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Depeche Mode

Depeche Mode: „Ghosts Again“ ist die erste Single aus dem neuen Album

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Mit der Single „Ghosts Again“ geht der Albumveröffentlichung von „Memento Mori“ schon jetzt das erste Vorab-Outtake voraus. „Ghosts Again“ war im vergangenen Oktober bereits während eines geheimen Previews im Rahmen des exklusiven „Memento Mori“-Tourankündigungs-Events in Berlin zu hören und stellt schon jetzt nicht weniger als einen lupenreinen Depeche Mode-Klassiker dar: Dave Gahans bilderstarke Lyrics wie „wasted feelings, broken meanings… a place to hide the tears we cry” verbinden sich über einem erhebenden, optimistischen Groove mit einer hypnotischen Gitarrenfigur von Martin Gore.

„Ghosts Again“ ist ab sofort auf sämtlichen digitalen Streamingdiensten sowie als Instant-Grat bei Pre-Saves und Vorbestellungen von „Memento Mori“ verfügbar. Das Album wird in folgenden Formaten veröffentlicht: (exklusive) 2LP-Vinyl, Kassette sowie in digitaler Form.

„Für mich fängt GHOSTS AGAIN das perfekte Gleichgewicht zwischen Melancholie und Freude ein“, so Gahan. „Es kommt nicht allzu oft vor, dass wir einen Song aufnehmen, den ich mir nicht nur immer und immer wieder anhören kann – ich freue mich auch riesig, ihn mit der Welt teilen zu dürfen“, ergänzt Gore.

Für die visuelle Umsetzung von „Ghosts Again“ zeichnet sich einmal mehr der langjährige Depeche Mode-Kollaborateur und Artwork-Designer Anton Corbijn verantwortlich, der auch das Albumcover von „Memento Mori“ geschaffen hat. Corbijns außergewöhnliche visuelle Übersetzung in nüchternen und doch satten Monochrom-Tönen ist hier zu sehen:

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„Memento Mori“ stellt Depeche Modes insgesamt 15. Studioalbum dar, während Gahan und Gore nach dem tragischen Tod von Bandmitgründer Andrew „Fletch“ Fletcher im Jahr 2022 den ersten Longplayer in zweiköpfiger Besetzung vorlegen. Produziert von James Ford mit Unterstützung von Marta Salogni reifte „Memento Mori“ während der Frühphase der weltweiten Covid-Pandemie heran; eine Periode, die auch einen thematischen Einfluss auf die Songs hatte.

Die 12 Albumtracks schlagen die Brücke zwischen einer Vielzahl von Stimmungen und musikalischen Texturen – angefangen beim bedrohlichen Opener bis zur Auflösung am Schluss spannt sich das Gefühlsspektrum von Paranoia und Besessenheit bis hin zu psychischer Befreiung und Freude sowie zahllosen emotionalen Zwischentönen. Hier die vollständige Tracklist von „Memento Mori“:

My Cosmos Is Mine
Wagging Tongue
Ghosts Again
Don’t Say You Love Me
My Favourite Stranger
Soul With Me
Caroline’s Monkey
Before We Drown
People Are Good
Always You
Never Let Me Go
Speak To Me

Die von Live Nation präsentierte Konzertreise stellt die erste Depeche Mode-Tour seit mehr als fünf Jahren sowie die 19. Tour der Band insgesamt dar. Der Tourstart findet am 23. März in Form einer besonderen Reihe nordamerikanischer Arena-Konzerten statt, in deren Rahmen Depeche Mode im New Yorker Madison Square Garden, dem United Center in Chicago, dem Kia Forum in Los Angeles, der Scotiabank Arena in Toronto sowie anderen Metropolen Station machen.

Ab dem 16. Mai werden Depeche Mode zu Gast in europäischen Stadien wie dem Pariser Stade de France, dem San Siro Stadium in Mailand oder dem Twickenham Stadium in London sein. Hierzulande werden die Engländer in Leipzig, Düsseldorf, München, Frankfurt und Berlin zu erleben sein. Aufgrund der hohen Nachfrage wurden in vielen Ländern Zusatzshows eingeplant. Weitere Informationen unter www.depechemode.com.

Mit über 100 Millionen verkaufter Tonträger und einem weltweiten Livepublikum von mehr als 35 Millionen begeisterter Fans stellen Depeche Mode einen in ständiger Weiterentwicklung befindlichen und bahnbrechenden musikalischen Impulsgeber dar. Als eine nicht mehr aus der populären Musik wegzudenkende Inspiration für Fans, Kritiker und Künstlerkolleg:innen gleichermaßen schlagen Depeche Mode mit dem Album „Memento Mori“ sowie der folgenden Tour das nächste Kapitel auf, in dem sie ihr unvergleichliches und lebendiges Vermächtnis fortschreiben.

„Memento Mori“-World Tour 2023:

23. März – Sacramento, CA – Golden 1 Center
25. März – San Jose, CA – SAP Center
28. März – Los Angeles, CA – Kia Forum
30. März – Las Vegas, NV – T-Mobile Arena
02. April – San Antonio, TX – AT&T Center
05. April – Chicago, IL – United Center
07. April – Toronto, ON – Scotiabank Arena
09. April – Quebec City, QC – Videotron Centre
12. April – Montreal, QC – Centre Bell
14. April – New York, NY – Madison Square Garden
16. Mai – Amsterdam, NL – Ziggo Dome
18. Mai – Amsterdam, NL – Ziggo Dome
20. Mai – Antwerp, BE – Sportpaleis Antwerpen
23. Mai – Stockholm, SE – Friends Arena
26. Mai – Leipzig, DE – Leipziger Festwiese
28. Mai – Bratislava, SK – Národný Futbalový Štadión
31. Mai – Lyon, FR – Groupama Stadium
02. Juni – Barcelona, ES – Primavera Sound Festival
04. Juni – Düsseldorf, DE – Merkur Spiel-Arena
06. Juni – Düsseldorf, DE – Merkur Spiel-Arena
09. Juni – Madrid, ES – Primavera Sound Festival
11. Juni – Bern, CH – Stadion Wankdorf
14. Juni – Dublin, IE – Malahide Castle
17. Juni – London, UK – Twickenham Stadium
20. Juni – München, DE – Olympiastadion
22. Juni – Lille, FR – Stade Pierre Mauroy
24. Juni – Paris, FR – Stade de France
27. Juni – Kopenhagen, DK – Parken
29. Juni – Frankfurt, DE – Deutsche Bank Park
01. Juli – Frankfurt, DE – Deutsche Bank Park
04. Juli – Bordeaux, FR – Matmut Atlantique
07. Juli – Berlin, DE – Olympiastadion
09. Juli – Berlin, DE – Olympiastadion
12. Juli – Rom, IT – Stadio Olympico
14. Juli – Mailand, IT – San Siro
16. Juli – Bologna, IT – Stadio Renato Dall’Ara
21. Juli – Klagenfurt, AT – Wörthersee Stadion
23. Juli – Zagreb, HR – Arena Zagreb
26. Juli – Bukarest, RO – Arena Națională
28. Juli – Budapest, HU – Puskás Aréna
30. Juli – Prag, CZ – Letňany Airport
02. August – Warschau, PL – PGE Narodowy
04. August – Krakau, PL – Tauron Arena
06. August – Tallinn, EE – Tallinna Lauluväljak
08. August – Helsinki, FI – Kaisaniemen Puisto
11. August – Oslo, NO – Telenor Arena

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Betontod

Betontod veröffentlichen ersten Track aus ihrem neuen Album

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Der Fußboden klebt. Es riecht nach altem Schweiß und schalem Bier. Deine Freunde und Freundinnen wollen noch weiter, du willst eigentlich seit drei Bier nach Hause. Doch dann knallt ein fremder Blick direkt in dein Herz…

Geschichten, die nur das echte Leben schreiben kann. Davon können BETONTOD, die zu den populärsten Vertretern der hiesigen Punkrock-Szene zählen, nach 30 Jahren so einige erzählen. Manche würde man lieber vergessen, an andere erinnert man sich gerne zurück. Und hin und wieder passiert was, worüber man einen Song schreiben muss. Wie „Nie mehr St. Pauli ohne Dich“. Doch sorgen wir erstmal für ein wenig Kontext.

