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Posts by Thomas Welsch:

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Ben Harper & The Innocent Criminals hinterlassen in Köln ein glückliches E-Werk

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Am Ende eines intensiven Konzert-Abends blickt Ben Harper während „With My Own Two Hands“ in der hell erleuchteten Halle in glückliche Gesichter. Glücklich auch, weil diese Hymne ihnen, den Zuschauern, gewidmet ist. Genauer gesagt uns Deutschen, zumindest jenen, die die geflüchteten Menschen willkommen geheißen haben und das nach wie vor tun. Dass es in dieser Sache ziemlich dunkle Seiten in Deutschland gibt, braucht in diesem Moment keine Rolle zu spielen. Wir feiern uns und Ben Harper zusammen mit den reaktivierten Innocent Criminals.

Welche Dynamik ein solcher Abend entwickeln kann, wird einem bei der Erinnerung an den Support The Jack Moves, der drei Stunden zuvor den Abend eröffnet hatte, bewusst. Da passierte nämlich … nichts. Gerüchte besagen, dass zwei Drittel des Publikums sanft entschlummert waren. Es könnte sein, dass sie den Gastauftritt von Ben Harper verpasst haben, der die Jungs aus New Jersey bei einem Song mit der Lap Steel Gitarre begleitet hat. Aber auch diese Geste vermag es nicht, den Soul der Jack Moves aus seiner Belanglosigkeit zu retten.

Mit „Oppression“ übernehmen dann Ben Harper und die Innocent Criminals das Zepter. Das Publikum ist sofort da und die ersten Reihen werden nach „In The Colors“ vom Frontmann in den Blick genommen. Er erkennt viele treue Fans und begrüßt sie auch, wie zum Beispiel seinen „Bruder aus Tunesien“. Das ist kein Anbiedern Ben Harper’s an sein Publikum, sondern ernst gemeinter Respekt und wohl einer der Gründe für die Treue seiner Fans. Die können sich über den Klassiker „Don’t Take That Attitude To Your Grave“ freuen. Songs des eher unterdurchschnittlichen aktuellen Albums „Call It What It Is“ folgen und funktionieren live besser als auf Platte. Es ist wieder der altbekannte und einzigartige Genremix, der nicht nur das Gesamtwerk Harpers und das aktuelle Album ausmacht, sondern auch diesen Abend so kurzweilig macht. Der Reggae hält mit „Finding Our Way“ Einzug, der Soul wird durch das launige „Shine“ repräsentiert. Ein wirkliches Glück ist der überraschende Verzicht auf „When Sex Was Dirty“. Puh.

Stattdessen ist Gänsehaut angesagt. „Morning Yearning“ ist unheimlich intensiv und lebt von der wundervollen Klangfarbe in Ben Harpers Stimme. Zwei Feuerzeuge werden ganz am Rand in die Höhe gehalten, was ihm ebenfalls nicht entgeht. Und so blickt er während zwei Strophen ununterbrochen zu dem Lichterpaar. Wieder so ein Moment der Begegnung. Der musikalische Höhepunkt folgt mit „Fight For Your Mind“, in dem Bassist Juan Nelson zu Höchstform aufläuft. Es bleibt nicht nur bei einem fantastischen Solo, sein Bass liefert sich eine Art Zwiegespräch mit Harper’s Lap Steel Guitar. Dass er gesanglich ebenfalls einiges zu bieten hat, stellt er mit dem Tag „Them Changes“ unter Beweis.

Die einzige wirkliche Rocknummer ist „Faded“. Von dieser Sorte hätte ich mir mehr gewünscht, aber man kann nicht alles haben. Es ist auch der Song, in dem Harper sein Können an der Lap Steel vollends unter Beweis stellt. Sein ausschweifendes Solo begeistert. Mit „How Dark Is Gone“ geht es in die Zugabenpause und wie erwartet, ist es Percussionist Leon Mobley, der aus dieser als erster zurück auf die Bühne kommt, um in die Kiffer-Ode „Burn One Down“ einzuleiten. Einen weiteren Höhepunkt hat die Zugabe mit „Where Could I Go“ zu bieten. Auch wer nicht so sehr auf Gospel-Pathos steht, kann nur bewundernd auf Ben Harper blicken, der im Song sein Mikro hinter sich lässt, um am vorderen Bühnenrand unverstärkt mit seiner Stimme die Halle zu füllen. Das Publikum honoriert das mit höchst möglicher Ruhe, bevor es anschließend in maßlosen Jubel verfällt. Zum Schluss gehen die Lichter an im Saal, um „With My Own Two Hands“ gemeinsam zu zelebrieren. Wir sprachen bereits davon. Alle sind dankbar für besondere Momente mit besonderen Musikern. Es wurde Zeit, dass Ben Harper endlich wieder mit seiner bunten Truppe, den Innocent Criminals auf der Bühne steht. Wir mussten lange darauf warten.

Setlist:

  • Oppression
  • Diamonds On The Inside
  • In The Colors
  • Don’t Take That Attitude To Your Grave
  • Finding Our Way
  • Shine
  • Morning Yearning
  • Roses From My Friends
  • Fight For Your Mind / Them Changes
  • Call It What It Is
  • Excuse Me Mr.
  • Faded
  • How Dark Is Gone
  • —–
  • Burn One Down
  • Where Could I Go
  • Steal My Kisses
  • With My Own Two Hands
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Be an Artist! Mother Tongue am 13.07.2016 im Kölner Underground

“Hey Chino”, sagt Davo Gould beim Betreten der Bühne, “can you put up the music for a while?”. Der Mann am Soundboard dreht die Musik vom Band wieder auf und Mother Tongue schauen nochmal in aller Ruhe nach der Technik, um sich anschließend einzugrooven und das Zeichen zu geben, dass sie jetzt soweit sind. Ganz entspannt. Und ganz auf den Punkt. “Burn Baby”! Ein Kracher zu Beginn.

Eine der besten Live-Bands überhaupt ist also wieder auf Tour. In relativ kleinen Clubs kann man die verhinderten Superstars der 90er Jahre erleben. Das Schicksal hatte etwas anderes mit ihnen vor, als es für Weggefährten wie die Chilli Peppers vorsah. Hier hadert aber niemand mit seinem Schicksal. Hier genießen alle eine intime und energiegeladene Show, in der es Schlag auf Schlag mit Hits wie “Damage” weitergeht. Im nicht ausverkauften Underground bittet Gould das Publikum auf seine unwiderstehliche Art noch näher an die Bühne zu rücken. Aber dort ist es es nicht ungefährlich. Ein wilder Moshpit hat sich gebildet. Zu “Casper” lädt Gould jeden einzelnen ein, dem Song einen eigenen Bezug zu geben, denn wir alle haben Verluste zu bewältigen. Everybody knows somebody dead that should be alive. True.

Wie immer gehen Mother Tongue durch den Abend ohne Setlist. Davo Gould spürt, welche Songkonstellation passen könnte. Seine Ideen und Impulse gibt er situativ an seine Band weiter, die sich ganz auf seinen Instinkt verlässt. Er sagt an, welcher Song der nächste ist. Live kann man hier einer Setlist bei ihrer Entstehung zusehen. Eine Band, deren Mitglieder nicht nur auf diese Art miteinander in Kontakt sind. Den Impuls für “Vesper” gibt er an seinen Kollegen Christian Leibfried weiter, der voller Inbrunst gemeinsam mit dem textsicheren Publikum den Part “We’re all slaves to the truth” raus haut. Dass diese Band drei fast gleichwertige Sänger hat, beweist auch Bryan Tulao vor allem mit “Venus Beach”. Besondere Aufmerksamkeit erhält der tätowierte Arm einer Besucherin in der ersten Reihe. Auf diesem sind die Dead Kennedys verewigt und Gould erinnert sich an ein Konzert jener Band in L.A. in einer frühen Phase seines Lebens, in der er sich in “Trouble” befand. Auch auf diese Weise lässt sich der Bassist spontan zu Songs inspirieren. Zu “Dark Side Baby” holt er sich zwei Jungs aus dem Publikum auf die Bühne und bittet das Publikum, sie sicher per Crowd Surfing durch den Club zu tragen. Nach kurzen fragenden Blicken springt der 16-Jährige in die Menge. Sein Mitstreiter benötigt zwei Versuche und schrammt knapp an den Scheinwerfern vorbei. Alles geht gut. Man passt aufeinander auf.

Welcher Hit bleibt eigentlich noch, um das Mainset würdig abzuschließen? Richtig, “Broken”. Leibfried dreht noch einmal richtig auf und “missbraucht” den Mikrofonständer als Bottleneck für sein Gitarrenspiel. Zur Zugabe klärt Davo auf, wer die Jungs mit Baseball Caps sind, die auf der Bühne immer wieder filmen. Es sind seine Söhne und es macht ihn sichtlich und zurecht stolz, dass sie Teil des Ganzen hier sind. Wer in einer Band spiele, solle weitermachen. Sich von Schwierigkeiten und Hindernissen nicht abhalten lassen. “Be an artist!” sagt er noch und leitet dann zu “In The Night Time” über. Noch einmal soll Chino am Soundboard an den Effektreglern drehen, so der Appell von Davo. Das darauf folgende Echo in seinem Gesang verfehlt seine Wirkung nicht. Die Frage nach dem Song, der jetzt noch diesen geilen Abend abschließen könnte, beantworte ich für mich mit “CRMBL” und werde nicht enttäuscht. Eine Hammer-Version, die einem Ritt durch alle Emotionen gleicht. Ständig zieht Drummer Sasha Popovic das Tempo an, verlangsamt an den richtigen Stellen und bietet seinem Frontmann den Raum für eindringliche Ansagen: “All things have crumbled,… in Dallas,… in Orlando,… in Syria…”. Alles bröckelt, zerfällt. Nur eines nicht, so scheint es. Eine Band namens Mother Tongue, die so viele Hindernisse zu überwinden hatte, so oft vor ihrem Ende stand und gar an ihrem Ende war. Ihr sollte das nicht wieder passieren. Um Abende wie diesen gemeinsam erleben zu können.

