 1. Silent Running (On Dangerous Ground)
  • 2. All I Need Is A Miracle ‘96
  • 3. The Living Years
  • 4. Word Of Mouth
  • 5. Over My Shoulder
  • 6. A Beggar On A Beach Of Gold
  • 7. Another Cup Of Coffee
  • 8. Taken In
  • 9. Nobody’s Perfect
  • 10. Everybody Gets A Second Chance
  • 11. Nobody Knows
  • 12. Seeing Is Believing
  • 13. The Road
  • 14. The Best Is Yet To Come
  • 15. Don’t Know What Came Over Me
  • 16. Out Of The Blue

Digital und auf CD ist das Album schon erhältlich – die Vinyl erscheint am 4.4.2025!

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KADAVAR – Neue Single und Video / Neues Album am 16.05.

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Nachdem Kadavar ihr neues Album „I Just Want To Be A Sound“ für den 16. Mai 2025 via Clouds Hill angekündigt und die erste, selbstbetitelte, Single veröffentlicht haben, erscheint ein weiterer Vorgeschmack aus dem von Max Rieger (Die Nerven) produzierten Album.

Die neue Single „Hysteria“ versetzt mit pulsierenden, dunklen und düsteren Rhythmus in einen nahezu hypnotischen Zustand. Die Lyrics erforschen Themen wie geistige und körperliche Verwirrung und schildern ein Gefühl der Verwirrung, Überreizung und Selbstzerstörung. Der wiederholte Refrain von „Hysteria“ trägt zu der überwältigenden, hektischen Atmpshäre bei und spitzt den Song druckvoll zu.

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Kadavar sagen über den Song: „In diesen Song habe ich das Gefühl runtergeschrieben, wenn Worte ihre Bedeutung verlieren und kein ‚Stream of Consciousness‘ noch mitkommt, um dem inneren Chaos einen Sinn zu geben. Als ein Zustand, der mit konstanter Überstimulierung und Schreckensnachrichten vermischt ist, passt er vielleicht ganz gut in diese Zeit.“

Kadavar spielen außerdem am 17. Mai 2025 eine exklusive Release-Show im Urban Spree in Berlin in Zusammenarbeit mit Rough Trade.

KADAVAR Live 2025
11.10.2025 – Columbiahalle, Berlin
12.10.2025 – Zoom, Frankfurt
21.10.2025 – Im Wizemann, Stuttgart
22.10.2025 – Salzhas, Winterthur (CH)
23.10.2025 – Arena, Wien (AT)
24.10.2025 – Theaterfabrik, München
25.10.2025 – Felsenkeller, Leipzig
26.10.2025 – Grosse Freiheit 36, Hamburg
28.10.2025 – Live Music Hall, Köln

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Mit ihrem siebten Studioalbum katapultiert die Berliner Band Kadavar ihren Sound in neue Dimensionen. Inspiriert vom Zitat ihres Bassisten Simon ‘Dragon‘ Bouteloup, „I just want to be a sound“, erschaffen sie ein Manifest für Freiheit, Transformation und radikale Präsenz. Keine Konzepte, keine Grenzen: Das Album ist ein musikalisches Ritual des Übergangs, das sich zwischen Rockhymnen, Balladen und epischen Momenten bewegt – immer voller Momentum und Wandel.

Unterstützt von Produzent Max Rieger und ergänzt durch Gitarrist Jascha Kreft, feiern Kadavar die ewige Veränderung des „Eternal Now“. Ein Soundtrack für die Gegensätze der Zeit, der alles hinter sich lässt, was nicht Musik ist – kraftvoll, verletzlich und immer bereit für den nächsten Neuanfang. Es ist eine Liebeserklärung an den Moment, an Berlin und an das Leben selbst – voller Liebe, Verlust, Narben und dem bittersüßen Gefühl der Vergänglichkeit. Kadavar laden uns ein, loszulassen und eins zu werden: mit der Musik, mit dem Jetzt, mit dem Sound.

Skunk Anansie - Photo 2 by Rob O'Connor

SKUNK ANANSIE: neues Album im Mai

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Die britischen Rock-Ikonen SKUNK ANANSIE kündigten kürzlich ihr mit Spannung erwartetes neues Studioalbum „The Painful Truth“ an. Ihr siebtes Studioalbum und das erste seit neun Jahren, wird am 23. Mai über FLG Records veröffentlicht. „The Painful Truth“ ist ein wirklich hypnotisierendes, provokatives, kraftvolles und emotionales Album, das eine Band auf dem absoluten Höhepunkt ihres Könnens zeigt, die aber noch alles zu beweisen hat.

Im Laufe ihrer Karriere haben Skunk Anansie weltweit über fünf Millionen Platten verkauft. Die internationale Bekanntheit der Band hält immer noch an, da sie regelmäßig Live-Arenen ausverkauft und Headliner bei Festivals auf dem ganzen Kontinent ist. Skunk Anansie werden dafür gefeiert, dass sie mit ihrer Musik politische und soziale Themen ansprechen, wie Rassismus oder Geschlechterbarrieren. Ihr Einfluss geht über die Musik hinaus und trägt zu Diskussionen über Identität, Gleichberechtigung und Aktivismus bei.

„Es ist mir egal, dass wir in den Neunzigern groß waren“, sagt Sängerin Skin. „Kreativ ist es irrelevant, denn in meiner Rockbibel heißt es im ersten Gebot: „Wenn du dich auf den Lorbeeren ausruhst, wirst du verdorren und künstlerisch, musikalisch und geistig sterben. Und dann finanziell.‘“ Und für Skin zählt die Vergangenheit nichts. Selbst wenn man seit 30 Jahren eine Band ist und die Geschichte auf seiner Seite zu sein scheint.

„The Painful Truth“ ist der Sound von Skunk Anansie, die sich ihrer Identität und dem, was sie werden wollen, stellen. Es ist mehr als ein Albumtitel. Es ist eine Realität, die sie durchlebt haben. Eine Kombination aus Elternschaft, Krankheit und dem Weggang ihres langjährigen Managers schien sich gegen sie zu verschwören und ihre Unsicherheit zu verstärken, was Sängerin Skin, Gitarrist Ace, Bassist Cass und Schlagzeuger Mark dazu zwang, ihren Platz in der Welt als Band sowie ihre eigenen persönlichen Ambitionen in Frage zu stellen.

Für eine Weile waren sie kurz davor, Schluss zu machen. Da sie sich nicht sicher waren, was sie tun sollten, und weil sie nicht in der Lage waren, per Zoom Songs zu schreiben, zog sich der Vierer nach der Corona-Krise auf ein Bauernhaus in Devon zurück, wo sie inmitten offener Gespräche und hausgemachter Abendessen langsam begannen, ihre Gefühle in Songs zusammenzufassen.

„Wenn wir schreiben, sitzen wir zu viert in einem Raum ohne Ablenkungen oder Störungen von außen und lernen uns neu kennen. Wir hatten die Greatest Hits-Tour gemacht und erkannten, dass sich die Dinge ändern mussten. Wenn wir nicht etwas Neues und Zukunftsorientiertes tun würden, könnten wir keine wirkliche Band mehr sein. Wir machten einfach Skunk-Karaoke“, sagt Skin unverblümt.