Wer sich in den letzten drei Jahrzehnten auch nur ansatzweise mit deutschsprachigem Punkrock befasst hat, der kam an BETONTOD nicht vorbei. Anfang der Neunziger im beschaulichen Rheinberg gegründet („In einer lauen Sommernacht auf der Parkbank“, lacht Gitarrist Frank „Eule“ Vohwinkel. „Glaubt dir heute auch keiner mehr“) landen Alben wie „Traum von Freiheit“, „Revolution“ oder das erst 2021 veröffentlichte „Pace per Sempre“ regelmäßig auf vorderen Positionen der Charts. Und auch live sind Vohwinkel, Sänger Oliver Meister, Gitarrist Mario Schmelz, Bassist Adam Krosny und Schlagzeuger Maik Feldmann längst in den großen Konzerthallen angekommen. Mehr noch: Selbst auf den größten nationalen Festivals wie dem Wacken Open Air oder Hurricane/Southside gehören BETONTOD zu den Stammgästen und begeistern regelmäßig zehntausende.

Mit „Nie mehr St. Pauli ohne Dich“, der (streng genommen) zweiten Auskopplung aus dem aktuellen Album „Zeig dich!“ (VÖ: 26. Mai 2023), haben BETONTOD einen der mitreißendsten Songs ihrer Karriere geschrieben. Treibend, mit krachenden Gitarren und einer Mörder-Hookline. In unter dreieinhalb Minuten. Und trotzdem eindeutig in der eigenen musikalischen Sozialisation (irgendwo zwischen Sex Pistols, Die Toten Hosen und Slime) verwurzelt. Oben drauf dann als kleiner Farbtupfer mit ein paar Bläsern garniert, fertig. So geht Stadion-Punk, Punkt!

Es muss ein denkwürdiger Abend gewesen sein, von dem „Nie mehr St. Pauli ohne Dich“ handelt. Doch es geht nicht um etwas profanes, wie ein verkatertes „Nie wieder“ am Morgen nach der Sauferei. Sondern um ein Gefühl, das wie ein Blitz durch deinen Körper und Seele rast und dich nicht mehr loslässt. Dass du dann trotzdem im Suff die Nummer verlierst, die man dir mitgegeben hat – geschenkt. „Hamburg ist – genau wie Berlin – eine unserer Herzensstädte“, erklärt Frank. „Aber warum uns da immer solche Sachen passieren, weiss ich auch nicht“, schmunzelt er.

Schon Johnathan Frakes hat in der TV-Show „X-Factor: Das Unfassbare“ die Frage gestellt, die jetzt unter den Nägeln brennt: „Ist diese Geschichte wirklich so passiert, oder ist sie frei erfunden?“. Und das wollen wir jetzt auch wissen. „Also da war ein Kumpel mit dabei. Der hat das alles mit erlebt“, schmunzelt Frank. Es gäbe da nur ein Problem: „Wir haben auch seine Nummer verloren, du kannst ihn jetzt also nicht selbst fragen. Zumindest nicht jetzt direkt“.

Ganz ehrlich: Es ist in Wahrheit völlig egal, ob die Story stimmt oder nicht. Denn ein toller Song ist ein toller Song ist ein toller Song. Denn „Nie mehr St. Pauli ohne dich“ ist ein moderner Punkrock-Song, der nicht nur am Millerntor, auf der Reeperbahn oder in der Hafenstraße funktioniert. Denn das Gefühl lässt sich an jeden Ort transportieren. Oder wie Frank sagt „Wenn et dich trifft, ist alles andere egal. Da machste nix“. Fakt ist: „Nie mehr St. Pauli ohne Dich“ ist die Punkrock-Hymne des Jahres, Ende der Durchsage.

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Schiller

Schiller dreht Musikvideo in Kyiv/Ukraine

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Am 24. Februar jährt sich der Tag des Überfalls auf die Ukraine durch Russland zum ersten Mal. „Was kann ich in dieser Lage konkret für ukrainische Künstler tun?“ fragte sich Schiller-Mastermind Christopher von Deylen und hatte eine Idee: Ein Musikvideo gedreht in Kyiv!

„Natürlich klang es zunächst wie Irrsinn. Wie soll man mit Stromausfällen, ohne Equipment und bei täglich möglichem Luftalarm ein Musikvideo drehen?“ erzählt von Deylen. Aber nachdem er Freunde in Kyiv anrief und ihre Begeisterung für die Idee spürte, war klar, dass es schwierig, aber möglich war.

„Empire of Light zeigt, wie das Leben in Kyiv aktuell ist“, erläutert Regisseur Igor Kuleshyn. „Ein junges Paar sucht Schutz vor den Luftangriffen im Keller. Es ist kalt und dunkel, aber durch die Liebe, die die beiden füreinander empfinden, schaffen sie es die Zeit zu überstehen.“ Passenderweise sind die beiden Protagonisten Volodymyr Marchuk und Kateryna Kurman auch im echten Leben ein Paar, das genau diese Geschichte selbst täglich erlebt und dadurch besonders nachfühlbar tänzerisch darstellt.

Mit Schiller gab Christopher von Deylen in der Vergangenheit einige Konzerte in Kyiv. Daher kennt er viele Menschen vor Ort und hat eine besondere Verbindung zur Ukraine. „Es ist mir wichtig, auch in diesen Zeiten den kreativen Austausch über Landesgrenzen hinaus am Leben zu halten“, erzählt er. Mit dem Video ist es ihm gelungen, ein Stück Normalität in die Ukraine zu tragen, und zu zeigen, dass es dort auch in Kriegszeiten weiter kulturelles Leben gibt und dies unbedingt gefördert werden muss.

„Empire of Light“ ist die erste Single aus dem kommenden Schiller Album „Illuminate“. Mit acht Nummer-1-Platzierungen, zahllosen Gold- und Platinauszeichnungen sowie weltweiten Tourneen ist Schiller seit Jahren Deutschlands bekanntester Elektronik-Künstler. „Illuminate“ erscheint am 10. März 2023 zum 25-jährigen Jubiläum bei Nitron/ Sony Music.

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RHODES Cover

Gute Freunde in schweren Zeiten

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David Rhodes begann mit elf Jahren das Gitarrespielen und übte sich zunächst in Coverversionen. Mit 23 startete der Singer/Songwriter aus Hitchin im britischen Hertfordshire eine Karriere mit eigenen Songs. Neben einer Vielzahl von EPs ist 2015 sein Debütalbum erschienen. Für den Nachfolger ließ er sich acht Jahre Zeit, was sicher auch dem Lockdown geschuldet ist.

Nach der Veröffentlichung von „Wishes“ im Jahr 2015 tourte Rhodes mit Künstlern wie Sam Smith, Hozier und George Ezra auf der ganzen Welt, anschließend zog er sich eine Weile aus der Musik zurück. Zusammen mit seiner Frau gab Rhodes während des Lockdowns jeden Tag von zu Hause aus eine Coversong über seine sozialen Kanäle auf Instagram TV und TikTok zum Besten, um mit seinen Fans in Kontakt zu bleiben.

„Friends Like These“ ist eine Kollektion von persönlichen Tracks, die von Liebe, Verlust, Freundschaft und Hoffnung erzählen, verstärkt von Davids charmanter Stimme. Da finden sich sehr ruhige, emotionale Stücke wie der atmosphärische Titelsong, die mit energischem Pathos vorgetragen werde. Rhodes‘ Stimme kann einen einfach nicht kalt lassen – so authentisch und ehrlich wie sie klingt.

Ob er sich wie in „The Love I Give“ mit chorischen Passagen verstärkt oder in „No Words“ seine ganze Melancholie reinlegt – er weiß stets zu bewegen. Bei „Good To You“ schwelgt er in hohen Tonlagen. „Even When It Hurts“ und „Satellite“ kommen mit akustischer Leichtigkeit. Rhodes kann locker allein zur Gitarre bestehen, doch die meisten Stücke sind stark ausproduziert. Selbst elektronische Klänge wie in „Suffering“ kommen absolut emotional.

Sehr hymnisch liefert „Blue As Forget Me Nots“ starke Klänge, während der Abschluss „Drink To This“ die Hörer wieder nachdenklich zurücklässt. Das Album umfasst zehn Songs und 35 herzzerreißende Minuten. Ein ruhiges, homogenes Werk mit großartigen Momenten, die man am besten nicht auseinander pflückt.

Rhodes selbst sagt dazu: „FRIENDS LIKE THIS wurde in einer Nacht voller Gedanken und Träume oder Konversationen mit engen Freunden geboren, während wir uns über persönliche Traumata austauschten und versuchten, mit den Gefühlen umzugehen, die wir alleine nicht verarbeiten konnten. Das Album ist musikalisch breitgefächert und ein wenig chaotisch und ich habe das Gefühl, dass es eine Widerspiegelung meiner Erfahrungen ist, die ich über die letzten Jahre gemacht habe. Ich bin endlich auf dem richtigen Weg, umgeben von guten Freunden und guten Menschen.