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Nachholkonzert vom Feinsten – Deftones im Palladium, Köln

Im November vergangenen Jahres schockierten die Ereignisse in Paris die Welt. Vieles geriet aus den Fugen. Bandmitglieder der Deftones, die das Unfassbare im Bataclan miterleben mussten, sahen sich, völlig nachvollziehbar, nicht mehr in der Lage ihre Tour fortzusetzen. So wurde auch der Auftritt in Köln verschoben. Ein halbes Jahr später feiert die Band nun gemeinsam mit ihren Fans eine ausgelassene Party im rappelvollen Palladium.

Ein abgegrenzter VIP-Bereich auf der Empore erweist sich als bester Platz während des Vorprogramms, denn plötzlich steht Chino Moreno neben mir und klärt mich über den Support Act auf. Die Three Trapped Tigers werden mit ihrem energetischen Mathrock sehr wohlwollend empfangen. Die bei ihren Ansagen sehr schüchtern wirkenden Bandmitglieder machen deutlich, dass dies nicht immer zu erwarten sei und würdigen den ihnen gebührenden Beifall sehr. Eine Dreiviertelstunde lang können die Londoner ihr Können demonstrieren. Auf Gesang verzichten sie, ihre Stimmen setzen sie aber stark verhallt als Melodieinstrumente ein. Ein tolles Trio, das man im Blick behalten sollte. Das ist auch die Meinung von Chino Moreno, der sich wieder in den Backstage-Bereich begibt, um sich auf seinen Part vorzubereiten.

Dieser beginnt nach einer halbstündigen Umbauphase gewohnt intensiv mit “Rocket Skates”. Für manche Besucher im vorderen Bereich ist die Dynamik eine echte Herausforderung. Aber man hält Stand, was angesichts nicht nachlassender Intensität während Stücken wie “My Own Summer” und “Be Quiet And Drive” beachtlich ist. Während Moreno zum ersten Mal heute die Gitarre zur Hand nimmt und in “Swerve City” einsteigen will, muss bei Stephen Carpenter mal eben das komplette Effektboard ersetzt werden. Das geschieht in Rekordzeit und kurz darauf springt die Masse im Takt. Etwas Erholung bietet “Rosemary” vom vorletzten Album “Koi No Yokan”. Mit “Prayers/Triangles” und “Hearts/Wires” ist das neue Werk “Gore” vor allem im Mittelteil präsent. Die aktuellen Songs sind getragener und komplexer als die Werke aus der Frühphase der Band. Gut dass hierzu auch der Sound deutlich besser, sprich differenzierbarer wird.

“Digital Bath” weiß besonders zu gefallen. Während der ruhigeren Phasen des Songs wird der Kreis zu den Moshpits aufgemacht und einige Mutige legen sich auf den Boden, um möglichst kurz vor dem Sturm wieder auf den Beinen zu sein. Chino Moreno sucht nun im Graben immer häufiger die Nähe zum Publikum. Unzählige Hände strecken sich nach ihm aus und er genießt diesen Kontakt sichtlich. “Rubicon”, das letzte Stück vom aktuellen Album, funktioniert auch als Abschluss des Mainsets hervorragend. Sergio Vega legt seinen Bass hierzu beiseite und nimmt die Gitarre zur Hand. Während seine Band schon die Bühne verlassen hat, spielt er noch einen Loop ein, der die Zugabenpause überbrückt. Der letzte Teil des Abends kommt einer Hommage an das erste Deftones-Album gleich, denn alle drei Songs stammen von “Adrenaline”. Relativ überraschend startet die Zugabe mit “Bored”, das in “Root” übergeht. Noch einmal kommt das Publikum im vorderen Bereich in höchste Bewegung. “Engine No. 9” beschließt den schweißtreibenden Abend. Gute Entscheidung, den Rest der Tour im November abzusagen und jetzt mit neuer Energie und vielleicht neuem Selbstverständnis ein klasse Konzert abzuliefern.

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Imaginary Friends – Nada Surf am 04.04.2016 in der Kölner Live Music Hall

Ein Konzert von Nada Surf zu besuchen, fühlt sich irgendwie an als treffe man alte Freunde wieder. „Imaginary Friends“, um genauer zu sein und dabei auch noch einen Songtitel zu zitieren. Sie kommen auf die Bühne und die Vertrautheit ist spürbar. Und dann spielen sie zu Beginn auch gleich die Stücke aus der kreativsten und prägendsten Ära der Band, den Nuller Jahren. Bevor “Weightless” startet, probt Matthew Caws mit dem Publikum dessen Part. So klingt der Song vom 2008er-Meisterwerk “Lucky” im gemeinsamen Chor aus. Gesangsverstärkung der professionellen Art kommt zu “Believe Your’re Mine” in Person von Ken Stringfellow auf die Bühne. Diese hatte er mit seiner Band, The Posies erst kurz zuvor verlassen. Die schon seit 30 Jahren existierende Band hatte als Support den Abend eröffnet, als noch ein großer Teil des Publikums die frühlingshaften Temperaturen im Innenhof genossen hatte. Bei aller Ehrfurcht vor den Referenzen Stringfellows muss man festhalten: Als Backing Vocalist macht er sich neben Caws besser, denn als Frontmann der Poesis.

Es folgt eine Phase mit vielen Nada Surf Klassikern. Das ausgelassene “Happy Kid”, “Do It Again” und das melancholische “80 Windows” bilden die Bandbreite Nada Surfs gut ab. Kaum zu unterschätzen sind auch die Backing Vocals von Drummer Ira Elliot, wie er vor allem bei “What Is Your Secret” unter Beweis stellt. Es ist auch die Phase im Set, in der der Mehrwert der zweiten Gitarre deutlich wird. Doug Gillard übernimmt diesen Part seit einiger Zeit und er macht sich gut als viertes Bandmitglied. Meist unauffällig begleitend und dann aber gekonnt sich in den Vordergrund spielend ist er definitiv eine Bereicherung. Caws kann sich ganz auf Rhythmus Gitarre und Gesang konzentrieren, während Gillard hoch stimmungsvolle Soli an der Lead Gitarre einstreut. Vor allem “Jules And Jim” profitiert von dieser Aufgabenteilung.

Die Schlussphase des Mainsets ist eindeutig geprägt von Stücken des aktuellen Albums “You Know Who You Are”. Da Ken Stringfellow an den Gesangsparts des Albums mitgearbeitet hat, darf er auch bei “Animal” und “Out Of The Dark” wieder live unterstützen. Von den vielen Rufen aus dem Publikum zwischen den Songs sorgt die Forderung “Next One!” eines Fans für Heiterkeit bei der Band. Diesen Songwunsch möchten sie sehr gerne erfüllen und so geht es weiter mit dem Next One. Immer und immer wieder. Da mein persönlicher Geschmack im Songrepertoire nicht in den letzten Alben der Band liegt, freue ich mich dann wieder sehr über “See These Bones” als würdigem Abschluss des Mainsets.

Die Zugabe beginnt überraschend mit dem selten gespielten “Hyperspace”, das für Gavin, einen Langzeit-Fan in der ersten Reihe gespielt wird. Noch weiter zurück in die Historie gehen wir mit “Popular”, dem Song, auf den in den 90ern viele getanzt haben, ohne die dazugehörige Band zu kennen. Mit “Always Love” fürs Herz und “Blankest Year” für die ausgelassene Stimmung verabschiedet sich das Quartett. Es ist warm geworden in der Live Music Hall. Die imaginären Freunde haben uns doch ganz schön ins Schwitzen gebracht.  

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Purple, Yellow & Green – Baroness am 21.03.2016 in Köln

Wenn eine Band mit einem äußerst gelungenen neuen Album im Gepäck auf Tour geht, sind die Erwartungen groß. Das spiegelt sich am heutigen Abend in Köln schon in der Ticketnachfrage wider, denn das Bürgerhaus Stollwerck ist ausverkauft. Baroness haben mit “Purple” vieles richtig gemacht und den Nerv ihrer Fans getroffen.

Ihr Sludge Metal hat seine Wurzeln bekanntlich auch im Hardcore. Wenn aber wie heute mit Vitamin X ein Hardcore-Genre-Vertreter als Support den Abend eröffnet, werden die musikalischen Unterschiede doch überdeutlich. Die Songs der Holländer erreichen nie eine Länge von zwei Minuten und so hauen sie dem Publikum in ihrem halbstündigem Set gefühlt 20 Stücke um die Ohren. Sänger Marco Korac nutzt den für seine energetischen Sprungeinlagen viel zu kleinen Raum in Gänze aus. Die Luftschlangen aus der Sprühdose lösen bei den Zuschauern ebenso fragende Gesichter aus, wie die Aufforderung zum Circle Pit. Doch letztlich wird das Engagement der Band mit Beifall belohnt. War ja irgendwie auch kurzweilig.

