Rolf Zuckowski und Weihnachten – das hat immer einen Touch von “Weihnachtsbäckerei” und plärrenden Stimmen. Wenn der beliebte Kindersong aber von Martin Tingvall am Piano improvisiert wird, bekommt er einen ganz anderen Geschmack und wird auch für genervte Erwachsenenohren wieder uneingeschränkt hörbar.
Der 74jährige Träger des Bundesverdienstkreuzes ist gar nicht mehr so oft auf deutschen Bühnen zu sehen. Vor wenigen Jahren gab es eine Tour zu “40 Jahre Rolfmusik”, doch er ließ lieber seine Lieder von Kinderchören singen, als selbst zum Mikro zu greifen. Manche Highlights bleiben aber: Seit 2018 spielt Rolf jedes Jahr zur Adventszeit im Planetarium Hamburg ein Weihnachtskonzert zusammen mit seiner Tochter Anuschka, mit dem schwedischen Jazzpianisten Martin Tingvall am Klavier, sowie weiteren Mitgliedern seiner Band.
Der 90minütige Mitschnitt, der jetzt bei seinem Label “Musik für dich” auf DVD vorliegt, entstand am 29.11.2020 (natürlich zu Corona-Bedingungen). Die Atmosphäre im Planetarium wird erfüllt von einem faszinierenden Sternenhimmel und traumhaften Projektionen. Allein die visuellen Landschaften machen das Konzert zu einem stimmungsvollen Ereignis.
Rolf wird unterstützt von seinen Kindern Anuschka und Alexander. Vor allem Anuschka zeigt sich inzwischen im Songwriting und der liebevollen Performance als legitime Nachfolgerin des Meisters.
Eine Zusammenarbeit mit Martin Tingvall gab es schon 2017 auf dem Album “Wär uns der Himmel so nah”, das beide gemeinsam gestalteten. Der Pianist spielt die Stücke in wundervoll sanften Instrumentalversionen und gibt dem Konzert die entsprechende Stimmung mit. Ebenso stark sind die gefühlvollen und tiefsinnigen Liedtexte.
Das Konzert macht Weihnachten im Herzen spürbar und ist eher für Erwachsene gedacht, doch auch Kinder können ihre Freude daran haben, vor allem wenn sie Bekanntes wie die “Jahresuhr” entdecken.
Rolf Zuckowski strahlt sehr viel Wärme aus, wenn er bei seinen Ansagen in Erinnerungen schwelgt und aus der “Irischen Weihnacht” vorliest. Die Texte aus seiner Feder sind ebenso zeitlos wie die Werke von Joachim Ringelnatz, Wilhelm Busch und Erich Kästner, die er vertont hat. Es wird irisch, schwedisch und plattdütsch. “Dat Joahr geiht to Ind” ist eine romantische Hommage an Rolfs Anfangszeit an der Waterkant.
Die DVD liefert wundervolle Musik, eine fantastische Atmosphäre und eine stilvolle Reise durch die Advents- und Weihnachtszeit bis hin zum Jahreswechsel. Es ist wunderbar vertraut, Rolfs Stimme zu hören und seinen Gedanken zu folgen. Mit Anuschka und Martin Tingvall hat er hervorragende Mitstreiter, die diese Tradition vielleicht auch fortführen werden und Rolfs Erbe am Laufen halten, wenn er das nicht mehr selbst kann.
Genießt die sinnlich-beseelten und fröhlichen Momente der “Weihnachtsbäckerei”:
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Nach knapp 1,5 Jahren im Ausnahmezustand ist die kollektive Ermüdung in Sachen rein digitaler Zusammenkünfte, ob für Besprechungen oder Kulturgenuss, allerorten spürbar. Umso stärker wächst die Sehnsucht nach einer Form der Normalität, die endlich wieder echte Kontakte ermöglicht. Dank niedriger Inzidenzen, fortschreitender Impfkampagne und zahlreicher Testmöglichkeiten rückt diese Aussicht aktuell in greifbare Nähe — und erlaubt somit der Kultur die Rückkehr auf die Bühnen. Gute Voraussetzungen also, die zuversichtlich stimmen, dass auch das Reeperbahn Festival mit seiner 16. Ausgabe einen weiteren Schritt in Sachen Annäherung an die Normalität darstellen wird.
Vom 22. bis 25. September verwandelt sich St. Pauli erneut zum Epizentrum der Musikwelt, bei dem Musikfans und Fachbesucher*innen gleichermaßen auf ihre Kosten kommen. Das gewohnt vielfältige Angebot an Livekonzerten präsentiert in rund 35 Spielstätten (davon drei Open-Air-Bühnen) Newcomer*innen und etablierte Acts, während wir die Konferenz-Teilnehmer*innen nach der rein digitalen Umsetzung in 2020 in diesem Jahr endlich wieder live vor Ort begrüßen dürfen. Dies alles geschieht selbstverständlich in enger Abstimmung mit den zuständigen Behörden und gemäß der im September geltenden Verordnungen. Genauere Details zum konkreten Stand der Planungen werden im Laufe der kommenden Monate an dieser Stelle bekannt gegeben.
Doch nicht nur Fans, Fachbesucher*innen und Festivalausrichtende dürstet es nach der Begegnung von Angesicht zu Angesicht — auch unzählige Künstler*innen freuen sich, endlich wieder live mit ihrem Publikum in Kontakt zu treten:
″I think I echo a similar sentiment as my fellow artists that having to be without live music for the better part of two years was incredibly challenging on every level. But more than anything it was the loss of the special energy that only happens when you have people together experiencing something unique. Having played Reeperbahn Festival before, and having an absolute blast, there is something so energetic and fun and different about it that it feels so right to be the moment when I get to return to performing. Hard to even describe how much I’m looking forward to it.” (William Fitzsimmons)
Eröffnet wird das 16. Reeperbahn Festival mit dem Reeperbahn Festival Opening am Mittwoch, 22. September, im Stage Operettenhaus. Für die einstündige Eröffnungsshow mit hochklassigen Live-Acts sowie Keynotes und Talks zu branchenrelevanten und gesellschaftspolitischen Themen werden erneut prominente Gäste aus Kultur und Politik erwartet. Am Festival-Samstag, 25. September, kürt die Jury um Präsident Tony Visconti im St. Pauli Theater den/die Gewinner*in des ANCHOR – Reeperbahn Festival International Music Award. Begleitet wird die diesjährige Ausgabe des Reeperbahn Festivals von den Medienpartnern ARTE Concert und NDR.
MUSIKPROGRAMM
Auch in diesem Jahr liegt der Fokus des diesjährigen Live-Angebotes auf einer breiten Abbildung hauptsächlich europäischer Acts und Künstler*innen. Zu den bisherigen Highlights 2021 zählen u.a. die Rapper Mavi Phoenix (AUT), Goldroger (DEU), die Indie-Elektroniker Weval II (NLD), Pop-Act ILIRA (CHE), Songwriter*innen Antje Schomaker (DEU), Dillon (DEU/BRA) und William Fitzsimmons (USA), die Retro-Rock Institution Kadavar (DEU) sowie Indie-Pop-Bands wie JEREMIAS (DEU) und Die Höchste Eisenbahn (DEU). Die Übersicht aller bisher bestätigten Live-Acts findet sich HIER.
Zu den rund 35 Spielstätten zählen mit der ARTE Concert Stage im Festival Village auf dem Heiligengeistfeld, der Spielbude sowie dem N-JOY Reeperbus auf dem Spielbudenplatz drei Open-Air-Bühnen.