Ich möchte, dass das Album über das hinauswächst, was ich dachte, was es werden sollte. Ich will, dass es gehört wird und Erkenntnis, Freundschaft und Hoffnung feiert. Meine engen Freunde befinden sich überall auf dem Album – ohne sie würde ich nicht existieren. Es hat einen Moment gebraucht, um an den Punkt zu gelangen, aber in so einer chaotischen Welt habe ich das Gefühl, dass wahre Schönheit und Klarheit in den Pausen entstehen.“

Die Hommage an gute Freunde in schweren Zeiten ist absolut gelungen. Wer das live genießen möchte, hat vier Möglichkeiten in Deutschland – Februar 2023:

  • 19.02.2023 – DE – Hamburg | Knust
  • 20.02.2023 – DE – Berlin | Lido
  • 22.02.2023 – DE – Cologne | Luxor
  • 23.02.2023 – DE – Munich | Strom

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Falco Einzelhaft Deluxe Vinyl-BOX

FALCO: Ein Kommissar in Einzelhaft

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Am 27. Januar 2023 erschien „Einzelhaft“ – Falcos erstes Studioalbum – auf Vinyl, Doppel-CD und MC in einer besonderen Deluxe Edition. Neben den „Remastered Versionen“ und raren Remixen von Songs aus dem Album „Einzelhaft“ enthält die CD-Edition zudem als Bonusmaterial das Pop-Krone-Konzert vom 01.11.1982 in Wien. Es war Falcos erster Auftritt mit Live-Band als Solokünstler. „Einzelhaft“ mit Hits wie „Der Kommissar“, „Maschine brennt“, „Ganz Wien“, „Auf der Flucht“ oder „Zuviel Hitze“ ist ein Meilenstein der österreichischen Popmusik. Es wird als Falcos „bestes Album“ bezeichnet, wenngleich spätere Werke kommerziell erfolgreicher waren. Das Album klingt auch heute noch frisch, modern und zeitlos. Die Originalversion wurde von dem ursprünglichen Produzenten Robert Ponger re-mastered. Die limitierte „Einzelhaft“-Edition auf Kassette wird als begehrtes Sammlerstück angeboten.

„Einzelhaft“, Falcos Debutalbum, wurde auch von Falco selbst als sein bestes Album bezeichnet. Das 1982 auf dem kleinen Wiener Plattenlabel GiG Records veröffentlichte Werk ist modern, ambitioniert und gleichzeitig spontan, lässig – so klang zuvor keine Platte eines österreichischen Popkünstlers. Die Songtexte thematisieren Drogenprobleme, Großstadtkälte, Lust und Frust des modernen Lebens. Nie wieder äußerte sich Falco später so eindeutig über politische Themen wie Unterschlagung, Korruption und Wirtschaftskriminalität. Und es ist sicherlich auch sein persönlichstes Album – eines, auf dem er sich als Sprachrohr einer neuen (österreichischen) Jugend stilisiert. Gleichzeitig präsentiert sich Falco als Chronist einer vom Wohlstand dekadenten Gesellschaft, an der er zwar den tödlich langweiligen Stillstand kritisiert, aber süffisant auch auf die Vorzüge eines derart zustande gekommenen Hedonismus eingeht.

Die Beschreibung dieser zerbrechlichen Gemeinschaft, in der jeder auf der Flucht vor irgendjemandem oder irgendetwas ist, drückt Falco in seinen Phrasierungen aus. So klingt er auf faszinierende Art zugleich gehetzt und gelangweilt; bereits hier auf dem ersten Album spiegelt seine Stimme die teilnahmslose Dekadenz, die charmante Arroganz, die unterkühlte Wut und die einmalige Mischung aus deutschen und englischen Sprachfetzen wider, die Falco international berühmt werden ließen. Falco erfindet sich darauf selbst als charmanten, selbstironisch-humorvollen Pop-Dandy mit einem scharfen Auge für soziale und kulturelle Phänomene.

Auch Falcos Vortrag seiner Texte mit einer gehörigen Portion Sarkasmus, Ironie, Wiener Schmäh und Chuzpe führten dazu, dass Falcos erstes Album als Parodie aufs Establishment und er selbst als „Anarchist im hedonistischen Tarnanzug“ aufgenommen wurde. Natürlich ist der Longplayer kein Konzeptalbum im klassischen Sinn, aber selten durchzogen sich quer über fast alle Songs eines Falco-Werks so konstant und einheitlich Themen wie hier. Sollte man jemandem die Faszination Falcos erklären wollen, tut man gut daran, ihm genau dieses Album vorzuspielen, hier ist bereits alles angelegt, was Falco ein paar Jahre später zum internationalen Weltstar werden ließ, und es ist genau hier, dass all diese Elemente so beeindruckend umgesetzt wurden.

Das Konzert Pop-Krone als Bonusmaterial auf der Doppel CD genießt Kultstatus, auch weil Falco dabei zum ersten und letzten Mal mit seinem kongenialen Produzenten und Songwriting-Partner Robert Ponger, der hier das Keyboard bediente, auf der Bühne stand. Dieses Konzert am 1. November 1982 in der Wiener Stadthalle im Rahmen der Pop-Krone war Falcos erster Auftritt mit einer Live-Band als Solokünstler. Bei der Pop-Krone handelte es sich um eine Musiker-Wahl der österreichischen Kronen-Zeitung, bei der die Fans telefonisch und mit schriftlichen Einsendungen ihren Lieblings-Popstar wählen konnten. Falco sang sechs Songs aus seinem Debutalbum „Einzelhaft“. Zwei dieser Songs – „Zuviel Hitze“ und „Maschine Brennt“ – hat Falco danach nie wieder live aufgeführt.

Schimmerling_EP-Cover_Fu_r immer egal

SCHIMMERLING veröffentlicht Songpoeten-Session

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Verwöhnt vom Erfolg des letzten Jahres, lässt sich SCHIMMERLING nicht auf dem Diwan gehen, sondern zaubert mit der Songpoeten-Session von „Für immer egal“ ein weiteres Kunstwerk aus dem Ärmel.

Simon von SCHIMMERLING kommt aus dem Schwärmen nicht mehr raus: „Ich habe das große Glück mit Ella befreundet zu sein. Diese Frau stand schon bei einigen Konzerten mit mir auf der Bühne und hat mit ihren Vocals meine Lieder auf ein anderes Level gepusht. Bei der Konzipierung dieser Livesession durfte ich etwas tiefer in die Welt ihrer Arbeit blicken, als sie mit einem Chor-Arrangement um die Ecke kam. Dieser Beitrag tat nicht weniger, als den Song zu vollenden. Ich saß da und hörte dieses Lied scheinbar zum allerersten Mal.

Am Tag der Aufzeichnung erschien sie mit ihrem Ensemble, bestehend aus Fina, Laetitia, Lisa Dellmann und Yasmin Sidibe und als mir bei den ersten Probeshots die Tränen in die Augen stiegen, wusste ich, dass sich hier ein Kreis schließt. Ich bin diesen fünf Frauen sehr, sehr dankbar und stolz neben ihnen diesen Song zu performen.“

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Mehr Live-Eindrücke von Schimmerling wird es ab März geben auf dem zweiten Teil der „Von Dreck und Liebe“-Tour.

Live-Daten:
01.03.23 Hamburg, Goldener Salon
02.03.23 Rostock, MAU Club
03.03.23 Berlin, Badehaus
04.03.23 Unna, Kühlschiff in der Lindenbrauerei
09.03.23 München, Feierwerk/Kranhalle
10.03.23 Kaiserslautern, Kammgarn

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Adina_Single_Goldie

Adina startet mit ihrer nächsten Single „Goldie“ ins neue Jahr

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Der allererste jemals geschriebene Song eines Artists bleibt meistens sicher unter Verschluss – aus Gründen. Es spricht für ADINA, dass sie diesen veröffentlicht. „Ich weiß noch genau, wie ich nachts, bei völliger Dunkelheit auf meinem Bett saß, mit der Gitarre in der Hand. Es gab nur meine Gefühle, die Gitarre und mich. Noch nicht mal den Gedanken, dass das hier irgendwann mal jemand zu hören bekommt. Das waren die Anfänge von ‚Goldie‘ – nur für mich, mein safe space.“ Gute zwei Jahre und zwei Singles später ist es jetzt soweit. Nach „Schwarzes Konfetti“ und „Morio Muskat“ ist die Zeit reif für „Goldie“. „Der Song soll ein Empowerment dafür sein, zu 100% zu sich selbst zu stehen und mit Überzeugung seine Grenzen zu wahren.“

„Goldie“ beschreibt den Moment, indem man rechtzeitig und mit erhobenem Haupt aus einer toxischen Situation geht. „Nein zu dir“ und „Ja zu mir“. „Ich habe darin eine Beziehung verarbeitet, in der ich mich nicht entfalten konnte. Ein Mensch hat das Ruder übernommen und sein Machtgefälle mir gegenüber missbraucht – vielleicht nicht absichtlich, aber mindestens durch Oberflächlichkeit. Er ist voll ’seinen Film gefahren‘. Deswegen gibt es im Text auch so viele Referenzen auf Filme. Sie sollen darstellen, dass es sich wie in einer andere Welt, etwas weltfremd angefühlt hat.“

Fotocredit: HelloBipo

Auch die Produktion ist besonders. Nicht nur hübsch wie Popmusik oft ist, sondern gritty, dirty und trotzdem edel. „Goldie ist all denen gewidmet, die sich schon mal fehl am Platz fühlten oder in denen sie nicht der Mensch sein konnten, der sie sind.“ So wie Goldie, in dem Film „Sin City“. Die Stadt ohne Gnade, in der alles möglich scheint – nur eben keine Erlösung und Gerechtigkeit. Dort lebt auch Goldie, eine schöne Prostituierte, die letztlich ermordet wird.