Punkt 21 Uhr erklingt ein Stück vom Band, das an Filmmusik aus den 60er Jahren erinnert. Kaum ist der letzte Ton verklungen, setzt Drummer Sebastian Thomson zu den ersten Takten von “Kerosene” an. Nach “Morningstar” und dem launigen “Shock Me” ist schon früh klar, dass der Schwerpunkt heute auf dem neuen Material der Band liegt. Mit der Gewissheit, ein sehr gutes Werk herausgebracht zu haben, wird ein „Purple“-Song nach dem anderen präsentiert. Und sie funktionieren live auch hervorragend. Das Bühnenlicht erstrahlt also meist in tiefem Violett. Die anderen Farben des Abends sind gelb und grün, was bei den Männern aus Georgia für psychedelischen Progrock steht. Das Doppelalbum „Yellow & Green“ hatte nämlich diese Ausrichtung und es stand zu befürchten, dass dessen Stücke nach der Rückbesinnung mit „Purple“ auf den Sludge Metal, kaum noch gespielt werden. Die Befürchtung war unberechtigt, denn mit dem hymnenhaften “Board Up The House” und dem charismatischen “Green Theme” ist klar, dass auch diese Seite von Baroness ebenso selbstbewusst präsentiert wird.

Während “The Iron Bell” gibt es eine Auseinandersetzung in der ersten Reihe. Der aufmerksame John Baizley bekommt dies sofort mit und versucht zu beruhigen. Nach dem Song bedankt er sich bei den Umstehenden, die ihrerseits geschlichtet hatten und so bleibt kein fahler Beigeschmack zurück. Im Gegenteil. Gemeinsam wird gefeiert und so tut sich zentral vor der Bühne während “The Gnashing” dann doch der erste Mosh Pit auf. Die Bühne wird sich nur bei diesem Song blau färben und repräsentiert damit die „Blue Record“ ganz allein. Es folgt die intensivste Phase des Abends mit einem ganz starken “Try To Disappear” bis zum Mainset-Abschluss “Eula”. Vor allem zwei Dinge werden hier deutlich: Was für ein Zugewinn Bassist Nick Jost auch mit seinen sphärischen Einlagen am Synthie ist und wie schön Baizley´s Stimme klingen kann, wenn er sie mal zwei Dezibel runterschraubt.

Auch das rote Album ist mit “Isak” nur einmal vertreten und dient als erster Zugabensong. Meine Befürchtung, dass wir im Vergleich zu den Konzerten der vergangenen Tage auf “Little Things” und, schlimmer noch, auf “Cocainium” verzichten müssen, bewahrheitet sich. Sie werden ersatzlos gestrichen, was angesichts eines 90-minütigen Powersets auch nicht zu beklagen ist. Aber schade ist es schon. Wahrscheinlich muss man nach einem Monat auf Tour einfach mal mit seinen Kräften etwas haushalten. Vor dem Abschluss in Form von “Take My Bones Away“ beklagt Gitarrist Peter Adams den durch eine Barriere bedingten zu großen Abstand zu den Fans. Man fühle sich ein bisschen “separated”. Das Publikum gibt aber lautstark zu verstehen, dass man sich im Gegenteil sehr verbunden fühle und einen sehr schönen Abend mit einer großartigen Band hatte.

Setlist:

  • Kerosene
  • March To The Sea
  • Morningstar
  • Shock Me
  • Board Up The House
  • Green Theme
  • The Iron Bell
  • I Have To Wake Up (Would You Stop The Rain?)
  • Chlorine & Wine
  • The Gnashing
  • Try To Disappear
  • Desperation Burns
  • Eula
    ———————–
  • Isak
  • Take My Bones Away
My Morning Jacket Pressefoto

Zu jeder Zeit stimmig: My Morning Jacket am 02.09.2015 im Kölner Gloria

Es war einmal das Jahr 2006. Da spielte die letzte große Band der Grunge-Ära eine ziemlich tolle Europa-Tour und hatte eine Supportband namens “My Morning Jacket” an ihrer Seite. Deren Songs waren so eingängig und bestechend, dass die Pearl Jam Fans nicht nur wegen der guten Plätze früh die Arenen füllten. Klasse Songwriting, gute Live-Qualitäten und die richtigen Einflüsse (The Who, Neil Young…) versprachen eine rosige Zukunft der Musiker aus Kentucky. Allerdings lieferten sie in den Folgejahren mit “Circuital” und “Evil Urges” weniger inspirierte Alben ab.

Nun stehen sie also kurz nach der Veröffentlichung ihres aktuellen Albums “The Waterfall” auf der Bühne des Kölner Glorias und präsentieren die neuen Stücke im Bewusstsein, ein gelungenes Werk vorgelegt zu haben. “Spring”, “Compound Fracture” und “In Its Infancy” werden entsprechend früh im Set präsentiert. Eine Mischung aus Americana und Psychedelic prägt so von Beginn an die Atmosphäre des Abends. Und da auch der Sound nichts zu wünschen übrig lässt, hat die Band das Publikum schnell auf seiner Seite. Die Gitarre legt Sänger Jim James erstmals zu “Touch Me I’m Going to Scream Pt. 1” zur Seite. Mit Handtuch über dem Kopf lässt er seine butterzarte Stimme über der Musik schweben. Manchmal knapp an der Überkandidelung, aber letztlich immer stimmig. Sein Hemd sieht aus wie das Ergebnis eines Lightpainting-Workshops, aber auch hier muss man sagen, dass es bestens ins plüschige Gloria mit seinen samtroten Wänden passt.

Am anderen Bühnenrand gibt Carl Broemel vor allem während der Ballade “Steam Engine” sein Bestes. Nach träumerischem Gitarren-Solo wechselt er ans Saxophon. Das gesamte Stück nimmt in seiner Live-Version einen komplexen Verlauf, der in einem wilden Finale mündet und so den agileren Teil des Mainsets einläutet. “What A Wonderful Man” aus “Z”, dem wohl stärksten Album der Band, kann sich kaum eine(r) entziehen. Nach kurzem Akkustik-Part (“Hopefully”) endet das Mainset wieder mit Songs des aktuellen Albums. “Tropics” und “Believe” unterstreichen auch in ihren Live-Versionen die Qualität von “The Waterfall”, mit dem die Männer aus Louisville einen guten Weg eingeschlagen haben. Ob es tatsächlich ein Weg oder eher wieder eine Momentaufnahme ist, wird die Zukunft zeigen. Heute ist “Anytime” der zeitlos grandiose Abschluss des Mainsets.

In der Zugabe sticht zunächst “Lay Low” hervor und da die Drums zunächst vom Band kommen, kann sich Drummer Patrick Hallahan auch mal entspannen. Auch im Schlussakt des Konzertes wartet man vergeblich auf irgend ein Wort der Band an das Publikum. Man lässt lieber die Musik sprechen und tut das vor allem mit dem unglaublich verspielten “Touch Me I’m Going to Scream Pt. 2”. Das Theater wird zum Dancefloor. Mit dem bewährten “One Big Holiday” endet der zweistündige Auftritt. Wieder einmal hatte die Setlist Unerwartetes zu bieten. Und deutlich zu spüren war die Spielfreude der Band. Wenn der mit “The Waterfall” eingeschlagene Weg beständig sein wird, steht rosigen Zeiten rund um My Morning Jacket nichts im Weg.

Setlist:

  • Spring (Among The Living)
  • The Dark
  • Compound Fracture
  • Evil Urges
  • In Its Infancy (The Waterfall)
  • Touch Me I’m Going to Scream Pt. 1
  • Steam Engine
  • Master Plan
  • What A Wonderful Man
  • Victory Dance
  • Hopefully
  • Like A River
  • Tropics (Erase Traces)
  • Believe (Nobody Knows)
  • Anytime
    ——–
  • Circuital
  • Lay Low
  • Touch Me I’m Going to Scream Pt. 2
  • One Big Holiday

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Anathema Tour 2014 Köln

Cowboys, Kätzchen und melancholischer Alternative-Rock – Anathema im Bürgerhaus Stollwerck

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Es ist der 11.11. in Köln. Cowboys und Kätzchen prägen das Straßenbild. Alle feiern den Auftakt der Karnevalssession. Alle? Eine kleine Gruppe Unbeugsamer versammelt sich ausgerechnet in der Südstadt, um einen vielversprechenden Abend mit Anathema und Mother’s Cake zu erleben. So klein ist die Gruppe dann doch nicht, denn das Bürgerhaus Stollwerck ist ausverkauft.

Das Trio Mother’s Cake hat gut 40 Minuten Zeit, um auch bei denjenigen bleibenden Eindruck zu hinterlassen, die sie bisher nicht kannten. Möglicherweise zündet es bei dem einen oder der anderen deutlich früher, denn die Österreicher bestechen mal durch sphärische Momente, mal durch wilde Eruptionen und immer wieder durch ihren funky Groove. Und so kann sich je nach Geschmack ein jeder bei ihnen bedienen. Sänger Yves Krismer begrüßt uns mit “Hallo Hamburg”, was hier im Saal des Bürgerhauses für Heiterkeit sorgt. Bei den Jecken vor der Tür hätte das auch anders ankommen können. Um ihren höchst kreativen Genremix einigermaßen zu verorten: Mother’s Cake bewegen sich musikalisch irgendwo zwischen Jamiroquai, Mother Tongue und Rage Against The Machine. Und auch wenn das manch anwesendem Gothic-Rocker zu fremd erscheint, den unfassbar schnellen Slaps des Bassisten Benedikt Trenkwalder kann sich niemand entziehen.