Ein weiterer Spielort ist die Elbphilharmonie, in der fünf Konzerte stattfinden. Am Freitag, 24. September, spielen RY X (AUS) und die ANCHOR-Gewinner*innen 2020 ÄTNA x NDR Bigband (DEU), während dort am Samstag, 25. September, Alice Phoebe Lou (ZAF), Niklas Paschburg (DEU) sowie erneut RY X (AUS) auftreten werden. Alle Informationen rund um die Zugangsberechtigungen zu den diesjährigen Konzerten in der Elbphilharmonie finden sich HIER.
“My first Reeperbahn Festival experience was in the Jazz Cafe playing to a handful of people. I was amazed by the energy of the city and the different concerts we stumbled on. It felt like I was finally dipping into the music scene of Europe and that I was a part of something exciting. 7 years later, much deeper into my musical life, I feel honoured to be playing in the epic Elbphilharmonie. It gives me the feeling that all of these years of working hard as an independent artist have paid off, and it’s the perfect opportunity to put on a unique show with more instruments and different arrangements to mark this special occasion.” (Alice Phoebe Lou)
Lofft stammen aus Hamburg und bieten gitarrenorientierte, sehr melodische Rockmusik. “Start A Fire” ist ihr drittes Album und mit Songs wie “Lick It Up” und “You Are The Rock” geht es direkt in die Vollen. Ohne Gefrickel und Geschnörkel bietet das Quintett bodenständigen Hardrock und Hymnen voller Pathos. Der Titelsong hingegen kommt als gefühlvolle Ballade daher.
So geht es sehr rockig und bodenständig weiter. Die Riffs sind gefällig, Torger Neuhaus’ Vocals sehr stark. Dabei ist der Sound ziemlich homogen gehalten und erinnert an Alternative Rocker wie Alter Bridge und Papa Roach. Ruhige Töne erklingen eher selten, aber bei einem Song wie “Butterfly” wird es dann richtig heimelig.
Überraschungen gibt es nicht, aber das ist auch gar nicht nötig. Freunde anspruchsvoller Rockmusik mit einem Faible für die 90er Jahre werden hier sehr gut bedient.
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An Silvester wird in ganz Deutschland “Dinner for One“ geschaut. Doch während Butler James in die Rolle einer ganzen Abendgesellschaft schlüpft, bleibt die Dame des Hauses verdächtig still.
Was geht eigentlich in Miss Sophie vor? Dieser Frage sind Florian Sump, Markus Pauli und Lukas Nimscheck, besser bekannt als „Deine Freunde“, in ihrem neuen Musikvideo auf den Grund gegangen. Im originalgetreuen Bühnenbild wagen die drei Bandmitglieder einen überraschenden Perspektivwechsel und stellen fest: „Wahrscheinlich vermisst Sie ihre alten Freunde.“
Das Video zu „Freut euch, dass ihr da seid“ ist ein melancholischer, aber auch ermutigender Blick ins Jahr 2021: „Wir wollen die Leute daran erinnern, dass unsere gemeinsame Zeit unendlich kostbar ist.“ Denn obwohl das Original bereits seit 1963 existiert, dürfte uns das Gefühl, dass unsere Liebsten uns fehlen, besonders im Jahre 2020 schmerzlich vertraut sein.
“Freut euch, dass ihr da seid!” ist auf dem kürzlich erschienenen Weihnachtsalbum erschienen und ist erhältlich in allen gut sortierten Plattenläden und natürlich im Streaming Himmel. Handsigniert und wichtelgeprüft im Webshop auf der Homepage www.deinefreunde.info
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Auch wenn Jon Flemming Olsen nicht jedem auf Anhieb ein Begriff ist – vielleicht macht es Klick, wenn man an den Eurovision Song Contest 2006 und seine Band Texas Lightning denkt. “No No Never” bewegte sich (wie so viele deutsche ESC-Titel) zwar nur im hinteren Bereich der Ergebnistabelle, wurde aber in DEutschland trotzdem ein respektabler Erfolg und bewegte sich 38 Wochen lang in den Charts.
Solo legt das Multitalent aus Düsseldorf inzwischen sein drittes Album vor. Seine 13 neuen Lieder – live mit Streichquartett eingespielt – ähneln inhaltlich und musikalisch durchaus einem Drahtseilakt: Mal fokussiert auf den Weg, mal in den Abgrund blickend, mal traumtänzerisch leicht. Ob sich da ein einsamer Tropf vergebens um die Rückkehr eines geliebten Menschen bemüht (“Wenn Du wiederkommst”). Oder ob jemand augenzwinkernd anzweifelt, inwiefern der Nachwuchs tatsächlich ein steter Quell der Freude ist (“In zwanzig Jahren”). Und auch die eigene Vita kommt bei Olsen auf den poetischen Prüfstand: In “König in meiner Baracke” singt er sich frei von den Zwängen, die sich mit schnellem Ruhm einstellen können. Davon könnten sicher viele ESC-Teilnehmer ein Lied singen.
Natürlich nehmen auch die Folk- und Country-Ideen breiten Raum ein. “Es wird etwas geschehen” ist mitreißend und optimistisch. “Alles wahr” ist eine 1-a-Verschwörungspersiflage und “Wildes Tier” zeigt in dunkel leuchtenden Skizzen, wie in Menschen lange unterdrückter Groll ausbricht. „Die Decke unserer Zivilisation ist hauchdünn. Das Lied ist vielleicht auch ein Plädoyer dafür, das Archaische in uns zuzulassen, bevor sich der angestaute Frust ins Wutbürgerhafte verkehrt.‟ Olsen ist einer, der an Solidarität glaubt. Der den Menschen vertraut, seinen Fans sowieso. Deshalb setzte er auch erneut erfolgreich auf das Prinzip Crowdfunding, um die Produktion von “Mann auf dem Seil” zu finanzieren.
Die ruhigen akustischen Balladen harmonieren hervorragend mit den Streichern. Eine durchaus spannende Kombi. Und auch wenn es laut und energisch wird, gibt das begleitende Quartett eine ordentliche Dynamik mit. Olsen hat seinen Songs viel Zeit zum Reifen gelassen. Mit seinem neuen Material ist er Anfang 2019 nicht geradewegs ins Studio gegangen, sondern hat seine Singer-Songwriter-Oden live ein Jahr lang atmen, fliegen und auch mal scheitern lassen – „bis sie so richtig schön rundgespielt waren‟. Um diese beglückende Energie des Moments festzuhalten, hat er seine Lieder schließlich live aufgenommen. An nur einem Abend, vor vollem Saal (im Theater Schmidtchen) in seiner Heimat Hamburg, in Begleitung des Kammerensembles Konsonanz. So verbindet „Mann auf dem Seil‟ nun die Leidenschaft für Singer-Songwriter-Sound, Folk und Country mit einem intuitiven Gespür für eingängige Popmelodien, die dank der Streicher zum tief berührenden Ereignis werden. Ein überaus geglückter Balanceakt.
Johannes Oerdings sechstes Studio-Album “Konturen” meldete nur zwölf Wochen nach dem Release Ende 2019 Gold-Status und war das erste Nr. 1-Album seiner Karriere. Es ist ein Fest aus lässigem Pop, knackigem Elektro, satten Streichern, reduziertem Beat, NDW-Übermut und orchestralem Filmmusik-Pathos. Und keine Angst: Wer die melancholische Seite des sanften Songwriters liebt, wird ebenfalls nicht enttäuscht.