„Im Rückblick hat mich diese Zeit zwar stärker, aber auch sehr viel unnahbarer gemacht und meine Angst vor Verletzlichkeit und auch Weiblichkeit vertieft. Das beobachte ich übrigens häufig in unserer Gesellschaft: Gerade junge Frauen tun Dinge, die sie gar nicht unbedingt fühlen und haben Schwierigkeiten Grenzen zu setzen. Deshalb wollte ich meine Geschichte in Kunst verwandeln. Es ist für mich so besonders, dass der erste Song, den ich überhaupt je geschrieben habe, jetzt released wird. Das bestätigt mich noch mehr, wie wichtig es ist, seinen eigenen Weg zu gehen – ohne vergleichend nach links und rechts zu schauen.“ Typisch ADINA eben.

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RHODES_good to you

RHODES veröffentlicht neue Single und kommt mit neuem Album auf Tour

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Der britische Singer/Songwriter RHODES veröffentlicht heute seine neue, emotionale Single „Good To You“. Der persönliche Track fängt lyrisch die Angst vor dem Verlust einer geliebten Person ein und stellt gleichzeitig RHODES charmante Stimme zur Schau.

Über den Track sagt RHODES: „Es gab eine Zeit, in der ich dachte, dass ich jemanden verlieren würde und es motivierte mich ein paar Songs zu schreiben, die eine Art Eingestehen von Schuld sind; dass ich das Problem bin und wusste, dass ich mich ändern muss. Ich wollte mit den Gedanken spielen, dass ich ohne diese Person nichts und niemand wäre. Ich schrieb den Song tatsächlich zusammen mit meiner Partnerin, die die Person war, die ich nicht verlieren wollte, und meinem Freund Steve Weston. Das Interessante an dem Song ist, dass er eigentlich als Dance Song geschrieben wurde und an andere Künstler gepitcht werden sollte, aber nach einer Weile realisierte ich, dass der Text mir so nahestand und dass die Gefühle zu persönlich sind, also wollte ich eine eigene Version aus dem Song machen, die ich mir auf meinem Album vorstellen konnte.“

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Die Single folgt den bereits veröffentlichten Tracks „No Words“, „Suffering“, „The Love I Give“, „Drink To This” und „Friends Like These” und ist Teil von RHODES‘ zweitem Album „Friends Like These“, welches am 27. Januar erscheint. Das neue Album wurde im Lockdown mit Produzenten Rich Cooper und Ash Workman (Christine and the Queens, Metronomy) geschrieben und ist das erste seit seinem hochgelobten Debut „Wishes“ aus dem Jahr 2015, welches die Single „Let It All Go“, ein Duett mit Birdy, beinhaltet und über 198 Millionen Spotify Streams erreicht hat.

Nachdem er einen Vertrag mit Nettwerk und Tap Management (Dermot Kennedy, Lana Del Rey, London Grammar) unterzeichnete, ist RHODES nun motiviert und bereit mehr Geschichten über Liebe, Verlust, Freundschaft und Hoffnung zu teilen. Nach seiner triumphalen Akustik Tour in Deutschland, spielte RHODES seine erste Headline Show in London seit sechs Jahren vor ausverkauftem Publikum im Omeara. Nächsten Monat erobert RHODES die Bühnen im Vereinigten Königreich sowie Europa mit einer Headline Tour.

SYML_Sarah Cass

SYML veröffentlicht neuen Song BELIEVER

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SYML – das Soloprojekt von Sänger, Songwriter und Produzent Brian Fennel – veröffentlicht seinen neuen Song „Believer“. Der Track stammt von seinem bevorstehenden Album „The Day My Father Died“, welches am 3. Februar erscheint. „An etwas zu glauben, ist etwas sehr Reines“ sagt Fennell. „Ich realisierte, dass es für mich kein Gott oder magischer Geist ist, sondern meine Partnerin und wie ich ihr zu Füßen liege.“

Zusätzlich zu „Believer”, enthält „The Day My Father Died” die Songs “Better Part of Me” featuring Sara Watkins (Nickel Creek, I’m With her), „Howling” featuring Lucius, „Lost Myself” featuring Guy Garvey (Elbow), „You and I” featuring Charlotte Lawrence und „Sweet Home”.

Das Album wurde zusammen mit Phil Ek (Band of Horses, Father John Misty, Fleet Foxes) in deren Heimat Seattle aufgenommen und produziert und ist die erste LP auf der eine komplette Band zu hören ist. Außerdem wirkt SYML auf Lana Del Rey’s bevorstehendem Album „Did You Know That There’s A Tunnel Under Ocean Boulevard“ mit.

Zudem tritt SYML bald eine internationale Tour im Frühling an und spielt Headline Shows quer durch Europa. Die Tour macht Halt in Städten wie Amsterdam, Mailand, Barcelona, Paris, London und vielen mehr.

„The Day My Father Died” trieb Fennell dazu, eine Geschichte über zwischenmenschliche Beziehungen und gewählter Verwandtschaft zu erzählen, nachdem sein Adoptivvater im Jahr 2021 verstarb. Es ist ein Zeugnis von Wachstum und Heilung anstatt von Verlust und dokumentiert Fennels Reise herauszufinden, wie man nach einer fundamentalen und unwiderrufbaren Veränderung weitermacht.

„Das stetig wachsende Universum wird mir immer Angst und Freude bereiten aber das Unfassbarste passiert hier bei uns auf einem menschlichen Level“, sagt Fennel. „Meinen Vater zu verlieren, fühlte sich an, als würde einem die Luft ausgehen. Ich fühle es immer noch in meinem Bauch. Aber das Album handelt nicht von dem Verlust selbst, sondern was nach dem Verlust passiert.“

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Fennell wuchs in Seattle auf, lernte Klavier zu spielen und brachte sich selbst das Produzieren und Programmieren von Musik und das Gitarrespielen bei. Er veröffentliche im Jahre 2019 sein self-titled Debut Album selbst, welches die mit Platin ausgezeichnete Single „Where’s My Love“ enthielt. Darauf folgte seine schmerzerfüllte EP „DIM“, welche 2021 veröffentlicht wurde.

Nachdem er Dermot Kennedy auf seiner letzten U.S. Tour im Jahr 2021 unterstützte, ging SYML auf seine eigene Headline Tour für sein Live Album „Sacred Spaces“, wobei er in wunderschönen Kirchen überall auf der Welt spielte. Dabei spielte er in Nordamerika und Europa, inclusive ausverkaufter Shows in London, Paris, Amsterdam und drei Terminen in Las Masonic Lodge und Montreals Corona Theater.

Die Tour endete mit einer besonderen Hometown Show in der St. Mark’s Cathedral in Seattle, was SYML an den Ort zurückbrachte, wo alles begann. Seine Musik kann in unzähligen Filmen, TV Shows und Werbekampagnen gehört werden, inklusive der Netflix Serie „Behind Her Eyes“. Seine Version des Songs “Mr. Sandman” wurde hierbei als Titel Track verwendet.