Und „The Painful Truth“ ist alles andere als Skunk-Karaoke. Produziert von David Sitek von TV On The Radio ist es ein frisches, offenes, erhebendes und strukturiertes Album, bei dem das Talent der Band, große Popsongs zu schreiben, trotzig ungebrochen geblieben ist. Wenn überhaupt, sind ihre Hooks dieses Mal schärfer und sinken schneller ein.

„The Painful Truth“ ist ein radikales Album, das für diese unsicheren Zeiten gemacht wurde. Ihre erste Veröffentlichung auf dem neu gegründeten Label FLG Records und mit dem neuen Management kommt auch mit einer Frische daher, die ihre geschichtsträchtige Karriere und frühere mehrfach mit Platin ausgezeichnete Erfolge widerlegt. Es ist eine Platte, mit der Skunk Anansie ihren Platz als eine der aufregendsten, visionärsten und wichtigsten Bands der britischen Musik zurückerobern wird.

„Wenn ich wirklich darüber nachdenke, ja, wir haben in unserer Zeit einige gute Platten gemacht, aber es ist schon lange her, dass wir ein großartiges Album gemacht haben. Und das ist die schmerzhafte Wahrheit“, gesteht Skin. „Das zu verstehen, hat uns dazu gebracht, das zu machen, was ich wirklich für unser bisher bestes Album halte.“

THE PAINFUL TRUTH track listing
1. An Artist Is An Artist
2. This Is Not Your Life
3. Shame
4. Lost And Found
5. Cheers
6. Shoulda Been You
7. Animal
8. Fell In Love With A Girl
9. My Greatest Moment
10. Meltdown

Skunk Anansies Debütalbum feiert 2025 sein 30-jähriges Jubiläum!

Cover Canarias

Ein Liedermacher wird zum Fleischermeister: „Man lernt nie aus“

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„Man lernt nicht aus.“ So heißt die neue Single von Tim Linde. Und es gibt wohl keinen besseren Beweis für diesen Ausspruch als den Liedermacher selbst.

Lange war es still um den Mann aus Schleswig-Holstein – und das nicht ohne Grund: Im vergangenen Jahr legte Tim Linde erfolgreich seine Prüfung zum Fleischermeister ab. Ja, richtig gelesen, im Alter von 48 Jahren hat er einen weiteren Berufsabschluss gemacht. Und dann ausgerechnet zum Fleischer?

„Aber ja“, sagt Linde. „Der Fleischerberuf ist enorm vielschichtig, denn er vereint handwerkliches Können mit Kenntnissen der Ernährungslehre, mit rechtlichen und nicht zuletzt mit ethischen Fragestellungen.“ Wer Linde und seine Text kennt weiß, dass er es sich nicht leicht macht, wenn er sich in seinen Liedern mit den großen Fragen des Lebens auseinandersetzt.

„Auch der Übergang vom Lebewesen zum Lebensmittel stellt Dich vor viele elementare Fragen, die Du für Dich klar beantworten musst, wenn Du den Fleischerberuf ernst nimmst. Das empfand ich als wahnsinnig reizvoll.“ Fans von Tim Linde kommen beim seinem neuen Lied voll auf ihre Kosten. In bewährter Art kombiniert der Liedermacher seine klugen Textzeilen mit Musik im typischen Lindestil. Und wer würde ihm nicht zustimmen: Man lernt nicht aus.

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JORIS Cover

Zehn Jahre nach dem Debüt wird’s RETRO

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In Luxemburg kann man Joris öfter sehen, hatte er doch zeitweise im Kulturzentrum Dudelange sein Lager aufgeschlagen, um für Konzerte zu proben und neue Songs zu schreiben. Ursprünglich gehörte er zur Indieband Oakfield, doch seit 2014 ist er solo unterwegs. Das Debüt „Hoffnungslos hoffnungsvoll“ schlug vor zehn Jahren groß in die Charts ein und erlangte Goldstatus. Das war vor allem der Single „Herz über Kopf“ zu verdanken. In den Folgejahren wurde es ruhiger – aber weiterhin machte Joris solide Musik und brachte alle 3-4 Jahre ein Album raus.

Warum das aktuelle Werk jetzt „zu viel retro“ heißt? An einem veränderten Musikstil kann es kaum liegen. Joris bleibt in unverkrampfter Indie-Stimmung zwischen Rock und Pop mit einigen eingängigen Krachern und stimmungsvollen Texten. Die erste Single „spring!“ erzählt mit positiven Vibes vom Sprung ins Unbekannte. Und irgendwie handelt das komplette Album von der Achterbahnfahrt des Lebens.

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„zu viel retro“ sagt KI-Musik den Kampf an – denn das Album wurde komplett live im Studio eingespielt. Es feiert die Makel und Fehler der Musik. „zu viel retro“ ist Musik aus dem Innersten. Einer künstlerischen und privaten Phase aus Höhen und Tiefen, die den 34-Jährigen vor neue Herausforderungen gestellt hat. Es sind ungefilterte Gefühle, die ebenso unmittelbar im Studio, in einem zwei-jährigen Prozess, festgehalten wurden. Dabei hat sich Joris auf das eine verlassen, was nicht berechenbar ist und pure Emotionen beinhaltet: Das live spielen. Was dem Musiker in die Seele übergegangen ist und er mit seiner Band seit zehn Jahren auf dem höchsten Niveau präsentiert, hat jetzt auch sein zuhause in einer Platte gefunden. Mit allen Makeln, Ecken und spannenden Wendungen.

Handgemachte Musik ist irgendwie retro. Echte Emotionen sind retro. Songs ohne Trap- und 80s-Elemente sind retro. Keine KI zu benutzen ist retro. Retro-Overdose? „zu viel retro macht das Herz schwer“ singt Joris im Titelsong seines vierten Longplayer und das Paradoxon ist, dass genau das Gegenteil der Fall ist. „zu viel retro“ singt über Leichtigkeit, über die Schwere und die Tücken des Lebens.

Seine Freundin war schwer erkrank – und so entstanden Songs wie das melancholische „so schnell vorbei“ und der grandios-verspielte letzte Song „das leben ist…“ über Sinn und Unsinn des Lebens. Mit seiner Musik hat Joris die Welt im Griff. Und er nimmt uns mit auf eine Reise, die seine ganz persönliche Seite zeigt.

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LUIS AKE mit neuer Single feat. TRÄNEN

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Nachdem Luis Ake vergangene Woche sein neues Album „Ehrenvoll, Luis Ake“ für den 21. März 2025 ankündigte, erscheint jetzt mit „Seismograph“ eine neue Single – ein Feature mit dem Duo TRÄNEN.

Über den Song sagt Luis Ake: „Seismograph stellt die finale Single des neuen Albums dar und kristallisiert meine Idee für das Album in seiner reinsten Form. Schnelle, dichte und direkte Popmusik die keine Pause zum verschnaufen lässt, ohne dabei in generische Floskeln zu verfallen. Das ich meine Freunde von “Tränen” noch mit an Bord habe, ist mir eine große Ehre und erweitert den Song um eine wichtige Ebene. Es ist neben Faber das einzige Feature des Albums.“

Es ist – der Titel deutet es an – eine Verbeugung: vor der reinen Musik, vor seinem Publikum, vor der Liebe an sich. Ake kehrt mit diesem Album nach einigen Abzweigungen mit einer Konsequenz zum kristallinen Pop zurück, die Fans seines zweiten Albums „Liebe“ mit Tränen in den Augen auf die Knie gehen lassen wird – respektive auf die Tanzflächen taumeln.