Das Intro zu “The Lost Song, Pt. 1” erklingt um 22 Uhr und mit ihm werden Anathema sehr herzlich empfangen. Wie auf ihrem aktuellen Album “Distant Satellites” geht der Opener nahtlos in seinen zweiten Part über. Schon jetzt ist man von Lee Douglas betörender Stimme hingerissen. Ihre Stimmfarbe passt wunderbar zur Melancholie der Musik. Das Vorgängeralbum “Weather Systems” darf ebenfalls mit einem Doppelpack anschließen. “Untouchable 1 und 2″ stehen den Lost Songs in nichts nach. Wer diesen neueren Werken der ehemaligen Death Doomer nichts abgewinnen kann, kommt nicht auf seine Kosten, denn nur drei Stücke dieses Abends stammen nicht von den drei jüngsten Alben. Und so geht es treibend mit “Thin Air” und schmachtend mit “Ariel” weiter. Zu “The Storm Before The Calm” tauschen Drummer Daniel Cardoso und Percussionist John Douglas die Instrumente. Frontmann Vincent Cavanagh geht an die Synties und in dieser Konstellation kreieren sie diese bedrohlich schöne Atmosphäre des Songs. Mit dem unwiderstehlichen “Closer” geht es in die Zugabenpause, die von Synthieklängen überbrückt wird.

Mit “Distant Satellite” kommen die Liverpooler unter großem Jubel zurück auf die Bühne und setzen damit den elektronisch geprägten Teil des Konzertabends fort. “Take Shelter” ist den Opfern des Ersten Weltkriegs gewidmet, wie Vincent erklärt. Sein Bruder Danny bespielt dabei ganz im Stil von Sigur Rós die Saiten seiner Gitarre mit einem Bogen. In “Natural Desaster“ darf Lee Douglas noch einmal brillieren. Als standesgemäßer Abschluss darf schließlich “Fragile Dreams” vom 1998er “Alternative 4” dienen. Damit ist dieser Song der mit Abstand älteste im Set. Nein, nicht ganz, denn vom Band ertönt zum Schluss der Klassiker “Twist And Shout” von den Beatles. Mehr Liverpool geht kaum. Zumindest musikalisch.

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Ausflug in den Hyperspace – Motorpsycho im Düsseldorfer zakk

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Ein schlimmes Unwetter fegt über Düsseldorf mit teils dramatischen Folgen hinweg. Die Zuschauer im zakk bekommen davon nichts mit. Gemeinsam mit drei Norwegern und einem Schweden bereisen sie fast drei Stunden lang unterschiedliche Klanguniversen. Einen sanften Einstieg bildet das Akustik-Set, einem festen Bestandteil der diesjährigen Motorpsycho-Tour. Während sich noch einige Fans im hauseigenen Biergarten mit den herannahenden dunklen Wolken beschäftigen, geht es drinnen mit einem sehr gefühlvollen “Coventry Boy” los. Aus noch früheren Tagen, stammt das nachfolgende “Babylon”, ein Song des Albums “Demon Box”, mit dem Motorpsycho 1993 der Durchbruch gelang. Und spätestens mit “Kill Some Day” entwickelt sich dieser erste Part zur Reminiszenz an das Frühwerk der Norweger. Die Langzeit-Fans mögen so etwas sehr und singen lautstark den Refrain von “Waiting For The One”.

Fast nahtlos leitet dann “Stained Glass” ins Hauptset über. Es stammt aus dem Album “Let Them Eat Cake”, mit dem die Band im Jahr 2000 ihre Pop orientierte Schaffensphase einläutete. Es ist eindeutig dieses Werk, das Motorpsycho für die aktuelle Tour wieder aus dem Regal gezogen haben, um dessen Songs in neuen Gewändern aufleben zu lassen. Ein solch neues Arrangement bekommt auch “Serpentine” verpasst und avanciert darin zu einem der Höhepunkte des Abends. Aus dem schnörkellosen Popsong wird heute Abend ein psychedelisches Meisterwerk mit Doom-Einschlag.

Als Gitarrist “Snah” Ryan die Doubleneck zur Hand nimmt, ist klar, dass der längste Song des Abends bevorsteht. “Hell” verteilt sich mit seinen sieben Parts auf die letzten beiden Alben und wird heute als 45-minütiges Gesamtkunstwerk dargeboten. Den Beitrag, den Reine Fiske – offiziell noch Gastmusiker bei Motorpsycho – an der Gitarre und am Mellotron hierzu beisteuert, ist grandios und mittlerweile eigentlich unersetzlich. Mit einem tollen Solo veredelt er auch “The Magic & The Wonder” vom aktuellen Album “Behind The Sun”. Aus diesem stammt auch “Ghost”, eigentlich eine Akustik-Ballade, die in ihrer Live-Version vor allem dank der Raum füllenden Akkorde von Bassist Bent Sæther viel energischer ist. Einen Ausflug in den Hyperspace dürfen wir vor der Zugabe im Cockpit des “Starhammers” unternehmen. Wuchtige Riffs machen einem sphärischen Mittelteil Platz. “Entropy” ist mit einer guten Portion Overdrive im Bass ein stimmungsvoller Abschluss des Mainsets.

Die besondere Überraschung gibt es dann in der Zugabe. Bent entschuldigt sich schon im Vorfeld für mögliche Ungenauigkeiten, denn wirklich einstudiert wurde “577” nicht. Reine Fiske hatte gerade mal 5 Minuten im Soundcheck zur Verfügung, um sich auf seinen Part im 15-minütigen Power-Jam vorzubereiten. Er macht seine Sache hervorragend, ebenso wie im von vielen Fans frenetisch bejubelten “Plan #1”. Und weil weder Band noch Fans genug bekommen können, wird mit einer zweiten Zugabe der Bogen zum ersten Akustik-Part gespannt. Beim wundervollen “Come On In” stört eigentlich nur der Lärm der unter den Schuhen zerberstenden Plastikbecher. Bent stellt unter großem Applaus noch einmal die Bandmitglieder vor und sich selbst dann als Dieter Hoeneß, im Gegensatz zum Vorabend in Heidelberg, als er sich noch als Paul Breitner ausgab. Drummer Kenneth Kapstad, der mal wieder Großartiges geleistet hat, überreicht seine Sticks gezielt einem der jüngsten Zuschauer, für den dies wohl mehr als ein i-Tüpfelchen auf einen tollen Konzertabend war. Glückwunsch, Ben!

Setlist:

  • Coventry Boy
  • Babylon
  • Sideway Spiral
  • Kill Some Day
  • Waiting For The One
  • —
  • Stained Glass
  • Serpentine
  • Sail On
  • Hell
  • Ghost
  • On A Plate
  • The Magic & The Wonder
  • For Free
  • Starhammer
  • Entropy
  • ——
  • 577
  • Plan #1
  • —–
  • Come On In
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Energiegeladen und unprätentiös: Cloud Nothings am 17.05.2014 im Kölner Underground

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Im Nebenraum des Kölner Undergrounds wird das deutsche Fußball-Pokalfinale gezeigt. Während Echolons im Konzertsaal nebenan den Abend eröffnen, nutzen noch viele die Gelegenheit, die erste Halbzeit zwischen den Bayern und dem BVB mitzubekommen. Allzuviel verpassen sie nicht, denn in punkto Bühnenpräsenz lassen die Frankfurter doch einiges vermissen. Und so gibt es eher höflichen Applaus für ihren Stoner-Rock, als sie die Bühne für die Cloud Nothings räumen.

Spätestens jetzt wird Fußball zur Nebensache. Der Club ist voll als das Trio aus Ohio die ersten Takte von “Quieter Today” anspielt. Nahtlos schließt sich “Now Here In”, ebenfalls vom aktuellen Album “Here And Nowhere Else” an. Hier und nirgendwo anders ist die Band auch als sie mit “Stay Useless” den ersten Song des tollen Vorgängers “Attack On Memory” bringt. Dieses Album ist der Grund für meine Anwesenheit heute Abend. Im Laufe ihres Auftritts liefern die Cloud Nothings aber noch zahlreiche weitere Gründe dafür, warum man sie auf Tour nicht verpassen sollte. Eine unglaublich dichte und energiegeladene Show liefern sie völlig unprätentiös ab. Wie gut diese Songs aus der Feder des Bandkopfes Dylan Baldi sind, wird erst richtig deutlich, wenn sie live präsentiert werden.

“Separation” zeigt, dass die Musik der Indie-Rocker auch instrumental hervorragend funktioniert. Vor der Bühne geht im positiven Sinne die Post ab. Ebenso bei “Pattern Walks”, mit dem das 3-Minuten-Songschema aufgebrochen wird. Wie in seiner Studioversion schließt ein schnörkellos nach vorne gehender zweiter Teil an. Zum Mitsingen bietet sich dann das melancholische “Cut You” an. Die Pausen zwischen den Songs sind kurz und werden meist durch Baldi’s Gitarrenimpros überbrückt. So entsteht der Eindruck eines einheitlichen Ganzen, das keine Zeit für Ruhephasen lässt. Und das klappt vorzüglich. Das erste und einzige Break bildet die Zugabenpause nach “I’m Not Part Of Me”. Frenetisch bejubelt lassen sich Baldi, Bassist Duke, Drummer Gerycz, der angesichts seines Pensums Abend für Abend bestimmt an seine physischen Grenzen gelangt, nicht lange bitten.