SYML – THE DAY MY FATHER DIED

  • 1. Howling (featuring Lucius)
  • 2. Believer
  • 3. Laughing at the Storm
  • 4. Sweet Home
  • 5. Lost Myself (featuring Guy Garvey)
  • 6. The Day My Father Died
  • 7. Feel Your Pain
  • 8. Tragic Magic
  • 9. Chariot
  • 10. Marion
  • 11. Better Part of Me (featuring Sara Watkins)
  • 12. Baby Don’t Lie
  • 13. You and I (featuring Charlotte Lawrence)
  • 14. Caving In
  • 15. Corduroy

PHASES TOUR DATES GSA:

  • 10.03.2023 Köln, Bürgerhaus Stollwerck
  • 14.03.2023 Zürich, Kaufleuten
  • 15.03.2023 München, Ampere
  • 17.03.2023 Wien, Porgy&Bess
  • 19.03.2023 Berlin, Heimathafen
  • 20.03.2023 Hamburg, Übel & Gefährlich

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Monty in Montreux – 1993 bis 2016

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Montgomery Bernard „Monty“ Alexander ist ein weltberühmter Jazzpianist und Melodicaspieler. Im Jahr 1948 begann er bereits mit vier Jahren damit, Klavier zu spielen. Die Anzahl seiner späteren Einspielungen ist Legion. Im Jahr 2011 war er gar für den Grammy nominiert.

Die vorliegende Veröffentlichung „The Montreuy Years“ zieht sich durch die Jahrzehnte. Von 1993 bis 2016 ist er vier Mal in unterschiedlichen Besetzungen beim „Montreux Jazz Festival“ aufgetreten – und hier gibt es eine starke Zusammenfassung der Sets.

Als Monty im Jahr 1976 zum ersten Mal in Montreux auftrat, war er bereits ein unglaublich erfolgreicher Künstler – und doch war der Auftritt beim Montreux Jazz Festival ein ebenso bedeutender wie großer Karrieresprung. „Montreux war wie eine Olympiade. Bis dahin war ich als Jazzmusiker unterwegs und spielte in den USA in ganz gewöhnlichen Clubs. Die Leute dort waren nicht sonderlich an intellektuellen Inhalten interessiert, sie wollten nur, dass die Musik swingt. Nach Montreux und damit an diesen wunderschönen Ort, umgeben von Bergen, und mit einem so intelligenten, leidenschaftlichen Publikum zu gehen und dort und mit all diesen unglaublichen Musikern zu spielen… ich war einfach begeistert. Tatsächlich musste ich mein Ego ziemlich in Schach halten. Es war ein sehr weiter Weg – seit meiner Kindheit in Kingston, Jamaika, die eine vollkommen andere Welt ist.“

1993 war man in Trio-Besetzung am Start und das Zusammenspiel ist wirklich erstklassig, davon zeugen „Linstead Market“ und „Renewal“. 1996 begleitete ihn das beschwingte Jamaican Project, das seine musikalischen Wurzeln zum Klingen brachte. 2014 und 2016 war es der Harlem Kingston Express. Es wird gewirbelt und gejammt, was das Zeug hält. Wer auf guten, klassischen Jazz mit weltmusikalischen Einflüssen steht, wird an diesem Release nicht vorbei kommen.

In seiner insgesamt nunmehr sechs Jahrzehnte umspannenden Karriere hat sich Monty Alexander einen ganz hervorragenden Ruf erarbeitet, indem er sowohl in die Welten des amerikanischen Jazz, als auch populärer wie der Musik seines Heimatlandes Jamaika eingetaucht ist, auf höchst kreative Weise Brücken zwischen diesen geschlagen und doch jedem dieser Welten auch seinen eigenen Raum für einen zutiefst authentischen musikalischen Ausdruck gegeben hat. Seit jeher stolz auf seine Wurzeln verbindet Monty mühelos sein legendäres Klavierspiel mit anderen musikalischen Einflüssen, einschließlich dem seines Landsmannes Bob Marley zu hören auf dem großartigen „No Woman No Cry“, dessen Live-Version mit dieser Veröffentlichung erscheint.

Die Mitschnitte wurden fachmännisch restauriert und in HD-Audioqualität neu gemastert. „The Montreux Years“ erscheint auf hochwertigem, audiophilem, schwerem Vinyl und auf CD in MQA-Qualität. Zusätzlich enthalten sind brandneue Liner Notes, die auf einem Interview mit Monty basieren, sowie seltene Fotos von seinen Montreux-Shows.

Kelly Party

Die KELLY FAMILY lädt zur „Christmas Party“

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Im letzten Jahr war es noch eine kurze EP, mit der die Kelly Family ihren Fans die Vorweihnachtszeit versüßte. Hat wohl gut funktioniert, denn in diesem Jahr legen sie mit „Christmas Party“ ein komplettes Album vor – und das sorgt für eine knappe Stunde weihnachtlicher Atmosphäre zwischen familiärer Behaglichkeit und Feierstimmung. Bis auf das abschließende „Feliz Navidad“ finden sich nicht die üblichen Verdächtigen, die man immer hört. Das ist schon mal ein großes Plus der Zusammenstellung. Stattdessen gibt es hauptsächlich Eigengewächse aus dem Haus Kelly.

„Wir wollen die größte und schönste Weihnachtsparty unseres Lebens feiern. Und wir laden alle Fans dazu ein!“ So lautet das Motto. Als Opener gibt es das gefühlvolle „Grateful“ zusammen mit Ronan Keating. Irische Klänge passend zu den gemeinsamen Wurzeln. Es folgt die Single „Peace On Earth“ – ein Wunsch, der wohl noch nie in den letzten Jahrzehnten dringender war. Es gibt Folk, hymnische Popsongs, ein wenig Rock und allgemein viel Melancholie.

Man verliert ein wenig den Überblick, wer aktuell zur Family gehört, doch Kathy, Paul, Patricia, Joey, John und Jimmy halten den Laden zusammen. Im Hintergrund wirkt die spanische Sopranistin und Produzentin Maite Itoiz mit, mit der John Kelly verheiratet ist. Sie hat zum Songwriting vieler Stücke beigetragen.

Ein Highlight ist die Hymne „One More Happy Christmas“ mit rockiger Attitüde. Auch „No More Christmas“ schlägt mit vokaler Gewalt in diese Kerbe und glänzt mit starken Gitarrenriffs. Melancholisch wird es hingegen bei „Those Were The Days“ und „It’s Christmas Day“, das vom Zauber der Weihnachtstage erzählt.

Fotocredit: Ben Wolf

Mir gefällt es vor allem, wenn Kathy und Patricia ihre eindringlichen Stimmen mit viel Pathos erklingen lassen. Das wirkt nie aufgesetzt sondern immer grundehrlich. Der Glaube bedeutet in der Familie noch sehr viel – das wird jedem bewusst, der Patricias Biografie liest.

„It’s Christmas All Year“ überführt die weihnachtliche Botschaft in den Alltag des kompletten Jahres. Und „Rock Your Christmas“ betont Diversität und sexuelle Vielfalt: „to all the gays of all the genres“ heißt es ganz explizit. So wird den Fans eine wichtige Botschaft der Toleranz vermittelt.

Zum Ende hin gibt es schöne Singalongs wie „Christmas Is Here With Us“ und „Christmas In Our Hearts“. Die Coverversion „Fairytale Of New York“ hat sich dazwischen gemogelt und das beschwingte „A Fairy Merry Christmas“ wurde für eine spannende Instrumentierung mit Pipes und Whistles arrangiert, wobei es eine märchenhafte Geschichte erzählt.

Ja, Weihnachten ist wie geschaffen für die Kelly Family. Hier kann man alle Qualitäten des Songwritings und der stilvollen Interpretation ausleben. Vielleicht sind 57 Minuten heile Welt am Ende zuviel des Guten. Das mag jeder für sich selbst entscheiden. Jedenfalls finde ich es absolut erfrischend, hier fast ausschließlich neue Weihnachtssongs geboten zu bekommen – und wer weiß? Vielleicht entwickeln sich neue Klassiker daraus…

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THE KELLY FAMILY – Die Mega Christmas-Show 2022:

18.11. 2022 Krefeld Yayla Arena
19.11. 2022 Mannheim SAP ARENA
22.11. 2022 Nürnberg ARENA Nürnberger Versicherung
23.11. 2022 Leipzig Quarterback Immobilien Arena
25.11. 2022 Chemnitz Messe Chemnitz
27.11. 2022 München Olympiahalle München
29.11. 2022 Bremen ÖVB-Arena
30.11. 2022 Riesa SACHSEN Arena
02.12. 2022 Halle W. OWL Arena
03.12. 2022 Berlin Mercedes-Benz Arena
04.12. 2022 Hamburg Barclays Arena
06.12. 2022 Kiel Sparkassen-Arena-Kiel
07.12. 2022 Schwerin Sport- und Kongresshalle
09.12. 2022 Oldenburg Große EWE Arena
10.12. 2022 Düsseldorf PSD Bank Dome
11.12. 2022 Braunschweig Volkswagen Halle
13.12. 2022 Wien Wiener Stadthalle – Halle D
16.12. 2022 Stuttgart Hanns-Martin-Schleyer-Halle
17.12. 2022 Zürich Hallenstadion Zürich
18.12. 2022 Innsbruck Olympiahalle
21.12. 2022 Erfurt Messe
22.12. 2022 Hannover ZAG Arena
23.12. 2022 Magdeburg GETEC-Arena
26.12. 2022 Köln LANXESS arena
27.12. 2022 Dortmund Westfalenhalle
29.12. 2022 Frankfurt Festhalle Frankfurt
28.12. 2022 Oberhausen König-Pilsener-ARENA

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Low Island Lead Press Shot Credit Brian Rankin

LOW ISLAND: „Life In Miniature“ endlich veröffentlicht

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Nach „Can’t Forget“, „Kid Gloves“, „Forever Is Too Long“ und der letzten Single „Robin“ erscheint heute endlich das zweite Album „Life In Miniature“ von Low Island via Emotional Interference / AWAL.