“An guten Tagen” ist ein optimistischer Poptitel, der ebenso gut ins Ohr geht wie der Nostalgie- und Mutmachsong “Alles okay”. Doch schon mit “Blinder Passagier” wird es nachdenklich und politisch. Überraschend tanzbar sind der Weckruf “Anfangen” und die Hymne “Vielleicht im nächsten Leben”. Diese Songs tragen zur Auflockerung bei, doch mir gefällt vor allem der ruhige Sänger. Egal, ob er mit “Unter einen Hut” still zurückblickt oder für “Besser als jetzt” perfekten Gitarrenpop im Stil von Gregor Meyle abliefert. “Konturen” ist mindestens ebenso gut wie mein bisheriges Lieblingswerk “Kreise”.
Die Zeit bis zu den kürzlich bestätigten Nachholterminen der Corona-bedingt abgebrochenen Tour überbrückt aktuell eine 2-CD “Special Edition” von “Konturen”, die am 23. Oktober inklusive zwei neuen Songs und einer Bonus-CD mit ausgewählten Akustikaufnahmen erscheint. Darunter, neben einem Feature von Kumpel Wincent Weiss, auch die neue Single “Ungeschminkt”. „Manchmal hat man das Glück, in wenigen Minuten und in wenigen Zeilen ein Gefühl genau auf den Punkt zu bringen. Es ist ein Liebesbrief, der sich wie von selbst geschrieben hat.“ Der neue Song funktioniert als Liebeserklärung an die Schlichtheit, an die einfachen Dinge des Lebens – und passt damit auch perfekt zu den akustischen Tracks, die CD 2 bilden. “Ketten” hingegen ist eine treibende Hymne mit elektronischen Sounds, die den Wunsch nach einem neuen Aufbruch thematisiert. Ebenfalls sehr passend in dem Jahr der kulturellen Stille.
Die Konzertreihe „Lagerfeuer Acoustics“ erlaubte im Rahmen der „Stadtpark Acoustics“ in Hamburg mit maßgeschneidertem Setting und durchdachtem Hygienekonzept erstmals wieder Liveshows für bis zu 900 Zuschauer. Oerding spielte so an fünfzehn Dates bis Mitte September live vor insgesamt 13.500 Fans, die Tickets waren in Rekordzeit ausverkauft.
Die zehn Akustik-Tracks, die zum größten Teil vom “Konturen” Album stammen, wurden im Studio neu aufgenommen und geben einen perfekten Eindruck davon, wie Oerdings Songs ohne große Produktion und technisches Brimborium klingen. CD 2 wird somit zur melancholischen, nachdenklichen Compilation, die das erwähnte Lagerfeuer-Feeling perfekt in den heimischen Player bringt. Das zweistimmige Duett mit Wincent ist wirklich ganz großes Kino und lässt mich die Bewertung des Albums in unserer Skala um einen Punkt auf die Höchstwertung anheben. Wundervoll!
Schade, dass es die Songs in diesen Versionen 2020 nur in Hamburg gab. Hoffen wir, dass im nächsten Jahr auch der Rest des Landes in den Genuss kommt.
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Hamburg. St. Pauli. Die Reeperbahn ist gefüllt wie eh und je. Menschenmassen drücken sich aneinander vorbei, Punks und Obdachlose, Drags und andere bunte Hunde, Männer wie Frauen werben für ihre Anliegen. Dazwischen sieht man lange Schlangen und Menschen mit Festival-Bändchen, teils mit Presse- oder Team-Ausweis. Gerade am oberen Ende, von der U-Bahn-Haltestelle St. Pauli kommend, klingt über den üblichen Geräuschpegel etwas, das man in den letzten Monaten eher selten hörte: Livemusik. Auf dem Spielbudenplatz spielen an vier Tagen jeweils drei Bands.
Das Reeperbahn-Festival fand vom 16. bis 19. September 2020 statt – trotz Corona. Als großes Experiment, wie ein Festival in Pandemiezeiten ablaufen kann. Kein Wunder also, dass die Veranstaltungsbranche nicht wie sonst vor allem nach Hamburg blickt, wenn das Festival ansteht. Nicht, um gesehen zu werden, alte und neue Bekannte zu treffen, neue Musik zu hören und sich gegenseitig zu verständigen. Sondern vor allen Dingen, um herauszufinden: Gibt es Hoffnung für die stark gebeutelte Branche, die seit Monaten keine Einnahmen verzeichnen kann, mit am längsten die Türen geschlossen halten musste und für die es noch immer keine Perspektive gibt, die auch finanziell ein „Weitermachen“ ermöglicht.
Natürlich sind es nicht nur die neun Konzerte auf der Spielbuden-Bühne. In 19 weiteren Clubs und Veranstaltungsorten finden an den vier Festivaltagen über 100 Konzerte statt. Viele werden live im Internet gestreamt – und 150.000 Menschen schalten dafür ein. Vor Ort sind es deutlich weniger: Gerade einmal 8000 Besucher:innen kommen physisch zum Festival. Verglichen mit den 50.000 im Vorjahr ist das quasi nichts. Daher wirkt auch vieles eher leer. Das Festival Village auf dem Heiligengeistfeld (mit zwei Bühnen: der kleinen Festival Village Fritz Bühne und der großen Festival Village Stage) ist nur wenig besucht. 30000 Quadratmeter stehen hier zur Verfügung. Normal passen hier locker bis zu 7000 Menschen hin. Zugelassen sind allerdings gerade einmal 1300.
Überall werden Kontaktdaten hinterlassen. Betritt man eine Venue, muss vorab ein QR-Code eingescannt werden. Erst nach Bestätigung und Kontrolle darf man eintreten. Das gleiche Spiel erneut beim Auschecken. Während es Mittwoch und Donnerstag noch ruhig war und die meisten Menschen ihre Wunschkonzerte sehen konnten, wurde es zum Wochenende deutlich voller. Die Schlangen wurden länger – und die enttäuschten Gesichter derjenigen, die nicht mehr hineingekommen sind, waren häufiger zu sehen. Doch trotz allem: Großer Protest oder Beleidigungen blieben aus. Die Sicherheitsleute berichten, dass sie gerade einen sehr entspannten Job hätten. Man könne sich mehr Zeit beim Einlass lassen, aber vor allem seien die Menschen verständiger und weniger aggressiv, wenn sie nicht hineinkämen. Vor allem aber: Man habe endlich wieder etwas zu tun. Das gilt für alle hier: Die Ton- und Lichttechniker, die Stagehands und Menschen hinter der Theke, genauso wie viele mehr, die dabei mithelfen, dass die Konzerte überhaupt stattfinden können.
Wie das alles dann finanziert wird? Vor allem durch Subventionierung von Bund und Ländern. Mit insgesamt 1,3 Millionen Euro wurde das Reeperbahn Festival in diesem Jahr bezuschusst.
In den einzelnen Clubs, Kirchen und Open-Air-Bereichen stehen zumeist Stühle, manchmal sind es auch nur Markierungen auf dem Boden. Maximal zwei Menschen dürfen zusammensitzen oder stehen. Ein kurzer Besuch bei Bekannten zwei Reihen weiter wird von der Security sofort unterbunden. Außer am eigenen Platz herrscht zudem überall Maskenpflicht. Statt des sonst nicht unüblichen Konzert-Hoppings, also überall mal kurz reinzuschnuppern, muss sich diesmal im Voraus entschieden werden, wohin man möchte – nachdem das Konzert begonnen hat, darf niemand mehr hinein. Raus kommt man jederzeit, aber der Platz wird nicht nachbesetzt.