„Ehrenvoll, Luis Ake“ ist ein dichtes Album, ohne Angst vor Kitsch und Melodiösität, dessen Lyrics mitunter an die Eindeutigkeit von naiver Malerei erinnern. Als Gäste sind das Duo Tränen in dem Feature „Seismograph“ zu hören sowie der Chansonnier Faber, mit dem Luis Ake im balladenhaften Duett „Schlag im Notfall die Scheibe ein“ das Album beschließt.

Luis Ake huldigt der Liebe auch auf seiner Tour durch den deutschsprachigen Raum, wo er auf der Bühne in der Manier eines sensiblen Exzentrikers sämtliche Ausnahmezustände eben jener durchlebt. Man erlebt ihn flehend schluchzend, würdevoll leidend und manisch tanzend. Wer eines seiner Konzerte besucht, riskiert mit Leib und Seele in den Bann eines Mannes zu geraten, der auf erratische Weise leidenschaftlich ist. Mit der Musik. Mit dem Publikum. Mit seinem ewigen Thema: der Liebe.

Ein Dekolleté bis zum Solarplexus, mit angezogenem Knie posierend, dunkles Sonnenbrillenmodell von Carrera – das ist die aktuelle Erscheinung von Luis Ake, einem Gegenwartskünstler, um den schon immer eine Menge Fragen kreisten.

Trauert er wirklich um sein entlaufenes Lieblingspferd? Warum ist er so besessen von männlichen Garderoben und eitlen Posen, dass er sie vom Siegelring bis zum Camp David-Oberhemd zelebriert, bis nur noch er selbst darüber lacht? Oder ist dieser mysteriöse Mann mit seiner Maskerade vielleicht der wahre Dandy unserer Zeit?

Wenn er zum hingebungsvollen Panflötenspiel ansetzt, im Gesicht den Ausdruck gequälter Traurigkeit, wird zumindest eines klar: Die Show ist echt. Und geht tief.

Fotocredit: Hanna Fasching

Luis Ake wird sein neues Album außerdem live vorstellen:

Ehrenvoll … Luis Ake Tour 2025
29.03.25 München – Milla
30.03.25 Darmstadt – Oetinger Villa
01.04.25 Berlin – Lido
02.04.25 Esslingen – Komma
03.04.25 Zürich, CH – Dynamo
04.04.25 Bern, CH – ISC
05.04.25 Wien, AT – Flucc
23.04.25 Bremen – Klub Krise
24.04.25 Hamburg – Uebel & Gefährlich
25.04.25 Köln – Gebäude 9
26.04.25 Oberhausen – Gdanska
28.04.25 Hannover – Lux
29.04.25 Dresden – Beatpol
30.04.25 Leipzig – Naumanns

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Rock am Ring ausverkauft! Das Festival freut sich auf 90.000 Fans!

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Vorverkaufsrekord zum Jubiläum: Das wichtigste deutsche Festival freut sich auf 90.000 Fans!

Vom 6. bis 8. Juni 2025 feiert Rock am Ring 40-jähriges Bestehen mit 100 Acts und der größten Produktion der Ring-Geschichte!

Berlin, 06.03.2025
Die Strahlkraft von Rock am Ring als Nukleus der deutschen Festivalkultur bleibt ungebrochen: Pünktlich zum vierzigsten Jubiläum meldet das legendäre deutsche Festival ausverkauft. Noch nie zuvor waren so früh 90.000 Tickets für das Mega-Event am Nürburgring vergriffen.

Seit Monaten war Rock am Ring auf Rekordkurs, nun ist das wichtigste deutsche Festival ausverkauft. In einer hochdynamischen europäischen Festivallandschaft behauptet sich der Branchenprimus mit der Konzentration auf ein exklusives Programm und auf die Festival-Experience der Fans – die klassischen Rock am Ring-Werte.

„Im Mittelpunkt aller Planung stehen bei uns Fans und Musik“, sagt Matt Schwarz, Veranstalter von Rock am Ring/Rock im Park sowie CEO bei PRK DreamHaus und eventimpresents. So spielen 2025 Bring Me The Horizon, Slipknot und KoRn als Headliner bei Rock am Ring und Rock im Park, außerdem stehen unter anderem The Prodigy, K.I.Z, Kontra K, Rise Against, Sleep Token, Spiritbox, Beatsteaks und Idles für die enorme stilistische Breite der nunmehr ausverkauften Jubiläums-Edition.

Die Erfolgsmeldung kommt pünktlich zum vierzigsten Jubiläum des ikonischen Festivals. Am Pfingstwochenende 1985 sind zum ersten Mal Zehntausende Musikfans an den Nürburgring gepilgert, in einem anderen Jahrhundert, einer gänzlich anderen Festivallandschaft.

Seitdem hat Rock am Ring Musikgeschichte geschrieben: Beyoncé war 2010 mit Jay-Z am Ring und tanzte zu den Hives, U2 feierten 1985 ihren endgültigen Deutschland-Durchbruch, Guns N‘ Roses gaben ebenso unvergessliche Konzerte wie David Bowie, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Alanis Morissette und unzählige andere. Stets war das Festival ein Spiegel des jeweils geltenden Pop-Zeitgeists. Bei Rock am Ring wurden Entwicklungen antizipiert, große und kleine Karrieren angestoßen, längst gleicht ein Auftritt am Ring für die Artists einem Ritterschlag.

Nicht zuletzt sind es die vielen zwischenmenschlichen Geschichten, die die Faszination von Rock am Ring als Leuchtturm der europäischen Festival-Kultur ausmachen. Bei Rock am Ring begegnen sich alte und neue Freunde, verbringen Familien und Freundeskreise unbeschwerte Wochenenden. So gibt es in vierzig Jahren Rock am Ring eine Konstante: Die Fans am Ring genießen in unvergleichbarer Weise die Kraft der Gemeinschaft, die euphorisierende Magie der Musik, das unersetzliche Gefühl mit Zehntausenden Menschen eins zu werden. „Geburtstag feiert man am besten mit seiner Familie“, sagt Matt Schwarz.

Die Jubiläums-Edition steht nun gleichermaßen für die Historie von Rock am Ring wie für einen Aufbruch in die Zukunft. In Zeiten permanenten Wandels bleibt das genuine Festivalversprechen einer temporären Utopie am Ring bestehen und schafft jedes Jahr aufs Neue den Rahmen für ein geordnetes Chaos.
Symbolisch für diesen kontrollierten Eskapismus steht das neu designte Rock am Ring-Gelände mit seinen neuen futuristischen Elementen, den erhabenen LED-Säulen und den größten Bühnen der Ring-Geschichte. „Wir bauen ein kleines Paralleluniversum mit zahlreichen liebevollen Details, in das die Fans beherzt eintauchen können“, so Jana Posth, Festival Director Rock am Ring.

Die beste Festival-Experience für die Fans zu gewährleisten, bedeutet bei Rock am Ring immer noch zuerst: Das denkbar beste Programm zu präsentieren. Rock am Ring bleibt im Jubiläumsjahr ein Multigenre-Festival mit Schwerpunkt Gitarre und ist dabei 2025 so vielseitig wie nie: Geheimtipps, Publikumslieblinge und Major-Acts geben sich die Klinke in die Hand, das Programm spiegelt die ganze Vielfalt der aktuellen Musikszene.