„Life In Miniature“ ist eine 11 Track starke Reise durch Art-Rock, Alt-Pop und elektronisch aufgeladenem Indie. Durch Licht und Schatten werden Erinnerungen der vergangenen turbulenten Jahre seit dem Debüt-Album eingefangen und verarbeitet.

Dazu haben sie die Hilfe des Toningenieurs Tom Archer (Little Simz, David Byrne, Slowthai) in Anspruch genommen und das Album in selbstgebauten Studios im ländlichen Frankreich, in Oxford, London sowie in den Londoner RAK Studios und dem Echo Zoo in Eastbourne aufgenommen.

„Life in Miniature“ ist eine erforschende Ausstellung, die die Grenze zwischen körniger, emotionaler Introspektion und dem Verständnis und Akzeptanz des großen Ganzen überschreitet.

Von der Band als „sonic photo album; a journey through three years of accelerated change that felt like a lifetime“ beschrieben, verspricht das Album eine erforschende Ausstellung zu werden. Zwischen körniger, emotionaler Introspektion und Verständnis und Akzeptanz des großen Ganzen!

Mit ihren kathartischen Hymnen über Liebe, Verlust und das Leben ebnen Low Island den Weg für unabhängige Künstler und treten in die Fußstapfen der Oxford-Bands wie Radiohead, Glass Animals oder den Foals: hartnäckig, freigeistig und furchtlos.

WILLIAM FITZSIMMONS Cover

Songs mit therapeutischer Wirkung

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Vor allem Fans von „Grey’s Anatomy“ werden die Musik von William Fitzsimmons schon gehört haben. Der 44jährige Singer/Songwriter aus Pittsburgh brachte sich in jungen Jahren selbst das Gitarrespielen bei und platzierte seine Songs bei MySpace. Inzwischen lebt er in Nashville und hat seit 2005 schon eine Reihe von Alben veröffentlicht.

Über die vergangenen Jahre hat sich Fitzsimmons eine große Fangemeinde erspielt, indem er sein Innerstes in ehrlichen und furchtlos offenen Liedern nach außen gekehrt hat. Kein Wunder, ist er doch in „Psychologischer Beratung“ ausgebildet und hat zeitweise als Therapeut gearbeitet.

Auf „Covers Vol. 1“ bringt er seinen charakteristischen Sound ein und interpretiert die Texte und Lyrics seiner Lieblingslieder neu. Die Auswahl der Tracks ist dabei so fantasievoll und vielfältig wie Fitzsimmons selbst.

„Ich wollte einfach Songs machen, die mir aus verschiedenen Gründen viel bedeuteten„, sagt er. „Einige der Songs erinnern mich an meine Kindheit. Einige der Songs sind zurückhaltende Botschaften an Personen aus meiner Vergangenheit – und sie sind nicht unbedingt positiv. Einige der Songs sind einfach pure Freude. Letztendlich sind das alles Songs, die ich liebe und respektiere, von Künstlern, die ich für unglaublich halte.„

Mit diesen Liedern kann man das Leben von William Fitzsimmons zusammensetzen. Einige erinnern an fröhliche Momente zu Hause als Kind, andere an seine Highschool-Zeit. Eine Handvoll Tracks thematisiert Herzschmerz, ohne sich zu entschuldigen, während einige seine Neigung zu jugendlichem Staunen und Kreativität widerspiegeln.

Wie auch immer, seine Stimme trägt diese Worte direkt aus dem Herzen und er singt mit emotionalen Vocals zu dezenten Arrangements. Ich kenne nicht alle Originale, aber wo ich den Vergleich ziehen kann, stelle ich fest, dass er sich die Stücke sehr atmosphärisch zu eigen macht.

„Love Will Tear Us Apart“ kommt in einer filigranen Gitarrenversion. Sehr zerbrechlich und mit einem nostalgischen Schwerpunkt auf die Lyrics. Der Rhythmus von „Solsbury Hill“ wird vorsichtig auf der akustischen Gitarre gespielt und William singt nicht energisch, wie Gabriel, sondern ganz behutsam. Eine wunderschöne Version!

„Annie’s Song“ startet a cappella, dann übernehmen das Gitarrenpicking und Williams enorme Melancholie. Elton Johns „Your Song“ funktioniert an der Gitarre ebenfalls extrem gut. Überhaupt machen die gefühlvollen Neuinterpretationen großen Spaß und nehmen mich als Hörer allesamt mit in William Fitzsimmons‘ musikalische Welt. Man kann ihn sich gut als sanften Therapeuten vorstellen – und auch dieses Album hat therapeutische Wirkung.

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BJ_LAYS_COVER_3000

Der Piano Man – 50 Jahre im Rampenlicht

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Die Karriere von Billy Joel nahm im Jahr 1970 richtig Fahrt auf, als er den Musikproduzenten Artie Ripp kennen lernte. Bis dahin hatte Joel in verschiedenen Rockbands gespielt, doch 1971 erschien mit „Cold Spring Harbour“ das erste Soloalbum des Künstlers. Sowohl das Album als auch die Zusammenarbeit mit Ripp waren ein Desaster. Es gab Fehler beim Mastering und eine falsche Geschwindigkeit bei der Wiedergabe. Billy Joel wechselte das Label, musste aber weiterhin Tantiemen an den Produzenten und Besitzer zahlen.

Vor 50 Jahren ging es dann wirklich los, als Billy Joel mit „Piano Man“ das erste Album bei Columbia Records veröffentlichte. Und zum Jubiläum hat man in den Archiven gekramt und veröffentlicht mit „Live at Yankee Stadium“ einen Mitschnitt vom 22. und 23. Juni 1990.

In Sachen neuer Veröffentlichungen ist es ziemlich ruhig geworden um den inzwischen 73jährigen. Die regelmäßigen Konzerte sind zu Corona-Zeiten ebenfalls eingestampft worden. Man freut sich also über jeden Release – und das neue Livealbum ist es allemal wert, stand der damals 41jährige im Yankee Stadion in der New Yorker Bronx doch in der Blüte seiner Fähigkeiten als Sänger, Performer und Entertainer.

Die Show startet mit dem umjubelten Blues-Stück „Storm Front“ und dem melodischen „Allentown“. Nach dem obligatorischen Piano-Vorspiel gibt es eine formidable Version von „Angry Young Man“ gefolgt von „I  Go To Extremes“. Spätestens hier erkennt man die ganze Live-Klasse des großartigen Künstlers – und die siebenköpfige Band steht ihm in nichts nach.

Natürlich wird „New York State of Mind“ in New York besonders enthusiastisch aufgenommen und zu „The Downeaster Alexa“ wendet der Frontmann sich mit emotionalen Worten an sein Publikum. Mit viel Schwung kommt „My Life“ um die Ecke, während das erzählende „Scenes From an Italian Restaurant“ mit Akkordeon-Klängen betört. Den rockigen Klängen von „Pressure“ folgt mit „Miami 2017 (Seen the Lights Go Out On Broadway)“ ein weiteres Pianostück, das die Atmosphäre von New York atmet.

Und dann der Hitreigen: Das hymnische „Uptown Girl“, das inzwischen zum Repertoire aller a-cappella-Gruppen gehört, und „We Didn’t Start the Fire“ mit Joels textlastigem Lamento – immer noch grandios. Weitere Pianosongs („Only the Good Die Young“) und die beschwingte Mundharmonika („That’s Not Her Style“) runden das Geschehen ab. Zum Ende dreht der Meister mit „An Innocent Man“ und (natürlich!) „Piano Man“ nochmal voll auf.