Während also im Rahmen des Festivals penibel auf die Einhaltung aller Hygienevorschriften geachtet wird, ist genau das außerhalb der mit QR-Code abgesperrten Bereiche auf dem Rest der Reeperbahn fast allen ziemlich egal.
Ob das Konzept gelungen ist? Es ist möglich, Live-Konzerte zu spielen. Das wird derzeit im ganzen Land gezeigt. Die Autokonzerte sind weitestgehend vorbei und der Sommer mit seinen Outdoor-Möglichkeiten und einigen Lockerungen wurde von vielen genutzt. Wie es im Herbst weitergeht, ist absolut ungewiss. Was jedoch sicher ist: Ohne Subventionierung ist es nicht umsetzbar. Bei knapp 50 statt 300 Besuchern kommt kein (Club-)Veranstalter jemals zu schwarzen Zahlen – und horrende Ticketpreise kann sich derzeit nur ein Bruchteil der Gesellschaft leisten. Dennoch: Mit dem passenden Hygienekonzept und verantwortungsbewussten Menschen sollte eine Aufstockung der Besucherzahlen in Erwägung gezogen werden. Der Fussball macht vor, wie eine Steigerung der Besucherzahlen möglich sein kann. Dass die Besucher:innen sich an Regeln halten können, hat das Reeperbahn Festival eindeutig gezeigt.
Seit 2013 ist Hamburg neben der Reeperbahn, dem Fischmarkt und seinen anderen durchaus sehenswerten Attraktionen auch für das Elbriot Festival bekannt welches auf dem zentral gelegenen Gelände des Großmarktes stattfindet. 2017 wartet das 10.000 Zuschauer fassende Festival mit einem massiven Line Up auf. Beginnen wir von vorne.
Sichtlich angeschlagen und desorientiert macht man sich eine Stunde vor Beginn des Festivals auf den Weg in die Innenstadt von Hamburg. Angekommen an der S-Bahn Station überlegt man kurz ob man die S3 nach Buxtehude nehmen soll, wann hat man diese Chance schon?! Letztendlich siegt aber doch der Wille Bury Tomorrow live sehen zu wollen und man folgt dem wummern der Double Bass. Um viertel nach zwölf angekommen bietet sich einem das Bild das man unter keinen Umständen sehen will: Eine lange Schlange die das Erleben der Englischen Metalcore Combo schier unmöglich macht. Man freut sich über den Gästelisten Eingang und hat somit Glück. Schon die Mitarbeiter an der Gästeliste versprühen den typisch ruppigen Hamburger Lebensstil: Wie sympathisch.
Nach der wichtigsten Tat, dem Erwerb eines alkoholischen Kaltgetränkes, bietet sich einem eine gut gefüllte Bühne und die letzten zwei Songs des Sets von Bury Tomorrow. „Last Light“ und der Titel Track zum gleichnamigen Album „Earthbound“ werden mehr als solide dargeboten und zeigen, warum die fünf Engländer zur Zeit gefühlt auf jeder Tour in jedem Club und jedem Festival spielen.
Die halbe Stunde Umbau wird genutzt um sich zu setzen, Bier zu trinken und zu bestaunen was einem hier in den ersten vier Stunden des Festivals geboten wird. Niemand geringeres als Whitechapel betreten pünktlich um 13 Uhr die Bühne und zeigen gleich mit „The Saw Is The Law“ in welche Richtung ihr Set gehen wird: Richtung Tod. Phil Bozeman, Frontmann der Death Core Mannen aus Knoxville, schreit sein Publikum an als gäbe es kein Morgen, und genau das will man ja bei einem Konzert dieser Band. Mit „I, Dementia“ und „Our Endless War“ folgen weitere Tracks die dafür sorgen, dass es im vorderen Teil des Publikums teils heftig abgeht. Ben Savage, Gitatrist der Band, spielt das ganze stilsicher mit Cowboystiefeln runter. Schlusspunkt dieses Infernos ist der Song „Possibilities Of An Impossible Existence“. Fazit: I want to die.
Wer jetzt glaubt das wäre schön heftig genug gewesen der irrt. 14.05: August Burns Red betreten die Bühne und blasen mit „The Truth Of A Liar“ und „Backburner“ gleich neuen Wind in die Segel der Elbriot Bühne. Spätestens mit dem erklingen von „Empire“ verwandelt sich der gesamte erste Wellenbrecher in einen riesigen, mit fröhlichen Gesichtern gefüllten Pit. Die Sonne macht eine Pause hinter einigen Wolken, was nicht unbedingt ein Minuspunkt bei diesem Pit ist. Wie immer bei August Burns Red ist viel Bewegung auf der Bühne, JB, zunächst unzufrieden über das Setting seines Verstärkers, läuft fröhlich grinsend auf und ab, Jake zimmert Vocals ins Mikrofon von denen manche träumen. Mit Songs wie „Martyr“, „Composure“ und dem neuen „Invisible Enenmy“ lassen ABR ihren Fans keine Zeit zum verschnaufen. Besonderes Highlight: August Burns Red spielen „Ghosts“, welcher einen gesungenen Part von A Day To Remember Frontmann Jeremy Mc Kinnon beinhaltet. Diesen übernimmt Bassist Dustin mehr als zufriedenstellend. Beendet wird das Set mit „White Washed“ und man darf sich auf den nächsten Act freuen: Architects.
Als wären die vorangegangenen drei Stunden nicht schon, um es in Hamburger Slang zu sagen, derbe gewesen gibt man sich nun auch noch die besonders gesellschaftskritischen Engländer, die einem nicht weniger den Atem rauben. Knallende Sonne, kaltes Bier und zum Auftakt „Nihilist“, „Deathwish“ und „These Colours Don’t Run“… Was für ein Auftakt. Die Setlist der Architects liest sich wie ein Best Of, wobei es sehr schwer ist Songs der Band zu finden die nicht gut sind. Gewohnt sicher und absolut sauber präsentieren sich die aus Brighton stammenden Herren um Sänger Sam Carter. „Gravedigger“ und „A Match Made In Heaven“ bereiten schließlich auf den letzten Song vor, vor dem noch einmal dem verstorbenen Gitarristen Tom Searle gehuldigt wird. Gänsehaut. „Gone With The Wind“ beendet einen unglaublichen, vierstündigen, Metalcore Marathon und man gönnt sich zur Stärkung einen Döner außerhalb da das Essen auf dem Gelände leider von Optik und Preisen nicht mit dem Line Up mithalten kann.
Immer wieder regnet es, teils sehr heftig. Das macht aber der Stimmung keinen Abbruch. Frisch gestärkt geht es zurück vor die Bühne um sich einen, wie gewohnt, sicheren Auftritt von Hatebreed anzusehen. Ebenso souverän treten die Metaller von Trivium aus Florida auf, die bei ihrer Songzeile „…it rains“ voll ins Schwarze treffen. Apokalypse eingeleitet.
Leider wird einem die Mitfahrgelegenheit kurz vor Bullet For My Valentine gestrichen und so muss man, aufgrund nicht änderbarer Umstände, schon während BFMV und Megadeth die Heimreise antreten.