Nicht nur deshalb empfiehlt es sich, in diesem Jahr möglichst früh auf das Festival-Gelände zu kommen: „Wir arbeiten aktuell noch an einigen Überraschungen“, sagt Matt Schwarz. „Könnte durchaus sein, dass wir Acts in einem Rahmen erleben, in dem man sie nie wieder erleben wird.“

Das ist die Magie von Rock am Ring: Alles, wofür Festivalkultur steht, wird am Nürburgring 2025 aufs Neue mit Leben erfüllt, mit Konzerten bis tief in die Nacht, einem klaren Fokus auf Musik-Leidenschaft und Gemeinschaft.

Auch das Schwesterfestival Rock im Park in Nürnberg steuert zum 30-jährigen Jubiläum mit großen Schritten ein diesjähriges „Sold Out“ an. Fans, die das Musik-Spektakel in Nürnberg in diesem Jahr miterleben wollen, sollten sich beeilen. 70.000 Tickets sind bereits vergriffen.

Termine:
Rock am Ring: 6.–8. Juni 2025, Nürburgring, Eifel
Rock im Park: 6.–8. Juni 2025, Zeppelinfeld, Nürnberg

Eine vollständige Liste der Bestätigungen in alphabetischer Reihenfolge gibt es hier:

A Day To Remember
Adam Angst
Airbourne
Amira Elfeky
AViVA
Beatsteaks
Biffy Clyro
Boston Manor
Bring Me The Horizon
Brutalismus 3000
Bullet for my Valentine
Christin Nichols
Creeper
Dead Poet Society
Deafheaven
Defects
Deine Cousine
Destroy Boys
Die Nerven
Drangsal
Drug Church
Electric Callboy DJ Set
Evil Jared & Krogi
Falling in Reverse
Feine Sahne Fischfilet
Fit For An Autopsy
FJØRT
Fleshwater
Frank Turner & The Sleeping Souls
Frog Leap
Future Palace
Grade 2
Heaven Shall Burn
Holy Wars
House Of Protection
I See Stars
Idles
Imminence
In Flames
Jerry Cantrell
Jinjer
K.I.Z
Kasalla (nur Ring)
Kittie
Kontra K
Korn
Kris Barras Band
Leftovers
LØLØ
Lorna Shore
Massendefekt
Me First and the Gimme Gimmes
Mia Morgan
Millencolin
Myles Kennedy
Nasty
Northlane
Nothing More
Olli Schulz & Band
Pain of Truth
Polaris
Poppy
Powerwolf
Rise Against
SDP
Seven Hours After Violet
SiM
Skillet
Sleep Token
Slipknot
Smash Into Pieces
Soft Play
Spiritbox
Spiritual Cramp
Static Dress
Still Talk
Stray From the Path
Superheaven
Survive Said the Prophet
Teen Mortgage
Terror
The Ghost Inside
The Prodigy
The Red Flags
The Warning
thrown
Tocotronic
Touché Amoré
Trophy Eyes
Tulpe
Turbostaat
unpeople
VOWWS
Weezer
Whitechapel
Zebrahead
Zetra
ZSK

syml cover

SYML veröffentlicht neue Single „Carry No Thing“

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Der multi-platinverkäufliche, in Seattle ansässige Künstler und Produzent SYML setzt die Unterstützung für sein bevorstehendes neues Album Nobody Lives Here, das am 4. April veröffentlicht wird, mit der euphorischen neuen Single „Carry No Thing“ fort.

„Dies ist ein apokalyptisches Liebeslied“, erklärt SYML. „Die ungreifbare Kraft der Liebe ist das, was wir mit uns nehmen, während wir durch das Chaos gehen. Es hat etwas Schönes und Merkwürdiges, sich das Ende der Welt vorzustellen. Ich denke, es könnte daran liegen, dass es etwas ist, das wir alle gleichzeitig gleichermaßen erleben würden. Egal, ob wir versuchen zu flüchten oder uns unterwerfen, wir haben nur die Liebe füreinander, während die Welt um uns herum verbrennt.“

„Carry No Thing“ spiegelt diese Spannung zwischen Verwüstung und Hingabe wider, indem es gespenstische Melodien mit cineastischer, weltfremder Produktion verwebt. Die Vocals, roh und intim, fühlen sich wie ein geflüstertes Geständnis mitten im Chaos an, während das Lied zu seinem breiten, cineastischen Finale anschwillt.

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„Nobody Lives Here“ markiert sein bislang klarstes und prägnantestes Schreiben. Geschrieben, aufgenommen und produziert von ihm, wird es von dem scharfsinnigen Verständnis getragen, dass das Leben ein Widerspruch, ein flüchtiger Moment ist. Während er die Präsenz des Verlustes akzeptiert, lädt er immer noch andere mit Melodien, Texten, einer Slide-Gitarre oder dem Summen eines Cellos in seinen Raum ein.

Für das neue Album bleibt seine Musik cineastisch und viszeral, sie nimmt sich die Freiheit, sowohl das Innerste zu entblößen als auch entblößt zu werden. „Wenn das Dunkel das Gute inspiriert, dann ist das eine gute Sache, ehrlich darüber zu sein. Alle diese Charaktere in mir sind von demselben Thema fasziniert, nämlich: Warum sind Menschen überhaupt hier und was ist dieses sich ständig erweiternde Universum, durch das wir treiben?“

Nachdem er seine gesamte Reihe intimer Akustik-Auftritte ausverkauft hat, um die Veröffentlichung des neuen Albums zu feiern, einschließlich des sofort ausverkauften Konzerts im Londoner Omeara, kündigte SYML kürzlich eine große Tournee für 2025 in Großbritannien und Europa an. Die Tour ist jetzt im Verkauf und umfasst Auftritte in Manchester, London und Brighton.

Fotocredit: Lexie Alley

Mit über vier Milliarden Streams im Lebenslauf ist SYML das Soloprojekt des Künstlers Brian Fennell. Der walisische Name „SYML“ bedeutet „einfach“ – er macht Musik, die die Instinkte anspricht, die uns an Orte der Zuflucht führen, sei es ein Ort oder eine Person. Geboren und aufgewachsen in Seattle, studierte Fennell Klavier und wurde ein autodidaktischer Produzent, Programmierer und Gitarrist. 2019 veröffentlichte er sein selbstbetiteltes Debütalbum, das den multi-platinveredelten Song „Where’s My Love“ und den Gold-Record-Favoriten „Girl“ enthielt.

Sein zweites Album The Day My Father Died aus 2023, das von NPR als „euphorisch“ bezeichnet wurde, wurde im Studio X mit dem renommierten Produzenten Phil Ek aufgenommen und umfasst Kooperationen mit Guy Garvey von Elbow, Lucius, Sara Watkins von Nickel Creek und Charlotte Lawrence. Seine Musik wurde zum Soundtrack für zahlreiche Filme und TV-Shows und wurde von Lana Del Rey im Song „Paris, TX“ aus ihrem für den Grammy nominierten Album 2023 verwendet. 2024 gründete er sein eigenes Label FIN. Recordings, eine Zusammenarbeit mit seinem Label Nettwerk Music Group und seinem Management-Team Good Harbor Music.