Die Zugabe besteht aus einem Song. Aber was für einem! “Wasted Days”, auf Platte schon ein psychedelischer Powerpop-Kracher, wird auf über 10 Minuten ausgedehnt, ohne auch nur einen Takt zu viel zu haben. Wow, selten hat mich eine Band positiver überrascht als die Cloud Nothings! Ich möchte dass es weitergeht, aber “Wasted Days” ist der stimmige Abschluss eines großartigen Konzertabends. Und beim Blick auf die Fußball-Leinwand im Nebenraum steht es auch nach 100 Minuten noch 0:0. So kriegen wir ganz komprimiert auch noch die letzten Wadenkrämpfe und die Entscheidung in der Pokalarena mit. Was will man mehr?

Setlist:

  • Quieter Today
  • Now Hear In
  • Stay Useless
  • Psychic Trauma
  • Giving Into Seeing
  • Fall In
  • Separation
  • Pattern Walks
  • No Thoughts
  • Cut You
  • Just See Fear
  • I’m Not Part Of Me
  • Wasted Days
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Doppelpack am 11.04.2014 im Kölner MTC: ASG und Anciients

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Ungewöhnlich spät geht der Konzertabend im Kölner MTC heute los. Angesichts der anschließenden Party und zwei Bands auf dem Programm überrascht es, dass Anciients erst um 21 Uhr die Bühne betreten. Die Kanadier touren zum ersten Mal durch Europa. Ihr rasender Metal bildet eine permanente Klangmauer, hinter der sich leider keine lohnenswerten Melodien verbergen. Zur Herausforderung wird das Ganze, wenn einer der drei Frontmänner so etwas wie Gesang beisteuert. Im Publikum finden sich zumindest einige Kopfnicker, mitgerissen wird aber niemand.

Für den Auftritt von ASG muss die gesamte Technik ausgetauscht werden. Und aufgrund der kleinen Bühne wird auch das Schlagzeug durch Drummer Scott Key komplett aufgebaut. Die halbe Stunde Umbau vergeht dann aber angesichts der Vorfreude schnell. Grund für die hohen Erwartungen ist das aktuelle Album der Musiker aus North Carolina. „Blood Drive“ läuft bei mir schon einige Zeit in Dauerrotation. Ein tolles Album. Ein persönlicher Meilenstein des gepflegten Stoner Rocks ohne irgendeinen Hänger. Mir ist also ziemlich schnuppe, welche Songs dieser Scheibe für heute ausgewählt wurden. Um es kurz zu machen: “Day’s Work” und … das war’s! Sieht die Band ihr aktuelles Album mit ganz anderen Augen? Glaubt sie, live müssten fast ausschließlich die bewährten Hits rausgehauen werden? Ich bin baff, als das Mainset nach 35 Minuten vorbei ist und “Blood Drive” quasi außen vor geblieben ist. Sänger Jason Shi, ein Frontmann wie man ihn sich eigentlich wünscht, mit Charisma, ausdrucksvoller Mimik und toller Gesangsstimme, kommt auf die Bühne zurück und holt sich Richtung Soundboard blickend das OK ein, noch einen Song spielen zu dürfen. Das muss man sich auf der Zunge zergehen lassen: Um 22:15 Uhr beginnt ein Konzert, bei dem die Band eine gute halbe Stunde später scheinbar pünktlich der Freitag-Abend-Party weichen soll. Ich glaube das aber nicht. Ich denke eher, dass die Band, die durchaus Dampf gemacht hat und mit Songs wie “Gallop Song” zu gefallen wusste, gar nicht länger spielen wollte.

Über (zu) kurze Konzerte kann man streiten und es ist sicher so, dass eine dichte und Kräfte zehrende Performance knackig komprimiert sein kann. Aber dem Publikum ein tolles aktuelles Album, das am Merch verkauft werden möchte, vorzuenthalten… Da komm ich nicht drüber. Echt nicht.

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Endlose Klangwelten – Warpaint am 23.02.2014 in der Live Music Hall, Köln

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“Ich frage mich, warum ihr euch nicht bewegt”. Das Konzert ist schon eine knappe Stunde in Gang als Emily Kokal diesen bedeutungsvollen Satz sagt. Ob das Publikum tanzt, ist vorrangig abhängig vom Geschehen auf der Bühne. Auf diese banale Einsicht sollte eine Band nicht hingewiesen werden müssen. Ist Warpaint der schnelle Aufstieg etwas zu Kopfe gestiegen?

Ein deutliches Zeichen für die vermehrte Aufmerksamkeit, die Warpaint zuteil wird, ist die Verlegung des Kölner Konzertes vom Gloria in die Live Music Hall. Und selbst die scheint am heutigen Abend zu klein. Nachdem All We Are aus Liverpool mit ihrem psychedelischen Pop stimmungsvoll den Abend eröffnet haben, sind die Voraussetzungen für die vier Musikerinnen aus Kalifornien also bestens. Ihr Set besteht zu Beginn in der Hauptsache aus neuen Songs ihres aktuellen und selbstbetitelten Albums. “Keep It Healthy” ist ein passender Opener und besonders “Love Is To Die” weiß zu gefallen. Viel Hall und Elektronik prägen die Atmosphäre, die jedoch nicht gerade zu exzessiven Tanzeinlagen einlädt. Jedenfalls nicht beim dichtgedrängten Kölner Publikum am heutigen Abend. Irgendwie dämmert die Erkenntnis, dass diese intime Musik nicht unbedingt in größeren Hallen funktioniert. Damit wir uns richtig verstehen: Der Sound ist hervorragend, die Vocals top und die Songs bekanntermaßen bestechend. Aber der Mehrwert eines Live-Erlebnisses der Band im Vergleich zur Sofa-Rezeption erschließt sich einem nicht unmittelbar.

Der Frage nach der mangelnden Bewegung im Publikum lässt Kokal die Aufforderung zum Tanzen zu “Undertow” folgen. Und siehe da, es funktioniert hier und da. Kein Wunder, denn der Song hat Beat und Riffs. Die Phase des angenehmen psychedelischen Waberns ist beendet. Warum Bassistin Jenny Lindberg ausgerechnet ab jetzt im Sitzen spielt, erschließt sich mir nicht. Vielleicht tut sie das häufiger, vielleicht hat sie Rücken. Man weiß es nicht, ich schon gar nicht, denn ich hab das Quartett bei seinem letzten Auftritt in der Domstadt nicht erlebt, als es in der Kölner Kulturkirche spielte. Auch Kokal erwähnt jenen Abend und fügt hinzu, dass die heutige Spielstätte ja auch eine, wenn auch andere Art Kirche sei. Das kann man jetzt so oder so interpretieren. Jedenfalls schließt “Disco//very” das einstündige Mainset mit animierenden Grooves ab. Mit “Elephants” legen Warpaint dann doch noch die erwartete Schippe drauf. Diese Version hat von allem etwas. Mit seiner Komplexität und Dynamik drückt sie beim Publikum die richtigen Knöpfe. Und so endet der Abend für manche versöhnlich. Andere, denen es gelungen war, schon früh im Set in die endlosen Klangwelten von Warpaint einzutauchen, wissen womöglich gar nicht, was es zu meckern gab. Nicht aufregen, einfach weiter genießen!

Okta Logue_2013

Ein Ausflug in die Weiten des psychedelischen Rocks: Okta Logue am 04.12.2013 im Kölner Luxor

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Zum vierten Mal in diesem Jahr sind Okta Logue zu Gast in Köln. So schön ist diese Stadt! Oder auch: So gut ist diese Band! Zuletzt waren es ein paar tausend Zuschauer mehr, aber da waren ja auch ein gewisser Neil Young und Crazy Horse das Zugpferd in der Arena. Heute ist das Luxor voll und freut sich auf einen Ausflug in die Weiten des psychedelischen Rocks à la Darmstadt.

Zunächst dürfen die Freunde von Phil Fill auf die Bühne. Mit ihren anschmiegsamen Popsongs, getränkt in Soul stoßen sie auf viel Gegenliebe. Damit nicht eine dicke Bassdrum das Bild dominiert, sitzt Sänger und Schlagzeuger Philipp Rittmannsperger vorne auf dem Cajón. Als er zwischen zwei Songs eine Ansage macht, unterbricht ihn ein Zuhörer mit den Worten „warte kurz, ich muss pinkeln”. Schlagfertig greift der Frontmann diese Art von Humor auf, lenkt die Aufmerksamkeit dann aber wieder auf die Musik. Okta Logue Drummer Robert Herz genießt sie in der ersten Reihe.