Zusammengefasst lässt sich sagen, dass das Elbriot ein Festival ist dem in den nächsten Jahren mehr Aufmerksamkeit geschenkt werden wollte. Gut organisiert, vom Line Up eins der besten in Deutschland und auch zuschauertechnisch absolut so wie man es mag.
Im ersten Moment konnte man sich nicht über die anstehende Solo-Tour von Jimmy Eat World Frontmann Jim Adkins freuen. Zu viele Fragen blieben ungeklärt: Gab es Streit unter den Bandmitgliedern? Brauchte die Gruppe eine Pause? Oder wollte Jim seine Solokarriere vorantreiben?
Nichtsdestotrotz finden sich gut 200 Leute bei sommerlichem Sauwetter im Nochtspeicher, nahe des Hamburger Kiez ein. Den Anfang macht das Duo Jonah aus Berlin, das sich durch die Hintergrundmusik für einen Mobilfunkanbieter bereits einen Namen gemacht hat. Der Respekt und die Nervosität, als Support eines ihrer Lieblingsmusiker aufzutreten, ist ihnen von Minute eins anzumerken, was die beiden Berliner umso sympathischer macht. Dennoch präsentiert das Duo ein kurzweiliges und unterhaltsames Set, das erst beim Mann des Abends langsam aus den Gehörgängen verschwindet.
Jim Adkins, gekleidet mit schwarzem Cowboyhemd, Blue Jeans und entsprechendem Schuhwerk, schreitet nach 15 Minuten Pause förmlich auf die Bühne, greift sich eine der beiden bereitgestellten Klampfen und eröffnet das Konzert ohne große Ansage mit I Will Go.
Hits wie Lucky Denver Mint oder For Me This Is Heaven werden genau so lautstark mitgesungen wie das völlig unerwartete Cindy Lauper Cover Girls Just Wanna Have Fun. Der Abend verläuft so flüssig wie Zahnräder, die ineinander greifen: Sei es der rustikale, aber gemütliche Nochtspeicher, die ausgewogene Setlist von Klassikern und neuen Solostücken oder dieser 40-jährige Frontmann einer der bekanntesten Emo-Bands der Jahrtausendwende, nur mit einer Akustikgitarre auf der Bühne. Wer intime Konzerte mag, findet hier seinen Meister.
Nach gut 70 Minuten verabschiedet sich Mr. Adkins von der Bühne. Leider fehlt sowohl eine Zugabe, als auch einige Jimmy Eat World – Evergreens wie The Middle, Hear You Me oder Blister – dennoch kann man mit dem ersten Europakonzert vollkommen entspannt und glücklich den nassen Nachhauseweg antreten.
Es hat sich ja schon herum gesprochen, dass Helene Fischer aufwändige Liveshows auf die Beine stellt, die mit dem gängigen Schlagermetier rein gar nichts zu tun haben. Und immer setzt sie noch einen drauf. Im Jahr 2015 wird es gar in die großen Stadien gehen. Damit nimmt die “Farbenspiel”-Tournee Ausmaße an, mit denen vor kurzem noch keiner gerechnet hat. Das Jahr 2014 sah zunächst jedoch die große Hallentournee vor – und zum Ende des Erfolgsjahres erscheint dann auch ein Mitschnitt aus der o2-World Hamburg auf DVD.
150 Minuten Konzertlänge. Da wird schon einiges geboten! Als Intro gibt es eine Art Farbenlehre, die das Publikum auf die bunte Show einstimmt. Helene hat ihr Konzert in vier Jahreszeiten eingeteilt, beginnend mit dem Herbst. Als Verbindungsglied werden Auszüge des berühmten Klassik-Titels von Vivaldi gespielt.
Wie gewohnt zieht die Künstlerin sich mehrfach um und bietet spektakuläre Auftritte. Der Abschnitt Herbst sieht eine Reihe von Schlagern vor, die Helene im Kostüm mit Hut präsentiert. Damit hat sie die gewaltige Zuschauermenge gleich im Griff. Die Fans im vorderen Bühnenbereich sind komplett in Weiß gekleidet – ein schöner Effekt, wenn die Lightshow greift.
Längst schon gibt es immer wieder Disco-Elemente in den eigenen Songs wie “Fehlerfrei”. Helene hat zwei Schlagzeuger mit dabei, die eine rhythmische Tanzshow unterstützen. Und in Songs wie “Mitten im Paradies” zeigt sie ihre eigenen akrobatischen Künste. Da tritt sie nicht etwa in den Hintergrund, sondern tanzt die Choreografie fast vollständig mit. Eine beachtliche Leistung!
Das Kapitel Winter sieht ein ausdrucksstarkes Tanztheater vor. Helene Fischer singt “Lass jetzt los” aus Disneys “Eiskönigin” im standesgemäßen Kostüm. Und dann wird es rockiger: Zunächst mit dem Evanescence-Cover “Bring Me To Life”, das die Sängerin grandios interpretiert, dann mit einem Rock-Medley, das die Standards “The Voice”, “I Love Rock’n‘Roll”, “Jump” und “Livin‘ On A Prayer” enthält.
Der Frühling fällt etwas kurz aus und bietet das italienische “Caruso” und drei weitere Songs, die Helene im Blütenkleid performt. Dann aber folgt der Sommer und die großen Schlagerhits werden ausgepackt. Zunächst “Marathon”, dann “Ich will immer wieder dieses Fieber spür‘n”, das grandios durch den Blues-Klassiker “Fever” eingeleitet wird. Bei “Te Quiero” kommt Strandfeeling auf und für “Fly” kommt eine ganz besondere Figur ins Spiel: Ein riesiger Paradiesvogel mit dem etwas einfältigen Namen Birdy. Ein sehr starkes Showelement, das täuschend echt wirkt und die Zuschauer in Erstaunen versetzt.
Auf dem Rücken von Birdy fliegt Helene durch die o2-World und singt “My Heart Will Go On” ganz ohne das typische Celine Dion-Jaulen. Sie hat einfach eine fantastische Stimme. Das müssen auch Menschen zugeben, die mit ihrer Musik gar nichts am Hut haben. Der Vogel landet im Zuschauerraum und es gibt eine sympathische Ansprache. Das Finale bietet “Phänomen” im Discofieber. Der Übersong “Atemlos” erklingt erst sehr still, nur akustisch von Gitarre begleitet und mit riesigem Zuschauerchor. Dann ertönt ein Disco-Rhythmus und Band sowie Tänzer steigen mit ein.
Zum Abschluss gibt es die Ballade “So kann das Leben sein” und Helene Fischer hat mal wieder alles gegeben. Ihre fliegende Schlagerprinzessin auf dem Paradiesvogel werden viele Fans wohl nicht so schnell vergessen. Im Bonusbereich der DVD gibt es ein musikalisch untermaltes “Making Of” mit stimmungsvollen Bildern, die hinter den Kulissen der Produktion aufgenommen wurden. Passt alles!
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Dicht gedrängt stehen so ziemlich alle Gitarristen der Stadt vor einer kleinen Bühne und warten darauf, dass der größte deutsche Blues-Rock Gitarrero seit langer Zeit sein Gastspiel in Hamburg beginnt. Wenig später ist es soweit. Zusammen mit seiner dreiköpfigen Band und natürlich mit der 63er Stratocaster um die Schultern steht Henrik Freischlader vor einem Meer beeindruckter Gesichter und zelebriert den Blues, wie es fetter nicht sein kann.