Nobody Lives Here

  1. A100
  2. Carry No Thing
  3. Careful
  4. Please Slow Down
  5. The White Light of the Morning
  6. Wake
  7. Heavy Hearts
  8. How It Was Will Never Be Again
  9. Something Beautiful and Bright
  10. Heartbreakdown
  11. Nobody Lives Here
Odd Couple - Rush-Hour des Lebens Cover_3000x3000

ODD COUPLE: Video zu „Allein in Berlin“

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Zuletzt haben Odd Couple mit „2 Leute“ und „Die Deko“ ihr neues Album „Rush-Hour des Lebens“ für den 04. April 2025 via Clouds Hill angekündigt. Am Freitag erschien mit „Allein In Berlin“ eine Slacker-Hymne für die Großstadt.

Berlin, Stadt der Millionen – und doch fühlt man sich oft allein. Mit „Allein in Berlin“, der dritten Single ihres kommenden Albums „Rush-Hour des Lebens“, widmen sich Odd Couple genau diesem Paradox. In bester Trio-Manier verschmelzen rohe Gitarren, scheppernde Beats und minimalistische Texte zu einer Slacker-Hymne für all jene, die inmitten des Großstadttrubels verloren gehen.

Tammo und Jascha packen die melancholische Rastlosigkeit Berlins in ein Stück, das ebenso treibend wie lässig daherkommt – Musik gegen die digitale Glätte, für den echten Moment. Ein Song für die, die Berlin lieben und gleichzeitig nicht sicher sind, ob Berlin sie liebt. Kein Wunder, dass „Allein in Berlin“ direkt in der Indie Brandneu-Playlist gelandet ist. Odd Couple sind der Gegenentwurf zum Algorithmus-Pop: echt, roh und mit einem Sound, der nach Kellerclub riecht und trotzdem auf die große Bühne gehört.

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Ab Mitte März ist das Duo auf Tour – und wer schnell ist, kann sich die LP dort exklusiv vorab sichern, bevor sie am 4.4. regulär erscheint. Live verspricht das Ganze noch intensiver zu werden: Odd Couple stehen für verschwitzte Gitarrenwände, hypnotische Grooves und eine Energie, die irgendwo zwischen Wahnsinn und Genie oszilliert. Wer Rush-Hour des Lebens live erlebt, bekommt mehr als ein Konzert – es ist ein Trip zurück in eine Zeit, in der Musik noch richtig gespürt wurde.

In Zeiten, in denen die Realität hinter gefilterten Bildern verschwindet und Musik zunehmend von Algorithmen geprägt wird, legen Odd Couple mit ihrem neuen Album „Rush-Hour des Lebens“ ein warm-buntes Album vor, das an eine Zeit erinnert, in der Musik noch handgemacht war – roh, spielerisch, fehlerhaft und dadurch überzeugend.

Herausgekommen ist eine Medizin gegen digitale Oberflächen und verkürzte Inhalte. Diesem Album zuzuhören ist wie sich einen Trip schmeißen, aber nicht um Realitätsflucht zu betreiben, sondern um wieder mehr von der Tiefe des Moments spüren.

Auf die Frage „Wer spricht hier?“ müsste man antworten: Hier spricht das talentierte, kreative Berlin im Alter zwischen 28 und 34, was sich, wie in jeder neuen Lebensphase, konfrontiert sieht mit der Frage, welche verdammten Weichen es einem solch fluiden Leben überhaupt stellen soll. Wie geht die angebliche „Rush Hour des Lebens“ als von einer Pandemie teilweise übel ausgebremster, umtriebiger Musiker?

Dieses Album ist Zeuge der Lücken der Zwecksoptimierung und beweist, dass es anarchische Gedanken und Gefühle im Leben auszuhalten gibt, bei denen auch keine Instagram-Parole hilft.

Fotocredit: Milan Koch

Odd Couple Live 2025
14.03. Nürnberg – Club Stereo
15.03. Osnabrück – Kleine Freiheit
20.03. Köln – Helios 37
21.03. Mainz – Schon Schön
22.03. Weinheim – Café Central
23.03. Augsburg – Soho Stage
26.03. Leipzig – Naumanns
27.03. München – Kranhalle
28.03. Wien, AT – Transponder
31.03. Hamburg – Molotow Club
03.04. Berlin – SO36

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Cover_Supertramp_LiveInParis79

Supertramps „Paris“-Konzerte aus 1979 mit erweiterter Setlist

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Anfang der 80er Jahre sind einige grandiose Livealben erschienen, die meinen Musikgeschmack als Teenager entscheidend prägen sollten. Neben „In Transit“ (Saga, 1982) und „Budapest Live“ (Manfred Mann’s Earth Band, 1984) war das vor allem Supertramps Album „Paris“ mit Aufnahmen von den Konzerten, die 1979 im Pavillon de Paris mitgeschnitten wurden.

Schon der Opener „School“ erzeugt bis heute Gänsehaut. Und mit Klassikern wie „The Logical Song“, „Dreamer“ und „Take The Long Way Home“ war die britische Band auf dem glanzvollen Höhepunkt ihrer Karriere. Bei der Tour zum Album „Breakfast in America“ trat die Band in ihrer klassischen Besetzung mit Rick Davies, John Helliwell, Roger Hodgson, Bob Siebenberg und Dougie Thomson auf. Die Reise führte unter anderem nach Frankreich, Österreich, Spanien und in die USA.

Die Konzerte wurden damals komplett mitgeschnitten, allerdings verzichtete man beim Release aus Platzgründen – um das Album auf vier LP Seiten aufzuteilen – auf ganze sechs Songs, darunter Glanzlichter wie „Goodbye Stranger“ und „Another Man’s Woman“, die den Jazz- und R&B-Charakter der Band betonten. Zudem entsprach die Tracklist nicht der originalen Konzertreihenfolge.

Dies wird jetzt endlich mit einer Neuveröffentlichung behoben. Im Gegensatz zum ursprünglich 1980 veröffentlichten Livealbum, das Ausschnitte aus den ersten beiden Shows der vier Paris-Konzerte am 29. und 30.11.2979 enthält, bieten die Dreifach-LP und die Doppel-CD nun die Songs, die während der beiden Shows am 1. und 2. Dezember aufgenommen wurden.

Die neue Veröffentlichung ist ein wichtiges Zeugnis dieser fantastischen, klassischen Bandphase und ein Muss für jeden Fan. Das Cover zeigt den Eiffelturm und das Booklet ist mit Liner Notes von Phil Alexander versehen. Eine der wichtigsten Bands dieser Zeit spielt hier vor 8.000 begeisterten Fans und das Livefeeling ist hörbar gigantisch.

KIZ Görlitzer Park

Der „Görlitzer Park“ in Trier

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K.I.Z, die „Kannibalen in Zivil“, „Klosterschüler im Zölibat“ oder wie auch immer man die Abkürzung der Berliner Hip-Hop-Formation deuten will, sind über die Jahre in ihrer Musik deutlich ernsthafter geworden. Bezeichnend ist dies für mich auf dem aktuellen Album „Görlitzer Park“, das sich doch sehr stark von ihrer Vergangenheit abhebt, in der Tarek, Maxim und Nico den Straßen- und Gangsterrap eher satirisch aufs Korn nahmen.