Kurze Zeit später ist er dann selbst an der Reihe. Okta Logue eröffnen ihr Set mit dem dafür bestens geeigneten „Transit”. Mit dann wieder geöffneten Augen fällt auf, dass beide Herzbrüder, Benno am Bass und Drummer Robert beim Frisör waren. Vielleicht hatten sie sich für die US-Dates im Oktober in Schale geworfen. Wie auch immer, weitere Songs aus dem aktuellen Album „Tales Of Transit” folgen mit „Let Go” und „Mr. Busdriver”. Auch das sphärische „You”, das ich eher als Closer erwartet hätte, darf schon früh glänzen. Hier wird klar, was Okta Logue besonders ausmachen. Das gefühlvolle Gitarrenspiel von Philip Meloi ist wirklich herausragend. Es nimmt dich mit in die Klangwelt von Okta Logue. Und so ist es gut, dass die Band ihm viel Raum gibt. Mit „Bright Lights” und „Shine Like Gold” gibt es dann auch Stücke vom mindestens genauso guten Debutalbum „Ballads Of Burden”. Spätestens bei „Dream On” hat jeder das Gefühl, tief in die 60er zurückgereist zu sein. Schön ist es hier und wir dürfen es mit Songs wie „Just To Hear You Sleep” noch eine Weile genießen.

Dann geht die Trip weiter in die 70er, denn „Decay” ist Progrock der allerbesten Sorte. Dieser Song ist mit seiner verschachtelten Struktur und Zügellosigkeit ein kleines Abenteuer, dem man sich 20 Minuten lang gerne hingibt. Die Stimmung ist bestens und begeistert ruft das Publikum nach mehr. Auch in der Zugabe hat man bei aller Reminiszenz an die musikalisch so prägende Zeit der 60er und 70er Jahre nie den Eindruck, die Vier spielten die Songs ihrer Idole. Vielmehr sind sie im besten Sinne inspiriert von Pink Floyd und Co. und machen ihr ganz eigenes Ding. Das verspielte „Mr. Zoot Suit” und das melancholische „Chase The Day” beschließen den Abend.

Auf ihrer Facebookseite schreiben die Darmstädter am folgenden Tag über ihr spezielles Verhältnis zu Köln. Diese tolle Stadt, die gerne auch in 2014 wieder Gastgeber für diese tolle Band sein möchte.

Setlist:

  • Transit
  • Let Go
  • Mr. Busdriver
  • Everyday
  • You
  • Bright Lights
  • Judith
  • Shine Like Gold
  • Dream On
  • Just To Hear You Sleep
  • Deal With The Digger
  • Decay
  • —
  • Mr. Zoot Suit
  • Chase The Day
Karnivool Bandfoto

Karnivool am 02.11.2013 in der Kölner Live Music Hall – Support: The Intersphere

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Höchstens ein Drittel der heutigen Konzertbesucher hätte ins kleine Luxor gepasst. Dabei war der Auftritt von Karnivool ursprünglich im schnuckeligen Kultschuppen angesetzt, aber schon bald ausverkauft. Nun ist selbst die Live Music Hall voll. Wir nähern uns australischen Verhältnissen an, denn in ihrer Heimat sind Karnivool eine große Nummer, die selbst die dicksten Hallen füllt.

Wie schon 2010 dürfen auch diesmal The Intersphere aus Mannheim den Abend eröffnen und tun dies sichtlich gut gelaunt mit „Prodigy Composers“. Auch mit „I Have a Place for You on Google Earth“ und „Interspheres Atmospheres“ wissen die Musiker um Christoph Hessler zu gefallen und ernten viel Applaus. Ein neues Album befindet sich gerade in der Fertigstellung und so wird zum Abschluss noch ein frischer Song präsentiert. Auf eine anschließende Tour in 2014 darf man sich ebenfalls freuen. Der Verweis auf Karnivool als „großartige Band“ ist keine Höflichkeitsfloskel, sondern vielmehr Ausdruck ehrlicher Bewunderung.

Samstag abends ist Partytime in der Live Music Hall und so ist klar, dass wir gegen 22 Uhr rausgekehrt werden. Gut, dass die Männer aus Perth um kurz nach halb neun auf der Bühne stehen und mit „The Last Few“ ihr Set eröffnen. Während die feierwütigen Fans bei „Themata“ den Moshpit eröffnen, ahnen sie noch nicht, dass dies heute der einzige Song aus der Nu-Metal-Ära bleibt. Unbeirrt wird das Pogen auch bei Stücken wie „A.M. War“ fortgesetzt, aber notgedrungen von der Vielschichtigkeit und vertrackten Rhythmik unterbrochen. Das bisherige Werk der Australier ist ebenso heterogen wie das heutige Publikum und so flüchten sich die Audiophilen in hintere Regionen der Live Music Hall. Ob sie dort einen besseren Sound haben, ist allerdings fraglich. Jon Stockman’s sechssaitiger Bass wummert verschwommen vor sich hin.

Es folgt eine Phase des Konzerts, die vom 2009er Album „Sound Awake“ geprägt ist. „Simple Boy“ und vor allem das zeitlose „All I Know“ wissen sehr zu gefallen. Zu „Sky Machine“ erhält die Band Unterstützung von Intersphere-Drummer Moritz Müller. Da Sänger Ian Kenny eher für die filigranen Töne bekannt ist, verwundert es nicht, dass der Schrei-Part in „The Refusal“ von Bassist Stockman übernommen wird. Der Abend ist eindeutig vom neuen Album „Asymmetry“ geprägt. Karnivool gehen unbeirrt ihren Weg, der nun eben auch beinhaltet, dass bewährte Kracher Platz machen müssen für verspielten Progrock. Und von der Sorte haben sie ja auch tolle neue Songs wie „Aeons“, der das Set beschließt. Sphärisch beginnt auch die Zugabe in Form von „Alpha Omega“, der sich nach und nach hochschaukelt Richtung Finale des Konzerts. Und kaum ein Lied aus dem Repertoire der Band ist hierfür besser geeignet als „New Day“. Das bietet noch einmal alles auf, was die Band groß macht: Tolle Hooklines, fesselnde Lyrics und musikalisches Können. Man darf sehr gespannt sein, wohin der kreative Weg dieser Band führen wird. Klar ist, dass sie ihn unabhängig von äußeren Erwartungen beschreiten wird.

Torche Bandfoto

Ausschweifende Sympathie mit Torche am 20.07.2013 im Kölner Underground

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Ganz kurzfristig sind die Jungs der Kölner Band Jade & Lotus angefragt worden, den Support für Torche im Underground zu übernehmen. Nun stehen sie vor einem ausgewählten Publikum, das sich im Wesentlichen aus Musikliebhabern zusammensetzt, die sich an einem so wunderbaren Sommerabend weder am Baggersee noch im Biergarten aufhalten. Wobei, ein bisschen Biergarten bietet der Ehrenfelder Club auch und so macht man sich bei den ersten Klängen von dort ins Innere. Und der Weg lohnt sich, denn Jade & Lotus überzeugen mit ihrem progressiven Metal. In manchen Stücken singen alle vier Bandmitglieder, aber am überzeugendsten sind sie in ihren melodischen Instrumentalstücken. Kein Wunder, dass die Anwesenden noch eine Zugabe fordern, die sie auch bekommen.

In der kurzen Umbauphase versorgt sich Torches Bassist Jonathan Nuñez noch mit einem Whisky, bevor er wie die Bandkollegen sein Instrument klar macht und den Sound checkt. Rasant legen sie los mit „In Return” und schon ist klar, dass Torche live viel rauer und dreckiger klingen als auf Platte. Die Anfangsphase ist bestimmt durch Songs des aktuellen Albums „Harmonicraft”, welches für mich das beste der drei Studiowerke ist. Und so genieße ich das treibende „Kicking” ebenso wie die energetischen „Reverse Inverted” und „In Pieces”. Die tief wummernden Gitarren ergänzen sich hervorragend mit der klaren Stimme von Steve Brooks, der für einen Bandleader untypisch am rechten Bühnenrand steht und sich gerne mal seine wild rockenden Bandkollegen betrachtet. Sein Lächeln im Gesicht wird dabei auch mal zu einem Lachen, wenn Zuschauer die Bühne entern und zwei Takte mitfetzen. In der Regel bricht bei Bands und Verantwortlichen in solchen Situationen Panik aus. Anders bei Torche, die sich über Besuch zu freuen scheinen. Spätestens jetzt wissen alle Anwesenden, dass sie es heute mit extrem sympathischen Musikern zu tun haben.

Wieder folgt eine von einem Album geprägte Phase. Von „Meanderthal” werden „Grenades”, „Healer” und das stimmungsvolle „Across The Shields” gespielt und der Bereich vor der Bühne gerät in Wallung. Platz zum Pogo ist genug, denn das Underground ist nur zur Hälfte gefüllt. Die Songs gehen oft ineinander über und wenn nicht werden die Pausen von einzelnen Bandmitgliedern überbrückt. Allen voran von Drummer Rick Smith, der scheinbar keine Erholung braucht. Er trommelt vor sich hin und leitet erst den nächsten Song ein, wenn alle anderen Instrumente wieder gestimmt und Kehlen geölt sind. Das führt zu einer unglaublichen Dichte und Energie im Raum. Ausschweifender werden dann auch die Stücke wie „Rockit” und „Little Champion”, die in ihrer Studioversion keine drei Minuten dauern.