Der Ton dieses Ausnahmemusikers ist einfach umwerfend. Vom ersten bis zum letzten Song beeindruckt er durch Gitarrenspiel, das nicht nur der Virtuosität wegen fasziniert. Es sind vor allem die vielen kleinen Phrasierungen und Andeutungen, die sein Spiel so unverwechselbar machen. Egal ob rotziger Blues oder sanft angehauchte Balladen. Das Publikum in Hamburg ist mit jedem Ton begeisterter. Natürlich zieht so ein Act wohl zu 90 Prozent Gitarristen an. Und genau deshalb gibt es auch ausufernde Gitarrensoli und einen bombastischen Grundsound zu hören. Die Band schiebt hervorragend aus dem Hintergrund, und Freischlader setzt das i-Tüpfelchen mit unverkennbarem Einfluss von Gary Moore und Jimi Hendrix oben drauf. So spielt er sich durch seine komplette Discographie und sorgt in der Zugabe mit seiner Interpretation des Hendrix-Klassikers „Voodoo Chile“ für einen Flashback in der „Großen Freiheit 36“.
Auch gesanglich ist er an diesem Abend top und hinterlässt selbst für „Nicht-Gitarristen“ einen bleibenden Eindruck. Seine gute Laune lässt sich der Ausnahme-Gitarrist auch nicht durch brummenden Bühnensound vermiesen. Am Ende strömt wohl die fast komplette Hamburger Bluesgitarren-Szene zufrieden aus einem der schönsten Live-Läden der Hansestadt.
Letzte Woche veröffentlichten We Invented Paris ihr zweites Album. Wir trafen Flavian Graber und Stefan Schneider von der Band im Hamburger Literaturcafé zu einem spannenden Interview über Musik, das neue Album und das Leben auf fremden Sofas während ihrer Couchsurfing Tour.
Gerade ist euer zweites Album „Rocket Spaceship Thing“ erschienen. Was möchtet ihr uns gerne darüber erzählen?
Stefan: Dass es unser zweites Album ist und wir stolz drauf sind. Es hat echt Spaß gemacht. Um das Album fertigzustellen, war es ein langer und intensiver Prozess. Aber es war sehr gut! Wir haben in Basel immer wieder im Proberaum Vorproduktionen gemacht und dann sind wir für vier Wochen nach Dresden in das Schloss gegangen und haben dort die Platte aufgenommen. Und ich denke sie spiegelt sehr wieder, wo wir als Kollektiv stehen.
Das Cover des neuen Albums ziert eine fliegende Dampf-Maschine, die wie ein Herz aussieht: „The Rocket Spaceship Thing“, das dem Album den Titel gibt. Was drückt für euch diese Verbindung aus Luft, Herz und Maschine aus?
Flavian: Also es war schon wichtig, dass es fliegen kann. Das war sehr wichtig! Ich muss dazu sagen, dass das Artwork in Zusammenarbeit mit Stefan Fitzner entstanden ist, der ein Teil von unserem Kollektiv ist und der die Grafiken und die Videosachen macht. Wir haben uns sehr darüber unterhalten, was wir mit dem Album und den Songs aussagen wollen. Und diese Maschine soll das eigentlich widerspiegeln, dass wir eben wie Abenteurer aus dem 19. Jahrhundert etwas Verrücktes wagen, was unmöglich schien zu der Zeit. Vielleicht eben ein Flugzeug zu schaffen. Und deshalb war es wichtig, dass es fliegt. Und dass man auch irgendwo hin fliegt, wo man sich vielleicht gar nicht zutraut hinzukommen. Und das es aber eben eigentlich vom Herzen angetrieben ist. Das man vom Herzen getrieben ist.
Worum geht es denn zentral in eurem Album? Was möchtet ihr denn an Botschaft transportieren?
Flavian: Also ich glaube einerseits, dass der Hörer das auch selbst beurteilen darf, wenn er das Album hört, was es ihm sagt. Ich will das eigentlich gar nicht zu sehr interpretieren. Aber grundsätzlich wollen wir eigentlich schon den Leuten Mut machen, dass sie den Mut haben ihrem Herzen zu folgen. Das klingt kitschig, aber ich glaube das ist der Kitsch des Lebens. Darum geht’s irgendwie. Wir wollen dazu ermutigen, dass man seiner Leidenschaft folgen soll. Das versuchen wir mit der Musik, mit dem Weg, den wir gehen. Und ebenso vielleicht, dass es jemanden ermutigen kann, dass er es sich nicht bequem macht in der Sicherheit, es sich nicht bequem einrichtet und nur gerade das macht, was an ihn herangetragen wird. Sondern dass er auch den Mut hat Dinge in Angriff zu nehmen, die er sich gar nicht zutraut oder die vielleicht unerreichbar scheinen.
In euren Liedern geht es auch oft um Sehnsucht nach Vergangenheit und entfernten Orten. Das Hier und Jetzt erscheint zuweilen ein bisschen negativ behaftet. Seid ihr – was unsere Welt angeht – eher Optimisten oder Pessimisten?
Stefan: Also ich finde, dass viele Dinge momentan eigentlich eher schlecht ausschauen, aber ich möchte trotzdem optimistisch sein und irgendwie an das Gute in uns Menschen und in der Welt glauben. Damit wir eine Chance haben uns irgendwie noch auf die Zukunft zu freuen und zu gestalten.
Ihr widmet Auguste Piccard auf eurem Album einen eigenen Song. Was macht diesen Menschen für euch so besonders – was fasziniert euch an ihm?
Flavian: Also mich hat sehr an ihm fasziniert, dass er einerseits Schweizer war und dass das, was er gemacht hat, weiter ging. Dass sein Sohn Jacques Piccard auch Erfinder war und Abenteurer und jetzt sein Enkel Bertrand Piccard immer noch aktiv ist und ebensolche verrückten Dinge wagt. Was jetzt nicht so typisch ist für den Schweizer. Die sind eher zurückhaltend oder man traut sich eben selbst nicht so viel zu und entschuldigt sich eher als dass man einfach mal macht. Und ich fand das halt sehr inspirierend, wie das weiterging, wie er das angefangen hatte und dass das weitergehen konnte. Und das ist, was ich mir auch wünsche, dass das was ich mit meinem Leben mache auch Einfluss auf die hat, die nach mir kommen.
Und dass es weitergetragen wird.
Flavian: Genau, also auch wiederum dieser Mut das Verrückte zu wagen.
In „Everyone Knows“ singt ihr über die Zerstörung der Welt durch den Menschen, der sich mit Gott auf eine Stufe stellt und zu wissen meint, was richtig und gut ist. Was glaubt ihr kann der Mensch verändern, um wieder mehr bei sich anzukommen, ohne dabei seine Umwelt zu zerstören?
Stefan (lacht): Das ist eine große Frage. Also ich glaube dafür sind die Musiker nicht die richtigen Menschen um solche Fragen zu beantworten. Die sind vielleicht eher dazu da die Fragen zu stellen.
Hat man aber nicht eine gewisse Idee? Aber vielleicht ist es ja die Musik, mit der ihr das ausdrückt.
Flavian: Ich glaube das kann man nie ganz trennen. Es wäre falsch, wenn man die Musik und sein Leben trennt. Also ich glaube die Handlungen, die man macht, beeinflussen die Musik und die Musik beeinflusst auch unsere Handlungen in gewissem Sinne. Ich glaube man kann es runter brechen auf uns selbst und – so wie Stef das vorhin gesagt hat – dass er an das Gute im Menschen glaubt. Wie wir miteinander umgehen, das prägt uns als Gesellschaft glaube ich. Da fängt es an. Und die größeren Dinge sind nicht in unseren Händen glaube ich. Das müssen andere mitprägen.