Dieses politische Album brachten die drei Protagonisten plus DJ am 28. Februar in die ausverkaufte SWT Arena in Trier. Über 6.000 Zuschauer wurden zunächst von der Berliner Rapperin Ikkimel auf einen grandiosen Partyabend vorbereitet. Ebenfalls mit besagtem DJ brachte sie Songs ihres Debütalbums „Fotze“ zu Gehör. Der Name ist Programm: Mit derben Worten wurden durchaus feministische Themen unters Volk gebracht. Dabei nahm die Künstlerin in Trier kein Blatt vor den Mund und brachte das Publikum in Stimmung. Der Ruf „Ganz Trier hasst die AfD“ erklang aus 6.000 Kehlen und es gab schon für den Support respektable Circle Pits.

Credit: Sony Music

Dann aber war es Zeit für K.I.Z, die um 19.50 Uhr ganz in weiß gekleidet die Bühne enterten. „Frieden“ vom aktuellen Album war der passende Opener in schwierigen Zeiten. Nach den feierwütigen „VIP in der Psychiatrie“ und „Ehrenlos“ folgte „Urlaub fürs Gehirn“. Alles Publikumslieblinge, die die Fans ordentlich in Stimmung brachten. Man bot eine hervorragende visuelle Show mit großen Leinwänden, sodass die Performance in der ganzen Halle gut zu sehen war. Immer wieder bildeten sich kleine Circle Pits, vor allem im vorderen Bereich, der durch zwei breite Schneisen von der zweiten Hallenhälfte abgeteilt war. Warum, das sollte man später erfahren.

Nach dem Gassenhauer „Bier“ (passend zum laufenden Karnevalstrubel) gab es mit „Berlin wird dich töten“, „Sommer meines Lebens“ und „Görlitzer Park“ einige eingängige Songs vom aktuellen Album. Das Publikum ging genau so mit wie bei „Hurra die Welt geht unter“. Auf Textsicherheit konnte man sich jederzeit verlassen.

Ein krasses Gimmick waren fahrende Bühnenteile. So wurde die frontale Stage kurzerhand aufgelöst und die drei Hip-Hopper konnten jeweils mit einem eigenen Bühnenelement und sehr viel Platz mitten durch die Menge in die Mitte der Arena gefahren werden. Das perfekte Setting für die Solosongs von Maxim („Applaus“) und Tarek („Filmriss“).

Von der Hallendecke öffnete sich ein selbstironisches Banner: „Fick deine Mutter Rap seit 20 Jahren“. Grund genug für die Fans, den Song „Hurensohn“ einzufordern, der dann spontan a cappella dargebracht wurde. Klassiker wie „Neuruppin“ und „Illuminati“ wechselten sich mit ruhigen Hymnen wie „Sommerregen“ und dem neuen Stück „Sensibel“ ab. Dazu gesellten sich starke gesellschaftskritische Tracks: „Rap über Hass“ und „Samstag ist Krieg“.

Im Stil eines Business-Coaches wurde „Geld ist ein Magnet“ mit Mantren à la „Ich bin ein Gewinner“, „Ich kann alles schaffen“ und „Ich nehme mir was ich will“ eingeleitet, wobei die ganze Halle im Stil gleichgeschalteter Jünger mitspielte. Erschreckend, aber ganz realitätsnah.

Danach wurde es Zeit für ein DJ-Set mit Mitsing-Titeln wie „Halbstark“, um dem Trio Zeit zum Umziehen einzuräumen. Von weißer Kleidung ging es jetzt in ein schwarzes Outfit. Karneval war nicht gerade angesagt, obwohl sich auch einige kostümierte Fans zum Konzert gewagt hatten und man gar eine Banane beim Crowdsurfen beobachten konnte.

Zum Schluss gab es nochmal choreografierte riesige Circle Pits und Titel wie „Familienfeier“ sowie „Ein Affe und ein Pferd“, bevor der Abend nach glanzvollen 125 Minuten endete. Nur eine echte Zugabe, aber mehr war auch nicht nötig, um dieses Konzert zwischen Party und ernsthafter Rapkultur zu Ende zu bringen. Es war erst der zweite Gig der aktuellen Tour. Ganz gespannt darf man jedenfalls auf die Show im Juni bei ROCK AM RING sein, denn dort werden die Jungs wieder alles geben. Garantiert.

Credit: Warner Music
RAR

Die letzten 1.000 Tickets & das komplette Line-Up jetzt online

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Die letzten 1.000 Tickets für ROCK AM RING sind im Verkauf und das Line-Up ist komplett!

Neu mit dabei sind: Myles Kennedy, Me First And the Gimme Gimmes, Touché Amoré, Kasalla, Evil Jared X Krogi, Superheaven, SiM & Zetra.

Dazu gesellen sich die beiden Special Surprise Acts, die das Festival am Freitag auf der Utopia Stage eröffnen werden. Beide spielen sonst in der Regel eher die späteren Festivalslots.

Bald geht’s los – der RING freut sich auf 90.000 Fans!

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Mike + The Mechanics - Living The Years (Cover Art)

Mike + The Mechanics zum Bandjubiläum „Looking Back – Living The Years“

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Zum 40-jährigen Bandjubiläum von Mike + The Mechanics erscheint am 14. März die neue Singles-Kopplung „Looking Back – Living The Years“ auf CD und digital mit 16 Songs. Die 2LP-Version folgt am 4. April. Das Album wird nahezu gleichzeitig zur gleichnamigen Tournee veröffentlicht.

Angefangen mit ihrem Debüt-Hit „Silent Running“ präsentiert die Titelliste die größten Hits der Band – mit dem Grammy-nominierten „All I Need is a Miracle“, dem mit dem Ivor Novello Award ausgezeichneten und Grammy-nominierten „Living Years“ oder zum Beispiel dem internationalen Hit „Over My Shoulder“. Diese Zusammenstellung präsentiert Lieder aller Sänger von Mike + The Mechanics – Paul Young, Paul Carrack, Andrew Roachford und Tim Howar – und ist eine alle Phasen der legendären Band umfassendes „Best of“-Album.

Die 1985 von Mike Rutherford „als Nebenprojekt zu Genesis“ gegründete Band Mike + The Mechanics feierte in den 1980er und 1990er Jahren große Erfolge, erreichte weltweit Spitzenplätze in den internationalen Charts, darunter fünf Top 10-Alben in Großbritannien mit über zehn Millionen verkauften Longplayern.

Das selbstbetitelte Debüt der Band von 1985 enthielt die US-amerikanischen und kanadischen Top-10-Hits „Silent Running (On Dangerous Ground)“ und das GRAMMY®-nominierte „All I Need Is a Miracle“. 1986 knüpfte die Band an diesen Erfolg mit dem internationalen Top-10-Album „Living Years“ an. Die Single „The Living Years“ war unter anderem in Großbritannien, den USA, Australien, Kanada und Japan ein Nummer 1 Hit. Der Song brachte Rutherford später einen Ivor Novello Award sowie vier GRAMMY®-Nominierungen ein.