“Der Auftritt eines gebürtigen New Yorkers im Yankee Stadium ist natürlich die ideale Voraussetzung für eine tolle Live-Atmosphäre. Wir freuen uns sehr darüber, es den Fans zu ermöglichen, dieses Konzert zu verfolgen und zu den größten Hits einer Musiklegende abzurocken“, sagt Tom Mackay, President der Premium Content Division von Sony Music Entertainment.

Das Konzert erscheint digital, auf Doppel-CD, als 3LP-Set und Blu-Ray. Alles in allem ein großartiges Stück Musikgeschichte!

Gogol Bordello Cover

Solidarität mit der Ukraine

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Gogol Bordello sind eine 1999 gegründete Band aus New York. Der Sound der Band wird seit jeher von traditioneller Musik der Roma inspiriert und mischt diese mit Punk und Dub. Die Texte sind hauptsächlich auf Englisch verfasst, aber auch in Ukrainisch und Romani. Mastermind und Frontmann der Band ist der ukrainische Immigrant Eugene Hütz. Der ist momentan weltweit unterwegs, um für Solidarität mit der Ukraine zu werben. Logisch, dass das neue Album der Band den Titel „Solidaritine“ trägt und mit dem Song „Shot Of Solidaritine“ eröffnet wird.

Das neue Werk der Kultband ist eine Rückkehr zu ihren Gipsy-Ursprüngen. Eugene und seine internationale Crew nahmen 13 Tracks mit ungezügelter Energie auf. In den Worten des Frontmanns: „Dies ist Musik des Überlebens und der Ausdauer. Das war schon immer unsere Hauptantriebskraft. Wir wollen der Welt einfach ein zeitloses Album mit Botschaften von menschlichem Potenzial und Kraft geben.“

„Solidaritine“ ist inspiriert vom Überleben angesichts von Widrigkeiten. Das ist ein Thema, das auf die Pandemie genauso angewendet werden kann wie auf den Krieg in Eugenes Heimat.„Bei unserer Musik ging es immer um Ausdauer. Rock ’n‘ Roll kommt von einem realen Ort. Nehmen Sie eine Gruppe von Menschen, die Einwanderungstraumata und Vertreibungen erlitten haben. Sie machen Musik, werden gemeinsam erfolgreich, werden barocker und experimenteller und erleben einige Jahre relativer Ruhe. Plötzlich begegnet die Menschheit diesen Problemen wie der Pandemie und dem Krieg. Dann ist Rock ’n‘ Roll am nötigsten und wir treten am besten auf.“

47 Minuten lang geht es energisch und kraftvoll um eine wichtige politische Aussage. Die Musiker sind kaum zu bändigen, spielen und schreien. Unermüdlich erklingen Gitarre, Violine, Drums und ein oft mehrstimmiger Gesang. Von Folk und Rock über Dub und Ska ist die ganze Vielfalt dabei – garniert mit Polkarhythmen und Gipsyklängen. Gogol Bordello sind wieder eine Urgewalt des Punk!

Lissie Cover

Sehnsucht nach der Leichtigkeit des Sommers

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Die aus dem Mittleren Westen der USA stammende Künstlerin Lissie ist ein wahres Multitalent. Ihre Weltkarriere startete 2010 mit dem Release von „Catching A Tiger“. Von Anfang an bestach die Folk-Rock-Singer-Songwriterin aus Illinois durch ihre wundervolle Stimme, ganz im Blues verhaftet. Lissie spielte in den Fernsehserien „Twin Peaks“ und „Loudermilk“ mit. Sie ist Miteigentümerin eines Popmusik-Genre-Popcorn-Unternehmens („Otts Pops Indie Pop“) und lebt im Nordosten von Iowa, wo sie 45 Hektar Land bewirtschaftet.

Die sonnendurchfluteten zwölf Tracks des neuen Albums „Carving Canyons“ wirken wie ein musikalischer Trost. Sie offenbaren die Wellen des Schmerzes, die durch Liebeskummer und Einsamkeit ausgelöst werden sowie die Seele, die inmitten dieses Schmerzes verharrt. Mit entspannter, heimeliger Stimme singt Lissie sich durch eine Mischung aus Country-, Pop- und Folkmusik. Immer ganz bei sich. Immer authentisch.

In „Unravel“ geht es um eine kaputte Beziehung, mit kummervollen Vocals und dissonanten Klängen. „Sad“ führt das Geschehen fast schon boshaft fort: Lissie möchte, dass der Ex sich traurig fühlt, wenn er diesen Song hört. Könnte funktionieren. Auch „Chasing The Sun“ erntet noch viel Melancholie mit diesem herbstlichen Bild des Sonnenanbeters, der sich nach der Leichtigkeit des Sommers sehnt. So führt uns Lissie von Bild zu Bild. Mit „Flowers“ geht es im Southern-Rock-Style aufwärts, „Unlock The Chains“ blickt rockig in die Zukunft und der Titeltrack erzählt von besseren Tagen.

Produziert von Curt Schneider geht es auf “Carving Canyons” darum, nach innen zu schauen, während man sich mit der Ungewissheit der Zukunft auseinandersetzt – und Hoffnung in persönlichen und weltlichen Widrigkeiten zu finden, egal, was der Wetterbericht sagt. Inspiriert von ihrer unglaublichen, generationenübergreifenden Schar an Freundinnen und der sie umgebenden Natur, reiste Lissie nach Nashville und schrieb einen Großteil des Albums zusammen mit meist weiblichen Songwriterinnen – darunter Bre Kennedy, Madi Diaz, Morgan Nagler, Natalie Hemby, Kate York und Sarah Buxton -, die auch zusätzliche Vocals auf dem Album beisteuern.

Das Ergebnis ist ein modernes Songwriter-Album zwischen Folk und Country, das viele Facetten zu bieten hat und anschauliche Geschichten erzählen.

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Marcus-Mumford----self-titled----Album-Cover

Melancholie ist Trumpf

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Mumford & Sons zählen zu den erfolgreichsten Bands der letzten Dekade: Das Quartett aus London hat mit seinen Folk-Pop-Hymen über 14 Millionen Exemplare verkauft und wurde u.a. mit dem GRAMMY Award ausgezeichnet. Jetzt erscheint das Solo-Debütalbum von Frontmann Marcus Mumford. Doch keine Sorge, dies ist nicht das Ende der Band, sondern ein sehr persönliches Mumford-Projekt, das eine weitere Seite seines Songwritings präsentiert. „Ich wollte etwas machen, das mir ein Gefühl von Freiheit gibt, statt immer nur an die Band zu denken“, erklärte Marcus Mumford.

Schon das letzte Bandalbum „Delta“ war nichts für leichte Gemüter. In weiten Teilen hatte es einen sehr melancholischen und fast schon depressiven Einschlag. Es war ein emotionales und introspektives Werk, das sich mit Themen wie Scheidung, Depression und Tod beschäftigte. Ebenso verändert hatte sich das musikalische Geschehen, das sich vom bunten Folkrock in einen sehr atmosphärischen Pop wandelte.

Das ist vier Jahre her – doch Marcus Mumford geht auch solo diesen Weg weiter. Die Single „Cannibal“ ist zugleich Opener des Albums und startet mit reiner Melancholie. „Grace“ liefert rockige Anleihen, doch schon mit „Prior Warning“ wird es wieder ruhiger. Der Songwriter ist in Erzähl-Laune und dafür braucht er leise Töne. „Better Off High“ kommt mit einem treibenden Tambourine-Rhythmus, „Only Child“ ist ganz reduziert auf Vocals und sanfte Gitarrentupfer.

Die Songs haben wieder einen stärkeren Folk-Charakter, aber auf die introvertierte Art, ohne große hymnische Anleihen. In der zweiten Albumhälfte sorgen musikalische Partner wie Clairo, Monica Martin, Phoebe Bridgers und Brandi Carlile für Abwechslung. So vergehen die 37 Minuten doch recht kurzweilig.

Das Album erzeugt eine herbstliche Stimmung und ist sehr gut produziert. Wer sich auf diese emotionale Hommage an Marcus‘ Kindheit und Jugend einlassen will, sollte sich schon mal ein Glas Rotwein eingießen und sich auf einen verträumten Abend einstellen.

Björk_Fossora

Vom Werden und Vergehen

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Der Sound einer neuen Platte von Björk kann nur ein großes Überraschungs-Ei sein. Und das ist natürlich auch bei „Fossora“ der Fall, Björks insgesamt zehntem Studioalbum, das jetzt nach fünf Jahren Schaffenspause erscheint. Björk nistete sich während der Pandemie lange genug in ihrer Heimat Island ein, um Wurzeln zu schlagen – sowohl buchstäblich in ihrer Heimatstadt Reykjavík als auch symbolisch.