Nach einem gewaltigen „Harmonslaught” geht es in die Zugabenpause. „One more song, one more song!” schallt es aus den Kehlen und Rick Smith freut das so, dass er den Takt mitspielt. Auch Gitarrist Andrew Elstner hat die Bühne erst gar nicht verlassen, um die tolle Stimmung nicht zu verpassen. Steve Brooks lässt dann auch nicht lange auf sich warten und stimmt in den Rhythmus mit „Hoy shit, holy shit” mit ein. Während „Tarpit Carnivore” gesellt sich noch einmal ein Fan auf die Bühne und zu seiner Freude stellen sich John und Rick neben ihn, um ein schönes Motiv für die Fotos, die gemacht werden, zu bieten. Zum Schluss verabschiedet sich die Band bei allen die möchten persönlich und nimmt sich auch viel Zeit um Platten zu signieren. Hab ich schon gesagt, dass diese Band sehr sympathisch ist? Egal, ich sag´s gerne nochmal.

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Neil Young & Crazy Horse – 12.07.2013 – Lanxess Arena, Köln – Support: Okta Logue

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Zwölf Jahre ist es her, dass Crazy Horse zuletzt durch Europa tourten. Nun ist es endlich wieder soweit. Der Tross macht Halt in der Domstadt. Ein Hauch von Melancholie macht sich seit dem frühen Abend rund um die Arena breit, denn angesichts des fortgeschrittenen Alters des Quartetts und eben jener niedrigen Frequenz in der sie nach Europa kommen, könnte die heutige Begegnung mit Crazy Horse die letzte sein.

Entsprechend aufgeregt sind die Jungs von Okta Logue, die den Abend eröffnen dürfen. Für die Darmstädter ist diese Aufgabe eine ganz besondere, das spürt man. Und sie meistern sie mit Bravour. Auch wenn ihr Psychedelic Rock viel stärker in der Tradition Pink Floyds steht, sind die teils weit angereisten Neil Young Fans begeistert. Zu „Dream On” darf noch ein Bassist aus dem Team mitmischen, während sich Sänger Benno Hertz die Akustik-Gitarre schnappt. Nicht wenige Zuschauer werden sich den erneuten Besuch der Band im Dezember in Köln vormerken.

Es folgt eine unterhaltsame Umbauphase, in der Bauarbeiter in Warnwesten und verschrobene Wissenschaftler in weißen Kitteln über die Bühne wuseln. Kurz vor 21 Uhr sieht das Bühnenbild dann fast so aus wie auf der „Rust Never Sleeps”-Tour von 1978. Riesige Fender-Verstärker dominieren den Blick. Dahinter hängt eine gigantische Deutschlandfahne und zur Hymne versammeln sich alle, inklusive Neil Young und Crazy Horse mit der Hand auf dem Herz. Nach dem letzten Ton fällt Schwarz-Rot-Gold und es erscheint der wohlbekannte Indianer auf seinem Crazy Horse. Von oben wird ein überdimensionierter Ständer herabgelassen, an dem bei genauerer Betrachtung statt eines Mikros eine (psychedelic) Pille befestigt ist.

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Hier gibt es die komplette Galerie.

Dieser ganze Klimbim tritt dann in den Hintergrund und es bleiben vier Musiker, die sich über die ersten Feedbacks in den Opener „Love And Only Love” begeben. Die riesige Bühne schrumpft auf einen kleinen Bereich vor Ralph Molina´s Schlagzeug, in dem sich die Musiker wie vor einem Lagerfeuer versammeln. Schon danach der Klassiker „Powderfinger”. Frank „Poncho” Sampedro, dessen Shirt ein großes Hendrix-Portrait ziert, breitet mit seinem wahnsinnigen Groove den Teppich für den Virtuosen Young aus. Mit „Psychedelic Pill” kommt dann der erste Song vom aktuellen und gleichnamigen Album ins Spiel. Das zentrale Stück dieses Werks folgt mit „Walk Like a Giant”,… und der hat es in sich. Während zu Beginn noch das unbedarfte Pfeifen hippieske Leichtigkeit suggeriert, endet der Epos in Noisegewitter und Feedbackschleifen. Für manche Ohren mag das eine echte Herausforderung sein, aber es ist Teil der Dramaturgie. So macht das Gewitter anschließend „Hole In The Sky” Platz, was seinerseits in „Red Sun” übergeht. Solche Geschichten verdeutlichen, dass die Setlist auf einer Tour einem Konzept folgt und nur an wenigen Stellen variiert. Eine solche Stelle ist heute das selten gespielte „Sedan Delivery”.

Ganz allein darf das Publikum mit Neil Young nicht nur bei jenem „Red Sun”, sondern auch beim enthusiastisch gefeierten „Heart Of Gold” sein. Wie oft wurde dieses Stück eingefordert und wie selten wurden die Erwartungen erfüllt? Bei Dylan´s „Blowing In The Wind” dürfen ebenfalls alle mitsingen. Ein weiteres Cover vermutet der ein oder andere vielleicht in „Mr. Soul”, das in seinen Riffs stark an die Stones erinnert, aber ein alter Buffalo Springfield Song ist.

Vor der Zugabenpause wird es mit „Hey Hey, My My” noch einmal hymnisch. Als die vier zurückkommen, gibt es eine echte Rarität. Über 20 Jahre wurde „Surfer Joe And Moe The Sleaze” nicht mehr gespielt! Vor „Roll Another Number” richtet der bis dahin voll auf die Musik fokussierte Neil Young einige Worte an die Zuschauer. Er tut dies sehr eindringlich und begleitet von sanften Akkorden. Worte des Dankes, Wünsche an die Kinder zu Hause, Frieden und die Aussicht sich vielleicht doch noch einmal zu begegnen,… an einem so schönen Abend wie diesem. Als die Fans nach „Everybody Knows This Is Nowhere” aus der Halle strömen, machen viele noch einmal Halt an den Bierbuden und schwelgen gemeinsam in Erinnerungen, die teils über 40 Jahre zurückreichen.

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Zwei schräge Vögel im FZW – Tweak Bird, Dortmund, 07.06.2013

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„Everyone is paranoid” erklingt es mantrahaft aus den Boxen des kleinen Saals im Dortmunder FZW als zwei schräge Vögel die Bühne betreten. Drummer Ashton Bird macht noch ein paar Liegestütze auf offener Bühne, während sein Bruder Caleb die fünfsaitige Gitarre brummen lässt. Wahrscheinlich würde ihm auch ein dreisaitiges Instrument genügen, denn er bevorzugt die tiefen Töne. Schon beim Opener „People” dröhnt es so gewaltig aus seinen Amps, dass sich niemand der vielleicht 150 Zuschauer mehr fragt, wo denn der Bassist verlorengegangen sei. Den Bird-Brüdern reicht ein Bass-Verstärker, durch den das Gitarrensignal zusätzlich geschliffen wird. Und sollte das mal nicht genug sein, stimmt Caleb die Gitarre eben noch ein paar Halbtöne nach unten.

Dass zwei Instrumente völlig ausreichen können, ist natürlich auch ein Verdienst von Ashton an den Drums. Schon nach dem zweiten Stück „Weight” entledigt er sich seines so ausgeleierten wie störenden Oberteils. Klischeefreie Tatoos wie „sweet” über der einen und „sour” über der anderen Brustwarze offenbaren sich in kleiner Schrift nur den besten Augen. Wild treibt Ashton „Psychorain” voran, das aber hauptsächlich vom knabenhaften Doppelgesang der Brüder lebt. Der Gegensatz von wuchtigen Riffs und zerbrechlich wirkenden Stimmen ist das herausstechende Merkmal des Stonerrocks à la Tweak Bird. Ein weiteres ist die Kürze der Songs, die live gespielt zwar hier und da durch Jams gestreckt werden, ansonsten aber Mühe haben, die Zwei-Minuten-Schallmauer zu durchbrechen.

Die psychedelische Seite der beiden Wahl-Kalifornier bringt vor allem „The Future” vom Album „Tweak Bird” hervor. Mit „Lights in Lines” wird ein weiterer Kracher dieses Albums zum Besten gegeben. Ansonsten besteht das Set fast ausschließlich aus Songs des aktuellen Werks „Undercover Crops” welches vom Melvins Drummer Dale Crover produziert wurde (hier gibt’s das Review). Dass die Tweak Birds also schon die Melvins als Support Act begleitet haben liegt nahe. Etwas überraschender dagegen ist die Tasache, dass sie diese Rolle auch schon für die Progrocker von Tool 2009 eingenommen haben. Ashton und Caleb haben große Fürsprecher, die in ihnen ein recht einzigartiges Phänomen entdeckt haben. Vergleiche mit anderen Bands bleiben nämlich schon im Ansatz stecken.

Mit „Pigeons” wird auch mal ein Gang runter geschaltet und zusammen mit dem anschließenden Jam entwickelt es sich zum längsten Stück des Abends. Dieser ist nicht nur musikalisch interessant, sondern auch äußerst unterhaltsam. Ashton übernimmt den Job des Teilzeit-Standup-Comedians. Dialoge wie „Here we go” (Ashton) – „Here we go, too” (Caleb) vor dem tollen „Bunch Of Brains” sind einfach amüsant. Nach 50 Minuten voller Hingabe verlassen die beiden die Bühne. Bis zur Zugabe dauert es lange und sie scheint tatsächlich spontan zu sein. Zumindest soll der Handtuch-Turban auf Calebs Kopf dies vermitteln. Stand er schon halb unter der Dusche? Als Bonus gibt es ein schönes Cover der T.Rex-Hitsingle „Children Of The Revolution”. Jetzt aber wirklich ab unter die Dusche ihr zwei und vielen Dank für die kurzweilige Unterhaltung!