Rutherford setzte diesen Schwung mit seinen beiden Bands im neuen Jahrzehnt fort: zunächst mit dem gefeierten dritten Mike + The Mechanics-Longplayer „Word of Mouth“ (1991), dann Ende des Jahres mit Genesis‘ chartstürmender 14. Studio-LP „We Can’t Dance“. In den 90ern folgten die Mike + The Mechanics-Alben „Beggar On A Beach Of Gold“ (1995) inklusive dem internationalen Hit „Over My Shoulder“, die Compilation „Hits“ (1996) und 1999 das zweite selbstbetitelte Album (besser bekannt als M6), die beide in den britischen Top 10 landeten. Nach Paul Youngs plötzlichem Tod im Jahr 2000 veröffentlichte die Band ein weiteres Album, bevor sie sich vorübergehend entschloss, aufzuhören.

2011 begann Rutherford wieder mit dem Schreiben von neuen Songs und der Wiederbelebung der Mechanics, indem er den renommierten Sänger Andrew Roachford und den gefeierten Broadway-Star Tim Howar einlud, sich ihm in der neuen Formation der Band anzuschließen. Die Chemie stimmte sofort, und noch im selben Jahr veröffentlichten sie das Album „The Road“ in der neuen Besetzung der Mechanics gemeinsam mit Anthony Drennan (Gitarren), Gary Wallis (Schlagzeug) und Luke Juby (Keyboards).

Die Band begann, wieder ausgiebig und mit großem Erfolg zu touren, spielte ausverkaufte Konzerte und fesselte das Publikum mit ihren fulminanten Auftritten. Seitdem sind sie in dieser Besetzung zusammen und veröffentlichten das Top-10-Album „Let Me Fly“ (2017) und „Out Of The Blue“ (2019), das Überarbeitungen einiger ihrer beliebtesten Hits und drei damals neue Songs („One Way“, „What Would You Do“ und den Live-Favoriten „Out Of The Blue“) enthielt. Mit dieser Veröffentlichung gelang Mike + The Mechanics ihre fünfte Top-10-Platzierung in den britischen Albumcharts.

2025 werden sie mit der „Looking Back – Living The Years“-Tour anlässlich des 40-jährigen Bestehens von Mike + The Mechanics erneut auf Tournee gehen und unter anderem im April und Mai auch in Deutschland auftreten.

Titelliste:

  • 1. Silent Running (On Dangerous Ground)
  • 2. All I Need Is A Miracle ‘96
  • 3. The Living Years
  • 4. Word Of Mouth
  • 5. Over My Shoulder
  • 6. A Beggar On A Beach Of Gold
  • 7. Another Cup Of Coffee
  • 8. Taken In
  • 9. Nobody’s Perfect
  • 10. Everybody Gets A Second Chance
  • 11. Nobody Knows
  • 12. Seeing Is Believing
  • 13. The Road
  • 14. The Best Is Yet To Come
  • 15. Don’t Know What Came Over Me
  • 16. Out Of The Blue
Bell_Cover

Andy Bell (ERASURE) mit neuem Soloalbum

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Andy Bell hat Details zu seinem neuen Soloalbum “Ten Crowns” bekannt gegeben, das am 2. Mai 2025 auf Vinyl, CD (Standard- und 2CD-Version), Goldkassette und digital über Crown Recordings erscheinen wird. Kürzlich hat er die neue Single “Don’t Cha Know“ veröffentlicht. Das neue Album wird mit einer UK-Tournee einhergehen – alle Details unten – die am 1. Mai in York beginnt, am 19. Mai in Cambridge endet und am 16. Mai in London im Shepherd’s Bush Empire Station machen wird. Danach kommt Andy im Juni nach Deutschland. Daten gibt es weiter unten.

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“Don’t Cha Know“ war einer der ersten Tracks, die für das Album geschrieben wurden, und laut Andy markiert er ‚den Beginn der Expedition‘, die zu Ten Crowns werden sollte. Der bewegende Song ist eine Anspielung auf die emotionale Reise, die Andy hinter sich hat – „It’s so very hard to say hello / When your whole world comes crashing down,“ – und wird von einem Video von Stephano Barberis begleitet.

Das neue Album ist das Ergebnis eines Meilensteins in Andys Leben: „Ten Crowns“ – 10 Tracks schillernder, fröhlicher Pop, produziert und poliert in Nashville, inspiriert von Dancefloor und Gospel – wurde in dem Jahr fertiggestellt, in dem er 60 Jahre alt wurde und markiert einen majestätischen Moment in seiner Karriere.

Zusammenarbeit ist ihm nicht fremd – er hat vier Jahrzehnte lang mit Vince Clarke als Erasure geschrieben und aufgenommen – und er hat sich mit seinem engen Freund Dave Audé, dem Grammy-prämierten Produzenten, Remixer und DJ, auf das Schreiben gestürzt. Ihre gemeinsame Arbeit ist euphorisch, und um die Feierlichkeiten zu krönen, luden sie Andys ultimative Pop-Heldin, Debbie Harry, ein, um Andy bei „Hearts A Liar“ als Sängerin zu unterstützen.

Die neue Single folgt dem kosmischen Blitz von „Breaking Thru The Interstellar“, wo Andy uns „in Richtung eines anderen Paradieses tanzt… bereit für eine neue Dimension / Auf unserer galaktischen Reise“. Inspiriert von seiner Vorliebe für die Lektüre von BBC-Wissenschaftsmagazinen und der möglichen Existenz von Wurmlöchern, die Reisen durch den Weltraum ermöglichen, erklärt er: „Es ist der erste Song, weil ich die Leute wissen lassen wollte, dass wir jetzt einen Ausflug machen werden!“

Fotocredit: Sean Black

Andy und Dave hatten zuvor gemeinsam an zwei US-Dance-Chartplatzierungen gearbeitet: 2014 an „Aftermath (Here We Go)“ und 2016 an „True Original“, und nach diesen Dance-Tracks haben die beiden „einfach weitergeschrieben“, erklärt Andy, „und danach ist Dave mit seiner Familie nach Nashville gezogen, weil L.A. so teuer war, und so nahm unser Schreiben diese Art von Gospel-angehauchtem Nashville-Twist an.“

Er beschreibt, dass es in Nashville an jeder Ecke eine Kirche gibt („das erinnerte mich daran, wie ich als Kind in Chören und in der Domschule gesungen habe, wo der Geist der Kirche in die Musik eingeflossen ist“). „Ten Crowns“ ist kein düsteres, spirituelles Werk. Es ist treibend, elektronisch, leidenschaftlich, angetrieben von dem Bedürfnis, neuen Emotionen und Erfahrungen zu begegnen, während das Leben weitergeht. „Ich meine, ich habe alles, was ich mir wünschen kann, wirklich, aber das heißt nicht, dass ich immer erfüllt bin“, fügt Andy hinzu. „Auf diesem Album geht es darum, sich aufzurappeln, sich abzustauben, das Leben zu umarmen – und darum, dieses Gefühl anzunehmen, auch wenn man gegen Dämonen in der Welt kämpft, wie Homophobie, und gegen Dämonen in sich selbst. Es geht darum, feierlich und aufmunternd zu sein.“

„Ten Crowns“ markiert einen magistralen Moment in Andy Bells vierzigjähriger Karriere. Seine Freude darüber, was das bedeutet und wohin es führen kann, erregt ihn sichtlich. „Es ist mein drittes Solo-Album [nach Electric Blue von 2005 und Non-Stop von 2010] und bei Erasure war unser drittes Album das erfolgreichste von allen, die wir gemacht haben, also nehme ich diesen Geist mit!“

Die Reise in neue Dimensionen und Möglichkeiten mit Gospel im Herzen und Tanz in der Seele liegt ihm eindeutig. Ten Crowns ist Andy Bell imperial, glänzend, bereit für seine Krönung. TEN CROWNS erscheint am 02.05.2025 auf Crown Recordings/Vertrieb PIAS/Integral.