Also dass jeder im Prinzip im Kleinen seinen Teil dazu beiträgt und auch so ein bisschen vorlebt damit es nachher im Großen und Ganzen gut werden kann?
Stefan: Also ich glaube das kann man im Allgemeinen sagen, dass jeder Mensch für sich einen kleinen Teil in der Hand hat, was mit unserem Planeten geschieht und was mit der Menschheit geschieht.
In dem Song „Zeppelins“ geht es um die Beeinflussung durch äußere Erwartungen. Wie glaubt ihr kann man es schaffen den gewählten Weg und somit auch sich selbst treu zu bleiben?
Flavian (lacht): Das hast Du aber sehr gut recherchiert… Jetzt muss ich mir noch mehr Gedanken über meine Songs machen. Ich glaube man muss sich immer wieder Zeit nehmen, um auf sich selbst zu hören, oder auch Ruhe finden um herauszufinden, was man eigentlich will. Ich glaube diese Einflüsse von Außen sind eh immer da. Und Schlussendlich ist die Frage, was wir damit tun, was wir daraus nehmen und was wir umsetzen wollen. Und welche Einflüsse wir für uns nehmen und bei welchen wir sagen „Das will ich jetzt nicht, diesen Weg.“. Aber ich glaube eben, man braucht immer wieder Ruhe und muss sich immer wieder Zeit nehmen, um eben darauf zu hören, was man will, wo es lang geht. Sich diese Zeit und Ruhe auch zu nehmen, empfinde ich als was, das sehr schwierig ist in unserer Zeit. Weil es immer schnell ist und alles voll ist von Informationen und so weiter. Ich muss mir diese Zeit bewusst nehmen. Sonst habe ich sie nicht.
Es ist sicherlich auch für viele Menschen sehr schwierig erstmal an diesen Punkt zu kommen. Dass man eigentlich Zeit für sich braucht, um nicht nur im Äußeren zu leben, sondern wirklich auch mal nach drinnen zu hören, was da eigentlich vor sich geht.
Flavian: Ja. Und ich finde es auch schwierig. Also es ist auch manchmal schwierig auf sich selbst zu hören. Ich erlebe es so.
„We invented Paris“ wurde 2010 gegründet; das erste Album erschien im Folgejahr. Jetzt präsentiert ihr euer zweites Album. Was hat sich in der Zwischenzeit bei euch verändert und wie prägt diese Veränderung das neue Album?
Stefan: Die erste Platte hat Flavian eigentlich als Solo-Künstler zusammen mit dem Produzenten aufgenommen. Die ganze Band ist erst später dazugekommen, um Konzerte zu spielen. Und da hat sich einfach in den letzten 3 Jahren doch sehr viel verändert und entwickelt und wir haben wahnsinnig viel zusammen gespielt. Und so ist auf der neuen Platte ein Stück von jedem drauf.
Flavian: Ja, ich glaube wir haben „We invented Paris“ in den drei Jahren erfunden. Also es hat sich selbst erfunden.
Stefan (lacht): Es hat sich selbst erfunden!
Das ist doch eigentlich auch das Beste, wenn es sich selbst erfindet, oder nicht?
Flavian (lacht): Jaja klar! Das war von Anfang an mein Wunsch, dass sich eben eine Eigendynamik entwickelt. Und die hat sich sehr stark entwickelt, was sehr gut ist. Mit allen Herausforderungen und allen Freuden, die es so mit sich bringt.
Ihr bezeichnet euch ja nicht als „Band“, sondern eher als „Kollektiv“, in dem Menschen aus verschiedenen kreativen Richtungen zusammenkommen. Wie sieht die Arbeit in einem solchen Kollektiv denn praktisch aus? Wie können wir uns das vorstellen?
Stefan: Schön chaotisch.
Flavian: Genau. Die Kommunikation ist nicht immer ganz einfach. Vor allem zwischen Deutschen und Schweizern, weil die Schweizer eher indirekt kommunizieren. Und das ist nicht immer so einfach. Praktisch machen wir das projektweise, dass wir halt konkret an ein Projekt gehen und dann sagen „Okay wer arbeitet mit?“. Und entweder treffen wir uns an einem Ort und arbeiten da daran oder schicken Dinge hin und her. So wie wenn es Grafiken sind, die schicken wir auch oft rum und gären dann darüber. Aber es ist auch nicht etwas Abgeschlossenes. Wir sehen das nicht als „So arbeiten wir und so muss es immer sein“. Sondern wir versuchen halt auch viel und probieren Dinge aus.
Was entsteht Positives durch diese Form der Zusammenarbeit und was ist schwierig dabei?
Stefan: Also schwierig ist sicher das Ganze organisiert zu kriegen, wie wir schon gesagt haben. Und das Schöne daran ist, dass wahnsinnig viele Dinge entstehen, die man alleine nicht machen könnte. Und dass man nicht einfach nur ein Albumdesign in Auftrag gibt und jemand macht das so wie er all seine anderen Dinge macht. Sondern man ist irgendwie zusammen im Team und berät das zusammen. Und ich finde dabei kommt was Schöneres raus.
Also es ist dann die gegenseitige „Befruchtung“?
Flavian: Ja und ich glaube es wird auch nicht so langweilig. Also wir haben nie die Gefahr, dass wir in einen Trott kommen oder so. Sondern es gibt immer genügend Herausforderungen und Dinge.
Und wie entstehen die Ideen für eure Songs?
Flavian: Ganz unterschiedlich. Also jetzt rein musikalisch gesehen, war es jetzt oft so, dass ich die Songs mit Gitarre oder Klavier geschrieben und dann in die Runde gebracht habe. Und jetzt beim zweiten Album haben wir die dann mit Stef und Bruce sozusagen vorproduziert, also arrangiert. Und dann haben wir die auf Tour live gespielt und dort hat es sich auch noch mal entwickelt. Und dann sind wir ins Studio gegangen. Bei anderen Dingen, wie Artwork, da kommt dann der Stefan Fitzner, der die Grafik macht, und spinnt mit Gedanken und Ideen rum. Oder wenn es jetzt auch um Ideen zu Vermarktung und solche Sachen geht, da ist eben unser Manager Julian Butz. Den zählen wir auch als Teil des Kollektivs. Und mit ihm brüte ich oft über Ideen und Sachen.
We Invented Paris, Pass!on Victim Festival, 25.01.2014, Knust Hamburg
Ihr sucht sehr stark die Nähe zum Publikum; setzt euch auf Konzerten oft mitten ins Publikum. Warum ist euch das so wichtig? Wie wird eure Musik hierdurch beeinflusst?
Stefan: Unsere Musik wird dadurch vielleicht nicht unbedingt beeinflusst, aber es gehört einfach dazu. Wir sind ein Stück weit so groß geworden, dass wir vor sehr wenigen Leuten gespielt haben und es hat einfach eine andere Qualität so zu spielen. Und deswegen versuchen wir das bis heute immer, dort wo es geht, zu machen.
Flavian: Ja genau. Diese Zeiten, in denen wir in Wohnzimmern gespielt haben, eben auch jetzt bei größeren Konzerten wieder erlebbar zu machen. Auch so ein bisschen mit dieser Trennung zwischen Bühne und Publikum zu brechen. Ich finde, dass ist immer ein ganz spezieller Moment auf einem Konzert, auch für mich als Künstler. Weil ich die Leute ganz anders angucke. Es ist dann nicht so „Ich bin jetzt da auf der Bühne“, sondern man sieht sich sozusagen auf gleicher Ebene. Das hat was sehr Spezielles.