Long Distance Calling Band

Long Distance Calling brennen in der Essigfabrik mit Audrey Horne und Solstafir ein Feuerwerk ab!

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Gerade als Long Distance Calling auf ihrer letzten Tour eindrucksvoll bewiesen haben, dass sie als reine Instrumentalband hervorragend und ohne Einschränkung funktionieren, geben sie diesen Status nun auf. Nachdem Reimut von Bonn die Band verlassen hatte, bot sich ein Ersatz an, der nicht nur die Elektronik beherrscht, sondern auch noch singen kann: Martin „Marsen” Fischer schien die ideale Ergänzung zu sein. Die Bestätigung sollte der Auftritt in der Kölner Essigfabrik liefern.

Dort machen den Auftakt Audrey Horne, die sich nach einer Figur aus David Lynch’s „Twin Peaks“ benannt haben. Die naheliegende Assoziation, dass ihre Musik ähnlich düster, vertrackt und mysteriös wie die Filme des Meisters sind, führt allerdings in die Irre. Hier regiert der schnörkellose Hardrock. Die Gitarrenhälse sind meist Richtung Hallendecke gereckt und auch an weiteren Posen mangelt es nicht. Frontmann Torkjell Rod fühlt sich auf der Bühne sauwohl und ist unablässig in Kontakt mit dem Publikum. Viel mehr bleibt jedoch nicht hängen von den Norwegern. Ganz anders Solstafir, die anschließend die Bühne entern. Sänger Tryggvason bezeichnet sich und seine Mannen als Piraten, die von Stadt zu Stadt ziehen. Ein gutes Leben, wie er meint. Und das merkt man ihnen in jeder Sekunde ihres Auftritts an. Nach ihren Anfängen im Black Metal, machen sie jetzt etwas ganz eigenes, das mit Progressive und Psychedelic nur unzureichend zu beschreiben ist. Es fesselt auf jeden Fall und man hat als Zuschauer das Gefühl, dass hier vier Männer das machen, wonach ihnen musikalisch ist, ohne sich um irgendwas zu scheren. Da wirkt auch die kreisende Whiskey-Flasche, die sowohl die leeren Becher von Fans füllt, als auch die trockene Kehle des Bassisten ölt, während er spielt, nicht wie eine aufgesetzte Rocker-Attitüde. Ich habe selten erlebt, dass ein Support mit Zugabe-Rufen bedacht wird und zumindest für eine erneute Verabschiedung nochmal auf die Bühne kommt.

Es muss ja so langsam auch weitergehen, denn es ist schon 21:30 Uhr und die Umbauarbeiten für den Auftritt der Headliner beginnen gerade erst. Durchgeführt übrigens von den Jungs von Long Distance Calling selbst, was wieder ein paar Coins in die Sympathiekasse gibt. Nicht zum ersten Mal darf dann der Opener des aktuellen Albums auch das Konzert eröffnen. Kam in der letzten Tour noch „Into The Black Wide Open” diese Rolle zu, darf jetzt entsprechend „Nucleus” ran. Behutsam versammelt der Song alle Zuhörer um sich, um sie dann auf die Reise ins Land der harten Riffs und blumigen Gitarrensoli von David Jordan mitzunehmen. Drums and Bass-lastiger geht es weiter mit „The Figrin D´an Boogie”, das sich in seiner Vielschichtigkeit nicht hinter dem neuen Material verstecken muss. Mit „The Flood Inside” wird LDC dann auch für mich zur Band mit Stimme. Gut, auf allen Alben gab es schon Tracks mit hochkarätigen Gastsängern, aber jetzt eben richtig. Marsen singt jedoch nicht als Frontmann, sondern bleibt oben an den Keyboards, was passt, denn er versteht seinen Gesang als Teil der Musik und das ist gut so. Über alle Zweifel erhaben in seiner Intensität ist „Black Paper Planes”. Die Drums von Janosch Rathmer stehen etwas zu sehr im Vordergrund, vor allem beim psychedelischen „Ductus”. Was für ein grandioser Song! Wahrscheinlich der beste des neuen Albums „The Flood Inside”. Und dann gibt Marsen doch noch den Frontmann. „Tell The End” singt er in erster Reihe und rückt dabei seine stimmlichen Qualitäten in ein besonders gutes Licht.

Die Stimmung ist hervorragend und wird noch einen Tick besser als Florian Früntmann, heute ganz in Roses (sorry, kleines Wortspiel) gekleidet zum Tänzchen zu „Arecibo” auffordert. Nötig war’s nicht, denn (hallo?) wer kann bei diesen Riffs unbewegt bleiben? Nach dem launigen Ausflug in die Farben des Morgenhimmels mit „Aurora” wird mit „The Man Within” noch ein neuer Song samt Gesang präsentiert. Das Mainset schließt das altbewährte „Metulsky Curse Revisited“ ab.

Als Zugabe gibt’s den so typischen LDC-Sound in Gestalt von „Apparitions” und lässt in einer knappen Viertelstunde träumen und abrocken. Härrlisch, wie der Kölner sagen würde. Die ordentlich gefüllte Essigfabrik leert sich nach den letzten Takten trotz vorgerückter Stunde nur langsam. Man hängt noch ein bisschen dem Erlebten nach. Bei länger anhaltenden Nachwirkungen fragen Sie ihren Plattenhändler oder Konzertticketverkäufer. Es lohnt sich.

Bandfoto The Sword

The Sword lassen es im Underground krachen!

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Schnee ist selten in Köln. Gute Live-Musik dagegen nicht. Die winterliche Wetterlage muss aber heute als Entschuldigung dafür herhalten, dass ich die erste der drei Bands, die im Underground auftreten, verpasse. Zodiac´s Schlagzeuger Janosch Rathmer werde ich immerhin bereits im März wiedersehen, wenn er mit Long Distance Calling in der Domstadt auftritt. Für mich geht es heute also mit Lonely Kamel los. Ihr bluesgetränkter Stoner Rock bietet einen groovigen Einstieg in den Abend. Sänger Tomas Brenna passiert es wohl nicht alle Tage, dass ein BH auf der Bühne landet. Wenig später ziert dieses damenlos gewordene Kleidungsstück die Stirn des bärtigen Norwegers. Eine solche Einlage bietet zwar Anlass zum Schmunzeln, zählt aber nicht zu den Gründen, warum viele Musikliebhaber heute den zum Teil weiten Weg nach Köln auf sich genommen haben. Der Hauptgrund sind vier Männer aus Texas, die dem Metal ordentlich frischen Wind einhauchen. Ein Hauch der manchmal auch Orkanstärke erreicht. The Sword fallen auf und sind schon früh in ihrer Karriere ins Visier von Genregrößen wie Metallica geraten. So durften sie bereits zweimal in deren Vorprogramm auftreten.

Als die vier Texaner die Bühne betreten, muss sich Lead-Gitarrist Kyle Shutt erst einmal durch eine  Gras-Wolke seinen Weg bahnen. Genau vor seinem Platz haben sich Fans entsprechend auf den Auftritt von The Sword vorbereitet. Schon bei den ersten Akkorden des Openers „Apocryphon” ist Shutt voll in Fahrt. Es ist eine Wonne seinem virtuosen Spiel zuzusehen. Neben seinem schmächtigen, fast schüchtern wirkenden Kollegen J.D. Cronise zieht er die Blicke auf sich. Wohltuend ist, dass sich keines der Bandmitglieder mit Metal-typischen Gesten inszeniert. Bewährte Kracher wie „Tres Brujas” und „Freya” kommen ohne solche Klischees aus und bringen die Fans in Fahrt. Crowdsurfing wird immer wieder praktiziert und ist angesichts der Lücken im nicht ganz ausverkauften Underground ein gefährliches Unterfangen.

Da in meinen Ohren das aktuelle Album „Apocryphon” das mit Abstand beste der Band ist, genieße ich den Mittelteil des Mainsets mit Songs wie „Arcane Montane” und „Dying Eath” besonders. Der Rest des Publikums geht dagegen bei den bewährten Stücken von Alben wie „Warp Ryder” so richtig ab. Einen großen Anteil an dem homogenen Sound des Quartetts hat der neue Drummer Jimmy Vela. Nachdem Trivett Wingo die Band 2010  verlassen hatte und Kevin Fender vorübergehend an den Drums Platz nahm, scheinen The Sword mit Vela den richtigen Mann gefunden zu haben.

Die Texaner haben zwar einen ganz eigenen Sound entwickelt, aber die Vorbilder sind schnell ausgemacht. Black Sabbath sind bei Songs wie „Cloak Of Feathers” als Haupteinfluss nicht zu leugnen. Während der letzte Song des neuen Albums das Set eröffnete, darf sein erster das Mainset beschließen und „The Veil Of Isis” verrichtet diese Aufgabe bestens. Die Zugabenpause wird mit ohrenbetäubenden Feedbacks überbrückt. Nicht nur hier verrichten meine Ohrenstöpsel ihren Dienst und stellen sich als wichtigstes Utensil an diesem Abend heraus. Nach knapp eineinhalb Stunden und einem würdigen Abschluss mit „Winter´s Wolves” lassen die vier Musiker ein verausgabtes und zufriedenes Publikum zurück. The Sword können nicht nur laut, sie haben ein tolles Songwriting und große Live-Qualitäten. Ein Mix, der beim nächsten Abstecher der Band einen weiteren Besuch zur Pflicht macht.