ANDY BELL LIVE TOUR 2025:

01.05. York, Barbican
02.05. Birmingham, Symphony Hall
03.05. Manchester, Bridgewater Hall
06.05. Glasgow, Royal Concert Hall
07.05. Aberdeen, Music Hall
08.05. Gateshead, Glasshouse
11.05. Bournemouth, Pavilion
12.05. Guildford, G-Live
13.05. Bath, Forum
16.05. London, Shepherd’s Bush Empire
18.05. Liverpool, Philharmonic
19.05. Cambridge, Corn Exchange

Deutschland Tour 2025:

  • 12.06. Frankfurt, Batschkapp
  • 13 .06. Hamburg, Markthalle
  • 15. 06. Berlin, Columbia Theater
  • 16.06. Köln, Gloria
  • 18.06. Leizpig, Anker
  • 19.06. Bremen, Modernes

21.06. Holstebro (Dänemark), Summer Sounds Festival

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ELL

Brachial und gewaltig

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ELL vereint mit weiblicher Stimme und wenigen Instrumenten die Schönheit einer Schlagbohrmaschine mit der Power einer duftenden Kirschblüte. Oder umgekehrt? Wer vermag das schon zu beurteilen! Erst recht, wenn man dieses Krach-Pop-Duo noch nicht live gesehen hat.

Lisa-Anna (sie/ihr) und Lennart (er/ihn) sind laut Rockband-Duden vielleicht personell unterbesetzt, jedoch fehlt es ihnen an absolut gar nichts. Das haben eine Vielzahl an eigenen Shows, Festivalauftritte und Supporttouren u.a. für Kochkraft durch KMA, Das Lumpenpack und Kind Kaputt bereits gezeigt.

Sympathisch? „Jep,“ Authentisch? „Oh ja!“ Sound? „Hä, wie machen die das?!?!“ Publika im deutschsprachigen Raum sind ELL schutzlos ausgeliefert und verlassen Shows in der Regel mit einem zementierten Grinsen, einer neuen Frisur und diesem warm-wohligen Gefühl, wenn man mit viel Liebe ein Butterbrot gemacht bekommen hat. Das sind ELL.

„Lauf los“ lässt das Album noch sanft und sphärisch starten, doch schnell geht es in die Vollen – mit Lärm und Energie. Das funktioniert live vermutlich besser als aus der Konserve, aber leider mussten einige Konzerte abgesagt werden, da es heutzutage allerorten schleppend läuft mit Ticketverkäufen, wenn man noch nie die Charts gestürmt hat. Schade, denn diese Form von Krach kann man sich gern mal geben.

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Tour Dates 2025:
27.03 Berlin „Schokoladen“
28.03 Halle „objekt5“
29.03 Jena „Rosenkeller“
03.04. Würzburg „Kellerperle“
05.04 Oberhausen „Druckluft“
09.04 Nürnberg „Desi“
11.04 Chemnitz/Kassberg „Altra“
15.05 Bielefeld „Potemkin“
08.12 Dresden „Ostpol“

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OSKA_WithLoveYourClementine_3000

OSKA veröffentlicht die neue Single „With Love, Your Clementine“

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Die in Wien lebende Indie-Pop Singer-Songwriterin OSKA kündigt ihr zweites Album „Refined Believer“ an, das am 20. Juni 2025 via Nettwerk erscheinen wird. Aufgenommen in London mit dem Produzenten David Kosten (Bat For Lashes, Marina Diamandis), zieht „Refined Believer“ die Hörer:innen mit OSKAs sanftem Sopran in den Bann und hält mit intimen Melodien fest, die von verträumter Leichtigkeit bis hin zu kathartischer Dringlichkeit reichen.

Zusammen mit der Albumankündigung veröffentlicht OSKA die neue Single „With Love, Your Clementine“ – eine minimalistische Ballade, in der ihre zerbrechliche Stimme über sanfte Gitarrenklänge und fein verwobene Harmonien schwebt. „Es ist eine Reflexion über das Navigieren durch die Ungewissheiten des Lebens und den inneren Konflikt, sich zurückziehen zu müssen, um Vergangenes zu verarbeiten“, erzählt OSKA. „Der Refrain greift eine beruhigende Botschaft aus meiner Kindheit auf – ‘have no fear’ –, ein Satz, den meine Eltern mir oft gesagt haben. Es ist eine Erinnerung daran, Hoffnung und Mut nicht zu verlieren, selbst wenn alles auseinanderzufallen scheint.“

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Nachdem sie im letzten Jahr bei SXSW für Aufsehen sorgte – LUNA Collective nannte sie „Viennas Rising Star“ und Indie Shuffle kürte sie zu einer der „best acts“ und „crowd silencer“ –, kehrte OSKA nach Europa zurück, um Headline-Shows, Festivalauftritte und vier ganz besondere Abende zu spielen: Sie durfte Coldplay in ihrer Heimatstadt Wien als Support begleiten – gemeinsam mit Maggie Rogers. 2024 gab OSKA bereits erste Einblicke in ihr kommendes Album mit den vorherigen Singles: dem verspielten, nostalgischen „Forever Blue“, dem hoffnungsvollen, verträumten „April, May, July“ und dem sanften, tröstenden „Like A Song“.

Ihr Debütalbum „My World, My Love, Paris“ (2022) erzählte in zwölf Songs von Familie, Erwachsenwerden und dem Suchen und Finden eines Platzes in der Welt. Mit ehrlichen Texten, zarter Melancholie und charmanter Offenheit zieht OSKA ihre Hörer:innen in den Bann. Das Album zählt mittlerweile über 20 Millionen Spotify-Streams und wurde von Medien wie Under The Radar („OSKA has a special talent for bittersweet yearning poeticism“), Atwood Magazine („determined to inspire listeners through poetic verse and beautiful melodies alike“) und Clout („Must-hear pieces of work“) hochgelobt.

Fotocredit: Ines Futterknech

Aufgewachsen in einem kleinen Dorf in Niederösterreich, zog OSKA mit 18 Jahren nach Wien, um sich voll und ganz der Musik zu widmen. Sie begann, in den Straßen der Hauptstadt zu musizieren, während sie Pop- und Jazzgesang studierte. 2020 unterzeichnete sie einen Plattenvertrag bei Nettwerk und veröffentlichte ein Jahr später ihre Debüt-EP „Honeymoon Phase“, die große Anerkennung fand. Es folgten der XA Music Export Award beim Waves Vienna Showcase Festival 2020 sowie fünf Nominierungen für die Amadeus Austrian Music Awards zwischen 2021 und 2022.

Beim Reeperbahn Festival 2021 wurde sie für den Anchor Award nominiert und von Jury-Mitglied Tom Odell entdeckt, der sie prompt auf seine Europatour einlud. Neben Odell tourte OSKA auch mit Stu Larsen, Matt Simons und HAEVN und spielte beim Eurosonic Showcase Festival 2023, wo sie mit dem Music Moves Europe Talent Award ausgezeichnet wurde – eine Ehrung, die bereits Künstler:innen wie Rosalía, Dua Lipa, Hozier und Adele erhalten haben.

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