Die größtmögliche Nähe zum Publikum hattet ihr, wie ihr ja eben auch schon gesagt habt, durch eure Couchsurfing-Tour. Was habt ihr dabei erlebt? Gab es Dinge, die euch besonders beeindruckt haben?
Stefan: Ja, da ist eine ganz große Kiste an bunten Erinnerungen an diese Zeit. Das Beeindruckendste war vielleicht, …aber da war ich selbst gar nicht dabei… (lacht)
Falvian: Nee, das war nicht beeindruckend. Das war einfach abschreckend, gell?
Stefan (lacht): Das war abschreckend!
Flavian: Das muss ich erzählen… Da haben wir nach einem Konzert, das schrecklich war, bei jemandem übernachtet, der über einer Frittenbude gewohnt hat. Und man musste halt durch die Frittenbude, den Kühlschrank zur Seite schieben und dann kam da eine Treppe zum Vorschein, und da konnte man hoch. Und der war leider ein Messi. Und die Wohnung war komplett voll. Wir haben dann noch bis drei Uhr morgens mit einem Staubsauger ein paar Quadratmeter frei gemacht, wo wir unsere Schlafsäcke ausrollen konnten. Und das Schlimmste an der ganzen Sache war, dass er seine Fenster nicht öffnen konnte. Das heißt, die ganze Frischluft kam durch die Frittenbude hoch… also „Frischluft“… Aber sonst war er ein ganz netter Typ, das war ja so das Schlimme an der Sache! Aber es gab auch beeindruckende Momente in dem Sinne, dass wir auch echt überwältigt waren, wie großzügig Menschen zum Teil so sind. Wo ich selbst auch herausgefordert war und mich selbst gefragt hab „Würde ich das selbst machen?“ Wo Leute uns halt ihre Wohnung komplett zur Verfügung gestellt haben oder zu Freunden gegangen sind zum Übernachten, damit wir in ihren Betten schlafen können. Und einfach solche Dinge, die sehr beeindruckend waren und sehr schön. Und auch die Konzerte selbst. Wie sich die Leute Mühe gegeben haben, gekocht haben für uns. Das war schon was sehr Spezielles mit zwanzig Leuten in einem Raum ein Konzert zu spielen.
Habt ihr da dann auch so ein bisschen den Mut und die Hoffnung für das neue Album mitgenommen? Durch diese Nächstenliebe bzw. Gastfreundschaft, die da zutage gefördert wurde?
Flavian: Einerseits denke ich kam das sicher von der Couchsurfing Tour, der Mut. Aber auch grundsätzlich die Zeit danach, wo wir gemerkt haben, dass die Leute das sehr schätzen, was wir tun. Die an unsere Musik glauben oder die an uns glauben, dass wir diesen Weg gehen können als Künstler. Und halt wie immer mehr Leute zu den Konzerten kamen. Das war sehr Mut machend und ich glaube auf jeden Fall schon prägend für dieses zweite Album.
Der Mensch und die Inspiration durch Menschen ist ein wichtiges Thema bei euch. Könnt ihr jeweils einen Menschen nennen, der euch persönlich im besonderen Maße inspiriert hat?
Stefan: Also bei mir ist es definitiv ein Schlagzeuglehrer, bei dem ich vor ein paar Jahren mal Unterricht haben durfte. Der ist ein Jahr, nachdem ich bei ihm war, an Krebs gestorben. Und es war einfach ein wahnsinnig beeindruckender Mensch und Musiker. Und zu sehen, wie er damit umgegangen ist, dass er wusste, sein Körper wird zerfressen. Und was er trotzdem noch aus dem Leben ziehen konnte in der Zeit, die er noch hatte. Das war für mich sehr eindrücklich.
Flavian: Ja, für mich war es ein Freund, den ich in Kanada kennengelernt hatte. Also ich bin mit 19 für sechs Monate nach Kanada gegangen. Und habe da in Winnipeg gelebt. Da hab ich bei Leuten gewohnt, die sich eigentlich bewusst entschieden hatten, in diesen Stadtteil zu ziehen, der eigentlich so ziemlich der schlimmste Stadtteil war. Immer wenn ich Downtown war, haben die Leute gefragt „Was, Du wohnst da?! Das ist doch viel zu gefährlich!“ Aber die haben sich eben bewusst entschieden dort zu leben. Mit Prostituierten und Drogensüchtigen und so weiter, ihren Alltag zu teilen und ihr Haus aufzumachen. Und die waren halt da fürs Abendessen und sind immer wieder gekommen. Und das hat mich stark beeindruckt, weil die gesagt haben „Hey, jeder hat eine Sucht, jeder hat ein Problem. Ob das jetzt offensichtlich ist, wie bei einem Drogensüchtigen. Oder bei jemanden, bei dem alles normal aussieht und es halt nicht so ist.“ Das hat mich sehr geprägt. In der Zeit habe ich mich auch entschieden, voll auf Musik zu setzen, und die haben mich sehr in diese Richtung gepusht. Auch habe ich das kanadische Songwriter-Dasein kennengelernt.
Ja cool! Sehr schöne Sachen auf jeden Fall! Mit welchem Künstler würdet ihr gerne zusammen ein Projekt machen?
Flavian: Mit Georges Méliès, wenn er noch leben würde….
Stefan: Genau… Mit Oliviero Toscani, italienischer Fotograf. Der ist berühmt für die Benetton-Plakate. Das wär mal was.
Flavian: Aber ich schätze es eigentlich eben auch mit Künstlern zusammenzuarbeiten, die noch nicht erfolgreich und berühmt und so sind. Weil wir da irgendwie auf der gleichen Ebene arbeiten und man noch gemeinsam diesen Weg vom Künstlerdasein geht. Und das eben zu schaffen, das man davon sein Lebensunterhalt bestreiten kann. Da kann man sich oft viel teilen.
Das Jahr ist noch jung – was habt ihr euch für 2014 vorgenommen bzw. worauf freut ihr euch?
Flavian: Also ich freue mich riesig darauf einfach unglaublich tolle Konzerte zu spielen. Auch wieder neue Songs zu schreiben für das dritte Album.
Stefan: Ja das ist genau das Ding. Wir haben letztes Jahr sehr viel in der stillen Kammer gearbeitet und das ist immer schön, wenn man damit wieder rausgehen und spielen kann. Darauf freuen wir uns riesig!
Da ihr ja Assoziationen so gerne mögt, haben wir uns gedacht, dass wir euch drei Begriffe nennen und ihr was Schönes daraus macht. Wir haben gedacht, die drei Begriffe passen ganz gut zu euch und ihr könnt was damit anfangen. Die Begriffe lauten: Freiheit – Wirklichkeit – Mensch.
Flavian (lacht): Da habt Ihr euch ja was „einfaches“ ausgedacht. … Da fordert ihr uns aber heraus!
Flavian und Stefan nehmen sich drei Blätter, Stifte und das ein oder andere Hilfsmittel, und erstellen zu jedem Begriff ein Bild:
Das Interview führte Veronika Reichel. Die Fotos sind von Stefan Simrock.
Wir bedanken uns bei Anke Baumann von Revolver Promotion für ihre Unterstützung!