Während Björks letztes Album, das von der Kritik hochgelobte „Utopia“ (2017), eine Stadt in den Wolken war, ist „Fossora“ das musikalische Gegenteil: ein erdverbundenes, natürliches Ökosystem aus Bassklarinetten und druckvollem Bass.

Teilweise wurde das Album durch den Tod von Björks Mutter Hildur Rúna Hauksdóttir im Jahr 2018 inspiriert. Die Songs „Sorrowful Soil“ und „Ancestress“ handeln von ihr und davon, wie Björk mit ihrer Trauer umgegangen ist. Da gibt es im ersten der genannten Songs bewegende mehrstimmige Passagen und ein Wehklagen, bei dem polyphone Vocals die Instrumente ersetzen. Großartig, wie Björk das umsetzt! Und auch die Streicher- und Glockenklänge im zweiten Trauerlied vertiefen die atmosphärische Stimmung.

Wer sich auf Björk einlässt, bekommt bekanntermaßen keine eingängigen Songs. Es geht rhythmisch und vokal vertrackt in eine ganz eigene Welt. Fast alle Songs haben einen psychedelischen Grundton, sind aber ebenso durchdrungen von isländischer Folkmusic. Wie Björk es schafft, diese Pole zu vereinen, ist immer ein großes Phänomen ihrer Songwriterkunst.

Auch einige Gäste sind vertreten, die das atmosphärische Klangspektrum noch erweitern. Das Album enthält Beiträge von der amerikanischen Sängerin Serpentwithfeet, Björks zwei Kindern Sindri und Ísadóra, dem indonesischen Tanzduo Gabber Modus Operandi und dem Bassklarinettensextett Murmuri.

Björk war schon immer eine Meisterin des Experimentierens. Das ist bisweilen auch missglückt und für manche ihrer Releases braucht man starke Nerven. Hier aber schafft sie ein wirklich wundervolles Konzept, das die Trauer zum Ausgangspunkt nimmt und daraus ein sehr erdverbundenes Album vom Werden und Vergehen schafft. Große Kunst, auf deren Klangfülle man sich aber einlassen muss.

Snarky Puppy_Cover

Der Sound einer Stadt in Texas

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Das Songwriter-Kollektiv Snarky Puppy ist seit Gründung im Jahr 2004 weltberühmt für seine Mischung aus Fusion und Jazzrock. Die Gruppe hat etwa 25 Mitglieder, die in wechselnden Besetzungen weltweit auftreten. Geleitet wird das Ensemble von dem Bassisten, Komponisten und Produzenten Michael League. Zuletzt erschienen zwei Livealben – einmal aus der renommierten Londoner Royal Albert Hall und einmal vom selbst initiierten „GroundUP Music Festival“.

Jetzt ist es wieder Zeit für neue Stücke und mit 16 Tracks in 94 Minuten, die sich auf zwei Silberlinge aufteilen, wird eines klar: Da hat sich etwas aufgestaut an musikalischen Ideen. Für Snarky Puppy ist dieses Album eine Rückkehr zu ihren Wurzeln in Dallas, Texas. 19 der Bandmitglieder haben auf „Empire Central“ mitgewirkt, zwölf von ihnen zusätzlich als Komponisten.

„Unsere Klangwelt hat sich im Laufe der Jahre dramatisch erweitert“, sagt Leader Michael League. „Als die Band begann, waren wir jazziger, intelligenter und weltmusikorientiert. Als wir in die Szene von Dallas kamen, wurden wir grooviger, emotionaler und in gewisser Weise tiefer. Wir haben uns mehr darauf konzentriert, eine klare Botschaft zu vermitteln, die für den Hörer verständlich ist, ohne die Dinge zu verharmlosen.“ Die Band entschied sich dazu, ein Album zu schreiben, das sie ihrer Heimatstadt widmen, die von den Mitgliedern als gemeinsame Basis angesehen wird.

Man lässt sich Zeit und ist bereit für musikalische Ausschweifungen. Das Album enthält atmosphärische Songs, die meist über fünf Minuten lang sind und manchmal gar an den zehn Minten kratzen. Vocals sind Fehlanzeige, aber die braucht man auch nicht, wenn man die Instrumente sprechen lässt.

Gemeinsam mit Hammond Orgel, Minimoog und Mellotron schaffen Bläser sowie Gitarren einen elektrisierenden Sound, der die Stimmungen der Großstadt einfängt – von melancholischen Momenten bis hin zum Klang der angesagten Clubs. Die Platte enthält auch die letzte aufgenommene Performance des Keyboarders, Funk-Pioniers und musikalischen Paten Bernard Wright, der kurz nach den Sessions im Alter von 58 Jahren viel zu früh verstarb.

Musikalisch besticht „Empire Central“ durch Einflüsse aus Blues, Hard Rock, klassischem Soul, modernem Gospel, Funk, New Tech sowie Fusion und Jazz. „Unsere Regel ist, dass es nicht so klingen darf wie vorher“, erklärt Michael League. „Die Musik muss sich anfühlen, als würde sie sich irgendwo hinbewegen.“  Aufgenommen wurde das Werk übrigens mit Publikum an insgesamt acht Nächten in den Räumen der Deep Ellum Art Company in Dallas. So bleibt die Liveatmosphäre auch bei diesem Release erhalten und es wird mal wieder deutlich: Snarky Puppy gehören auf die Bühne.

U96

Die Godfathers of Techno mit neuem Album

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Vor knapp 30 Jahren erschien das erste echte Techno Album ever: „Das Boot“ von U96. In der Zeit davor beschränkten sich die Techno DJs und Produzenten Teams in erster Linie auf die Veröffentlichung aktueller Tracks und Remixes auf dem 12” Vinyl Format. Grundstein für dieses Album war, wie der Name schon sagt, der erste nennenswerte Charterfolg der Technokultur: „Das Boot“ von U96 machte das Genre Techno nicht nur über die Szene hinaus salonfähig, sondern erreichte weltweit Spitzenpositionen in den Charts. Allein in Deutschland hielt sich die Maxi monatelang auf Platz 1 und verkaufte sich mehr als 1.000.000-mal. U96 war der kommerzielle Vorreiter der Techno Bewegung. Damals eine noch undergroundige, junge Szene, die mit der „Mayday“ und dann der „Loveparade“ in den 90er Jahren zur internationalen Bewegung avancierte.

Danach gab es diverse weitere U96 Hits: „Heaven“, „Club Bizarre“, „Love Religion“ und „Love Sees No Colour“ genießen bis heute Kultstatus. Allein auf Spotify haben U96 fast eine halbe Million monatliche Hörer. Mastermind und Macher Alex Christensen ist allerdings inzwischen nicht mehr beim Projekt dabei. Während er seine Karriere als erfolgreicher Klassik-Crossover-Produzent („Classical 80s Dance“, „Classical 90s Dance“) vorantreibt, beschäftigen sich Hayo Lewerenz und Ingo Hauss weiterhin mit ihrer größten Liebe: Elektronischer Musik und der Weiterentwicklung der U96 Geschichte.

Das neue Album heißt „20.000 Meilen unter dem Meer“ und spielt damit natürlich unumwunden auf „Das Boot“ an. Das futuristische Cover ist jedenfalls ganz gut gelungen, aber ansonsten ist der Digipack recht dürftig ausgestattet. Statt eines Booklets gibt es nur die unbedingt notwendigen Infos auf der inneren Klappseite.

Inspiriert ist das Album von Jules Vernes Klassiker. Es gibt instrumentale Songs oder Vocals mit Vocoder-Verzerrung, aber dabei auch einige bekannte Klänge: Donovans Klassiker „Atlantis“ erfährt nämliche eine sphärische Wiederauferstehung. Hinzu kommt Schauspieler Claude-Oliver Rudolph mit seiner charismatischen Stimme als Erzähler bei einigen Stücken.

Die Tracks sind ganz stimmig und folgen den Ideen der 90er Jahre, aber irgendwie ist die Zeit der Synthesizer-Techno-Esoterik-Melodien vorbei. Man lässt sich von den Klängen einlullen, hat sie aber auch schnell wieder vergessen. Vermutlich funktioniert das Konzept ganz gut als Liveshow, für das es ja eigentlich auch konzipiert ist. Ohne die entsprechenden visuellen Effekte fehlt ein wichtiges Element. So bleibt ein Soundtrack, der vermutlich dann eine stärkere Wirkung erzielt, wenn man die Show zuvor gesehen und die Bilder im Kopf behalten hat.

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